El nominado al Oscar, Tom Cruise y Emily Blunt, protagonizan en el thriller de ciencia ficción de Warner Bros. Al Filo del Mañana bajo la dirección de Doug Liman.
SINOPSIS
La historia se desarrolla en un futuro cercano en el que una raza alienígena tipo colmena, llamada Mimics, ha llegado a la Tierra realizando continuas agresiones, reduciendo a escombros grandes ciudades y dejando millones de víctimas humanas a su paso. Ningún ejército del mundo puede hacer frente a la velocidad, brutalidad o clarividencia de los militarizados combatientes Mimic o de sus telepáticos comandantes. Pero ahora los ejércitos del mundo han unido sus fuerzas para realizar una ofensiva de largo alcance contra las hordas alienígenas, sin que haya una segunda oportunidad.
El Teniente Coronel Bill Cage (Cruise) es un oficial que nunca ha visto un día de combate cuando es degradado sin ceremonia alguna y después asignado – sin entrenamiento y sin un buen equipamiento – a lo que equivale a poco más que una misión suicida. Cage muere en unos minutos, consiguiendo llevarse a un Alpha con él. Pero, de manera increíble, se despierta al comienzo del mismo día y se ve obligado a combatir y morir de nuevo... una y otra vez. El contacto físico directo con el alienígena le ha hecho entrar en un bucle temporal, condenándole a vivir el mismo y brutal combate una y otra vez.
Pero cada vez Cage se hace más fuerte, inteligente y capacitado para enfrentarse a los Mimics con creciente habilidad, junto con la guerrera de las Fuerzas Especiales Rita Vrataski (Blunt), que ha vencido a más Mimics que ninguna otra persona en la Tierra. Mientras Cage y Rita luchan contra los alienígenas, cada una de las batallas repetidas se convierte en una oportunidad para encontrar la clave para aniquilar a los alienígenas y salvar la Tierra.
TOM CRUISE RETOMA LA CIENCIA FICCIÓN
¿Qué pasaría si en medio de una guerra entre humanos y extraterrestres una persona tuviera la capacidad de “reiniciar” su día tras morir? Posiblemente se convertiría en un arma poderosa para combatir a los enemigos y podría salvar a la humanidad de su aniquilación. Ésta es la premisa de la nueva película de Tom Cruise, Al filo del mañana, donde el actor interpreta a un soldado que puede cambiar el curso de la historia cada vez que se “resetea” después de perder la vida.
A sólo un año del debut de Oblivion, el actor regresa a la ciencia ficción con esta cinta del director Doug Liman, basada en la novela “All you need is kill”, de Hiroshi Sakurazaka (2004). Aquí el actor juega el rol de un héroe poco convencional: Su personaje, Cage, no es seguro de sí mismo, no es el más fuerte de su grupo y además necesita la ayuda de una soldado mucho más ruda que él, Rita, interpretada por la británica Emily Blunt.
La actriz, cuyo pasado está ligado mayoritariamente a películas familiares y dramas, ahora profundiza en el género con el papel de una despiadada y fría soldado que tiene la responsabilidad de orientar a Cage cuando él descubre sus poderes, debido a que ella también los tuvo en el pasado.
miércoles, 28 de mayo de 2014
domingo, 25 de mayo de 2014
Tarantino cree que Almodóvar aún no ha hecho su mejor película
Francia, (Agencias).- Han pasado 20 años desde que un tipo hiperactivo con apellido italiano cambiara la historia del cine. Una simple y contundente ‘peineta’ y ya nada volvería a ser igual. Subía a recoger la Palma de Oro y ante el primer amago de abucheo, su dedo anular (¿o era el corazón?) se alzó (o, dada la impresión causada, se ‘alzuvo’). Poco después, ‘Pulp fiction’ (era ella) cuadraba un círculo: nunca antes una producción independiente había arrasado en taquilla. Con su relato fracturado, sus diálogos explosivos y su celebración desinhibida de la cultura pop, se convirtió en la primera cinta producida lejos de los grandes estudios que sobrepasaba la barrera de los 100 millones de recaudación.
“Hago el cine que me gusta. Lo hago exclusivamente para mí. Estoy convencido de que si viera por primera vez ‘Pulp fiction’ me encantaría. No entiendo a los directores que dicen que no pueden o no quieren vovler a ver lo que han hecho. Yo lo hago constantemente. Y me gusto. Es más, la versión de mis películas que me gusta es la que se ha estrenado. Jamás haré una versión del director”, soltó a bocajarro en una rueda de prensa que más parecía una convención de ‘fans’ del director de Knoxville. Quentin Tarantino, de él hablamos.
Y hasta ahora. Quentin Tarantino desembarcó en Cannes con la intención declarada de celebrarse a sí mismo. De eso, de presentar la restauración de ‘Por un puñado de dólares’, de Sergio Leone, y, ya puestos, de recordarnos que ‘Pulp fiction’ sigue ahí. Tan intacta como la propia pasión de su director por el celuloide. Y no es metonímia. Tarantino ama, por encima incluso del cine, el material analógicamente perfecto del celuloide. “El digital está acabando con el cine; es su muerte. Está bien para empezar. Un móvil, una cámara digital... que más da. Pero no entiendo por qué mierda un director establecido se empeña en usarlo”, dice y lo dice dos veces más rápido que respira.
“ES COMO VER LA TELE EN GRUPO”
¿Qué le parece que todas las proyecciones de Cannes sean digitales? “Mal. Eso es la prueba de que la guerra está perdida. Pero no tiene sentido: es como ver la tele en grupo. No lo entiendo. Sinceramente, creo que no hay esperanza para esta generación, pero quizá la próxima exija verdadero cine. Quizá sean más inteligentes”. Queda claro.
Cuenta Tarantino que el movimiento perpetuo existe. En realidad no lo cuenta, lo ejemplifica al avanzar alguno de sus proyectos futuros. En concreto, un guión que podría convertir en película, libro u obra de teatro. “O todo a la vez”, añade. Eso y una teleserie que montaría a partir de lo rodado y no editado de ‘Django desencadenado’. “Tengo como 90 minutos que no se han visto y mi idea es hacer una edición de cuatro horas, pero no como una película, sino en capítulos de una hora”, dice Tarantino, se toma un segundo y sigue: “Es curioso que el público sea reacio a ver una cinta de cuatro horas y que consuman cuatro capítulos de una hora sin pestañear”. Y ríe. Y con él toda la sala.
¿Qué cine le parece más interesante del que se hace ahora? Hay preguntas que, según a quién se formulen, suenan a provocación. Esta es una. “Un grupo de amigos jugamos a hacer listas de los directores más apasionantes, aquellos que aún no han hecho su mejor película. En todas están siempre los nombres de David Fincher y Ricard Linklater... Personalmente, no entiendo que no esté también el de Almodóvar”. Cerrada ovación.
Última pregunta. ¿Y qué supuso para usted la Palma de Oro? “Sólo diré una cosa: lo único más prestigioso que la lista de directores que la han ganado es la lista de los que no la han ganado”. Otra ‘peineta’. Tarantino perfectamente igual a sí mismo.
“Hago el cine que me gusta. Lo hago exclusivamente para mí. Estoy convencido de que si viera por primera vez ‘Pulp fiction’ me encantaría. No entiendo a los directores que dicen que no pueden o no quieren vovler a ver lo que han hecho. Yo lo hago constantemente. Y me gusto. Es más, la versión de mis películas que me gusta es la que se ha estrenado. Jamás haré una versión del director”, soltó a bocajarro en una rueda de prensa que más parecía una convención de ‘fans’ del director de Knoxville. Quentin Tarantino, de él hablamos.
Y hasta ahora. Quentin Tarantino desembarcó en Cannes con la intención declarada de celebrarse a sí mismo. De eso, de presentar la restauración de ‘Por un puñado de dólares’, de Sergio Leone, y, ya puestos, de recordarnos que ‘Pulp fiction’ sigue ahí. Tan intacta como la propia pasión de su director por el celuloide. Y no es metonímia. Tarantino ama, por encima incluso del cine, el material analógicamente perfecto del celuloide. “El digital está acabando con el cine; es su muerte. Está bien para empezar. Un móvil, una cámara digital... que más da. Pero no entiendo por qué mierda un director establecido se empeña en usarlo”, dice y lo dice dos veces más rápido que respira.
“ES COMO VER LA TELE EN GRUPO”
¿Qué le parece que todas las proyecciones de Cannes sean digitales? “Mal. Eso es la prueba de que la guerra está perdida. Pero no tiene sentido: es como ver la tele en grupo. No lo entiendo. Sinceramente, creo que no hay esperanza para esta generación, pero quizá la próxima exija verdadero cine. Quizá sean más inteligentes”. Queda claro.
Cuenta Tarantino que el movimiento perpetuo existe. En realidad no lo cuenta, lo ejemplifica al avanzar alguno de sus proyectos futuros. En concreto, un guión que podría convertir en película, libro u obra de teatro. “O todo a la vez”, añade. Eso y una teleserie que montaría a partir de lo rodado y no editado de ‘Django desencadenado’. “Tengo como 90 minutos que no se han visto y mi idea es hacer una edición de cuatro horas, pero no como una película, sino en capítulos de una hora”, dice Tarantino, se toma un segundo y sigue: “Es curioso que el público sea reacio a ver una cinta de cuatro horas y que consuman cuatro capítulos de una hora sin pestañear”. Y ríe. Y con él toda la sala.
¿Qué cine le parece más interesante del que se hace ahora? Hay preguntas que, según a quién se formulen, suenan a provocación. Esta es una. “Un grupo de amigos jugamos a hacer listas de los directores más apasionantes, aquellos que aún no han hecho su mejor película. En todas están siempre los nombres de David Fincher y Ricard Linklater... Personalmente, no entiendo que no esté también el de Almodóvar”. Cerrada ovación.
Última pregunta. ¿Y qué supuso para usted la Palma de Oro? “Sólo diré una cosa: lo único más prestigioso que la lista de directores que la han ganado es la lista de los que no la han ganado”. Otra ‘peineta’. Tarantino perfectamente igual a sí mismo.
Bellott inicia productora internacional en EEUU
El anuncio fue hecho esta semana en la revista especializada en cultura y espectáculos estadounidense Variety: el director boliviano Rodrigo Bellott, junto al productor de cine Rodrigo A. Orozco y el mánayer y productor musical Alessandro Lo Savio, comenzará a trabajar juntos con la productora fílmica Bolivian Bold USA, con base en Nueva York.
La nota dice que Bolivian Bold se enfocará en “proyectos en lengua inglesa que sean diferentes, irreverentes, únicos e inteligentes”. Bellott comentó que el trato fue cerrado en Cannes, donde fue a presentar su cortometraje Unicornio. Anunciará sus dos primeros proyectos en el Festival de Toronto
Carla Ortiz De actriz a productora, su nuevo desafío
Carla Ortiz, la actriz boliviana con 16 años de experiencia en ese oficio a escala internacional, se estrena como productora con la cinta Olvidados, la misma que se presentará en julio de este año. La historia narra el terror vivido en las dictaduras militares de los años 70 sucedidas en Sudamérica; Carla se plantea desde la producción ayudar a que los talentos bolivianos cumplan sus sueños y, paralelamente, dar a conocer la belleza del país.
El nuevo oficio le trae más proyectos; además de promocionar Olvidados, está trabajando en el guion de La Chaskañawi, la novela de Carlos Medinaceli, que está seleccionada entre los 11 libros más importantes de la historia boliviana. Le impresionó el tema de la reivindicación de la mujer de pollera y ya tiene permisos importantes para hacer la filmación en Tarija, además se encuentra conversando con actores para definir a los protagonistas de la cinta.
El segundo proyecto en el que trabaja como productora es la película sobre Juana Azurduy de Padilla, cuyo guion está en marcha y ya tiene estrellas de Hollywood comprometidas para trabajar. “Quiero que sea una película épica, gigante, algo así como Juana de Arco, que cuando digas Juana Azurduy sea la segunda mujer sobre la cual se ha hecho una película en la historia del mundo del cine como una heroína”, dijo Carla, que paralelamente trabaja con el boliviano Reynaldo Pacheco coproduciendo y coescribiendo una serie de televisión, y en agosto empieza a filmar una película de producción salvadoreña y mexicana.
Los retos
Por continuar con la producción de su cinta y de los nuevos proyectos que tiene encima ha tenido que rechazar actuar en cinco películas de producciones colombiana, venezolana y estadounidense. Asegura que es muy difícil escoger entre la producción y la actuación; ama actuar y es la carrera que le ha abierto muchas puertas, pero en el momento en que se pone la camiseta de productora se dedica solamente a eso, influye hasta en su forma de vestir donde se evidenció en las fotografías de archivo de la producción de Olvidados, que se encontraba con una onda mucho más bohemia, con una cola en el cabello, sin maquillaje y sin tacones.
En el nuevo oficio
Consciente de que es una carrera de varones, de mucho trabajo y de jerarquías, sabe que debe hacer su camino para cumplir la idea con la que soñó por mucho tiempo. “Al principio no me aceptaban (como productora), sin embargo tienes que aprender a valorarte. Me han tomado exámenes muy duros, pero lo agradezco porque solo así se aprende”, puntualizó Ortiz, que asegura que gracias a la producción se siente más persona, comenzó a revalidar sus prioridades y renfocó sus energías
El nuevo oficio le trae más proyectos; además de promocionar Olvidados, está trabajando en el guion de La Chaskañawi, la novela de Carlos Medinaceli, que está seleccionada entre los 11 libros más importantes de la historia boliviana. Le impresionó el tema de la reivindicación de la mujer de pollera y ya tiene permisos importantes para hacer la filmación en Tarija, además se encuentra conversando con actores para definir a los protagonistas de la cinta.
El segundo proyecto en el que trabaja como productora es la película sobre Juana Azurduy de Padilla, cuyo guion está en marcha y ya tiene estrellas de Hollywood comprometidas para trabajar. “Quiero que sea una película épica, gigante, algo así como Juana de Arco, que cuando digas Juana Azurduy sea la segunda mujer sobre la cual se ha hecho una película en la historia del mundo del cine como una heroína”, dijo Carla, que paralelamente trabaja con el boliviano Reynaldo Pacheco coproduciendo y coescribiendo una serie de televisión, y en agosto empieza a filmar una película de producción salvadoreña y mexicana.
Los retos
Por continuar con la producción de su cinta y de los nuevos proyectos que tiene encima ha tenido que rechazar actuar en cinco películas de producciones colombiana, venezolana y estadounidense. Asegura que es muy difícil escoger entre la producción y la actuación; ama actuar y es la carrera que le ha abierto muchas puertas, pero en el momento en que se pone la camiseta de productora se dedica solamente a eso, influye hasta en su forma de vestir donde se evidenció en las fotografías de archivo de la producción de Olvidados, que se encontraba con una onda mucho más bohemia, con una cola en el cabello, sin maquillaje y sin tacones.
En el nuevo oficio
Consciente de que es una carrera de varones, de mucho trabajo y de jerarquías, sabe que debe hacer su camino para cumplir la idea con la que soñó por mucho tiempo. “Al principio no me aceptaban (como productora), sin embargo tienes que aprender a valorarte. Me han tomado exámenes muy duros, pero lo agradezco porque solo así se aprende”, puntualizó Ortiz, que asegura que gracias a la producción se siente más persona, comenzó a revalidar sus prioridades y renfocó sus energías
‘Fango’: El ‘cine bruto’
En primer lugar, la formación de un grupo de heavy metal que busca combinar los sonidos típicos de este género musical con el tango argentino; en segundo lugar, una intrincada trama de celos y adulterios que tiene como eje central a la esposa de uno de los integrantes de la banda.
En el filme, José Campusano se afianza en una estética que el propio director ha denominado como “cine bruto”. Cada uno de los actores se personifica a ellos mismos, pero aquí la novedad reside en que los protagonistas no representan a su vez un grupo social más amplio (como sucede, por ejemplo, en el cine latinoamericano, en donde el campesino que actúa, en realidad representa a todos los campesinos). De ahí que los personajes de Campusano, si bien en general hacen parte de grupos marginados o de tribus urbanas (como los metaleros o los motociclistas), son arquetípicos, inéditos.
El cineasta se ha ocupado en escoger a actores con personalidades muy fuertes y es justamente este aspecto del film que permite comprender a cabalidad el concepto de “cine bruto”. Los protagonistas, en muchos casos, son bruscos, incapaces de comunicarse, o lo hacen a partir de ciertos rituales de comunicación que parecen exagerados y son en general violentos.
Pero el carácter de los personajes también influye en los elementos estéticos. Campusano filma a sus personajes con una enorme crudeza: no son idealizados, pero tampoco son menospreciados por sus dudosas acciones. Es un cine efectivamente desprolijo, brusco en su lenguaje cinematográfico, pero es gracias a esto que Campusano llega a encontrar una estética sumamente realista.
El misterio del código “A-113” en películas
Forma imperceptible repetición constante
La misteriosa combinación de números y letras A113 que ha estado apareciendo en varias películas
de Pixar por más de una década, es un tema bien conocido para las personas que trabajan en la industria de la animación.
El secreto detrás del código, que hizo sus apariciones en diversas formas en la trilogía de Toy Story, Buscando a Nemo, Bichos, Arriba, Valiente, así como programas de dibujos animados como Los Simpsons y American Dad; incluso en películas de acción como Los juegos del hambre: en llamas, es una broma intencional dentro los filmes.
Resulta que A113 es el número de un salón de clases en el afamado Instituto de Artes de California, en el cual la primera generación de animadores estudió diseño gráfico y animación de personajes.
Entre los exalumnos destacados que alguna vez engalanaron los pasillos de CalArts y se sentaron en esa habitación de fábulas está John Lasseter, director creativo de Pixar y Walt Disney Animation Studios.
“Es una de esas pequeñas cosas que tienes que buscar ", dijo Lasseter en 2009 en referencia a la A113.
El director Brad Bird, creador de Los Increíbles y Ratatouille para el estudio, fue el primero en plantar el A113 como un huevo de Pascua (un mensaje secreto) en 1987 en Historias increíbles en tributo a su alma mater.
De acuerdo a una página Wiki dedicada al A113, el código ha aparecido en al menos 45 caricaturas, películas e incluso juegos de vídeo.
Si puedes ver el código A113 en un espectáculo o una película de animación, significa que alguien de CalArts ha jugado un papel importante en su realización.
Bird dijo de A113: “lo pongo en cada una de mis películas, incluyendo mis episodios de los Simpsons”.
Incluso en Twitter Bird tiene el número mágico: BradBirdA113.
El número se ha vuelto tan omnipresente que, fiel a su estilo, Disney Pixar produjo hace unos años un corto de animación para explicar el significado de la A113.
Más allá de las películas de la productora Pixar, los huevos de Pascua o mensajes visuales secretos han aparecido en Terminator: la salvación, Misión Imposible; incluso en “La princesa y el sapo”.
CalArts es una universidad privada ubicada en Valencia, California, que fue la creación del hombre más visionario de la animación del mundo, Walt Disney.
La lista de la escuela de los exalumnos muestra quién es quién en la animación estadounidense, entre ellos están Glen Keane, Lasseter de Pixar y Bird, Tim Burton y Henry Selick, por nombrar algunos.
El exalumno más reciente de CalArts que logró la fama es Chris Buck, quien ganó un Oscar por Frozen a principios de este año.
Según CalArts, desde 1985, los directores que se graduaron de la institución han generado la sorprendente cifra de 30 billones de dólares de recaudación en taquilla.
En 2014, CalArts, solidificó su reputación como cuna de la creatividad cuando ocupó el puesto N º 1 de la universidad en los EEUU para los estudiantes en el campo de la animación y diseño gráfico.
La misteriosa combinación de números y letras A113 que ha estado apareciendo en varias películas
de Pixar por más de una década, es un tema bien conocido para las personas que trabajan en la industria de la animación.
El secreto detrás del código, que hizo sus apariciones en diversas formas en la trilogía de Toy Story, Buscando a Nemo, Bichos, Arriba, Valiente, así como programas de dibujos animados como Los Simpsons y American Dad; incluso en películas de acción como Los juegos del hambre: en llamas, es una broma intencional dentro los filmes.
Resulta que A113 es el número de un salón de clases en el afamado Instituto de Artes de California, en el cual la primera generación de animadores estudió diseño gráfico y animación de personajes.
Entre los exalumnos destacados que alguna vez engalanaron los pasillos de CalArts y se sentaron en esa habitación de fábulas está John Lasseter, director creativo de Pixar y Walt Disney Animation Studios.
“Es una de esas pequeñas cosas que tienes que buscar ", dijo Lasseter en 2009 en referencia a la A113.
El director Brad Bird, creador de Los Increíbles y Ratatouille para el estudio, fue el primero en plantar el A113 como un huevo de Pascua (un mensaje secreto) en 1987 en Historias increíbles en tributo a su alma mater.
De acuerdo a una página Wiki dedicada al A113, el código ha aparecido en al menos 45 caricaturas, películas e incluso juegos de vídeo.
Si puedes ver el código A113 en un espectáculo o una película de animación, significa que alguien de CalArts ha jugado un papel importante en su realización.
Bird dijo de A113: “lo pongo en cada una de mis películas, incluyendo mis episodios de los Simpsons”.
Incluso en Twitter Bird tiene el número mágico: BradBirdA113.
El número se ha vuelto tan omnipresente que, fiel a su estilo, Disney Pixar produjo hace unos años un corto de animación para explicar el significado de la A113.
Más allá de las películas de la productora Pixar, los huevos de Pascua o mensajes visuales secretos han aparecido en Terminator: la salvación, Misión Imposible; incluso en “La princesa y el sapo”.
CalArts es una universidad privada ubicada en Valencia, California, que fue la creación del hombre más visionario de la animación del mundo, Walt Disney.
La lista de la escuela de los exalumnos muestra quién es quién en la animación estadounidense, entre ellos están Glen Keane, Lasseter de Pixar y Bird, Tim Burton y Henry Selick, por nombrar algunos.
El exalumno más reciente de CalArts que logró la fama es Chris Buck, quien ganó un Oscar por Frozen a principios de este año.
Según CalArts, desde 1985, los directores que se graduaron de la institución han generado la sorprendente cifra de 30 billones de dólares de recaudación en taquilla.
En 2014, CalArts, solidificó su reputación como cuna de la creatividad cuando ocupó el puesto N º 1 de la universidad en los EEUU para los estudiantes en el campo de la animación y diseño gráfico.
ROBERTO MILáN/// A POCAS SEMANAS DE ESTRENAR LA PELíCULA INDEPENDIENTE “EL CUARTO”
Hace pocas semanas que el tráiler de la película “El Cuarto” salió a la luz y a partir de entonces se ha creado expectativa del estreno de la película.
El interés generado no sólo es a nivel nacional, sino también internacional, por la temática y sus protagonistas. Hablar abiertamente de la explotación sexual aún tiene sus tabúes, explica el productor de la película Roberto Milán.
En esta oportunidad Milán habla acerca de su trabajo, de las metas propuesta como producción independiente y de la repercusión que quiere lograr.
¿De qué trata el filme El Cuarto?
Roberto Milán (RM): la película cuenta la historia de una argentina que emigra a Bolivia con inocentes intenciones de crecimiento, pero que por obra del destino, deviene en la triste vida de una chica a la cual sus deseos, sueños y ambiciones le son hurtados con absoluta celeridad.
¿Cuándo nació este proyecto?
RM: el proyecto comienza con la creación del libreto. El guión fue escrito por mi hermano Juan Pablo y aborda el tema de la prostitución en Bolivia, inspirado en las denuncias que salían a la luz pública. Especialmente de aquellas mujeres que llegan del exterior.
El film cuenta la historia de una argentina que emigra a Bolivia con inocentes intenciones de crecimiento pero que, por obra del destino, deviene en la triste vida de una chica a la cual sus deseos, sueños y ambiciones le son hurtados con absoluta celeridad.
¿La producción del filme es nacional o hay participación extranjera?
Apenas el proyecto salió a la luz, varias empresas vinculadas a la cinematografía se interesaron mucho en la historia. Es así como se lograron alianzas importantes de coproducción con Argentina, España y Estados Unidos.
Por un lado, la parte actoral con la Argentina. Una productora española se encarga de la post producción y una otra norteamericana se está encargando de ponerle toda la banda sonora.
Entonces estamos hablando de una producción nacional independiente con coproducciones internacionales.
Esta es una de las razones por las que se está planificando presentar el film no solo en Sudamérica sino también en Europa y los
Estados Unidos.
¿Cuándo será la premiere?
En realidad aún no se tiene fecha exacta de estreno, porque aún estamos negociando los porcentajes
de ganancia con las salas de exhibición en el extranjero.
Y además que se está perfilando su participación en festivales internacionales, que tienen algunos requisitos, por ejemplo la premier del film durante el festival.
Además que estamos planificando un estreno internacional, es decir que sea lanzado el mismo día en diferentes salas de exhibición.
¿Por qué se ha asumido esta decisión?
Es que tenemos que luchar contra la piratería. Al ser un país con muchas debilidades en el tema de cuidado y preservación de la propiedad intelectual, pueden piratear el film y mermar la presencia de cinéfilos en las salas de cine.
Por suerte no tenemos este problema en Norteamérica y Europa, pero a nivel latinoamericano tenemos que cuidar nuestro trabajo.
¿Cuáles serán las sorpresas en el estreno? Tenemos algunas sorpresas escondidas bajo la manga (risas), creo que podemos adelantar que
el elenco principal llegará nuevamente a esta ciudad.
La argentina Andrea Rincón, personaje central
de la película El Cuarto, está ansiosa por volver a Cochabamba porque le gustó mucho. Así que sólo queda esperar.
El interés generado no sólo es a nivel nacional, sino también internacional, por la temática y sus protagonistas. Hablar abiertamente de la explotación sexual aún tiene sus tabúes, explica el productor de la película Roberto Milán.
En esta oportunidad Milán habla acerca de su trabajo, de las metas propuesta como producción independiente y de la repercusión que quiere lograr.
¿De qué trata el filme El Cuarto?
Roberto Milán (RM): la película cuenta la historia de una argentina que emigra a Bolivia con inocentes intenciones de crecimiento, pero que por obra del destino, deviene en la triste vida de una chica a la cual sus deseos, sueños y ambiciones le son hurtados con absoluta celeridad.
¿Cuándo nació este proyecto?
RM: el proyecto comienza con la creación del libreto. El guión fue escrito por mi hermano Juan Pablo y aborda el tema de la prostitución en Bolivia, inspirado en las denuncias que salían a la luz pública. Especialmente de aquellas mujeres que llegan del exterior.
El film cuenta la historia de una argentina que emigra a Bolivia con inocentes intenciones de crecimiento pero que, por obra del destino, deviene en la triste vida de una chica a la cual sus deseos, sueños y ambiciones le son hurtados con absoluta celeridad.
¿La producción del filme es nacional o hay participación extranjera?
Apenas el proyecto salió a la luz, varias empresas vinculadas a la cinematografía se interesaron mucho en la historia. Es así como se lograron alianzas importantes de coproducción con Argentina, España y Estados Unidos.
Por un lado, la parte actoral con la Argentina. Una productora española se encarga de la post producción y una otra norteamericana se está encargando de ponerle toda la banda sonora.
Entonces estamos hablando de una producción nacional independiente con coproducciones internacionales.
Esta es una de las razones por las que se está planificando presentar el film no solo en Sudamérica sino también en Europa y los
Estados Unidos.
¿Cuándo será la premiere?
En realidad aún no se tiene fecha exacta de estreno, porque aún estamos negociando los porcentajes
de ganancia con las salas de exhibición en el extranjero.
Y además que se está perfilando su participación en festivales internacionales, que tienen algunos requisitos, por ejemplo la premier del film durante el festival.
Además que estamos planificando un estreno internacional, es decir que sea lanzado el mismo día en diferentes salas de exhibición.
¿Por qué se ha asumido esta decisión?
Es que tenemos que luchar contra la piratería. Al ser un país con muchas debilidades en el tema de cuidado y preservación de la propiedad intelectual, pueden piratear el film y mermar la presencia de cinéfilos en las salas de cine.
Por suerte no tenemos este problema en Norteamérica y Europa, pero a nivel latinoamericano tenemos que cuidar nuestro trabajo.
¿Cuáles serán las sorpresas en el estreno? Tenemos algunas sorpresas escondidas bajo la manga (risas), creo que podemos adelantar que
el elenco principal llegará nuevamente a esta ciudad.
La argentina Andrea Rincón, personaje central
de la película El Cuarto, está ansiosa por volver a Cochabamba porque le gustó mucho. Así que sólo queda esperar.
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