Video Piedra Papel y Tinta 15 de Junio: Se viene Mi Socio 2.0

Hermanos Russo: “Endgame es una película catártica y poderosa”

En Avengers: Endgame, sus directores Anthony y Joe Russo dijeron que esta película “catártica y poderosa” es el “capítulo final” de la fase 3 del Universo Cinematográfico de Marvel.

El pasado de los personajes será clave en Endgame como demuestran los flashbacks de los tráilers y como dejan entrever los Russo, quienes afirman que en este filme no se centran “en absoluto” en mostrar el futuro como se ha hecho en otras entregas anteriores. “Solo miramos atrás, a todo lo que hemos recorrido”, apunta Anthony.

Aunque los directores no han querido revelar nada sobre el argumento, creen que la cinta número 22 de los estudios Marvel “no defraudará a la audiencia” porque su conclusión y las emociones que aparecen en ella son “muy poderosas”.

DIFÍCIL DECISIÓN: QUÉ SUPERHÉROES SOBREVIVEN

En su estreno el año pasado, el final de Avengers: Infinity War no dejó indiferente a los fans: varios Avengers se convirtieron en polvo y Thanos se proclamaba vencedor tras reunir en el guantelete las seis Gemas del Infinito (Espacio, Tiempo, Alma, Poder, Mente y Realidad).

En esta película, que fue la primera que los Russo hicieron sobre estos superhéroes, los hermanos tuvieron que replantearse seriamente cuáles permanecían y cuáles se evaporaban.

“Había que pensar hacia dónde queríamos dirigir la trama para que fuera una historia funcional y, sobre todo, tuvimos que decidir qué personajes eran centrales en los acontecimientos”, relata Joe Russo.

El principio del fin que se gestó en Infinity War se desarrollará en Avengers: Endgame, donde los directores han dedicado especial importancia al punto de vista y las emociones de los superhéroes después de que Thanos (Josh Brolin) hiciera desaparecer a la mitad de las criaturas de la galaxia.

FUENTE: EFE

Video Piedra, Papel y Tinta 12 de Ene: Cine Boliviano

Video Director Marcos Loayza nos habla de sus nuevas producciones y la Ley de Cine

Después de Sanjinés: Una década de cine boliviano (2009-2018)

He reunido en un libro de próxima aparición mis reseñas y artículos sobre cine boliviano de la última década, un periodo que coincide con el de la apurada deriva reaccionaria del proceso de cambio (2006-?). Al releer estos textos como si fueran de otra persona, me he preguntado lo siguiente: Además de compartir el mismo tiempo de monstruos, ¿hay algo que confiera a este cine un aire de familia?

1. El cine boliviano nunca ha logrado exceder las glorias y desgracias de su sistema artesanal de producción. Aquí cada cual hace su película como puede y según los modos que las condiciones y los auspicios le permiten. En parte, estas fragilidades de la práctica explican que el cine boliviano sea un “cine de autor”: es decir, cine en que el autor decide casi todo, aunque esa libertad la ejerza en circunstancias que no son de su elección.

2. Para bien y para mal, a esa diversidad de modos de hacer cine corresponde una aparente diversidad de horizontes estéticos. En estos últimos diez años hemos visto, por ejemplo, comedias “típicas” varias (que, en algunos casos, son vehículo de una vulgaridad sin límites); correctas películas de género con poca plata (y, con frecuencia, pocas ideas); curiosos relatos épico-históricos (demasiado cercanos a los fastos escolares y cívicos); exploraciones personales e intimistas (tal vez resignadas a su divorcio del público); cine-arte trucho (que finge profundidades que no tiene); no pocos modestos hallazgos parciales (en los lugares menos pensados); cine amateur (en ocasiones más interesante que el profesional); dos o tres documentales desinformados (que documentan no mucho más que la voluntad de “hacer cine”); y un buen número de películas que imitan al pie de la letra esto y aquello (aunque a menudo sin saber que son una imitación de esto o de aquello o simplemente satisfechas de imitar bien).

3. Más allá de las debilidades que a veces lo distinguen (nuestras consuetudinarias impericias narrativas, por ejemplo), el cine boliviano parece hoy organizado según dos impulsos o inclinaciones dominantes: a) no pocas películas –en diversos géneros y tonos– buscan el costumbrismo social; b) otras, tampoco pocas, ensayan su versión de una estética autorial de la reticencia narrativa (que abunda en los predios institucionales de la cinefilia).

4. El costumbrismo social de buena parte del cine boliviano de la última década –que prolonga un registro inaugurado por Chuquiago de Eguino y Mi socio de Agazzi– se desentiende, por lo general, de la sobriedad: es exuberante y copioso (en contraste con el controlado y parco costumbrismo del cine chileno, argentino o peruano recientes; o de las películas de Eguino y Agazzi mencionadas). Si muy diverso en sus fórmulas genéricas y en sus resultados, el impulso que lo anima es el mismo: mostrar “cómo es” una cultura urbana o rural específica y local, en variantes que conducen al realismo mágico andino (Averno de Loayza o Pacha de Ferreiro), a la farsa erótica camba (El pecado de la carne de Serrano o Mi prima la sexóloga de Chávez), al exploratorio turismo plurimulti (Søren e Ivy Maraey de Valdivia), a la comedia de enredos a la tarijeña (La huerta de Ayala), al cine negro cholo-paceño (Muralla de Patiño o Lo peor de los deseos de Araya), al cine amateur y participativo (Pandillas en El Alto de Conde o Así es la vida de Aquino).

5. Lo que aquí llamo cine reticente quiere construirse, en cambio, como si fuera un rechazo deliberado de las frontalidades del relato clásico. Un rechazo que es, en sus costumbres formales, peligrosamente reconocible a primera vista: la tendencia a las elipsis narrativas (en relatos armados a partir de silencios y vacíos de información), la preferencia casi reglamentaria por los tiempos de la toma larga (tomas que se toman su tiempo hasta la exasperación), cierto experimentalismo o curiosidad fotográfica constantes, la fascinación con planos y angulaciones no rutinarias. Y es también recurrente en este cine la decisión de acercarse a sus preocupaciones políticas –pues, como el costumbrismo social, el reticente también es un cine político– según rodeos e indirecciones, con cautela, como si la historia y sus violencias solo pudieran ser representadas por lo que dejan atrás, por los traumas no declarados, por los daños que se intentan olvidar inútilmente.

6. Toda una generación de cineastas jóvenes (hoy menores de 40 años) fatigan la estética de la reticencia. Sin duda, las películas de Martín Boulocq o de Socavón Cine –para mencionar dos ejemplos destacados– son un alivio si pensamos que en los últimos años no poco cine boliviano de voluntad clásica ha encallado en una suerte de parálisis o bancarrota narrativa, en épicas ceremoniosas y grandilocuentes (las últimas películas de Sanjinés) o en los espejismos alegóricos de un pseudocine de autor (las últimas películas de Valdivia). Pero esa reticencia alternativa –un respiro en Bolivia, pero dominante en los circuitos internacionales del cine arte– corre el riesgo, si no está acompañada de las disciplinas de la reflexividad, de devenir, como en muchos países, una afectación, un repertorio de clichés. (Se me ocurre este paralelo admonitorio: la influencia de Raymond Carver y Roberto Bolaño en la narrativa boliviana de los últimos 20 años es hoy solo un arsenal de manierismos y tics).

7. Acaso el futuro del cine boliviano radique en el documental. Y no necesariamente en el que se ofrece como tal: nuestros mejores documentales recientes (El corral y el viento de Miguel Hilari, por ejemplo) son en realidad películas que no lo son, a medio camino entre la deliberación ficcional y las epifanías formales que –si prestamos la necesaria atención– ofrece la realidad. (Tal vez la ética del documental sea una alternativa a las miserias del realismo).

8. Esta década (2009-2018) ha sido además para el cine boliviano la de la consolidación de una serie de cambios intensos. Por ejemplo, este mayor y conocido: la producción de muchas más películas que antes gracias a formatos digitales accesibles. Hay además cosas que antes no existían: por ejemplo, cinematografías regionales (durante casi toda su historia, el cine boliviano fue el cine paceño; hoy hay un cine de Cochabamba y de Tarija y de Santa Cruz y de Sucre).

9. Para mí –que solo veo las películas– el cambio mayor es sin embargo este: el abandono obligado de las salas. En Bolivia, a la pobreza de la programación de unas cuantas multisalas en las ciudades del eje troncal, hay que sumarle los azotes adicionales de la época: las iniquidades del doblaje, el alto costo relativo de las entradas, los celulares y la comida, etc. Felizmente, esta decadencia es compensada por las glorias domésticas de la piratería y del streaming: hoy podemos ver todo el cine en casa (incluyendo el boliviano). Hemos descubierto que, como con el resto del cine, con el boliviano podemos esperar a que salga el DVD.

10. Por años pensamos que nuestro cine era minúsculo pero capaz de grandes películas (es decir, las de Sanjinés). En una posible versión de nuestra historia cinematográfica reciente –y si seguimos pensando en términos nacionales o nacionalistas–, podríamos ensayar provisionalmente un brindis: Sin gran público en salas –pues ese público ya no existe para cierto cine en ninguna parte–, de esporádico ingenio formal, de vez en cuando con algo que decir, el cine boliviano es hoy como casi cualquiera: capaz de hallazgos parciales, secuencias memorables, posibilidades apenas intuidas pero presentes.

MAURICIO SOUZA EN BREVE

Es catedrático de la Carrera de Literatura de la UMSA. Por más de 30 años ha trabajado o colaborado en medios de prensa. Ha publicado dos libros (sobre poesía modernista en general y la obra de Ricardo Jaimes Freyre en particular), editado media docena y sus ensayos han aparecido en revistas especializadas de varios países. Ha sido Director Editorial de Plural editores. Sus últimas publicaciones están cerca de la edición: fue editor de la colección 15 Novelas Fundamentales del Ministerio de Culturas del Estado Plurinacional de Bolivia (2012), de la Obra completa de René Zavaleta Mercado (tres tomos: 2011-2015), de los Ensayos escogidos de Luis H. Antezana (2011) y de Cine boliviano: Historia, directores, películas (2014).

Viernes de Soltero Película boliviana del director Tonchy Antezana

Viernes de Soltero, es la nueva propuesta del reconocido cineasta cochabambino Tonchy Antezana, tras 26 años del estreno de Viernes de Soltero (una sátira a una costumbre muy enraizada en el ámbito boliviano lanzada en 1992).

Según Antezana, este filme nace gracias a la idea del fallecido actor y comediante Edgar Vargas. “Él me dijo ‘¿por qué no creas una película de este famoso viernes de soltero?’, entonces escribí el guion y lo hicimos con los comediantes de esa época como don Edgar, Luis Bredow, Ernesto Ferrante, y así formamos un bonito elenco”, comentó el cineasta. “Decidimos hacer este remake en homenaje al actor Edgar Vargas y la actriz Teresa Sierra, quienes fallecieron hace algunos años”, añadió.

LA HISTORIA

Esta nueva versión narra la misma historia pero con un toque del mundo actual y el uso de las nuevas tecnologías. Además, contará con la participación de Guery Sandoval (Pocholo), Jenny Serrano, Mauricio Soria, entre otros.

El rodaje, tuvo lugar en varias locaciones como el mercado Calatayud, More Coffee Shop, el restaurante Melgarejo y algunas casas particulares de la ciudad de Cochabamba como locaciones.

LA PRODUCCIÓN

“Esta película es de bajo presupuesto, nuestros protagonistas son cochabambinos y la mitad de los técnicos son estudiantes que están realizando sus pasantías. No es una película pretenciosa, no aspiramos ir a festivales ni nada, simplemente es una película para entretenerse. La idea es que la gente vaya a ver este filme y pase un grato momento”, aseveró Antezana.

SOBRE EL DIRECTOR

Sergio Antonio Antezana Juárez conocido como Tonchy Antezana, es un director de cine y guionista boliviano.

Es fiel defensor e impulsor de la realización y producción de cine en Bolivia, su obra está estrechamente ligada a la realidad social contemporánea boliviana así como su cultura y tradiciones. Su trabajo cinematográfico ha sido objeto de diversos premios internacionales, entre los cuales destaca el premio al Mejor Director Internacional en el Festival Internacional de Cine Independiente de Nueva York 2009. Ha sido reconocido con el Premio Plurinacional de Culturas 2009 en nuestro país.

FILMOGRAFÍA

• Oro verde (1987). Teleserie. Guion, Asistencia de Dirección. 12 capítulos de una hora.

• Dos caminos. Teleserie. Guion, Dirección. 25 capítulos de media hora.

• Coca. Teleserie. Guion, Dirección . 24 capítulos de una hora.

• La Decisión. Video filme. Guion, Dirección. 90 minutos.

• Viernes de soltero. Video filme. Guion, Dirección. 90 minutos.

• Nostalgias de rock (2004). Cine digital. Dirección, Producción, Dirección de Fotografía, Edición. 107 minutos.

• Un sueño una pesadilla. Cortometraje. Guion, Dirección de fotografía, Dirección.

• Nuestro bosquecillo. Corto-metraje. Guion, Dirección de Fotografía, Dirección.

• Evo Pueblo (2007). Guion, Dirección.

• El Cementerio de los Elefantes (2008). Dirección, Guion, Dirección de Fotografía.

• Gud Bisnes (2010). Guion, Dirección.

• Boquerón (2016). Dirección, Guion, Dirección de Fotografía.

Jorge Sanjinés, el cine como una lucha constante por los pueblos

Exponente del cine militante (¿existe un cine no militante, no político?, digamos ¿un cine imparcial?, ¿existe una cosa así?), Jorge Sanjinés fue el primero de los cultores del séptimo arte boliviano en descubrir a las naciones clandestinas, aquellas que el artículo 14 de la primera Constitución Política del Estado de nuestro país había barrido de un plumazo de la historia nacional.
En los años 60, 70, 80 del siglo XX, mientras los revolucionarios de las universidades del país buscaban hacer la revolución desde sus residencias en Sopocachi y los gringos estrenaban Rocky 1, 2 y 3 para derrotar a los negros y a los rusos, e inventaban a Rambo para ganar en el cine la guerra que en Vietnam habían perdido, Sanjinés ya había escrito y filmado Ukamau (1966), Sangre de cóndor (1969), El coraje del pueblo (1971), El enemigo principal (1974) y Las banderas del amanecer (1985).
Cada una de sus películas es una invitación a desterrar 500 años de colonialismo interno, un grito de alerta, una canción de amor a la vida.
¿Quién le debe a quién? ¿Don Jorge le debe al Estado o al revés?
En 1969, el Gobierno nacional había instruido a un grupo de médicos gringos visitar las comunidades del país para esterilizar a las mujeres. “Son sólo pastillas, hija, tómatelas”, esos médicos eran miembros de la Alianza para el Progreso, antecesora de USAID.
Jorge Sanjinés lo denunció a través de la película Yawar mallku (1969). Nunca más pudo dormir en la misma casa.
¿Quién le debe a quién? ¿Don Jorge le debe al Estado o al revés?
En 1971, en medio del rodaje de la película El coraje del pueblo, los tanques del general Banzer rodearon la ciudad y don Jorge tuvo que salir del país. (La dictadura amaba los medios de comunicación, por lo que no clausuró ni un solo periódico, ni en La Paz ni en Santa Cruz).
Después de 180 años de apremios y ayunos, salió a la luz La nación clandestina (1989), película en la que pudimos ver nítida el alma y la música Para recibir el canto de los pájaros (1995), escuchamos los cánticos, vimos sonreír a Los hijos del último jardín (2004).
Todos amaban y respetaban a don Jorge, hasta que llegó Insurgentes, película que reúne hechos fundacionales de la historia del país: el cerco a La Paz (1781), la Guerra del Chaco, la Guerra Federal y la ‘guerra del agua’, entre otros. Insurgentes es la síntesis de su pensamiento, las naciones clandestinas que irrumpen, contundentes y definitivas en la historia de Bolivia. Entonces llegó el odio.
Fue el primero que supo ver en los ojos de las naciones y pueblos clandestinos el destino de luz que les aguardaba. Cuando los desprecios al hermano, a la hermana se habían naturalizado como el pan y el agua, don Jorge anunciaba solitario que pronto llegaría el día de los olvidados de la tierra.

Søren, una película de Juan Carlos Valdivia La búsqueda del goce y la alegría

Paloma y Amaru tienen una relación casi perfecta hasta que aparece Søren, un espíritu libre que los saca de su equilibrio. Un camaleón, a ratos músico callejero, filósofo, místico o embaucador. Cuando las cosas parecen volver a la normalidad, entra en escena Zuleika, una DJ feminista que dispara la relación de pareja en una nueva dirección. Con Søren y Zuleika, Amaru y Paloma viajan a lugares insospechados, donde aprenden que el amor es quizás algo completamente diferente a lo que creían a menos que tengan una pequeña dosis de imaginación para reinventarlo.

SØREN, SEXTA PELÍCULA DE

JUAN CARLOS VALDIVIA

Søren, es una película inspirada en los padres del director Juan Carlos Valdivia y que fue filmada en extraordinarias locaciones del territorio boliviano.

Søren es una película realista, llena de movimiento y sensualidad. Es fresca, espontánea y visualmente atractiva. Es una ficción filmada como un documental sobre la búsqueda del goce y la alegría.

Se trata de un guion original de Juan Carlos Valdivia que lo escribió entre México DF y la isla de Kythira en Grecia.

Søren es una coproducción Bolivia-México que fue filmada enteramente en Bolivia a partir de octubre del 2017. La película cuenta con el Fondo de Co-producción del Programa Ibermedia y con el apoyo de empresas y personas bolivianas.

Søren fue filmada en formato digital en espectaculares locaciones urbanas y rurales de La Paz, Santa Cruz, Chapare, Yungas y Uyuni. Para esta película, el director ha estado realizando la búsqueda de actores jóvenes en toda Bolivia, México y Europa.

En Søren, el espectador encontrará muchas escenas de acción, eventos y productos que se desbordan a partir de la temática. El objetivo es mantener el flujo de comunicación con los públicos futuros, creando contenidos que vayan más allá de la narrativa de la película: bitácoras de viaje, videos musicales y videos de la realidad virtual que se producirán paralelamente.

Ridley Scott ya está trabajando en la secuela de Gladiador

El cineasta Ridley Scott ha comenzado a trabajar en la secuela de uno de sus clásicos: Gladiador, ganadora del Premio Oscar a la mejor película en el 2001.

La continuación girará en torno a la figura de Lucius, el hijo de Lucilla (Connie Nielsen) y sobrino de Cómodo (Joaquin Phoenix), informó el portal Deadline.

Según fuentes consultadas, Ridley Scott pretende ponerse tras las cámaras una vez más y ha encargado la redacción del guion a Peter Craig, el mismo de dos de las entregas de Los Juegos del Hambre.

Gladiador, candidata a 11 premios de la Academia y que deparó el Premio Oscar a Russell Crowe como mejor actor, fue producida por DreamWorks. La secuela estará a cargo del estudio Paramount.

La historia se centraba en la figura de Máximo (Crowe), general de las legiones romanas querido por todos, incluso por el César, Marco Aurelio, que antes de morir, lo elige como sucesor, dejando de lado a su propio hijo, Cómodo. Este, movido por el odio, prepara una conspiración contra Máximo y le condena a él y a su familia a muerte.

Ridley Scott, de 80 años, no es ajeno a visitar sus clásicos, ya que en los últimos años también revivió la franquicia de Alien, primero de forma sutil con Prometheus y luego, abiertamente, con Alien: Covenant.

FUENTE: EFE

Juan Carlos Valdivia medita sobre el amor en Søren

Este 8 de noviembre llega a los cines de Bolivia Søren, el más reciente trabajo cinematográfico de Juan Carlos Valdivia.

“Søren es una meditación sobre el amor, las relaciones de pareja y la búsqueda de libertad interior en la juventud. Está ambientada en una Bolivia contemporánea globalizada, donde las cultura urbana y rural y los cambios sociopolíticos son los escenarios de un viaje de descubrimiento”, menciona la nota de prensa de Cinenómada, productora de la cinta junto a Monster Grupo Creativo.

Como en sus películas referentes Zona Sur y Tierra sin Mal, Valdivia construye Søren como una exploración espacial y una construcción de atmósferas, más que como en un drama de causa y efecto. La estructura elíptica contribuye más a generar preguntas que respuestas.

Esta vez, el país que retrata Valdivia es un lugar donde los jóvenes no solo han superado sino rebasado el diluvio de cambios sociales a los que el país estuvo sujeto. Están inmersos ahora en redefinirse en términos individuales y globales a la sombra de un sistema político que los ignora.

“Es muy importante tener un estilo y una voz propia, pero es más importante tener la libertad de explorar diferentes lenguajes, historias y personajes. Como al amor, uno debe constantemente reinventar el cine para uno mismo y entrar en territorios nuevos. Soren es para mí volver a los 27”, comentó Valdivia.

El director boliviano de películas como American Visa explicó que prefiere “el cine que permite nadar dentro de sus espacios y explorar sus secretos a aquel que te lleva de la mano minuto a minuto”. “No tengo un comportamiento compulsivo frente al cine; me encanta perderme de modas y tendencias y prefiero invertir el tiempo en actividades que alimentan la creatividad, incluyendo la filosofía, los viajes y la jardinería. Mi paso por la docencia, el contacto con los estudiantes, el aprendizaje del transmedia y mi convicción de que en la filosofía están las respuestas a nuestras preguntas más fundamentales, me catapultó a explorar el imaginario del amor en el Siglo XXI. Habiendo ya explorado lo autobiográfico, es con Søren que inicio una etapa de exploración más íntima y personal. Soy un cineasta boliviano atípico y me gusta romper las barreras de la identidad que nos hemos impuesto nosotros mismos como nación”, dijo.

La película se filmó en ocho semanas entre noviembre de 2017 y enero de 2018 en La Paz, Santa Cruz, Beni, Cochabamba y Potosí.

La productora Ximena Valdivia, hermana del director, ha participado en toda la producción fílmica boliviana de Juan Carlos, desde su opera prima, Jonás y la Ballena Rosada, hasta hoy.

Gran parte del casting se hizo por redes sociales, utilizando Instagram y Facebook.

El sound track es ecléctico. Una de la piezas principales es un icono de la canción francesa, Ne me qquitte pas, de Jacques Brel, interpretada por el colombiano residente en Francia, Yuri Buenaventura. El DJ boliviano Rabeat realizó un remix electrónico de la misma.

La palindromista mexicana Merlina Acevedo hizo la fotofija y compuso, junto con el boliviano Challenger, el tema principal de la película, Papillón. Hay un video musical del tema.

La cantante boliviana Vero Pérez interpreta uno de los mantars favoritos del director, Aad Guray Nameh, que se puede apreciar en los créditos finales de la película.

El actor Willy Cartier es uno de los modelos más cotizados en Francia. Ha incursionado en el diseño de moda y diseñó parte de su vestuario, junto la diseñadora boliviana Vania Rodrigues, alias La Espina.

SINOPSIS

Paloma y Amaru tienen una relación casi perfecta, hasta que aparece Søren. Místico, embustero o quizás solo un simple aventurero europeo, Søren tiene una profunda influencia en la vida de la joven pareja, infectándolos de cuestionamientos y empujándolos a una búsqueda existencial. Cuando todo parece regresar a la normalidad, aparece Zuleika, que añade otra capa de complejidad a la herida. Con Søren y Zuleika, la pareja viaja a lugares insospechados hasta que aprenden que quizás el amor sea algo completamente distinto a lo que pensaban, a no ser que tengan una dosis de imaginación para reinventarlo.

FICHA TECNICA

Año - 2018

Duración: 104 minutos

Países: Bolivia/México

Guión y Dirección: Juan Carlos Valdivia

Productores: Juan Carlos Valdivia

Joaquín Sánchez

Ximena Valdivia

REPARTO

Søren Willy Cartier

Paloma Pamela Peró

Amaru Romel Vargas

Zuleika Alejandra Lanza

Max Erwin Berzaín

Hna Paloma Jessica Kuljis

Esther Liliana Forno

Madre Amaru Glenda Yáñez

Dupla DiCaprio y Scorsese suman sexta colaboración en el cine

Son la dupla dorada de Hollywood. El director Martin Scorsese y el actor Leonardo DiCaprio volverán a trabajar juntos, por sexta vez, en el thriller Killers of the Flower Moon.

“Cuando leí el libro de David (Grann), comencé a visualizarlo de inmediato: la gente, los escenarios, la acción... Sabía que tenía que convertirlo en una película”, dijo el cineasta en un comunicado del estudio Imperative Entertainment.

“Estoy entusiasmado por llevar esta perturbadora historia estadounidense a la gran pantalla”, agregó Scorsese que recientemente participó de una conferencia con el papa Francisco, donde reflexionó sobre sus duros inicios en cine.

Se espera que el rodaje comience en el mes de junio del próximo año.

LA TRAMA

La trama de Killers of the Flower Moon se desarrolla en Oklahoma, durante la década de 1920, y gira en torno a los miembros de tribu Nación Osage, tras el descubrimiento de pozos petrolíferos en sus tierras.

Sus integrantes fueron asesinados uno a uno y el recién creado FBI asumió la investigación del caso sin esperar la conspiración a la que se iban a enfrentar.

NUEVAMENTE JUNTOS

La cinta llegará después de sus trabajos en Pandillas de New York, El Aviador, Los Infiltrados, La Isla Siniestra y El Lobo de Wall Street.

Actualmente, DiCaprio se encuentra grabando Once Upon a Time in Hollywood, de Quentin Tarantino; mientras que Scorsese se encuentra en la postproducción del drama criminal The Irishman.

FUENTE: EFE

Salar de Uyuni será escenario de película de ficción

El Salar de Uyuni será escenario de la película de ficción latinoamericana “The Etenial White”, que tendrá una co-producción de al menos tres países, en la que se mostrarán escenarios naturales, neoandinos rescatando la imagen de los tradicionales cholets bolivianos, se prevé la culminación de la producción para el próximo año.

La nueva producción de la cual formará parte Bolivia, será de género ciencia ficción que mostrará como escenarios naturales el Salar de Uyuni en Bolivia y las Salinas grandes en Argentina.

A decir del director y productor argentino Christoph Behl, la iniciativa parte de un hallazgo natural de la historia y cultura de la minería en Bolivia, además de la estética neonadina que exige la producción. Se prevé que en julio de la siguiente gestión se culmine con el rodaje.

El film promete contar con reconocidos actores y un numeroso elenco de artistas bolivianos que podrán fusionar su talento con los países aliados como Argentina, Brasil y por confirmar un país europeo. La producción tendrá un costo de un millón cuatrocientos mil dólares.

Afirmó que el desafió de los cineastas regionales es conquistar a los espectadores por lo que en la ocasión se apuesta por el género de la ficción fusionado con parte de la cultura que toma en cuenta a tres países latinoamericanos algo diferente a lo que se acostumbra a ver en la pantalla grande.

Por su parte, la productora del film, Consuelo Tapia, afirmó que resulta dificultoso competir con el mercado de Hollywood que requiere un importante presupuesto que suponer la puesta en escena.

“Para producir una película de alto nivel implica tener un amplio presupuesto, narrativa y actores que se convierte en un desafió para los cineasta”, señaló.

Sólo el guion de la película “The Etenial White”, ya recibió la mención y reconocimiento de “Ventana Azul”, uno de los festivales de Mar del Plata en Argentina, entre otros. La demora de la construcción del guion duró al menos dos años.

TALLER

Este viernes en instalaciones de la Cinemateca Boliviana el cineasta internacional Christoph Behl, dictará un Taller y proyección de Cine de ficción Latinoamericano dirigido a estudiantes, productores e interesados a partir de las 15.00 a 19.00 horas.

Todos lo saben Película española de un director persa

El cineasta iraní Asghar Farhadi dirige y escribe este thriller psicológico que cuenta con un reparto compuesto por Penélope Cruz, Javier Bardem, Bárbara Lennie, Ricardo Darín, Jaime Lorente e Inma Cuesta, entre otros.

El rodaje de la nueva cinta del director ganador de dos Premios Oscar a la Mejor Película Extranjera por Nader y Simín, una separación y por El viajante, se llevó a cabo en diferentes localizaciones de Madrid.

SINOPSIS

Laura (Penélope Cruz) hace un viaje desde Buenos Aires para regresar con su familia a su pueblo natal en España para celebrar la boda de su hermana (Inma Cuesta). Entre las vides del negocio familiar en el que tendrá lugar la fiesta, esta mujer se encontrará con su antigua pareja (Javier Bardem) y su actual novia. En un momento dado, estallará un acontecimiento que cambiará drásticamente los planes y las vidas de todos los implicados, convirtiendo lo que iba a ser una breve visita en un evento de consecuencias imprevistas.

SOBRE EL FILME

Hace unos 15 años, viajando por España con su familia, el director iraní Asghar Farhadi se fijó en un cartel con la foto de un niño que había desaparecido. Cuando explicó a los suyos lo que ese cartel decía, su hija pequeña se asustó porque pensó que algo parecido podía pasarle a ella. Farhadi la tranquilizó diciéndole que eso era algo excepcional y que, afortunadamente, eso no sucedía con frecuencia. Sin embargo, se quedó pensando en aquella historia y comenzó a escribir un guion de cine. Así nació Todos lo saben, la película que inauguró la pasada edición del Festival de Cannes.

“Tenía escritas 30 o 40 páginas del guion y se lo entregué a Pedro Almodóvar”, recuerda el cineasta iraní. “Le pregunté: ¿te parece una historia española? ¿Sería creíble para los españoles? Y me respondió: ‘Es tan española que, si no la haces tú, estoy dispuesto a hacerla yo’. Si no me hubiera dicho eso, quizás no la habría creado”. “Los personajes que salen en esta historia no se alejan tanto de los que aparecen en mis otras películas”, afirma. “Es como si fueran las mismas personas, pero viviendo en una cultura diferente. A mi modo de ver, se acercan mucho a los personajes de mis películas previas”, reconoce en una entrevista.

Javier Bardem, uno de los actores protagonistas del filme, afirma que el guion de Todos lo saben está muy bien armado. “Es una película que te mantiene en vilo durante todo su metraje y que va destapando los pasados y las circunstancias de todos los personajes. Habla de la mentira, pero también tiene un componente de thriller”, dice.

Uno de los aspectos que más ha llamado la atención de este filme es el hecho de que un director que no habla español haya sido capaz de realizar una película totalmente en castellano. Para Javier Bardem el secreto radica en que Farhadi es un gran escritor de circunstancias, de situaciones y de diálogos y eso traspasa los idiomas y las culturas.

Asghar Farhadi, ha trabajado en España muy a gusto. Tanto que no le importaría repetir en el futuro la experiencia que ha vivido con Todos lo saben. “Sinceramente desconozco la razón, pero sentimentalmente y psicológicamente me veo muy unido a los españoles”, explica.

El director de Pantera Negra producirá la secuela de Space Jam

Ryan Coogler, el director de Pantera Negra, será el productor de la segunda parte de Space Jam, una cinta que protagonizará LeBron James, el flamante fichaje de Los Angeles Lakers.

El director de la cinta será Terence Nance, creador de Random Acts of Flyness para HBO y conocido por su filme experimental The Oversimplification of Her Beauty.

Se espera que el rodaje comience a mediados del próximo año, una vez que acabe la temporada de la NBA. Se trata de la primera película de James como protagonista, tras su aparición en la comedia Trainwreck (2015).

“Esta colaboración en Space Jam es mucho más que los personajes de Looney Tunes y yo. Me encantaría que los niños entendieran el poder que tienen en sus manos si persiguen sus sueños. Y creo que Ryan consiguió eso a través de Pantera Negra”, señaló James en declaraciones a la prensa.

La primera parte de Space Jam, una película que mezclaba animación y acción real, estuvo protagonizada por Michael Jordan en 1996, y recaudó unos 250 millones de dólares en todo el mundo.

Bradley Cooper debuta como director con Lady Gaga en "A Star is Born"

Historia, ciencia ficción y el mundo de la música están protagonizando la jornada de hoy (ayer) del Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) con los estrenos de "First Man", "High Life" y "A Star is Born", este último protagonizado por la cantante Lady Gaga.

La jornada del domingo en el TIFF siempre supone el fin de cuatro días trepidantes e intensos desde el inicio de un festival de cine que desde hace años es considerado como la plataforma de lanzamiento preferida de los estudios para las películas que quieren aspirar a los Óscar.

La 43 edición del TIFF, que se inició el 6 de septiembre con el estreno del film de Netflix "Outlaw King" y concluirá el 16 con "Jeremiah Terminator LeRoy", tiene previsto proyectar un total de 342 filmes, de ellos 254 largometrajes.

Y aunque todavía quedan siete días de proyecciones, gran parte de los filmes más esperados de este año ya se habrán proyectado cuando las salas de cine se vuelvan a abrir este lunes.

Los tres estrenos del programa de Galas se encuentran entre tres de esos filmes que más expectación han generado.

"First Man" tiene mucho de los ingredientes que en el pasado han gustado a los miembros de la Academia de Hollywood que concede los premios de los Óscar.

El film es una recreación de la vida del primer hombre que pisó la Luna, el astronauta estadounidense Neil Armstrong que, bajo la dirección de Daimen Chazelle ("La La Land", 2016), es llevado a la gran pantalla por el canadiense Ryan Gosling.

Antes de su estreno, "First Man" ya ha causado polémica porque Chazelle decidió no incluir en la película el momento en el que Armstrong clavó la bandera estadounidense en el satélite de la Tierra.

Chazelle ha defendido su decisión porque haquerido centrarse en "los momentos privados, desconocidos de Neil en la Luna".

"La bandera no es un momento privado, desconocido de Neil. Es un momento muy famoso", añadió Chazelle recientemente en una entrevista concedida al periódico "Los Ángeles Times".

A pesar de estas explicaciones de Chazelle, las críticas han continuado desde la derecha estadounidense.

El senador republicano Marco Rubio tuiteó que la ausencia del momento en el film "es de lunáticos. El pueblo estadounidense pagó esa misión, con cohetes construidos por los estadounidenses, con tecnología estadounidense y llevando a astronautas estadounidenses".

Alfonso Cuarón triunfa en Venecia

Alfonso Cuarón recogió ayer por "Roma" el segundo León de Oro de Venecia consecutivo para un cineasta mexicano, tras el conseguido el año pasado por "La forma del agua", de Guillermo del Toro, que además en esta edición presidía el jurado de la competición oficial.

Precisamente su presencia al frente del jurado hacía temer que el León de Oro no fuera a manos de un mexicano, pero al final todos los miembros –entre ellos Naomi Watts o Christoph Waltz– decidieron por unanimidad que el filme de Cuarón era el mejor de la 75 edición de la Mostra.

Un premio que reconoce el peso de la cinematografía mexicana, junto a la argentina la más destacada de Latinoamérica, según dijo en rueda de prensa el día de la inauguración del festival el director de la Mostra, Alberto Barbera.

Quedó demostrado con la selección de la competición oficial, que contaba con dos filmes mexicanos y uno argentino. Y el de Cuarón se llevó el premio gordo.

Para él no es una novedad. "Roma" era el cuarto filme que presentaba en la Mostra y ya con los tres anteriores consiguió premios, aunque de menor entidad que el de este año.

Con "Y tu mamá también" se llevó en 2001 la Osella de Plata al mejor guion –compartida con su hermano Carlos–, y los protagonistas, Gael García Bernal y Diego Luna, se llevaron el Marcello Mastroianni al mejor intérprete joven.

En 2006, con "Hijos de los hombres" fue el director de fotografía, Emmanuel Lubezki, el que recibió el premio a la contribución individual técnica más relevante, y en 2012, la aventura espacial de "Gravity" fue reconocida por sus logros técnicos magnificamente trabajados por su equipo.

Tarantino encuentra a su Roman Polanski en Once Upon a Time in Hollywood

Quentin Tarantino estrena el 26 de julio de 2019 en EE.UU su nueva película, Once Upon a Time in Hollywood, con Leonardo DiCaprio, Brad Pitt y Margot Robbie. La cinta relata una historia de ficción salpicada de hechos ocurridos realmente en el año 1969, como el asesinato de la actriz Sharon Tate por parte de la Familia Manson. Era de esperar que el filme contratara a un actor para encarnar a su entonces marido, el director Roman Polanski, cosa que ha sucedido ahora. El intérprete polaco Rafal Zawierucha dará vida al cineasta de La danza los vampiros y La semilla del diablo.

Aunque la muerte de Sharon Tate (Margot Robbie) será un momento crucial de lo próximo de Tarantino, el grueso de la trama girará en torno a la antigua estrella del wéstern televisivo Rick Dalton (Leonardo DiCaprio), que sufre por adaptarse al Hollywood moderno junto a su doble de acción Cliff Booth (Brad Pitt). El reparto está repleto de estrellas como Al Pacino, Dakota Fanning, Timothy Olyphant, James Marsden, Emile Hirsch, Clifton Collins Jr., Tim Roth, Burt Reynolds y Lena Dunham. Damian Lewis interpreta a Steve McQueen, que se salvó por los pelos, y Mike Moh hace lo propio como Bruce Lee.

Rafal Zawierucha ha sido el elegido para ser Polanski después de trabajar en su país y en títulos como Spies of Warsaw, miniserie de BBC protagonizada por David Tennant. Danny Strong y Sydney Sweeney también han fichado recientemente.

PRIMERA IMAGEN DE

LEONARDO DICAPRIO

A través de su cuenta de Instragram, el actor presentó la primera imagen de Once Upon a Time in Hollywood, apareciendo junto a Brad Pitt, como los dos protagonistas de la película Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) y Cliff Booth (Brad Pitt).

Tarantino trabajó con DiCaprio en Django desencadenado y Pitt en Bastardos sin gloria. “He trabajado en este guión por cinco años, así como viviendo en el condado de Los Ángeles casi toda mi vida, incluyendo en 1969, cuando tenía siete años”, dijo Tarantino en una declaración. “Estoy muy emocionado de contar esta historia de un Los Ángeles y un Hollywood que ya no existen. No podría estar más feliz por la dinámica entre DiCaprio & Pitt como Rick & Cliff”.

La novena película de Tarantino se estrenará el 2019, coincidiendo con el 50 aniversario de la familia Manson asesinando a Tate y realizando los asesinatos de LaBianca.

Woody Allen se aleja del cine tras décadas de producción

El director estadounidense Woody Allen se tomará un descanso del cine después de haber estado presentando al menos una película por año durante décadas, según información que publica en su web el medio PageSix.

A Rainy Day in New York, la última cinta de Allen que lleva el número de largometrajes que ha dirigido a 48, se terminó de rodar el pasado noviembre y será presentado antes del final de este año por Amazon, compañía con la que firmó un acuerdo en 2016 para filmar otras tres películas.

Sin embargo, un artículo del medio Hollywood Reporter aseguraba que es posible que Amazon decida romper este acuerdo con el cineasta, de 82 años, pese al pago sustancial que tendrían que realizar.

PageSix señala además que el director de cine no tiene ninguna cinta lista para ser estrenada en 2019, y el portal especialista en el séptimo arte IMDb apunta a que Allen tiene un proyecto que se encuentra en la fase de pre-producción para presentarse en 2020, pero aún no ha encontrado quién se lo financie.

“A Woody le encanta trabajar. Nunca se va de vacaciones, pero se va a tomar un descanso este año hasta que encuentre un patrocinador”, dijo a PageSix una fuente que permaneció en el anonimato.

Woody Allen se ha visto afectado en el último año por nuevas declaraciones de su hija adoptiva, Dylan Farrow, que le acusa de haber abusado de ella sexualmente cuando era una niña, aunque nunca fue imputado por ello.

El hijo que Allen tuvo con la actriz Mia Farrow, Ronan Farrow, ha apoyado a su hermana públicamente y además ha sido el principal promotor del movimiento #MeToo, en el que se han denunciado numerosos abusos sexuales por parte de las figuras más poderosas de Hollywood hacia jóvenes intérpretes.

“Woody Allen siempre consiguió fantásticos actores. Las estrellas trabajaban por un salario mínimo porque les daba prestigio, pero con el movimiento #MeToo, ahora él es tóxico”, dijo un productor de cine de Hollywood, según PageSix.

El medio apuntó asimismo que Allen ya tenía problemas para encontrar financiación para sus cintas incluso antes de #MeToo, y que la fuente subrayó que “sus películas no hacen dinero”.

“Durante años, ha estado pasando de un patrocinador a otro. Incluso ha ido a Europa, pero ya se ha quedado sin opciones”, remató.

Director uruguayo lleva a los cines historia del club brasileño Chapecoense

El documental Por siempre Chape, dirigido y producido por el uruguayo Luis Ara Hermida, llevará a las salas de cine la historia del club de la ciudad brasileña de Chapecó, así como la tragedia que en noviembre de 2016 terminó con la vida de 71 personas que volaban rumbo a Medellín.

“Es una película que recorre la historia del club, desde su fundación hasta la actualidad”, aseguró en entrevista con Efe el director uruguayo.

Ara aclaró que la tragedia aérea del 28 de noviembre -en la que murieron 71 de los 77 pasajeros del avión 2933 de la boliviana LaMia- no es el eje central del largometraje, sino que es una parte de la historia del club.

Por esta razón, comentó que la finalidad es reconstruir la trayectoria del Chapecoense y mostrar cómo ante una situación “tan trágica” el equipo pudo salir adelante.

El realizador -a cargo de la productora Trailer Films- venía siguiendo la historia del club desde antes de la tragedia, ya que le sorprendió que un equipo de la cuarta división llegara tan rápido (7 años) a primera y a disputar la final de un torneo continental, como la Copa Sudamericana.

“Me había vuelto un hincha”, narró Ara y aseguró que, luego del accidente, quedó “perplejo”. “Poco tiempo después el club comenzó a competir de nuevo y me intrigó cómo habían hecho para salir de algo tan difícil”, señaló.

El documental cuenta la historia del Chapecoense, fundado en 1973, a través de entrevistas, imágenes de la intimidad del club y sus jugadores, así como materiales de archivo. Rodar Por siempre Chape llevó aproximadamente un año y requirió que Ara y su equipo viajaran a Brasil, Colombia y España.

El primer destino, para adentrarse en la ciudad a la que pertenece el club, el segundo para visitar el lugar de la tragedia y el tercero para presenciar el partido amistoso en el que Barcelona homenajeó al conjunto brasileño.

Las primeras imágenes se filmaron en Montevideo, cuando el Chapecoense viajó a la capital uruguaya para enfrentarse a Nacional por la Copa Libertadores, en febrero de 2018.

“Compartimos con el equipo algunos momentos (en Montevideo) y luego nos fuimos a filmar a Chapecó, donde estuvimos con gente de la ciudad, del club, los jugadores y los sobrevivientes”, explicó Ara.

James Gunn fue despedido como director de Guardianes de la Galaxia 3

El director James Gunn, uno de los más importantes de Marvel Studios y artífice de las películas de Guardianes de la Galaxia, fue despedido por Disney, propietaria del estudio cinematográfico.

De acuerdo a medios internacionales, la razón de su retiro fueron los tuits que Gunn publicó, entre 2009 y 2012, en los que hace gala de un vulgar sentido del humor, ironizando sobre la pedofilia, homofobia y los atentados terroristas, cometidos en EE.UU. por Al Qaeda, el 11 de setiembre.

“Las actitudes y declaraciones ofensivas descubiertas en el ‘feed’ de Twitter de James son indefendibles e inconsistentes con los valores de nuestro estudio”, expresó Alan Horn, presidente de Disney, ante la medida. “Estoy haciendo una gran adaptación de Hollywood de (la película) The Giving Tree (El árbol generoso) con final feliz: el árbol crece y le da una mam...da al niño”, se lee en uno de los tuits que James Gunn publicó hace años.

LAS DISCULPAS DE GUNN

Por su parte, James Gunn publicó cinco tuits en los que se disculpó por su comportamiento. Se excusó diciendo que siempre tuvo un sentido del humor muy particular, pero que no representaba el tipo de persona que era hoy.

“Mucha gente que me ha seguido durante mi carrera sabe que, cuando comencé, me veía como un provocador, haciendo películas y diciendo chistes que fuesen indignantes o tabúes. Como lo he discutido públicamente en muchas ocasiones y, mientras me he desarrollado como persona, también lo ha hecho mi trabajo y mi humor”, escribió.

“No quiero decir que soy mejor -agregó- pero soy muy, muy diferente de lo que era hace unos años. Hoy trato de arraigar mi trabajo en el amor y la conexión, y menos en la ira. Mis días diciendo algo solo porque es impactante y tratando de obtener una reacción han terminado. Esa es la verdad completamente honesta. Yo solía hacer un montón de bromas ofensivas: ya no. No culpo a mi yo pasado por esto, pero me gusta más y me siento como un ser humano más completo y contribuyente hoy”, indicó el director de Guardianes de la Galaxia.

James Gunn nació y creció en San Luis, Misuri. A los 12 años de edad comenzó a filmar cintas de zombis con su cámara de 8mm.Fue a Saint Louis University donde se tituló con una Licenciatura en Humanidades en Psicología en 1992. También estudió cine en Loyola Marymount University en Los Ángeles por dos años, pero lo dejó antes de graduarse.