Buena papa caliente tenía encima el director James Wan, a la hora de enfrentarse a una película de Aquaman en solitario. Para empezar, porque tendría que hacer frente a esa sensación generalizada de que las películas de superhéroes DC no consiguen encontrar su tono, a pesar del soplo de aire fresco que supuso Wonder Woman.
Una vez más, estamos ante una película de orígenes, en las que de forma más o menos concentrada se nos explica la naturaleza mestiza de Aquaman (es hijo de humano y de la reina de Atlantis), su infancia y su necesario viaje del héroe: se supone que su destino es dejar atrás esa vida tranquila entre pescadores y asumir su responsabilidad como legítimo rey de Atlantis.
El argumento es predecible de principio a fin (se ven venir las decisiones, los romances y los acontecimientos de cada batalla) y los diálogos, por mucho Geoff Johns que haya detrás, bastante simplotes. Es más, durante los primeros compases de la película (donde se profundiza en el romance de sus padres), esta corre serio riesgo de descarrilar... Y a juzgar por la puntuación media que tiene en Metacritic, para buena parte de la crítica, ese descarrilamiento ha tenido lugar.
A pesar de todo, la película de Aquaman consigue rodearse de varios ingredientes que la mantienen a flote (ya tardábamos en soltar bromas acuáticas) y que, una vez acaba el visionado, nos deja con la sensación de haber visto una película simple.
Por un lado, tenemos a Jason Momoa, que interpreta a Arthur Curry / Aquaman. Ya habíamos tenido unas pinceladas de su carisma en Liga de la Justicia (por cierto, la mayoría de los acontecimientos de Aquaman son posteriores a los de aquella peli), pero aquí tiene oportunidad de tomar el estrellato con los habituales chascarrillos, su perfil ideal para la aventura y, sobre todo, unas coreografías y planos de lucha en los que es una gozada verlo en acción. Momoa es una mole de músculo, pero a la vez da una imagen estilizada y hasta cool como luchador.
El resto de personajes no son especialmente memorables en cuanto a su carácter, ya que juegan papeles bastante arquetípicos. Sin embargo, todos funcionan, sin salirse de ese plano. La principal secundaria es la princesa Mera, interpretada por Amber Heard. Ella lo acompaña durante todo el viaje y, si bien sus diálogos parecen sacados de una plantilla de Indiana Jones, es súper espectacular verla en acción cuando pelea y usa sus poderes (además de tener fuerza y velocidad en el agua, es capaz de manipular el líquido elemento para proyectarlo o separarlo).
Lo mismo sucede con el rey Orm, principal villano de la película (e interpretado por Patrick Wilson, actor fetiche de James Wan) o con Black Manta, uno de los antagonistas principales del personaje. Hay otros secundarios de renombre, como Nicole Kidman, Willem Dafoe (¡ojo a cómo lo han rejuvenecido digitalmente!), Dolph Lundgren o Julie Andrews. Si pensamos demasiado en ellos y en lo simple de sus roles, la cosa puede venirse abajo, pero si nos dejamos llevar por la acción, disfrutaremos.
Y es que la película de Aquaman no flojea con su ritmo en ningún momento, a pesar de plantarse en las 2 horas y 20 minutos de metraje. No se hace para nada larga, porque no paran de sucederse peleas uno contra uno (tridente en mano, como está mandado), persecuciones frenéticas, búsquedas de civilizaciones perdidas y hasta gigantescas batallas que les recordarán a las vistas en películas como El Señor de los Anillos. Los responsables del filme ya dijeron que lo veían, más que como una película de superhéroes, como una de fantasía épica.
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jueves, 27 de diciembre de 2018
sábado, 20 de enero de 2018
Jumanji: Bienvenidos a la jungla
Explicaba, con su locuacidad en modo acalorado, Jack Black cuando se presentaban las primeras imágenes de Jumanji: Bienvenidos a la jungla el pasado mes de junio en la CineEurope, que en el origen de esta tardía secuela (sí: es una segunda parte) se encontraba un material con más de veinte años de antigüedad. Se refería a los guiones que el mítico John Hughes había escrito para la Columbia a mediados de los 90.
Jumanji: Bienvenidos a la jungla - Cartel. El primero era la adaptación del libro ilustrado infantil y juvenil que era y es Jumanji, rechazado por la productora y finalmente escrito, entre otros, por el notable Jonathan Hensleigh. El segundo, una vez estrenada con rotundo éxito la película firmada por Joe Johnston, era el encargo de una rápida secuela que nunca se pudo llevar a cabo. Scott Rosenberg, por aquellos años un guionista en la cima (Beautiful Girls, Con Air), colaboró con Hughes en ese tratamiento y es quien ha mantenido la llama de esta continuación jumanjiana, aunque finalmente haya visto como su libreto ha sido reescrito por dos noveles millenials. Aun así, Jumanji: Bienvenidos a la jungla respira por sus poros aventureros lo que habría sido ver una continuación de la inicial Jumanji en 1997 o 1998: la acción es totalmente noventera (esas escenas con motoristas que se dirían sacadas de la reinterpretación madmaxiana de clásicos bis 90s como Juego de supervivencia), las relaciones de los personajes son como en la comedia teenager (aunque, esa es la gracia, corporeizada vía avatares, en adultos), hay mucho de buddy movie y mucho del actioner tardío de John Badham o del mismísimo Indiana Jones que dejara en los 80 todo ya escrito al respecto. Secuela que salta de los 90 al 2017 con un guiño entrañable al propio John Hughes y El club de los cinco, el film dirigido por Jake Kasdan se salta (para bien) las reglas del cine videojugable y de las franquicias juveniles distópicas como El corredor del laberinto, para regalarnos un non stop de réplicas divertidas, villanos de dibujos animados y una adorable, muy cómplice, referencia a lo que en los años 90 hacía Stephen Sommers (el tramo final selvático es un calco del trecho final hasta la pirámide en El regreso de la momia) y un festival de Dwayne "The Rock" Johnson donde no solamente se ríe de él mismo, sino que bendice con cariño infinito a los forzudos y golpiseros de hace ya dos o tres décadas. Tan entretenida y gayer (que Jack Black tenga una erección tras darse el filete con Nick Jonas ennoblece la película y la diferencia de otros productos mainstream familiares) como las aventis de la Cannon, lo que ya es un plus.
A favor: Su sentido del humor y de la aventura.
En contra: No salen monos y sí Nick Jonas. Mal.
Jumanji: Bienvenidos a la jungla - Cartel. El primero era la adaptación del libro ilustrado infantil y juvenil que era y es Jumanji, rechazado por la productora y finalmente escrito, entre otros, por el notable Jonathan Hensleigh. El segundo, una vez estrenada con rotundo éxito la película firmada por Joe Johnston, era el encargo de una rápida secuela que nunca se pudo llevar a cabo. Scott Rosenberg, por aquellos años un guionista en la cima (Beautiful Girls, Con Air), colaboró con Hughes en ese tratamiento y es quien ha mantenido la llama de esta continuación jumanjiana, aunque finalmente haya visto como su libreto ha sido reescrito por dos noveles millenials. Aun así, Jumanji: Bienvenidos a la jungla respira por sus poros aventureros lo que habría sido ver una continuación de la inicial Jumanji en 1997 o 1998: la acción es totalmente noventera (esas escenas con motoristas que se dirían sacadas de la reinterpretación madmaxiana de clásicos bis 90s como Juego de supervivencia), las relaciones de los personajes son como en la comedia teenager (aunque, esa es la gracia, corporeizada vía avatares, en adultos), hay mucho de buddy movie y mucho del actioner tardío de John Badham o del mismísimo Indiana Jones que dejara en los 80 todo ya escrito al respecto. Secuela que salta de los 90 al 2017 con un guiño entrañable al propio John Hughes y El club de los cinco, el film dirigido por Jake Kasdan se salta (para bien) las reglas del cine videojugable y de las franquicias juveniles distópicas como El corredor del laberinto, para regalarnos un non stop de réplicas divertidas, villanos de dibujos animados y una adorable, muy cómplice, referencia a lo que en los años 90 hacía Stephen Sommers (el tramo final selvático es un calco del trecho final hasta la pirámide en El regreso de la momia) y un festival de Dwayne "The Rock" Johnson donde no solamente se ríe de él mismo, sino que bendice con cariño infinito a los forzudos y golpiseros de hace ya dos o tres décadas. Tan entretenida y gayer (que Jack Black tenga una erección tras darse el filete con Nick Jonas ennoblece la película y la diferencia de otros productos mainstream familiares) como las aventis de la Cannon, lo que ya es un plus.
A favor: Su sentido del humor y de la aventura.
En contra: No salen monos y sí Nick Jonas. Mal.
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crítica
viernes, 18 de agosto de 2017
Del otro equipo se burla de nuestros males
Raúl, Eduardo y Santiago han llevado una feliz y masculina vida desde su infancia, hasta que, un día, Santiago les confiesa que es gay. Impactado, Raúl, el macho alfa y más homofóbico de los tres, intentará convencer a su amigo de que lo suyo no es más que una simple confusión sexual, hasta que, cuando la situación se torne insostenible, Eduardo y Raúl dejarán de lado sus prejuicios y decidirán ayudar a Santiago a incursionar en su nueva vida gay.
No todo es risa
Con la participación de actores reconocidos, como Mauricio Ochmann, Aislinn Derbez, Alfonso Dosal y Ariel Levy, este largometraje dirigido por el experimentado Nicolás López pretende criticar y ridiculizar la homofobia mostrándola de manera cómica y exagerada, con los clichés de los pensamientos homófobos presentes en la sociedad contemporánea alrededor del mundo. López también dirigió Sin filtro, una de las comedias más vistas en la historia de Chile y que se estrenó en Bolivia en 2016.
“Del otro equipo se burla de uno de los peores males de nuestra sociedad, el machismo. Trabajar con Aislinn Derbez y Mauricio Ochmann fue un sueño hecho realidad, me gustaron mucho en la comedia mexicana A la mala y volver a tenerlos juntos en el cine me parece maravilloso”, explicó el director.
La cinta se estrena en Bolivia gracias a BF Distribution. En México, la película se proyectó el 10 de agosto y en los primeros cuatro días ha sido vista por 1.327.474 personas y se ha consolidado como la película más taquillera de ese país.
Mauricio Ochmann (39) es un actor estadounidense conocido por su participación en grandes telenovelas, como El clon, El señor de los cielos y El Chema. Aislinn Derbez (30) es hija de los actores Eugenio Derbez y Gabriela Michel.
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crítica
lunes, 7 de agosto de 2017
El círculo
No es de poca cuantía el asunto que se trae entre manos James Ponsoldt en su adaptación del best-seller de Dave Eggers. Desconozco la novela. Es más, no tengo idea de quién es Eggers, coguionista también de la película, pero imagino que el texto habrá intentado fantasear en torno a ciertos tópicos de actualidad: la relación, cada vez en mayor grado de dependencia, de los internautas respecto a los dispositivos que concentran el tiempo y la atención de los usuarios de las redes en esta época de frenética hiperconectividad.
El círculo del título —poco imaginativo, con la apariencia de una alerta temprana acerca de la chatura sobreviniente— es cierta megacorporación informática, algo así como Facebook+Google, donde ingresa a trabajar Mae, la protagonista, alcanzando el sueño de legiones de adictos digitales.Al principio las cosas discurren de maravilla. Los ambientes de trabajo son puro ensueño, el clima laboral insuperable, los horarios por demás generosos. Encabezando la compañía Eamon Bailey, una suerte de divinidad para sus funcionarios, encarna a cabalidad al yuppie posmoderno: preocupado por la ecología, siempre dispuesto a la filantropía, con una posición política correcta: descafeinada pero propicia para vender su imagen.
El primer timbrazo de alarma para Mae es la reta recibida de un compañero al enterarse que ella no comparte todos los minutos de su existencia en las redes. Eso justo cuando El círculo se apresta a poner en circulación su último hit tecnológico: una cámara inalámbrica del tamaño de una canica ubicable en cualquier lugar para escuchar y ver todo “en vivo y directo”. Adminículos semejantes se encuentran en nuestro mercado desde hace varios quinquenios, de modo que la pretendida novedad no lo es en absoluto.
Acicateada por el repentino ascenso a otras tareas Mae resuelve ponerse a tono con el anuncio mesiánico del jefazo, el cual alega que el invento está destinado a cambiar el mundo. Resuelve entonces colocarse una de las bolitas en el ojal, para a partir de ese momento, exponerse —incluyendo a su entorno más próximo— al escrutinio colectivo las 24 horas del día.
Nada novedoso tampoco, sabido como es que todos los usuarios de los aparejos digitales “inteligentes” engordan con cada cliqueo el big data, la base de datos armadas por los administradores de redes y plataformas con las que establecen el perfil de cada quién a fin de venderlo a compañías que arman campañas publicitarias personalizadas. Tales bases de datos son las principales herramientas de vigilancia y espionaje, de invasión de la intimidad, para mantener bajo control a todos los individuos en una versión sofisticada del Gran Hermano imaginado por Orwell en 1984.
El deslumbramiento de Mae con sus nuevas funciones comienza a enturbiarse cuando detrás del entusiasmo ingenuo por las fiestas después del horario laboral y de la admiración sin cortapisas por la figura del CEO, lejanamente inspirada en la de Steve Jobs, el capo de Apple, comienza a intuir que algo oscuro se trama entre bambalinas y que el venerado jefe se las trae. Peor todavía al sentir que la relación con su mentora se va averiando por los celos profesionales y cuanto su entrega a tiempo completo a los designios de la corporación la van alejando de sus padres y conocidos, momento de inflexión que gatillará una determinación por demás previsible. Como todo en una película resignada a la chatura expositiva de su desnortada trama, renuente tomar partido, recayendo en la ambigüedad de exaltar aquello que pretende controvertir.
En formato de tecno-thriller el relato apela a la circularidad situacional, volviendo una y otra vez a la reiterativa insistencia en lo ya dicho o mostrado. Ejemplo de tal incapacidad para dar con recursos enriquecedores de la narración es la presencia forzada de Ty, personaje interpretado por John Boyega, siempre detrás de Mae, con los brazos cruzados. Personifica una amenaza latente, de chirriante obviedad, tanto que resulta inadmisible el tiempo requerido por la protagonista para caer en cuenta de los riesgos de su ingenua disposición a jugar el juego armado por los administradores de esa estrategia del ocaso definitivo de la privacidad a partir de la “transparencia” absoluta.
La primera mitad del metraje insinúa poner en imagen una corrosiva sátira del ambiente de Silicon Valley, con sus sectas de afiebrados creyentes en la trascendencia de su tarea frente a las pantallas desde las cuales se sienten dominando el mundo en una versión frívola del culto de la modernidad al progreso de la técnica. Pero la segunda mitad es un atasco indescifrable que acaba desbarrancado de manera definitiva con su atropellada resolución del relato.
Emma Watson deja al descubierto enormes limitaciones para componer un personaje consistente, con la complejidad requerida para que el conflicto existencial no se limite a poner en pantalla los conceptos prefabricados que le toca ilustrar desde una distancia negada al diálogo interpelante con el espectador. Por su parte, Hanks hace lo suyo con displicencia, tal si hubiese sabido de antemano que El círculo era una empresa condenada desde su arranque a la sinrazón.
No basta que una película aborde temas candentes o de incuestionable actualidad. Importa el modo de traducirlos en un relato dramáticamente estructurado para involucrar al público, seduciéndolo a confrontarlo con su propia vivencia y, de tal suerte, inducir una interiorización del problema a partir de la identificación con los personajes. No obstante, si el relato se restringe a la plana entrega de bocadillos pre-digeridos, sin el menor margen para esa confrontación, es muy esmirriado no solo el efecto en términos de toma de distancia respecto a las engañifas de la felicidad a un toque del dedito sobre la pantalla, sino que es asimismo abono para el círculo de los panópticos consentidos. Esos que Ponsoldt quiso al parecer sentar en el banquillo, solo que jamás consiguió dar con la punta del ovillo y terminó enredado.
Ficha técnica
Titulo original: The Circle.
Dirección: James Ponsoldt.
Guion: James Ponsoldt, Dave Eggers.
Novela: Dave Eggers.
Fotografía: Matthew Libatique
Montaje: Lisa Lassek, Franklin Peterson.
Diseño: Gerald Sullivan.
Arte: Sarah M. Pott, Sebastian Schroder.
Música: Danny Elfman.Efectos: Stefanie Azpiazu, Anthony Bregman.
Intérpretes: Emma Watson, Tom Hanks, Ellar Coltrane, Glenne Headly, Bill Paxton. - USA/2017
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crítica
miércoles, 12 de julio de 2017
Dos son familia: Mañana empieza todo
ARGUMENTO
Samuel es un joven soltero y conquistador que vive en la costa francesa. Un día una antigua aventura se presenta con un bebé en brazos, le comunica que es su hija y desaparece. Incapaz de llevar una vida con un bebé intenta encontrar a la madre sin éxito. Pasa el tiempo y mientras la niña va creciendo llevan una vida divertida y maravillosa. Ocho años más tarde la madre regresa para recuperar a su hija.
Protagonizada por Omar Sy, quien acompañan en el reparto Clémence Poésy y la joven Gloria Colston.
El filme es el segundo largometraje de su director Hugo Gélin y la producción ha ido a cargo de Philippe Rousselier.
ENTREVISTA CON HUGO GÉLIN
P: ¿Cómo empieza la aventura?
R: Acababa de escribir el guión de mi segundo largometraje cuando Stéphane Célérier y Philippe Rousselet me propusieron que leyera este guión escrito por Jean-André Yerlès, y adaptado libremente de una película mexicana. Lo que me sedujo realmente fue el traslado de la acción desde el sur de Francia a Londres. Es una ciudad extraordinaria, que ofrece una gran variedad de decorados y que no está muy explotada en el cine francés. Por otra parte, desde el principio, sabía que Omar Sy soñaba con hacer el protagonista: tenía que interpretar a un tipo del sur, carismático y moderno, que vive al día, como un niño, y que seduce a todo el mundo con el que se cruza con el encanto único que le caracteriza. La idea de que el contraste entre el personaje y el mundo en el que está sumergido viene del desfase entre la Costa Azul y la capital inglesa me encantó desde el primer momento. Omar interpreta a un juerguista profesional, a un tipo feliz que, de repente, se ve catapultado a una ciudad en la que llueve todos los días.
P: ¿Qué es lo que le emocionó y le sedujo del guión?
R: Me conmocionaba la historia de este hombre que decide dedicar su vida a su hijita. Me recordaba a algunas películas, como La vida es bella de Roberto Benigni, o En busca de la felicidad de Gabriele Muccino, que llevan a escena de manera maravillosa historias de parejas de un adulto y un niño. Además, me pareció que, con este padre improbable, este amigo de gran corazón y esta madre que vuelve y a la que no quiere nadie, había realmente material para contar una historia divertida y cargada de emoción.
P: ¿Qué le inspiró el título de la película?
R: Se trata de una frase que mi abuela decía siempre. Era actriz, productora y llevó una vida increíble. Desgraciadamente, tuvo que superar una prueba increíble porque perdió a su único hijo. A pesar de todo, no dejaba de repetir todos los días esta frase de Bachelard “mañana empieza todo”. Yo sentía una gran admiración por ella. Una semana antes de que empezara el rodaje, le anuncié que la película iba a llamarse Dos son familia. Estaba superemocionada y falleció dos meses después.
Samuel es un joven soltero y conquistador que vive en la costa francesa. Un día una antigua aventura se presenta con un bebé en brazos, le comunica que es su hija y desaparece. Incapaz de llevar una vida con un bebé intenta encontrar a la madre sin éxito. Pasa el tiempo y mientras la niña va creciendo llevan una vida divertida y maravillosa. Ocho años más tarde la madre regresa para recuperar a su hija.
Protagonizada por Omar Sy, quien acompañan en el reparto Clémence Poésy y la joven Gloria Colston.
El filme es el segundo largometraje de su director Hugo Gélin y la producción ha ido a cargo de Philippe Rousselier.
ENTREVISTA CON HUGO GÉLIN
P: ¿Cómo empieza la aventura?
R: Acababa de escribir el guión de mi segundo largometraje cuando Stéphane Célérier y Philippe Rousselet me propusieron que leyera este guión escrito por Jean-André Yerlès, y adaptado libremente de una película mexicana. Lo que me sedujo realmente fue el traslado de la acción desde el sur de Francia a Londres. Es una ciudad extraordinaria, que ofrece una gran variedad de decorados y que no está muy explotada en el cine francés. Por otra parte, desde el principio, sabía que Omar Sy soñaba con hacer el protagonista: tenía que interpretar a un tipo del sur, carismático y moderno, que vive al día, como un niño, y que seduce a todo el mundo con el que se cruza con el encanto único que le caracteriza. La idea de que el contraste entre el personaje y el mundo en el que está sumergido viene del desfase entre la Costa Azul y la capital inglesa me encantó desde el primer momento. Omar interpreta a un juerguista profesional, a un tipo feliz que, de repente, se ve catapultado a una ciudad en la que llueve todos los días.
P: ¿Qué es lo que le emocionó y le sedujo del guión?
R: Me conmocionaba la historia de este hombre que decide dedicar su vida a su hijita. Me recordaba a algunas películas, como La vida es bella de Roberto Benigni, o En busca de la felicidad de Gabriele Muccino, que llevan a escena de manera maravillosa historias de parejas de un adulto y un niño. Además, me pareció que, con este padre improbable, este amigo de gran corazón y esta madre que vuelve y a la que no quiere nadie, había realmente material para contar una historia divertida y cargada de emoción.
P: ¿Qué le inspiró el título de la película?
R: Se trata de una frase que mi abuela decía siempre. Era actriz, productora y llevó una vida increíble. Desgraciadamente, tuvo que superar una prueba increíble porque perdió a su único hijo. A pesar de todo, no dejaba de repetir todos los días esta frase de Bachelard “mañana empieza todo”. Yo sentía una gran admiración por ella. Una semana antes de que empezara el rodaje, le anuncié que la película iba a llamarse Dos son familia. Estaba superemocionada y falleció dos meses después.
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miércoles, 5 de julio de 2017
Dos Son Familia: El valor para enfrentar los miedos
Llega a nuestro medio, la película Dos Son Familia, una historia que habla del amor padre e hija y del valor para enfrentar los miedos. Este largometraje es protagonizado por el actor Omar Sy, la estrella de Amigos (que recaudó más de 426 millones de dólares a nivel mundial) y fue recientemente visto en Jurassic World e Inferno.
SOBRE LA HISTORIA
La película francesa, que reunió a más de un millón de espectadores en el país galo en tan sólo 12 días en la cartelera, cuenta la historia de Samuel (Omar Sy), un hombre que vive una gran vida sin compromisos ni responsabilidades junto al mar y bajo el sol del sur de Francia, hasta que un día, una ex novia deja una pequeña bebé en su puerta, quien resulta ser Gloria ¡su hija!
Incapaz de cuidarla y determinado a devolver a la niña a su madre, Samuel viaja a Londres, pero no tiene suerte localizándola. Ocho años después, Samuel y Gloria han hecho una vida juntos y son inseparables. Cuando la madre aparece y quiere a su hija otra vez, la vida de Samuel quedará de cabeza.
SOBRE LA HISTORIA
La película francesa, que reunió a más de un millón de espectadores en el país galo en tan sólo 12 días en la cartelera, cuenta la historia de Samuel (Omar Sy), un hombre que vive una gran vida sin compromisos ni responsabilidades junto al mar y bajo el sol del sur de Francia, hasta que un día, una ex novia deja una pequeña bebé en su puerta, quien resulta ser Gloria ¡su hija!
Incapaz de cuidarla y determinado a devolver a la niña a su madre, Samuel viaja a Londres, pero no tiene suerte localizándola. Ocho años después, Samuel y Gloria han hecho una vida juntos y son inseparables. Cuando la madre aparece y quiere a su hija otra vez, la vida de Samuel quedará de cabeza.
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miércoles, 12 de abril de 2017
La cabaña’: Drama religioso para reflexionar
Uno de los libros de ficción cristiana más populares, con más de seis millones de copias vendidas en el mundo entero y traducido a 39 idiomas, La Cabaña (The Shack), llegará a las salas de cine y con el protagónico de Octavia Spencer y Sam Worthington.
La historia de esta novela es del canadiense William P. Young, quien autofinanció la publicación de la obra, pues su única intención era que la leyeran sus hijos como regalo de navidad. Se trataba de un escrito para aprender a reconciliarse con el alma y retomar la fe.
El personaje es Mack Phillips (Sam Worthington), un padre que sufre una terrible tragedia cuando su hija Missy de seis años es secuestrada y asesinada brutalmente en una cabaña. El dolor de su temprana desaparición le hace perder la fe en todo y aunque se ha esforzado por cuatro años no consigue superarlo. Un día recibe una nota que lo invita a visitar ese lugar del bosque en el que ocurrieron los hechos, una nota que causa impacto en él, pero también curiosidad al estar firmada por “Dios”. Al acudir al lugar es recibido por tres personajes (una mujer afroamericana, un hombre árabe y una mujer asiática) que representan la Trinidad. Esa mujer afroamericana que representa a Dios padre es interpretada en la película por Octavia Spencer, un personaje que se hace llamar Papa. Ese encuentro representa un viaje para Mack, donde descubre importantes verdades, entre ellas una elevada comprensión sobre lo que significa su tragedia, permitiéndole cambiar su vida para siempre.
Los elementos fantasiosos de esta historia, presentar al Espíritu Santo no como una paloma, por ejemplo, sino como un humano, o que tenga tanta filosofía humanista, hizo que no contara con el aval unánime de las comunidades cristianas, sin embargo, esos elementos fueron los que le permitieron vender la novela en librerías generales y acercar al tema cristiano a muchos que no lo son. El autor expresó en su momento que concebir a Dios como una mujer tenía como único objetivo, precisamente, alterar las ideas preconcebidas de la religión.
La dirección es de Stuart Hazeldine (Exam) y adaptación de guion entre otros de John Fusco (Hilgado).
La historia de esta novela es del canadiense William P. Young, quien autofinanció la publicación de la obra, pues su única intención era que la leyeran sus hijos como regalo de navidad. Se trataba de un escrito para aprender a reconciliarse con el alma y retomar la fe.
El personaje es Mack Phillips (Sam Worthington), un padre que sufre una terrible tragedia cuando su hija Missy de seis años es secuestrada y asesinada brutalmente en una cabaña. El dolor de su temprana desaparición le hace perder la fe en todo y aunque se ha esforzado por cuatro años no consigue superarlo. Un día recibe una nota que lo invita a visitar ese lugar del bosque en el que ocurrieron los hechos, una nota que causa impacto en él, pero también curiosidad al estar firmada por “Dios”. Al acudir al lugar es recibido por tres personajes (una mujer afroamericana, un hombre árabe y una mujer asiática) que representan la Trinidad. Esa mujer afroamericana que representa a Dios padre es interpretada en la película por Octavia Spencer, un personaje que se hace llamar Papa. Ese encuentro representa un viaje para Mack, donde descubre importantes verdades, entre ellas una elevada comprensión sobre lo que significa su tragedia, permitiéndole cambiar su vida para siempre.
Los elementos fantasiosos de esta historia, presentar al Espíritu Santo no como una paloma, por ejemplo, sino como un humano, o que tenga tanta filosofía humanista, hizo que no contara con el aval unánime de las comunidades cristianas, sin embargo, esos elementos fueron los que le permitieron vender la novela en librerías generales y acercar al tema cristiano a muchos que no lo son. El autor expresó en su momento que concebir a Dios como una mujer tenía como único objetivo, precisamente, alterar las ideas preconcebidas de la religión.
La dirección es de Stuart Hazeldine (Exam) y adaptación de guion entre otros de John Fusco (Hilgado).
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crítica
martes, 7 de marzo de 2017
Critica Luz de luna
De momento, habiendo visto Talentos ocultos y restando apreciar Fences, el tercero de los títulos de la trica de películas sobre el mundo y las zozobras de la gente “de color” preseleccionadas este año para los tíos Oscar, está claro que Luz de Luna —a diferencia de la de Theodore Melfi—, amén de ser funcional, sin proponérselo, al ejercicio de exorcismo de la Academia, tiene sus incuestionables méritos cinematográficos para llegar al podio. Suponiendo que en esa farándula anual el cine sea uno de los invitados Vip, lo cual pareciera mucho suponer conocido su prontuario. Para decirlo breve y pronto: la película tiene musculatura narrativa suficiente como para medirse en otros espacios competitivos donde el cine importe de veras.
Respondiendo a una elección cargada de modo inocultable de sentido, la historia no transcurre convencionalmente en Harlem u otro suburbio neoyorkino sino en Miami sitio al cual una astuta estrategia de mercadotecnia turística instaló de manera perdurable en el imaginario colectivo como epítome del paraíso vacacional, no obstante las noticias más o menos frecuentes llegadas de allá a propósito de los desmanes de narcotraficantes y otras cuestiones no muy paradisiacas.
En ese lado oscuro de la realidad discurre buena parte de la historia de Chiron, dividida en tres capítulos: infancia, adolescencia, adultez, cada una interpretada por un actor diferente, lo cual ya es un primer indicador del atrevimiento con el cual el director Barry Jenkins pone manos a la obra, resuelto a dejar de lado el repertorio de tópicos que otros colegas hubiesen desenfundado para encarar el sinuoso periplo hacia la madurez de ese niño negro en busca de sí mismo.
Todos los ingredientes biográficos e identitarios del personaje: raza, inclinación a la homosexualidad, desamparo temprano y un abundante etc. se prestaban para uno de esos pastiches “reivindicatorios”, demagógicos en definitiva, de los cuales Jenkins se aparta con premeditada meticulosidad en este segundo largo realizado ocho años después de su ópera prima (Remedio para melancólicos/2008).
Huyendo del acoso de sus compañeros de escuela, así como del maltrato de Paula, su madre drogadicta y dedicada a la prostitución, Chiron, escondido entre las ruinas de una casa deshabitada, es encontrado por Juan, traficante de drogas que pisa fuerte en el barrio. Entre ambos se incuba de inmediato una estrecha relación afectiva, de la que hace parte asimismo Teresa, la novia de Juan, quien pronto ocupa el lugar del extrañado referente paterno. Tal relación, sumada a la de Kevin, el único amigo de su edad, entretejen el primer segmento, subtitulado Little, de la historia. Ya en ella el tratamiento se distancia de los clichés abriendo un amplio espacio a la matización del criterio sobre los personajes —Paula, Juan— que en ningún momento resultan despojados de rasgos humanos, esto es contradictorio, y a los cuales el director renuncia juzgar.
En la segunda parte, con el subtítulo de Chiron, el eje dramático gira en torno al reencuentro de los dos amigos de infancia, adolescentes ya, y al franco afloramiento de una hasta entonces sofocada atracción que pone al descubierto la homosexualidad del protagonista, sumando un nuevo motivo de perplejidad a la tortuosa procura de su identidad.
El tercer eslabón de la cadena —el subtítulo es Black— nos pone en presencia de Chiron mutado en un poderoso comerciante de drogas afincado en Georgia. Rondan otra vez las tentaciones de perogrullo a que se prestaba ese tramo narrativo. Pero la bonanza material alcanzada no compensa en modo alguno las múltiples incertidumbres que siguen agobiando al personaje, según lo confiesa en una larga conversación bajo la luz de la luna justamente. De esa manera Jenkins sortea de nuevo el riesgo de incurrir en alguna estridencia doctrinaria desacompasada con la modulación de un relato siempre apegado a la angustia del personaje, al susurro nunca al alarido.
Y como Chiron, en lugar de darle rienda suelta, procesa su desacomodo adoptando a manera de estrategia defensiva una actitud hosca e introvertida, es en la austeridad de los tonos, los acentos, las inflexiones, donde finca el director la posibilidad de conectarnos empáticamente con él, y a través de él con quiénes lo circundan. Lo consigue a cabalidad, justamente gracias a haber rehuido todo gesto ampuloso que pudiera distraernos de lo esencial.
Eisenstein, refiriéndose al montaje de atracciones, solía decir que la función de tal procedimiento narrativo era construir un todo cuya carga significativa trascendiera la mera suma de las partes. La referencia me vino a la memoria al advertir el modo empleado por Jenkins para articular los tres episodios de la película, estableciendo entre ellos un hilo conductor, no explícito, que remite a la pugna interior de Chiron con dilemas existenciales universales, más allá de las delimitaciones de color y género, válidas dramáticamente para espesar el volumen del personaje, pero sin que ello redunde en un acotamiento de los conflictos descritos a una tipología individual o colectiva específica, empañando de ese modo sus connotaciones más generales.
Cada escena se extiende lo que necesita para contar lo que debe. Y la negativa radical de Jenkins a valerse, en términos de puesta, de “lo que se usa” puede constatarse asimismo en el manejo de la paleta cromática y la iluminación. Por ortodoxia, los directores deseosos de acentuar el dramatismo de los asuntos que tocan echan mano de los tonos apagados y de los altos contrastes. Tales prescripciones figurativas enseñan los manuales, ayudan a ensombrecer la atmósfera, denotando pesimismo, melancolía, tristeza, o lo que fuese. En la oportunidad semejante proceder hubiese equivalido a una suerte de sobreexplicación visual, sin embargo el director elige con tino un estilo de fotografía heterodoxa para el género, eficaz empero.
Abierto, el final es consecuente con el pesimismo de la pintura de una realidad áspera, no exenta de atisbos de esperanza en la paradójica dimensión idiosincrática de sus figuras marginales. Así evita también la a menudo flagrante contradicción de los relatos que forzando una resolución habilitada para contentar a todos dejan en agua de borrajas lo expuesto hasta allí.
Son inocultables las remisiones alusivas de Luz de luna a los empeños contestatarios del llamado “indie” — de independiente—, la versión norteamericana algo tardía del cine europeo de autor, pero asimismo a este último. De hecho no pareciera abusivo detectar huellas de Casavettes, Resnais, Reisz, del primer Godard incluso, en esta película que asume a cabalidad, y a contramano de las hechuras atenidas al mainstream, la potencia del cine para adentrarse en los vericuetos de la condición humana doblegando las resistencias de los códigos icónicos a una lectura más allá de su invocación a la visibilidad inmediata.
Ficha técnica
Título original: ‘Moonlight’
- Dirección y Guion: Barry Jenkins
– Historia: Tarell Alvin McCraney
- Fotografía: James Laxton
- Montaje: Joi McMillon, Nat Sanders
- Diseño: Hannah Beachler
- Arte: Mabel Barba
- Efectos: Betty Cameron, Dirk Greene, Alek Rost
- Música: Nicholas Britell
- Producción: Sarah Esberg, Dede Gardner, Andrew Hevia, Jeremy Kleiner, Tarell Alvin McCraney, John Montague, Veronica Nickel, Brad Pitt
- Intérpretes: Mahershala Ali, Shariff Earp, Duan Sanderson, Alex R. Hibbert, Janelle Monáe, Naomie Harris, Jaden Piner, Herman 'Caheei McGloun – USA/2016.
miércoles, 14 de septiembre de 2016
Bridget alcanza la madurez: El bebé de Bridget Jones
INOPSIS
Después de romper con Mark Darcy (Colin Firth), la idea que Bridget Jones se había hecho del “serán felices y comerán perdices” no acabó como había imaginado. Soltera de nuevo a los cuarenta, decide centrarse en su trabajo como productora de noticias, y rodearse de viejos y nuevos amigos. Por una vez en su vida, Bridget parece tenerlo todo bajo control, nada puede torcerse, ¿o sí?
Su vida amorosa toma una nueva dirección cuando conoce a un elegante estadounidense llamado Jack (Patrick Dempsey), un galán que tiene todo lo que el Sr. Darcy no tiene. Y descubre que se ha quedado embarazada, pero no está segura al cien por cien de quién es el padre.
LA PRODUCCIÓN
Renée Zellweger y Colin Firth, ganadores del Premio Oscar, se unen a Patrick Dempsey en el último capítulo de la soltera favorita de todos, Bridget Jones. En esta entrega de la saga cómica basada en la heroína creada por Helen Fielding y dirigida por Sharon Maguire, Bridget descubre inesperadamente que está embarazada.
La esperada tercera entrega de la franquicia de Bridget Jones da la bienvenida a la oscarizada Emma Thompson como parte del reparto, en el que también están Jim Broadbent.
POPULARIDAD DE JONES
El 28 de febrero de 1995, el periódico británico The Independent publicó una pequeña columna sin pretensiones firmada por la entonces desconocida Helen Fielding. Describía el mundo de Bridget Jones, soltera, 32 años, 58,5 kilos, que vivía y trabajaba en Londres. La columna no tardó en hacerse popular, Bridget se hizo famosa y a su creadora le llovieron las ofertas. Diez años después de la publicación de la primera columna, Bridget Jones tenía en su haber dos novelas superventas y dos taquillazos mundiales.
Helen Fielding nunca tuvo en mente crear un ejemplo a seguir por nadie, sin embargo dio vida a una heroína que había sido ignorada por la cultura popular. Bridget Jones, a pesar de ser muy independiente, no tenía miedo de revelar sus defectos y su falta de seguridad.
Aparte de la autora, nadie conoce tan bien a la protagonista como la actriz que la ha encarnado desde el primer momento. “Bridget es una optimista nata, además de modesta y encuentra una pizca de humor siempre que se enfrenta a la adversidad”, dice Renée Zellweger. “Es tenaz y terca, no acepta la derrota. Su perfecta imperfección la convierte en una persona muy cercana”.
Los productores Tim Bevan y Eric Fellner, de Working Title Films, encabezan el equipo que lleva a Bridget Jones a la pantalla por tercera vez. Eric Fellner habla del afecto que despierta el personaje entre el público: “Bridget es optimista por naturaleza y acepta todo lo que le ocurre de forma positiva. Su sentido del humor es contagioso. La queremos porque nos identificamos con sus desgracias. Bridget lo hace todo con mucho estilo y humor, por eso es un placer estar con ella. Pase lo que pase, regresa con estoicismo, solidez y, en general, con una carcajada”.
Después de romper con Mark Darcy (Colin Firth), la idea que Bridget Jones se había hecho del “serán felices y comerán perdices” no acabó como había imaginado. Soltera de nuevo a los cuarenta, decide centrarse en su trabajo como productora de noticias, y rodearse de viejos y nuevos amigos. Por una vez en su vida, Bridget parece tenerlo todo bajo control, nada puede torcerse, ¿o sí?
Su vida amorosa toma una nueva dirección cuando conoce a un elegante estadounidense llamado Jack (Patrick Dempsey), un galán que tiene todo lo que el Sr. Darcy no tiene. Y descubre que se ha quedado embarazada, pero no está segura al cien por cien de quién es el padre.
LA PRODUCCIÓN
Renée Zellweger y Colin Firth, ganadores del Premio Oscar, se unen a Patrick Dempsey en el último capítulo de la soltera favorita de todos, Bridget Jones. En esta entrega de la saga cómica basada en la heroína creada por Helen Fielding y dirigida por Sharon Maguire, Bridget descubre inesperadamente que está embarazada.
La esperada tercera entrega de la franquicia de Bridget Jones da la bienvenida a la oscarizada Emma Thompson como parte del reparto, en el que también están Jim Broadbent.
POPULARIDAD DE JONES
El 28 de febrero de 1995, el periódico británico The Independent publicó una pequeña columna sin pretensiones firmada por la entonces desconocida Helen Fielding. Describía el mundo de Bridget Jones, soltera, 32 años, 58,5 kilos, que vivía y trabajaba en Londres. La columna no tardó en hacerse popular, Bridget se hizo famosa y a su creadora le llovieron las ofertas. Diez años después de la publicación de la primera columna, Bridget Jones tenía en su haber dos novelas superventas y dos taquillazos mundiales.
Helen Fielding nunca tuvo en mente crear un ejemplo a seguir por nadie, sin embargo dio vida a una heroína que había sido ignorada por la cultura popular. Bridget Jones, a pesar de ser muy independiente, no tenía miedo de revelar sus defectos y su falta de seguridad.
Aparte de la autora, nadie conoce tan bien a la protagonista como la actriz que la ha encarnado desde el primer momento. “Bridget es una optimista nata, además de modesta y encuentra una pizca de humor siempre que se enfrenta a la adversidad”, dice Renée Zellweger. “Es tenaz y terca, no acepta la derrota. Su perfecta imperfección la convierte en una persona muy cercana”.
Los productores Tim Bevan y Eric Fellner, de Working Title Films, encabezan el equipo que lleva a Bridget Jones a la pantalla por tercera vez. Eric Fellner habla del afecto que despierta el personaje entre el público: “Bridget es optimista por naturaleza y acepta todo lo que le ocurre de forma positiva. Su sentido del humor es contagioso. La queremos porque nos identificamos con sus desgracias. Bridget lo hace todo con mucho estilo y humor, por eso es un placer estar con ella. Pase lo que pase, regresa con estoicismo, solidez y, en general, con una carcajada”.
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crítica
sábado, 10 de septiembre de 2016
Tercera entrega de las aventuras de Bridget Jones
Bridget Jones vuelve con nuevas aventuras. En esta tercera entrega Bridget tiene 40 años y está decidida a dar un giro total a su vida. Ha roto su relación con Mark y tiene un nuevo pretendiente, Jack. Pero todo cambiará cuando reciba una increíble noticia: está embarazada.
El reparto de esta comedia romántica dirigida por Sharon Maguire, sigue siendo el mismo a excepción de Huge Grant.
Al estreno del filme en Londres asistieron los protagonistas de la película, Renée Zellweger y Colin Firth.
"Nos conocemos todos desde hace mucho. Además, hemos compartido muchas cosas y nos tenemos mucho cariño entre nosotros pero también a los personajes. Creo que el público podrá sentirlo cuando vea la película", asegura la actriz.
"Una parte de mí me dice: olvídalo, eso ya ha pasado, no es importante. Pero de repente, te ves en una habitación con la misma gente y es como si fuese siempre el mismo día, como si el tiempo no hubiese pasado", afirma el actor.
Pero el mayor problema para Bridget será saber quién es el padre del niño.
Las aventuras de Bridget Jones son una adaptación de las novelas escritas por Helen Fielding. Novelas que fueron publicadas en 40 países en los que se vendieron más de 15 millones de copias.
Sharon Maguire dirigió la primera entrega "Los diarios de Bridget Jones"
"Las historias de Bridget Jones cuentan algo muy simple, hablan de la diferencia que existe entre lo que todo el mundo espera que seamos y lo que somos realmente. También abordan las relaciones que mantenemos con nuestros amigos", explica Fielding.
"Espero que haya más entregas de las aventuras de Bridget porque también reflejan buena parte de mi vida. Yo todavía tengo mucho que vivir así que me imagino que ella también", dice Maguire.
"El bebé de Bridget Jones", llega a los cines de todo el mundo la próxima semana.
SINOPSIS (sensacine.com)
Continúan las aventuras de la atolondrada Bridget Jones (Renée Zellweger), ahora ya con los 40 años recién cumplidos y soltera de nuevo. Decidida a comenzar una nueva etapa en su vida, alejada de los excesos y de la constante depresión que antes definía su día a día, la protagonista, con una actitud más positiva, se mantiene en forma yendo al gimnasio y se rodea de viejos amigos, y también de algunos nuevos. Además, en su carrera profesional, se estrena como productora en un informativo de televisión. Eso sí, aunque mantiene una buena relación con su ex, Mark Darcy (Colin Firth), sigue ejerciendo un papel importante en su vida.
Por una vez, Bridget tiene todo bajo control. ¿Qué podría salir mal? De momento, su vida amorosa da un giro inesperado cuando Bridget conoce a Jack Qwant (Patrick Dempsey), un nuevo pretendiente que es todo lo contrario que Mark. Las cosas se complicarán más todavía cuando Bridget reciba una noticia que lo cambie todo por completo: está embarazada. Y por si fuera poco, no se sabe de quién es el bebé: porque las posibilidades son, al cincuenta por ciento, o su eterno enamorado Mark o su nuevo interés amoroso Jack.
El reparto de esta comedia romántica dirigida por Sharon Maguire, sigue siendo el mismo a excepción de Huge Grant.
Al estreno del filme en Londres asistieron los protagonistas de la película, Renée Zellweger y Colin Firth.
"Nos conocemos todos desde hace mucho. Además, hemos compartido muchas cosas y nos tenemos mucho cariño entre nosotros pero también a los personajes. Creo que el público podrá sentirlo cuando vea la película", asegura la actriz.
"Una parte de mí me dice: olvídalo, eso ya ha pasado, no es importante. Pero de repente, te ves en una habitación con la misma gente y es como si fuese siempre el mismo día, como si el tiempo no hubiese pasado", afirma el actor.
Pero el mayor problema para Bridget será saber quién es el padre del niño.
Las aventuras de Bridget Jones son una adaptación de las novelas escritas por Helen Fielding. Novelas que fueron publicadas en 40 países en los que se vendieron más de 15 millones de copias.
Sharon Maguire dirigió la primera entrega "Los diarios de Bridget Jones"
"Las historias de Bridget Jones cuentan algo muy simple, hablan de la diferencia que existe entre lo que todo el mundo espera que seamos y lo que somos realmente. También abordan las relaciones que mantenemos con nuestros amigos", explica Fielding.
"Espero que haya más entregas de las aventuras de Bridget porque también reflejan buena parte de mi vida. Yo todavía tengo mucho que vivir así que me imagino que ella también", dice Maguire.
"El bebé de Bridget Jones", llega a los cines de todo el mundo la próxima semana.
SINOPSIS (sensacine.com)
Continúan las aventuras de la atolondrada Bridget Jones (Renée Zellweger), ahora ya con los 40 años recién cumplidos y soltera de nuevo. Decidida a comenzar una nueva etapa en su vida, alejada de los excesos y de la constante depresión que antes definía su día a día, la protagonista, con una actitud más positiva, se mantiene en forma yendo al gimnasio y se rodea de viejos amigos, y también de algunos nuevos. Además, en su carrera profesional, se estrena como productora en un informativo de televisión. Eso sí, aunque mantiene una buena relación con su ex, Mark Darcy (Colin Firth), sigue ejerciendo un papel importante en su vida.
Por una vez, Bridget tiene todo bajo control. ¿Qué podría salir mal? De momento, su vida amorosa da un giro inesperado cuando Bridget conoce a Jack Qwant (Patrick Dempsey), un nuevo pretendiente que es todo lo contrario que Mark. Las cosas se complicarán más todavía cuando Bridget reciba una noticia que lo cambie todo por completo: está embarazada. Y por si fuera poco, no se sabe de quién es el bebé: porque las posibilidades son, al cincuenta por ciento, o su eterno enamorado Mark o su nuevo interés amoroso Jack.
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crítica
domingo, 14 de agosto de 2016
Insuperable acción en el mejor Bourne
Matt Damon vuelve a meterse en la piel de Jason Bourne en la quinta parte de la serie iniciada en 2002.
Jason Bourne es ya la película más taquillera de la saga. En las anteriores entregas asistimos a la búsqueda de nuestro exagente secreto (cuyo verdadero nombre es David Webb) con la intención de conocer su pasado, olvidado cuando cayó inconsciente en las aguas del Mediterráneo.
Algunas cosas averiguó, como que había sido reclutado por los departamentos más ocultos de la CIA para modificar el comportamiento humano y convertir a soldados en "máquinas” de matar, frías y sin sentimientos. Pero aún hay más.
Jason Bourne comienza en Reikiavik, con la única y fiel amiga de Bourne, Nicky Parsons (Julia Stiles), indagando sobre su colega, el cual malgasta los días luchando a puño descubierto en combates clandestinos. Mucha adrenalina que soltar. Parsons contacta con él para informarle de algo importante: el padre de Bourne, Richard Webb (Gregg Henry), tuvo un papel relevante en la creación del progama Treadstone de la CIA, al que su hijo perteneció. A Parsons, sin embargo, la tienen vigilada desde los servicios secretos, y la intención del director de la CIA, Robert Dewey (Tommy Lee Jones), y la talentosa subordinada Heather Lee (Alicia Vikander) es acabar con ella y Bourne
Tercera colaboración, por tanto, entre Damon y Greengrass. Vienen fuerte y dándolo todo, especialmente Greengrass, el cual lleva su peculiar estilo fílmico hasta sus últimas consecuencias… con éxito. La cámara se mueve más que nunca y, he aquí la paradoja, con una extraña claridad a pesar del caos de las secuencias. Un trabajo titánico de edición, planificación y sonido que deja con la boca abierta.
La acción es visceral, "in your face”, espectacularidad sin necesidad de interminables efectos digitales. Sólo un experto en el suspenso visual como el director británico puede salir airoso de algo tan arriesgado. Basta recordar su maestra dirección en United 93 (2007) o Captain Philips (2013), donde sacaba jugo dramático desde la perfecta elección de planos y el montaje de Christopher Rouse, colaborador habitual de Greengrass y que además también colabora en el guión.
Jason Bourne es cara, muy cara, y además es brillante. Las dos cosas no siempre van cogidas de la mano. Las hiperbólicas persecuciones de las secuencias de la manifestación en la plaza Syntagma de Atenas o la parte final en Las Vegas son delirantes a la par que realistas. Llamadme ingenuo, pero todavía no sé cómo lo hicieron. Por otra parte, choca que los policías sean tan torpes y no logren atrapar ni a Damon ni a los que lo persiguen. Cosas del cine que nunca cambiarán, como esa parafernalia habitual de la CIA que se muestra en las películas, mucho más sofisticada (sospecho) que lo que de verdad tienen.
El guión es robusto y no se centra en las meras caricaturas… aunque Bourne necesite hablar un poco más, una sonrisita, una lágrima, algo. Es el protagonista, y, sin embargo, es el que menos interesa. Va a lo suyo y sólo tiene una única meta: saber qué ocurrió con su vida años atrás. Mientras llega a su destino, se carga (sin querer, se entiende) a unos cuantos transeúntes por las calles de todo el mundo.
Es gélido, calculador, egoísta, material perfecto para odiar. Bourne es prácticamente un robot. Empatía poquita, la justa, por mucho que los guionistas intenten suavizarlo mediante la cercanía emocional con Nicky Parsons. En cualquier caso, el filme es tan vibrante y sólido que no queda más remedio que rendirse a sus pies a pesar de los (perdonables) defectos. Nada es perfecto.
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lunes, 25 de enero de 2016
REAVIVA CRÍTICAS CONTRA HILLARY “BENGASI”
El ataque mortal contra el consulado de Estados Unidos en Bengasi, en 2012, continúa siendo un dolor de cabeza para la candidata a la Casa Blanca Hillary Clinton, esta vez en forma de una película de acción de Hollywood.
El filme sobre los dos ataques que dejaron cuatro estadounidenses muertos, incluido el embajador Chris Stevens, se ha ganado los elogios de los conservadores porque de forma indirecta critica la gestión de Clinton, entonces secretaria de Estado.
“13 Horas: los soldados secretos de Bengasi” cuenta la noche del 11 al 12 de septiembre de 2012 a través de la mirada de seis personajes, exsoldados de élite estadounidenses contratados por la CIA para proteger sus instalaciones secretas en esa ciudad libia.
La película retrata su heroica lucha durante esa noche con incesantes explosiones, características de las películas de Michael Bay (“Transformers”, “Pearl Harbor”, “Armageddon”), para repeler los ataques.
Un primer ataque ocurrió a inicios de la tarde contra el consulado estadounidense, donde Stevens falleció rápidamente asfixiado en un incendio provocado por los atacantes islamistas. El analista Sean Smith también falleció.
Algunas horas más tarde ocurre un segundo asalto contra unas instalaciones de la CIA, a dos kilómetros del consulado. Los seis exsoldados defendieron el edificio disparando desde el techo contra decenas de hombres fuertemente armados.
El exsoldado Tyrone Woods y el operador Glen Doherty perecieron en ese ataque.
La tesis del filme es simple: los hombres en Bangasi no recibieron ningún refuerzo de Washington o del Pentágono, pese a múltiples llamados de socorro.
El filme sobre los dos ataques que dejaron cuatro estadounidenses muertos, incluido el embajador Chris Stevens, se ha ganado los elogios de los conservadores porque de forma indirecta critica la gestión de Clinton, entonces secretaria de Estado.
“13 Horas: los soldados secretos de Bengasi” cuenta la noche del 11 al 12 de septiembre de 2012 a través de la mirada de seis personajes, exsoldados de élite estadounidenses contratados por la CIA para proteger sus instalaciones secretas en esa ciudad libia.
La película retrata su heroica lucha durante esa noche con incesantes explosiones, características de las películas de Michael Bay (“Transformers”, “Pearl Harbor”, “Armageddon”), para repeler los ataques.
Un primer ataque ocurrió a inicios de la tarde contra el consulado estadounidense, donde Stevens falleció rápidamente asfixiado en un incendio provocado por los atacantes islamistas. El analista Sean Smith también falleció.
Algunas horas más tarde ocurre un segundo asalto contra unas instalaciones de la CIA, a dos kilómetros del consulado. Los seis exsoldados defendieron el edificio disparando desde el techo contra decenas de hombres fuertemente armados.
El exsoldado Tyrone Woods y el operador Glen Doherty perecieron en ese ataque.
La tesis del filme es simple: los hombres en Bangasi no recibieron ningún refuerzo de Washington o del Pentágono, pese a múltiples llamados de socorro.
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crítica
lunes, 18 de enero de 2016
‘NIKKEI’, DE KAORI FLORES
Las reflexiones con tono de ensayo cinematográfico sobre quiénes somos han permitido que las búsquedas personales de los realizadores den paso al descubrimiento y la revelación de un mundo íntimo que suele asombrar contribuyendo a vivir en una mejor sociedad donde el conocimiento del otro nos permite ver las cosas de una forma distinta.
Kaori Flores Yonekura es una cineasta venezolana, que en su ópera prima opta por narrar en primera persona una historia familiar sobre migración de Japón a América Latina, siguiendo el itinerario de un viaje. Nikkei es un documental que logra esbozar un capítulo muy importante para nuestros países, la historia de la migración nipona que en este caso se rastrea entre Perú, Venezuela y por supuesto Japón.
La película logra hacer el viaje de retorno a la tierra de sus abuelos y en esta travesía descubrir, denunciar, poner en evidencia lo que significó para los japoneses toda una época signada por la Segunda Guerra Mundial que trajo consecuencias sociales insospechadas en un primer momento. La discriminación como signo prevaleciente durante los primeros años peruanos, la explotación del hombre por el hombre y la resistencia cultural de toda una comunidad que tuvo que sufrir para poder volver a nacer en otras tierras, eso es algo de lo que transmite con sencilla pulcritud Kaori Flores.
Todo lo que se ve y se escucha permite generar un ambiente que el documental contemporáneo ha fortalecido constantemente evitando el canon que da paso al reportaje. Ésta es una película de autor que apuesta por ser auténtica desde la experiencia propia transmitida con honestidad luego de presentar un conflicto de identidad que cuestiona la pluriculturalidad latinoamericana proponiendo también revisitar las migraciones más modernas que también han modificado nuestras relaciones sociales.
Pistas
En primera persona
Kaori Flores dice: “Con esta película estoy presentando cómo se construye una identidad a partir de la migración, siendo “nikkei” un término para identificar a los inmigrantes japoneses y su descendencia, a la cual pertenezco. (...) Y en primera persona, como realizadora y “nikkei”, descubrí aspectos en mí que forman parte de la herencia japonesa que no sabía que provenían de ahí, se le llama Memoria Genética, aspectos biológicos y psicológicos conferidos en los genes por la historia de los individuos y especie”.
Plastilina Mosh
Alejandro Rosso, de Plastilina Mosh, compuso el tema principal de Nikkei. El mexicano logra traducir mucho del sentido de búsqueda que tiene el documental en esta pieza musical. Rosso también participó en oficios musicales para la película mexicana Temporada de patos (2004) de Fernando Eimbcke, que fue ganadora de 11 Premios Ariel incluyendo la mejor banda sonora. En su más reciente filme, Club Sándwich (2013), Eimbcke tiene como protagonista a la boliviana María René Prudencio (Jonás y la ballena rosada, 1995).
Cine de Venezuela
Recientemente la cinematografía venezolana alcanzó un nuevo premio internacional. Dauna. Lo que lleva el río de Mario Crespo logró el Premio Coral Ópera Prima en la pasada edición del Festival de La Habana. Es uno de los 58 galardones que internacionalmente alcanzó el cine venezolano en 2015. El logro mayor sucedió en Italia durante la 72ª Mostra Internazionale d’Arte Cinematográfica la Biennale di Venezia, donde el León de Oro se lo llevó el venezolano Lorenzo Vigas con su ópera prima Desde allá.
miércoles, 23 de diciembre de 2015
Star Wars: esto dice la crítica cinematográfica
Star Wars: El Despertar de la Fuerza ya se ha estrenado y las primeras impresiones señalan que los fanáticos han acabo muy satisfechos. Después de 10 años de espera pudimos volver a ver en pantalla gigante a los recordados personajes de la saga y empezar a conocer a los nuevos protagonistas.
Al margen del fanatismo que puede despertar, críticos de cine de diversos medios internacionales han publicados comentarios muy positivos de la cinta.
Chris Nashawaty, de Entertainment Weekly, dijo que la cinta era “una aventura divertida envuelta en mitología épica”, mientras que Ann Hornaday, del diario estadounidense The Washington Post, dijo que “El despertar de la fuerza toca todas las fibras correctas, emocionales y narrativas, además de que se siente conocida y estimulantemente nueva”.
Muchos señalan que El Despertar de la Fuerza es un homenaje a la nostalgia por las constantes referencias a las primeras películas. “A los adultos les va a invadir una nostalgia que les va a dejar al borde de la lágrima porque es un verdadero clásico. La cinta es cine de verdad. Es justo lo que estábamos esperando”, publicó The Times.
Gran parte de los comentarios también se centran en elogiar el trabajo del director de la cinta J.J. Abrams.
Al margen del fanatismo que puede despertar, críticos de cine de diversos medios internacionales han publicados comentarios muy positivos de la cinta.
Chris Nashawaty, de Entertainment Weekly, dijo que la cinta era “una aventura divertida envuelta en mitología épica”, mientras que Ann Hornaday, del diario estadounidense The Washington Post, dijo que “El despertar de la fuerza toca todas las fibras correctas, emocionales y narrativas, además de que se siente conocida y estimulantemente nueva”.
Muchos señalan que El Despertar de la Fuerza es un homenaje a la nostalgia por las constantes referencias a las primeras películas. “A los adultos les va a invadir una nostalgia que les va a dejar al borde de la lágrima porque es un verdadero clásico. La cinta es cine de verdad. Es justo lo que estábamos esperando”, publicó The Times.
Gran parte de los comentarios también se centran en elogiar el trabajo del director de la cinta J.J. Abrams.
jueves, 26 de noviembre de 2015
Tácticas de marketing empleadas en la real elección presidencial Boliviana del 2002: Experta en crisis
ARGUMENTO
El candidato presidencial boliviano que va bajando gravemente en las encuestas, cuenta con un equipo americano de elite, dirigido por la profundamente dañada pero aún brillante estratega Jane Bodine (Bullock). Retirada por voluntad propia tras un escándalo que la sacudió, Jane es engatusada en el juego para tener la oportunidad de vencer a su némesis profesional, el repugnante Pat Candy (Thornton), coaching ahora de la oposición.
Pero como caramelo -tanto dentro como fuera de la campaña electoral- Jane se sumió en una crisis personal, tan intensa como su equipo, hace explotar todo a nivel nacional para aumentar sus números.
Experta en Crisis revela las maquinas cínicas y batallas privadas de clase mundial sobre consultores políticos para quienes nada es sagrado y ganar es lo único que importa.
SOBRE EL FILME
La película también está protagonizada por Anthony Mackie, Joaquim de Almeida, Ann Dowd, Scoot McNairy, Zoe Kazan y Reynaldo Pacheco.
David Gordon Green dirige un guión por el nominado al Oscar Peter Straughan, sugerido por Rachel Boynton, que contorneó la campaña política americana, las tácticas de marketing empleadas en la real elección presidencial Boliviana del 2002.
Experta en Crisis toma una mirada oportuna y satírica a la astucia de altas apuestas detrás de las escenas de una campaña presidencial, visto a través de los ojos y las acciones de los estrategas contratados quienes son los que presionan las cuerdas. Atrayendo al público con un relato de ficción tan relevante como la noticia de hoy, explora las líneas, a menudo indignantes e inadmisibles, que algunas personas llevan en su afán competitivo para hacer el trabajo y cruzar la línea por encima de alguien más.
“Gran parte de la política y el proceso electoral es absurdo, desde grandes empresas, el circo de los medios de comunicación”, dice el director David Gordon Green, “La Política se ha convertido en entretenimiento y marketing. Es allí donde la película tiene algo de diversión y un sentido del humor en exponer lo absurdo, que da a la historia su energía e ímpetu, incluso cuando los personajes se enfrentan a algunos problemas difíciles, que sin duda no se muestra alrededor”.
“La cosa que me encantó de este papel fue que no parece que hay reglas ni límites, ya sea emocionalmente o en el tono”, dice Sandra Bullock. Y que era indicativo de toda la historia, que me parece realmente representa la vida en que allí es no hay tal cosa como todo drama o se ríe de todos en eventos día a día. Historias incluso graves pueden tener elementos muy divertidos y puedes encontrar drama y tragedia en momentos divertidos, y yo estaba atraído por este personaje y esta película debido a las complejidades.
El candidato presidencial boliviano que va bajando gravemente en las encuestas, cuenta con un equipo americano de elite, dirigido por la profundamente dañada pero aún brillante estratega Jane Bodine (Bullock). Retirada por voluntad propia tras un escándalo que la sacudió, Jane es engatusada en el juego para tener la oportunidad de vencer a su némesis profesional, el repugnante Pat Candy (Thornton), coaching ahora de la oposición.
Pero como caramelo -tanto dentro como fuera de la campaña electoral- Jane se sumió en una crisis personal, tan intensa como su equipo, hace explotar todo a nivel nacional para aumentar sus números.
Experta en Crisis revela las maquinas cínicas y batallas privadas de clase mundial sobre consultores políticos para quienes nada es sagrado y ganar es lo único que importa.
SOBRE EL FILME
La película también está protagonizada por Anthony Mackie, Joaquim de Almeida, Ann Dowd, Scoot McNairy, Zoe Kazan y Reynaldo Pacheco.
David Gordon Green dirige un guión por el nominado al Oscar Peter Straughan, sugerido por Rachel Boynton, que contorneó la campaña política americana, las tácticas de marketing empleadas en la real elección presidencial Boliviana del 2002.
Experta en Crisis toma una mirada oportuna y satírica a la astucia de altas apuestas detrás de las escenas de una campaña presidencial, visto a través de los ojos y las acciones de los estrategas contratados quienes son los que presionan las cuerdas. Atrayendo al público con un relato de ficción tan relevante como la noticia de hoy, explora las líneas, a menudo indignantes e inadmisibles, que algunas personas llevan en su afán competitivo para hacer el trabajo y cruzar la línea por encima de alguien más.
“Gran parte de la política y el proceso electoral es absurdo, desde grandes empresas, el circo de los medios de comunicación”, dice el director David Gordon Green, “La Política se ha convertido en entretenimiento y marketing. Es allí donde la película tiene algo de diversión y un sentido del humor en exponer lo absurdo, que da a la historia su energía e ímpetu, incluso cuando los personajes se enfrentan a algunos problemas difíciles, que sin duda no se muestra alrededor”.
“La cosa que me encantó de este papel fue que no parece que hay reglas ni límites, ya sea emocionalmente o en el tono”, dice Sandra Bullock. Y que era indicativo de toda la historia, que me parece realmente representa la vida en que allí es no hay tal cosa como todo drama o se ríe de todos en eventos día a día. Historias incluso graves pueden tener elementos muy divertidos y puedes encontrar drama y tragedia en momentos divertidos, y yo estaba atraído por este personaje y esta película debido a las complejidades.
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crítica
miércoles, 18 de noviembre de 2015
Teniendo la sensación de que alguien o algo te observa: Está detrás de ti
SINOPSIS
Jay, de 18 años, tiene su primer encuentro sexual con su novio en la parte trasera de un coche. Tras el hecho, aparentemente inocente, la situación se pone algo tensa cuando su novio hace que ella se desmaye. Al despertar, el joven le explica que lo hizo para ahuyentar a una serie de espíritus que lo acosan. A partir de ese momento, es Jay quien sufrirá las consecuencias de ese acoso, encontrándose sumergida en visiones y pesadillas; teniendo la sensación de que alguien o algo la observa.
LA GÉNESIS DEL FILME
David Robert Mitchell vivió un exitoso debut en 2010 con el estreno en el SXSW de su primer largometraje, El mito de la adolescencia, escrito y dirigido por él. Después, este se presentó en la Semana de la Crítica de Cannes. Esta película, que se desarrolla en un mundo intemporal, ni en el pasado ni en el presente, caló entre la crítica y el público como representación poética de la existencia adolescente en todas sus turbaciones y anhelos. El mundo del cine independiente quedó comprensiblemente sorprendido y emocionado cuando se anunció que el proyecto universitario de Mitchell sería una película de terror.
De hecho, Está detrás de ti, a veces resulta aterradora, pero es, sin lugar a dudas, un producto de la misma mente que Myth. “Supongo que para mí no hubo un gran salto en mi cabeza”, declaró Mitchell sobre la transición. “Me encantan las películas de miedo. Quiero hacer muchas películas diferentes y me gusta la idea de jugar con el género. Pensé que sería interesante coger el estilo de Myth, imaginar personajes con un sentimiento similar a ellos y ponerlos en una situación de terror y ver cómo reaccionan. Intenté retratarlos con cualidades auténticas como las que traté de dar a los personajes de Myth. No pensé que al ser una película de miedo no fuera necesario. Quería que fueran personas de las que me preocupara”.
Los personajes de Está detrás de ti (todos adolescentes) se parecen claramente a sus precursores de Myth. Jay (Maika Monroe) es una estudiante universitaria que vive a las afueras de Detroit y tiene un grupo de buenos amigos del que forman parte Yara (Olivia Luccardi), Paul (Kier Gilchrist) y su hermana Kelly (Lili Sepe). Todos ellos están en peligro cuando a Jay comienza a perseguirle una presencia perversa y sobrenatural de origen desconocido.
Jay, de 18 años, tiene su primer encuentro sexual con su novio en la parte trasera de un coche. Tras el hecho, aparentemente inocente, la situación se pone algo tensa cuando su novio hace que ella se desmaye. Al despertar, el joven le explica que lo hizo para ahuyentar a una serie de espíritus que lo acosan. A partir de ese momento, es Jay quien sufrirá las consecuencias de ese acoso, encontrándose sumergida en visiones y pesadillas; teniendo la sensación de que alguien o algo la observa.
LA GÉNESIS DEL FILME
David Robert Mitchell vivió un exitoso debut en 2010 con el estreno en el SXSW de su primer largometraje, El mito de la adolescencia, escrito y dirigido por él. Después, este se presentó en la Semana de la Crítica de Cannes. Esta película, que se desarrolla en un mundo intemporal, ni en el pasado ni en el presente, caló entre la crítica y el público como representación poética de la existencia adolescente en todas sus turbaciones y anhelos. El mundo del cine independiente quedó comprensiblemente sorprendido y emocionado cuando se anunció que el proyecto universitario de Mitchell sería una película de terror.
De hecho, Está detrás de ti, a veces resulta aterradora, pero es, sin lugar a dudas, un producto de la misma mente que Myth. “Supongo que para mí no hubo un gran salto en mi cabeza”, declaró Mitchell sobre la transición. “Me encantan las películas de miedo. Quiero hacer muchas películas diferentes y me gusta la idea de jugar con el género. Pensé que sería interesante coger el estilo de Myth, imaginar personajes con un sentimiento similar a ellos y ponerlos en una situación de terror y ver cómo reaccionan. Intenté retratarlos con cualidades auténticas como las que traté de dar a los personajes de Myth. No pensé que al ser una película de miedo no fuera necesario. Quería que fueran personas de las que me preocupara”.
Los personajes de Está detrás de ti (todos adolescentes) se parecen claramente a sus precursores de Myth. Jay (Maika Monroe) es una estudiante universitaria que vive a las afueras de Detroit y tiene un grupo de buenos amigos del que forman parte Yara (Olivia Luccardi), Paul (Kier Gilchrist) y su hermana Kelly (Lili Sepe). Todos ellos están en peligro cuando a Jay comienza a perseguirle una presencia perversa y sobrenatural de origen desconocido.
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crítica
jueves, 12 de noviembre de 2015
Desenmarañando una espeluznante conexión: 007 Spectre
LA HISTORIA
Un críptico mensaje del pasado lleva a James Bond a una misión clandestina en México D.F. y finalmente a Roma, donde conoce a Lucía Sciarra (Mónica Bellucci), la bellísima aunque prohibida viuda de un perverso criminal. En el extranjero, Bond se infiltra en una reunión secreta y descubre la existencia de una siniestra organización conocida como Spectre.
Mientras tanto en Londres, Max Denbigh (Andrew Scott), el nuevo director del Centro Nacional de Seguridad, cuestiona las acciones de Bond y pone en duda la importancia del MI6, dirigido por M (Ralph Fiennes). Bond recluta en secreto a Moneypenny (Naomie Harris) y a Q (Ben Whishaw) para ayudarlo a encontrar a Madeleine Swann (Léa Seydoux), la hija del que fuera su archienemigo el Sr. White (Jesper Christensen), de quien sospechan tiene la pista para desenmarañar la red de Spectre. Al ser hija de un asesino, Madeleine entiende a Bond de una manera en la que muy pocos pueden hacerlo.
Al adentrarse en Spectre, Bond descubre una espeluznante conexión entre sí mismo y el enemigo al que busca, interpretado por Christoph Waltz.
LA PRODUCCIÓN
Cuando EON Productions de Albert R. Broccoli, los estudios Metro-Goldwyn-Mayer y Sony Pictures abordaron la vigésimo cuarta entrega de James Bond, los realizadores tuvieron interés en que la película siguiera la línea de su antecesora Operación Skyfall, un éxito a nivel mundial que recaudó más de mil millones de dólares. Por supuesto, Daniel Craig vuelve a ponerse por cuarta vez en la piel del 007. Asimismo los personajes de Q (interpretado por Ben Whishaw) y Moneypenny (Naomie Harris) regresan tras su reincorporación a la saga en Skyfall, además del retorno del nuevo M (Ralph Fiennes).
La oportunidad de explorar todas las historias de estos personajes fue de suma importancia para Sam Mendes, que se sienta por segunda vez en la silla del director. El ganador del Premio Oscar afirma: “Para mí todo comienza con los personajes y quería explorar toda clase de aspectos diferentes de estos que dejé atrás en Operación Skyfall. Hemos poblado el MI6 con toda una nueva generación de personas: un nuevo M, una nueva Moneypenny y un nuevo Q. Quería que esas relaciones crecieran y se desarrollaran”.
Para el actor Daniel Craig, el cometido de Spectre era aún más simple. “Queríamos que fuese mejor que Operación Skyfall”, afirma. “Así de claro. No teníamos otra elección; teníamos que ser más grandes, mejores. Con Operación Skyfall pusimos algo en marcha y queríamos ir más allá, experimentar un poco más”.
Bond rejuveneció al final de Operación Skyfall. “Tuvo una sensación de nuevos comienzos”, continúa Mendes, y esto tuvo un gran impacto en Spectre. En la nueva película, el agente secreto más famoso del mundo es un personaje muy dinámico que controla su propio destino. Desde el principio tiene una misión precisa y nada ni nadie se interpondrá en su camino.
La naturaleza dinámica de Bond ha dado a los realizadores mucho margen en lo que respecta a ideas narrativas y a los exteriores. En la película, un enigmático mensaje del pasado lleva a James Bond a una misión misteriosa en México D.F. y finalmente a Roma, donde conoce a Lucía Sciarra (Mónica Bellucci), la bellísima aunque prohibida viuda de un perverso criminal. En el extranjero, Bond se infiltra en una reunión secreta y descubre la existencia de una siniestra organización conocida como Spectre.
Un críptico mensaje del pasado lleva a James Bond a una misión clandestina en México D.F. y finalmente a Roma, donde conoce a Lucía Sciarra (Mónica Bellucci), la bellísima aunque prohibida viuda de un perverso criminal. En el extranjero, Bond se infiltra en una reunión secreta y descubre la existencia de una siniestra organización conocida como Spectre.
Mientras tanto en Londres, Max Denbigh (Andrew Scott), el nuevo director del Centro Nacional de Seguridad, cuestiona las acciones de Bond y pone en duda la importancia del MI6, dirigido por M (Ralph Fiennes). Bond recluta en secreto a Moneypenny (Naomie Harris) y a Q (Ben Whishaw) para ayudarlo a encontrar a Madeleine Swann (Léa Seydoux), la hija del que fuera su archienemigo el Sr. White (Jesper Christensen), de quien sospechan tiene la pista para desenmarañar la red de Spectre. Al ser hija de un asesino, Madeleine entiende a Bond de una manera en la que muy pocos pueden hacerlo.
Al adentrarse en Spectre, Bond descubre una espeluznante conexión entre sí mismo y el enemigo al que busca, interpretado por Christoph Waltz.
LA PRODUCCIÓN
Cuando EON Productions de Albert R. Broccoli, los estudios Metro-Goldwyn-Mayer y Sony Pictures abordaron la vigésimo cuarta entrega de James Bond, los realizadores tuvieron interés en que la película siguiera la línea de su antecesora Operación Skyfall, un éxito a nivel mundial que recaudó más de mil millones de dólares. Por supuesto, Daniel Craig vuelve a ponerse por cuarta vez en la piel del 007. Asimismo los personajes de Q (interpretado por Ben Whishaw) y Moneypenny (Naomie Harris) regresan tras su reincorporación a la saga en Skyfall, además del retorno del nuevo M (Ralph Fiennes).
La oportunidad de explorar todas las historias de estos personajes fue de suma importancia para Sam Mendes, que se sienta por segunda vez en la silla del director. El ganador del Premio Oscar afirma: “Para mí todo comienza con los personajes y quería explorar toda clase de aspectos diferentes de estos que dejé atrás en Operación Skyfall. Hemos poblado el MI6 con toda una nueva generación de personas: un nuevo M, una nueva Moneypenny y un nuevo Q. Quería que esas relaciones crecieran y se desarrollaran”.
Para el actor Daniel Craig, el cometido de Spectre era aún más simple. “Queríamos que fuese mejor que Operación Skyfall”, afirma. “Así de claro. No teníamos otra elección; teníamos que ser más grandes, mejores. Con Operación Skyfall pusimos algo en marcha y queríamos ir más allá, experimentar un poco más”.
Bond rejuveneció al final de Operación Skyfall. “Tuvo una sensación de nuevos comienzos”, continúa Mendes, y esto tuvo un gran impacto en Spectre. En la nueva película, el agente secreto más famoso del mundo es un personaje muy dinámico que controla su propio destino. Desde el principio tiene una misión precisa y nada ni nadie se interpondrá en su camino.
La naturaleza dinámica de Bond ha dado a los realizadores mucho margen en lo que respecta a ideas narrativas y a los exteriores. En la película, un enigmático mensaje del pasado lleva a James Bond a una misión misteriosa en México D.F. y finalmente a Roma, donde conoce a Lucía Sciarra (Mónica Bellucci), la bellísima aunque prohibida viuda de un perverso criminal. En el extranjero, Bond se infiltra en una reunión secreta y descubre la existencia de una siniestra organización conocida como Spectre.
sábado, 24 de octubre de 2015
Lo que Bridget Jones nos revela
“Bridget Jones Diary” presenta a una soltera británica llena de complejos que decide hacer cambios en su vida mientras encuentra el amor, y cuyas experiencias en el proceso las plasma en un diario. Ésta es la sinopsis de la historia con las que millones de mujeres se han identificado en todo el mundo y que ahora trae una nueva entrega.
La última vez que supimos de Bridget Jones, todavía escribía en un diario. Pero han pasado 14 años desde entonces, y como era de esperarse, el personaje de la exitosa saga cómica se ha adaptado a los avances de la tecnología, a juzgar por fotografías publicadas por Universal Pictures, con las que el estudio cinematográfico confirmó por Twitter el rodaje de la cinta “Bridget Jones’ Baby”.
En la imagen, la actriz británica Renée Zellweger, quien caracterizó al personaje en las primeras dos entregas, luce una pícara sonrisa mientras abraza una tableta cubierta por un protector rojo.
Detalles de la película
De inmediato, no se han divulgado detalles de la película ni el argumento de la misma. Sin embargo, trascendió a través de medios británicos que el actor Patrick Dempsey entrará en la historia, debido a que Hugh Grant (Daniel Clever) ya había anunciado que no sería parte del proyecto.
Se espera que el exprotagonista de “Grey’s Anatomy” asuma el rol de antagonista en la historia al tratar de interponerse entre Briget Jones y Mark Darcy, papel en el que repite Colin Firth. La tercera parte de la saga ha confirmado su estreno para septiembre de 2016, a casi un año del evento, nos preguntamos ¿qué hay en Bridget Jones que gusta tanto a las mujeres?
¿Qué tiene Bridget?
Bridget Jones, la treintañera insegura, asidua al tabaco y al alcohol, en lucha perpetua con la báscula y con escaso éxito en el amor, que a principios de la década pasada arrasó en las librerías y en las salas de cine.
El éxito del personaje creado por la británica Helen Fielding dio en el clavo de los miedos y de los anhelos de millones de mujeres, que de alguna forma se han sentido identificadas con este desastre de mujer encantadora. Esta soltera londinense, magistralmente interpretada en la gran pantalla por la oscarizada Renée Zellweger, pasa por todo tipo de situaciones rocambolescas para encontrar al hombre de su vida, el maravilloso Marc Darcy, pero justo cuando está a sus pies, las dudas la asaltan y se arma la marimorena.
Según publicó la bloguera de Cosmopólitan España, Rosa Palo, el personaje temeroso, celoso y al borde del ataque de nervios, no parece ser más que su propia y quizás peor enemiga, ¿será este aspecto el que identifica a tantas mujeres?.
“¿Por qué los celos ciegan a Bridget con Darcy? Pues porque sabe que ella es la primera que podría caer en la tentación y esa tentación es un madurito atractivo, con éxito, elegancia y ese punto de malote, que como he comentado en post anteriores y reitero una vez más, nos pone y mucho. Daniel Cleaver (Hugh Grant), el mujeriego jefe de Bridget, siempre aparece en el momento menos indicado, como esos ex novios o ex maridos que te tienen toda la vida como el perro del hortelano, que ni comen ni te dejan comer”, comenta Palo.
Lo que se espera
Si las historias de solteras ya no funcionan, entonces… se deberá vender en el mercado para madres, es así que las fotos, difundidas por varios portales extranjeros, muestran a la protagonista de la película, Renée Zellweger, embarazada y encarnando a una nueva Bridget, quien ahora deberá enfrentar la maternidad junto a su eterno enamorado, Mark Darcy.
Aunque la historia sigue basándose en los libros de la escritora Helen Fielding, la trama del film se mantiene en secreto, presagiando varios cambios.
El género ‘chick lit’
El género chick lit (de chica y literatura, en inglés) estaba en su momento álgido, y las editoriales se entregaban a él y a los suculentos beneficios que reportaba. Baste decir, que la novela que dio origen al género, El Diario de Bridget Jones (Lumen), vendió más de 15 millones de ejemplares en todo el mundo. Pero la tendencia que triunfara a finales de los noventa y principios del 2000 está hoy “en absoluto declive”, tal y como diagnostica Cristina Armiñana, editora de Debolsillo, en España.
Ante lo cual, cabe una pregunta, según publicó Carmen Mañana en El País, ¿Quién mató a Bridget Jones?
Las historias de treintañeras desastrosas y enamoradizas han pasado de moda. Tanto, que incluso los libreros reniegan de la etiqueta chick lit en pos de la menos obsoleta Novelas de humor, según cuenta Irene M. Calpe, responsable de Versátil.
“El boom del género coincidió con una burbuja económica, y entonces no parecía frívolo que el mayor dilema de las protagonistas consistiera en decidir a qué fiesta ir o qué zapatos comprar”, argumenta Calpe. La editora reconoce que ahora, con las actuales crisis económicas, resulta difícil que las mujeres se sientan identificadas con estas kamikazes de la tarjeta de crédito.
El filón se ha secado y en ello también pesa, y mucho, la renovación generacional. Como explica Armiñana, las lectoras que encumbraron estas obras y que entonces tenían, más o menos, la misma edad que sus protagonistas, han cumplido ya los 40, “se han dado cuenta que encontrar a un hombre no les ha resuelto ningún problema y de que la vida puede ser muy compleja”.
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crítica
domingo, 6 de septiembre de 2015
Boquerón: un homenaje con alma, vida y corazón
Con el sólo hecho de mencionar Boquerón, a los bolivianos se nos eriza la piel, por las referencias que se tiene sobre esa cruenta batalla en la que algunos cientos de soldados resistieron a casi 12 mil paraguayos, por 21 días.
Sin embargo, esos datos numéricos fríos, nos permiten contener sentimientos encontrados, de pena, dolor, sufrimiento, hambre, sed, pero a su vez de valor, coraje, tenacidad, entereza y amor por la patria, pues sólo así pudieron resistir nuestros valientes compatriotas esa batalla que fue una de las más emblemáticas de Sudamérica, durante la Guerra del Chaco.
Y no podía ser de otra forma, que algún boliviano se interese por plasmar esos momentos de lucha y gloria a través de imágenes recreadas para que el mundo conozca parte de la historia de Bolivia, pero también para que reconozca la valentía de esos hombres que ofrendaron sus vidas.
Es así que Tonchy Antezana, un orureño cineasta, comienza a investigar, y adentrarse en esos pasajes históricos que dejaron marcada la vida de los bolivianos, pero también de los paraguayos.
Oruro, la noche del reciente jueves, pudo sentir la emoción que se vivió en las trincheras del Fortín Boquerón, pues la película tan esperada y reclamada por los oriundos de esta tierra, fue presentada en el Cine Gran Rex, ante la emocionada mirada de su guionista, quien tuvo por fin la oportunidad de traer su obra a su tierra natal, donde también se filmaron algunas escenas.
Momentos antes, en ambientes de LA PATRIA, Tonchy nos contó que pese a los limitados, por no decir casi nulos recursos económicos que tenían, se pudo hacer realidad su proyecto que nació entre 1994 y 1995.
En 1996, con el fin de poner en marcha la producción de la película, se presenta el guión al Consejo Nacional del Cine, postulándolo al Fondo de Fomento Cinematográfico pero al ser rechazado, se lo archivó. Luego de 10 años nuevamente se ve una oportunidad en el Concurso de Guiones Fedam Petrobras, en el que ocupó el primer lugar.
Fue un largo caminar, pero más fue la desilusión de ver que en Bolivia aún los proyectos cinematográficos no cuentan con el respaldo de las autoridades ni de la empresa privada.
"Ha sido bastante difícil", dijo Nayra Antezana, hija de Tonchy, quien acompañó a su padre en esta travesía, durante los tres años y medio que duró realizar la película.
"Sobre todo (se tardó) en la búsqueda de financiamiento, hemos empezado por las escenas menos complejas que no tenían mucha gente, y luego con eso hemos hecho un teaser (es el avance de una pequeña parte del producto) con el que hemos buscado un financiamiento y algunas instituciones se han ido interesando más, y sí, ha sido complicado porque hemos tenido que hacer trincheras, trajes de la época, utilería, gente en las escenas, fueron alrededor de 150 personas, vestidos de época, hemos estado en La Paz, en el Lago Titicaca, en Cotapachi, Santa Cruz, Oruro y se hizo un par de escenas en el Fortín de Boquerón", explicó la productora.
Sostuvo que ahora la gente está apoyando al asistir al cine, pero que cuando se está elaborando el producto o la película, en este caso, es un poco difícil porque no hay políticas culturales que fomenten la producción, por parte del Estado, a través de fondos.
Asimismo, afirmó que la empresa privada no tiene los mecanismos para apoyar la producción cultural tampoco cree mucho en la cultura, pues se piensa -yo qué rédito voy a sacar, si soy una empresa privada-, falta compromiso.
Ante este panorama los costos tuvieron que reducirse al 50 por ciento, pues una película de esa envergadura tendría un costo aproximado de 600 mil dólares, y gastaron alrededor de 300 mil dólares, sacrificando al equipo técnico, en el que sólo estuvieron entre 15 y 20 personas, cuando debían ser 40 ó 50 las que apoyen.
La película además de mostrar uno de los hitos más importantes de la historia de Bolivia, relata las vivencias de cuatro solados, que a través de flashback (escenas retrospectivas), se van contando cómo llegaron al frente de batalla, pero también se ve cómo resistieron 21 días a las fuerzas paraguayas.
Para la filmación se habla de aproximadamente 600 personas entre actores principales y secundarios, extras, equipo de producción y de post producción, entre otros.
Incluso la música que fue compuesta por Huáscar Bolívar, e interpretada por la Filarmónica de Cochabamba dirigida por Augusto Guzmán.
HOMENAJE ALMA,
VIDA Y CORAZÓN
Para el actor Sergio Fernández Grájeda, esta película es una homenaje a todos los valientes hombres que estuvieron en estas lides, muchos sin saber siquiera en realidad por qué.
"Es un homenaje alma, vida y corazón para todos los bolivianos beneméritos y para los paraguayos también", expresó Fernández quien hace el papel de uno de los cuatro soldados, se trata de Luis Alberto Araníbar, huérfano de padre, vive con su madre, con sus dos hermanos pequeños y se apropia de la responsabilidad de hacerse cargo de su familia.
Para el actor tampoco fue fácil el interpretar a un soldado de Boquerón, pues estaba convencido que en él, los espectadores reflejarían a sus padres, tíos, abuelos.
Tuvo que leer mucho sobre esta guerra, basándose sobre todo en los diarios de vida encontrados de la época, y el libro de su preferencia, Sangre de Mestizo de Augusto Céspedes.
Sostuvo que en la película más allá de los datos históricos, se muestra el lado humano, qué han dejado las personas atrás, qué han olvidado, el hecho de dejar a su madre, esposa, un bebé recién nacido.
Hoy en Bolivia, son muy pocos los beneméritos que quedan vivos, y muy pocos también los que han tenido el privilegio de estar cerca de uno y poder escuchar sus historias, aventuras, e incluso sus anécdotas, pero al observar cada escena de la película uno viaja en el tiempo y puede darse cuenta cómo fueron esos momentos, de tragedia y desesperanza, momentos duros que sólo 448 hombres pudieron sobrellevar, pese a que incluso el clima estaba en su contra, y que sólo los que estuvieron en Boquerón y han sobrevivido, han podido dar testimonio de su coraje.
La película hoy ya está en la cuarta semana de exhibición, con una gran respuesta del público, al que las escenas le arrancan lágrimas, y cuyo éxito es la recompensa del autor, pues no sólo brindó un instrumento para perpetuar la historia, sino dio a los bolivianos la oportunidad de vivir un momento y valorar a quienes estuvieron presentes en el Fortín Boquerón.
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Cine Boliviano,
crítica
viernes, 4 de septiembre de 2015
Analista de cine habla de película chilena “Exageración y humillación a personaje boliviano en Los 33”
Afiche de la película inspirada en mineros atrapados.
El papel del minero boliviano Carlos Mamani, quien fue uno de los trabajadores atrapados en una mina en Chile y que inspiró la película “Los 33” es personificado por Tenoch Huerta, un actor mexicano, ganador del premio de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas. Sin embargo, Edwin Sánchez, analista de cine, asegura que, pese a la buena realización y excelente producción cinematográfica, en la cinta se muestra la humillación y denigración que recibe el “paisano” de parte de los mineros chilenos.
La película se estrenó anoche en las principales salas de cine del país.
EL FILME
El 5 de agosto de 2010, 33 mineros (32 chilenos y uno boliviano) quedaron atrapados por un derrumbe en una mina del norte chileno y 17 días después se conoció que estaban con vida, tras lo cual se inició una carrera a contrarreloj para rescatarlos. La operación contempló perforar un orificio de 700 metros y bajar por allí una jaula, mediante la cual fueron auxiliados y liberados del oscuro socavón el 13 de octubre del mismo año.
La premier de la cinta de la mexicana Patricia Riggen se realizó el 3 de agosto en Santiago y contó con la presencia de varios de los actores del filme además de los 32 mineros chilenos rescatados, sin embargo Mamani, el boliviano que sobrevivió a este hecho nefasto no estuvo en la gala.
“Esto llama mucho la atención, personalmente intentamos comunicarnos con Carlos Mamani (minero bolviano) para que nos cuente porque no estuvo presente y si lo que muestra la cinta es lo que realmente pasó, sin embargo no tuvimos éxito por temas de distancia”, aseveró Sánchez.
El analista y conocedor de cine afirma que si bien esta es una producción “exquisita” en cuanto a realización producción y elenco, se exageró en el papel del minero boliviano al que no sólo lo denigran sino que además es víctima de acoso.
“La cinta dura alrededor de 145 minutos y si bien el papel interpretado por Tenoch Huerta es secundario el tiempo que se muestra la historia, es reflejado como cualquier persona del campo, al igual que su familia, interpretada por gente bastante humilde y esto es una ofensa imagino que este tema generará polémica en los medios nacionales porque como bolivianos esto puede ser considerado ofensivo”, concluyó.
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