‘Yvy Maraey. Tierra sin mal’, el cine en proyección: ¿Podemos conocer realmente al otro?

Un cineasta y un líder indígena viajan juntos por los bosques del sureste boliviano con el objetivo de investigar para una película sobre el mundo guaraní. El punto de partida es una imagen en movimiento de unos salvajes filmada por un explorador sueco en 1910. Kandire es un viaje de auto conocimiento a partir de la mirada y el oído del otro.

SOBRE EL FILME

Un viaje por el sureste boliviano, la búsqueda de una película y la historia de una amistad. Éstos son los componentes de Yvy Maraey. Tierra sin mal, la nueva película del director Juan Carlos Valdivia. Filmada en la íntima geografía del Chaco y hablada en guaraní, Yvy Maraey cuenta la historia de la amistad entre un hombre blanco y un guaraní, embarcados en un viaje por tierra desde La Paz hasta el Chaco. En la búsqueda de una historia para una película, ambos se enfrentan al complejo intento de conocer al otro.

Andrés quiere hacer una película sobre el mundo guaraní. Tiene un fragmento de película de 1910 del explorador sueco Erland Nordenskiöld: guaraníes salvajes, con plumas y taparrabos, viviendo en un paraíso primitivo. Andrés quiere encontrar el lugar donde se filmó. Yari es un indígena guaraní que es contactado por Andrés para pedirle ayuda en este viaje: visita a Andrés y deciden viajar juntos para investigar y encontrar el lugar donde se filmó la película del explorador sueco. Yvy Maraey es un viaje de autoconocimiento a partir de la mirada del otro y la escucha como mirada. Combina una narrativa cotidiana con la épica de un pueblo heroico.

Según el director, el tema del filme es la interculturalidad. “Yvy Maraey muestra el intento desesperado de un hombre por conocerse a sí mismo a través del otro”. El viaje que emprenden Andrés y Yari es una exploración a través de las diferencias culturales, vistas a través de la historia de una amistad que crece en caminos de tierra y días de viaje y aventuras por el sureste boliviano. “En el mundo contemporáneo los seres humanos buscamos esferas y personas afines para vivir. Entonces, cada vez se invisibiliza más al otro. Me parecía que el tema de que tu identidad no existe por sí sola, de que necesitas del otro para definirte, es muy lindo, es casi como una metáfora de Narciso”, comenta el director.

LA BÚSQUEDA DE LA HISTORIA

La película comienza a gestarse cuando Juan Carlos Valdivia retorna a Bolivia, después de haber desarrollado una carrera en México. La producción de American Visa, producción mexicano-boliviana protagonizada por Demian Bichir y Cate del Castillo, le abrió al director una nueva visión acerca de su país. “American Visa es una película que me devuelve a Bolivia. Habla del sueño americano y a mí me pasa lo mismo que al personaje de la película. Con esa película vuelvo a enamorarme de Bolivia y decido quedarme. Había estado viviendo en México, tenía una carrera exitosa. Entonces, empiezo a buscar cosas. No podría decir exactamente cómo empezó. Yo tenía un amigo con el que empecé a viajar al Chaco, Lauro Ocampo. Y empezamos a buscar ideas para películas”.

Juan Carlos Valdivia comenzó a conocer a amigos guaraníes y a relacionarse con instituciones como la Asamblea del Pueblo Guaraní (APG). Además de los viajes, Juan Carlos comenzó a revisar investigaciones y documentales sobre el pueblo guaraní, particularmente el trabajo del explorador sueco Erland Nordenskiöld.

Además, realizó talleres narrativos que se enfocaron en las tradiciones orales y la filosofía guaraní. “Me di cuenta que como se había escrito mucho sobre el tema, si yo quería hacer algo tenía que hacerlo a partir de una vivencia, no de una investigación. Esa vivencia requería de un trabajo de campo y de un vivir, de un conocer”.

Después de muchos viajes, el acercamiento a la cultura guaraní le reveló al director la necesidad de emprender otro proyecto, antes de Yvy Maraey. Este proyecto fue Zona Sur, película de 2009 que cuenta la historia de una familia de clase alta en la ciudad de La Paz. “En todo el viaje que significó el proceso de construcción de Yvy Maraey me di cuenta que no estaba preparado para hacer esta película. Honestamente no podía ir a mirar al otro si no me miraba a mi mismo primero. Por eso hice Zona Sur. Volví del Chaco y la hice. Es una película que es un autorretrato de mi mundo, de mi ser niño”, explica Juan Carlos.

Thriller con mucho humor: ‘7 Cajas’, el divertido hito del cine paraguayo

7 Cajas, es la película que ha situado a Paraguay en el mapa cinematográfico. Una auténtica revelación que ataca los prejuicios y tópicos del cine periférico dirigida por los debutantes Juan Carlos Maneglia y Tana Schémbori.

7 Cajas es la peripecia de Víctor (Celso Franco), un joven carretillero del emblemático Mercado 4 de Asunción, que sueña con aparecer en la televisión y que acepta el sospechoso encargo de evitar que la policía encuentre siete cajas con un contenido desconocido a cambio del clásico salario del miedo. La cinta combina un ritmo hollywoodense con la idiosincrasia guaraní, demostrando que lo universal se adapta a cualquier fotogenia.

Convirtiendo la estrechez en virtud, con gran talento, y con reminiscencias a Tarantino o Danny Boyle, 7 Cajas es una película frenética y divertida, a medio camino entre la pesadilla y la gamberrada que, gracias al premio de Cine en construcción del Festival de San Sebastián 2011, se ha desplegado por festivales de medio mundo. En su país es ya la película más taquillera de la historia (superando a Titanic).

EL ALUCINANTE MERCADO 4

Pese a su vocación de género, la realidad del Mercado 4 y sus gentes es un personaje más. Un escenario vivo, con actividad incesante durante las 24 horas, en el que tuvieron que rodar. “El Mercado 4 es un microcosmos que existe el corazón de Asunción y es el lugar más emblemático de Paraguay porque es donde convergen muchas culturas”, explica Juan Carlos Maneglia, que además de dirigir es el autor del guión. “En 1991, Tana y yo tuvimos la posibilidad de pasar una noche entera en el Mercado 4 haciendo un trabajo de investigación periodística y le dije que era un lugar impresionante para hacer una película”.

El Mercado 4 parece encantado con el retrato y ha devuelto el favor. “Algo maravilloso pasó: en el corazón del mercado hay una cuadra entera en la que está pirateada hasta la película que salió hace una semana en EE.UU. y tenían un cartel que decía: ‘Aquí no tenemos la película 7 Cajas. No insista, carajo’. Lo pusieron en Internet y para nosotros fue un orgullo enorme porque asumían la película como suya”, recuerda el director Maneglia.

En el filme ‘Capitán Phillips’: El angustioso secuestro de Tom Hanks por piratas somalíes

Tom Hanks, uno de los actores predilectos de Hollywood, asume, a sus 57 años y con dos Óscar, nuevos retos como Capitán Phillips, en la que, bajo la dirección casi documental de Paul Greengrass, trasmite el infierno y el instinto de supervivencia de un capitán secuestrado por piratas somalíes.

En el mar, Hanks había vivido un naufragio en la cinta Náufrago, a las órdenes de Robert Zemeckis, y desde entonces no había vuelto a ponerle los pelos de punta al Óscar.

Han pasado desde entonces trece años pero el ganador de este premio dos años consecutivos -por Philadelphia y Forrest Gump- demuestra que todavía tiene ases con los que sorprender.

Capitán Phillips abrió oficialmente el Festival de Cine de Nueva York, y está basada en un personaje real, el capitán estadounidense de la marina mercante Richard Phillips, quien fue secuestrado por unos piratas somalíes en 2009 e inició un tenso proceso de negociación entre Estados Unidos y los secuestradores.

Hanks se enfrenta a este personaje desde el realismo, el nervio y los primeros planos que caracterizan el estilo de acción geopolítica en el que brilla Paul Greengrass, luciendo la extenuación física y a la vez el empuje de la supervivencia en un mismo gesto.

“Leí su biografía incluso antes de recibir el guión y hablé con él un par de veces. Le dije ‘diré cosas que probablemente nunca dijiste y estaré en sitios que nunca habrás pisado pero si lo hacemos bien seremos muy fieles a la naturaleza de lo que le pasó y como”, reconoció Hanks en la presentación de la película.

El actor se tuvo que someter a un duro rodaje en el que el 75 % de las escenas transcurren en alta mar y, algunas de ellas dentro de un claustrofóbico bote salvavidas. “Cuando ruedas en alta mar y la ola te deja caer más de tres metros de golpe, tu estómago casi te la vuelta al cuello y tienes problemas”, bromeó.

“Lo que ves en grandes actores como Tom Hanks es el coraje para encontrar la veracidad. Y esto también se aplica a Barkhad Abdi”, aseguró Greengrass, en referencia al jefe de esa banda de esa desorganizada e imprevisible banda de piratas.

“El reto era presentar los hechos que envuelven la piratería de una forma honesta. Lo que haces es no sentimentalizar lo que hacen, eres claro sobre su moralidad, aunque sea oscura y peligrosa, pero aún así encuentras la humanidad en ello”, aseguró.

En efecto, Capitán Phillips, con la interpretación de Hanks como eje, habla de los códigos de honor del protagonista, todo un héroe discreto, pero crece en tensión al transparentar la improvisación de esos secuestradores somalíes que acaban perdiendo el control de su búsqueda del dinero fácil, de la misma manera que muestra un despliegue militar estadounidense indudablemente eficiente pero moralmente dudoso.

UN CASTING SORPRENDENTE

Tampoco se usó la animación por ordenador en la escena del abordaje del Alabama, para la que los cuatro actores novatos que dan vida a los piratas somalíes (Barkhad Abdi, Barkhad Abdirahman, Faysal Ahmed y Mahat M.Ali) tuvieron que someterse a un riguroso entrenamiento para ser ellos mismos los que ejecutaron la maniobra de abordaje a bordo de un pequeño esquife y en medio de una resaca considerable.

‘El Quinto Poder’, la ficción y realidad de la vida de Assange

El cine se nutre de la realidad para contar historias que son pura ficción. El último ejemplo, El Quinto Poder, que narra la increíble historia de WikiLeaks con el actor de moda a la cabeza, Benedict Cumberbatch. Pero ni él ha logrado que a Julian Assange le guste la versión cinematográfica.

Cumberbatch presta su inquietante rostro y se mimetiza con Julian Assange, de quien ha copiado hasta el último gesto para lograr una interpretación en la que el espectador tiene la sensación de estar viendo al fundador de WikiLeaks en la pantalla.

Algo que no ha apreciado Assange, que se ha negado a reunirse con el actor británico y que incluso le ha enviado una carta en la que le dice que el filme no está basado en la verdad.

Pero lo que probablemente no ha gustado a Assange es el retrato que la película hace de él, como una persona egocéntrica, egoísta, asocial y con un afán desmedido de protagonismo.

El filme, dirigido por Bill Condon (Dioses y monstruos), trata de destapar la personalidad de Assange más que contar la historia de unas filtraciones ya conocidas por todos.

La divulgación a través del portal de WikiLeaks de informaciones confidenciales de diversos gobiernos llegaron a su punto culminante cuando publicó decenas de miles de documentos de la política exterior de Estados Unidos, principalmente relacionados con las guerras en Irak y Afganistán.

La película se centra en la actividad de Assange al frente de WikiLeaks hasta ese momento, obviando los problemas judiciales posteriores del australiano, que se encuentra asilado en la embajada ecuatoriana en Londres desde que el Reino Unido concediera su extradición a Suecia, donde está acusado de delitos sexuales.

Y cuenta con detalle su relación con Daniel Berg -interpretado por el actor hispanoalemán Daniel Brühl- el informático alemán que le ayudó a poner en pie WikiLeaks.

La historia que cuenta el filme está basada en dos libros críticos con Assange, uno de ellos ‘Inside Wikileaks’, escrito por Berg, y el otro, ‘Wikileaks’, de dos periodistas de The Guardian, uno de los medios que participó en la divulgación conjunta de los secretos estadounidenses.

Dos versiones de una historia que Condon cuenta en toda su complejidad, la de una soberbia puesta en escena por parte de una mente tan brillante como retorcida, un hombre con graves carencias emocionales y que volcó toda su energía en un proyecto tremendamente ambicioso.

La batalla de los dioses Dragon Ball Z

Dragon Ball Z: La batalla de los dioses es la decimocuarta película de animación de la franquicia Dragon Ball. Es una adaptación de Akira Toriyama por Toei Animation.

ARGUMENTO

Bills, dios de la destrucción, ve la derrota de Freezer por parte del Super Saiyajin Gokū, y recuerda su sueño sobre el Super Saiyajin Dios, quien según el pez oráculo hay un individuo que puede igualarlo en fuerzas. Bills va junto a Wiss al planeta del Kaio Sama del norte en busca del SSJ Dios, quien cree que es Gokū. Gokū emocionado acepta un combate con Bills y aunque se transforma en Super Saiyajin 3 no puede contra el Dios de la Destrucción. Así que Bills va en busca de el príncipe Saiyajin Vegeta. Mientras tanto en la tierra Bulma celebra su cumpleaños y Vegeta es alertado por Kaio Sama de que se aproxima a la Tierra un enemigo tan poderoso que ni el Super Saiyajin 3 pudo vencerlo.

Cuando Bills está a punto de destruir la Tierra, Gokū llega a hacerle frente. Ante esto Bills le dice que si no se transforma en Super Saiyajin dios la Tierra será destruida, y que necesita la energía de los Super Saiyajins para lograrlo. Goten, Trunks, Gohan y Vegeta se unen para darle la energía a Gokū, pero esto no resulta, Piccolo le dice que necesita la fuerza de cinco Saiyajins y Videl anuncia que está embarazada de Gohan así que la sangre Saiyajin que tenía su hija debería servir para completar la transformación. Luego, Gokū logra transformarse en el Super Saiyajin dios y se dispone a luchar contra Bills, dios de la Destrucción.

PRODUCCIÓN E HISTORIA

La película fue dirigida por Masahiro Hosoda, y escrita por Yusuke Watanabe, con Tadayoshi Yamamuro que actúo como director de animación.

Es la primera película de Dragon Ball en 17 años, en tener un lanzamiento de teatro, siendo la última película Dragon Ball: El camino hacia el poder hecha en 1996, que siguió a las tres primeras películas de Dragon Ball y las trece películas de Dragon Ball Z.

“En realidad, es la primera vez que he estado profundamente involucrado en la producción de animación desde la escritura del guion. Debido al tiempo que ha pasado, se me han olvidado algunas cosas, pero como se esperaría del autor original, he sido capaz de retomar el ritmo. Esta película tendrá la atmósfera original, añadiendo un poco de sabor moderno, así que creo que será una fuente de entretenimiento maravilloso, como en los viejos tiempos”, dijo el director.

George Clooney rodará la nueva película de Disney

Los actores George Clooney y Hugh Laurie rodarán durante 2014 en la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia (España) la nueva película de aventuras y ciencia ficción de Disney Tomorrowland, cuyo estreno está previsto para diciembre de ese año.

La película está escrita, dirigida y producida por el ganador de dos Prmios Oscar Brad Bird, y junto a Clooney y Laurie, forman parte del reparto Britt Robertson y Thomas Robinson.

La compañía estadounidense ha elegido el entorno arquitectónico del complejo por la imagen futurista que proyecta para grabar algunas de las localizaciones de esta película de ciencia ficción, ha informado hoy la Generalitat en un comunicado. El entorno e interiores del Umbracle, el Museo de las Ciencias, el Hemisféric y el Palau de les Arts se convertirán durante unas semanas en el set de rodaje de esta superproducción norteamericana de aventura y misterio.

La especial arquitectura de vanguardia y líneas futuristas de la Ciudad de las Artes y las Ciencias le convierten en escenario idóneo para rodajes y grandes producciones, según sus responsables. De hecho, el complejo ya sirvió de inspiración para la serie televisiva V, donde los edificios representaban naves espaciales, y también ha servido de localización para números musicales de películas de Bollywood.

El filme protagonizado por Clooney cuenta la historia de un adolescente inteligente, optimista y lleno de curiosidad científica y un antiguo niño prodigio inventor hastiado por las desilusiones que, unidos por el mismo destino, se embarcan en una peligrosa misión para desenterrar los secretos de un enigmático lugar localizado en algún lugar del tiempo y el espacio: “Tomorrowland”.

Un filme sobre el paso del tiempo Tabú

SINOPSIS

Tabú es una película que comparte nombre y fuerza poética con la visión de los mares del sur de Murnau. Viaja del Portugal de hoy al África colonial a través de la historia de una temperamental señora, su doncella de Cabo Verde y un vecino de su mismo bloque lisboeta. Cuando la anciana muere, los otros dos descubren un episodio de su pasado: un cuento de amor, aventuras y crimen ocurrido en lo más profundo de África.

SOBRE LA PRODUCCIÓN

La película ha participado en varios festivales internacionales de cine obteniendo prestigiosos reconocimientos como el premio de la Federación internacional de la Prensa Cinematográfica (Premio FIPRESCI) del pasado Festival de Berlín, además de encontrarse entre las tres finalistas de los premios LUX otorgados por el Parlamento Europeo a producciones que ilustran la universalidad de los valores europeos y la diversidad de la cultura europea.

Es la tercera película dirigida por Miguel Gomes después de A Cara que Mereces (2004) y Aquele Querido Mes de Agosto (2008). Miguel Gomes se ha convertido en un prestigioso realizador, habitual en los más reconocidos festivales internacionales, convirtiéndose en el máximo exponente el cine portugués junto Manoel de Oliveira.

Para protagonizar Tabú, Miguel Gomes se ha rodeado de importantes nombres de la actual escena y la pantalla portuguesa como Teresa Madruga, Ana Moreira, Carloto Cota, Henrique Espíritu Santo o Ivo Müller.

EN POCAS PALABRAS

La primera parte de Tabú, titulada Paraíso perdido, se desarrolla en la Lisboa contemporánea y se centra en Pilar, una cincuentona perteneciente a la comunidad cristiana de Taizé, que consagra su tiempo a los demás y a varias buenas causas. En concreto, se ocupa a ratos de su anciana vecina Aurora que, afectada de demencia senil, se cree perseguida por su sirvienta negra Santa y abandonada por su hija. Pero la abnegación de Pilar no parece encontrar un auténtico eco, ni en su entorno ni en esta vieja mujer que se encierra en sus obsesiones.

En la segunda parte de la película, la inesperada muerte de Aurora sacará a la luz un pasado profundamente enterrado: Paraíso. Gian Luca Ventura, un amante de Aurora desaparecido desde hacía mucho tiempo, revelará a Pilar y a Santa la historia oculta de la anciana, el amor clandestino que los unió en África en una colonia portuguesa presa de los primeros sobresaltos de la lucha por la independencia. Marcada por el sello del recuerdo, esta segunda parte abandona el realismo del comienzo por una estética mucho más distanciada, casi onírica.

PRIMERA APROXIMACIÓN

La mayoría de los espectadores serán sensibles sin duda a la originalidad estética y cinematográfica de Tabú, rodada en blanco y negro y en un formato inhabitual, pero también podrán preguntarse por su significado exacto: la película se distingue en particular por una ruptura narrativa que nos transporta del presente al pasado y que desliza nuestro interés de un personaje a otro, de Pilar, lisboeta creyente y entregada a los demás, a Aurora, una anciana senil cuya inesperada y romántica historia nos desvelará su antiguo amante