viernes, 31 de julio de 2015

Filman en Tarija “Tras las huellas del dinosaurio”



Un día, cuando Viviana Saavedra del Castillo era niña, en la escuela le hicieron la típica pregunta, ¿qué hace tu papá? Y ella respondió: estudia los huesos de los dinosaurios, lo que provocó la risa de sus compañeritos.

Años después, ahora cineasta, se propone recuperar la memoria paleontológica de Tarija y la vida de su padre, uno de los primeros espeleólogos del país, a través del filme “Tras las huellas del dinosaurio”.

Historia
Con este objetivo buscó al director de cine Daniel Moya y le propuso ser codirectores de la obra y juntos se encuentran abocados a investigar y realizar las primeras tomas de lo que será la película que, en primer término, contará la historia de un personaje poco conocido, pero importante en los descubrimientos paleontológicos y espeleológicos de Bolivia como es don Henry Saavedra.
“Hace bastante tiempo vengo haciendo producción ejecutiva de cine y he participado en varias películas bolivianas como American visa, Cena quina y otras y siempre tuve la motivación de empezar a contar historias no contadas, la mayoría muy relacionadas a lo político social y el rescate de la memoria”, contó Viviana.
Dentro de esos proyectos tenía uno un poco abandonado, el de contar la vida de su padre, cuyos trabajos influyeron en la historia paleontológica del país, y en especial de Tarija, recuperar del mar del olvido a una persona que hizo posible que se conozca más sobre el lejano pasado de esta tierra y los animales prehistóricos que la poblaron.
Por su parte, Moya sostuvo que le atrajo el proyecto por la razón de ser del filme. “Hay muy pocas películas que se han trabajado sobre este tema en Bolivia, que tiene una riqueza cultural patrimonial tan impresionante, especialmente en Tarija. El rescate y los hechos que suceden con esta riqueza de fósiles”, subrayó.
Otro motivo fue dar un lugar a personas que han trabajado durante años por Bolivia y que lamentablemente no han sido reconocidas, en este caso el paleontólogo y primer espeleólogo que descubrió e investigó las cuevas de Toro Toro como fue Henry Saavedra.
A través de este plan, ambos cineastas descubrieron todo lo referente a estas ciencias, las gestiones que se realizan sobre la administración de los fósiles, sus destinos, por lo que también visitaron Sucre y Potosí que tienen lugares donde existen yacimientos prehistóricos muy ricos.
“El filme trata sobre Henry, que era un tarijeño que le dedicó su vida íntegra a estudiar los fósiles y las cavernas, a descubrir Toro Toro, es una historia que me toca personalmente. Ha veces se peca en no reconocer a nuestros personajes, artistas e investigadores, es una pérdida para Bolivia ignorar a estos personajes que les ha llevado su vida y sacrificios para poder construir sus investigaciones”, detalló Viviana.
Además, al no tener un conocimiento y estudio claro sobre esta riqueza paleontológica se pierde un filón que puede ser generador de recursos económicos a través del turismo científico y que se puede potenciar al máximo. “Y se están acometiendo aberraciones, nosotros sin ser científicos nos estamos dando cuenta cómo Bolivia esta perdiendo esto”, subrayó.

jueves, 30 de julio de 2015

Agazzi busca llamar la atención sobre el cáncer infantil

El drama de los niños que padecen cáncer en Bolivia ha devuelto al cineasta ítalo-boliviano Paolo Agazzi (Cremona, 1946) a la dirección de un largometraje y lo ha llevado a debutar en el largo documental.

“Corazón de dragón” es el filme que ha reconciliado a Agazzi con el rol de director, una década después de haber estrenado su anterior largo tras cámaras, la comedia “Sena quina, la inmortalidad del cangrejo” (2005).

El documental, estrenado anoche en el CEDIB, se exhibirá comercialmente desde hoy, en el cine Center. Su lanzamiento contó con la presencia del cineasta.

“Corazón de dragón” es, en los hechos, el primer largo boliviano que llega a salas comerciales cochabambinas en lo que va de 2015.

ÚTIL Aun siendo consciente de que, por su género, temática y procedencia, puede no despertar demasiadas expectativas entre el público boliviano, Agazzi se muestra esperanzado en que “Corazón de dragón” convoque a los espectadores.

Y a los que lleve a las salas, Agazzi espera que el filme les haga tomar conciencia del drama que sufren los niños con cáncer en el país, en especial los que son atendidos en hospitales públicos.

Es más, el también director de “Mi socio” (1982) cree que este documental viene a ratificar su convicción de que el cine, más allá de sus búsquedas formales, debe tener utilidad.

En este caso, confía en que llame la atención de la sociedad y del Estado, que conocen poco y/o no hacen lo suficiente para que el cáncer infantil no sea tan letal como puede llegar a serlo a falta de tratamientos más adecuados.

De hecho, sus primeras exhibiciones ya han conseguido acelerar cierta burocracia para concretar la construcción de un hospital oncológico en El Alto, para el que se espera contar con un acelerador lineal (equipo para aplicación de tratamiento contra el cáncer) de propiedad estatal, reveló.

En Cochabamba, los fondos recaudados de las funciones de ayer en el CEDIB serán entregados al Hospital Oncológico de la ciudad, con el fin de que este monto simbólico pueda paliar algunas de las necesidades de los niños enfermos con cáncer.



ESTILO Haciendo gala de su natural sentido del humor, Agazzi cree que el título de su documental puede capturar a algún espectador “incauto” que acuda al cine pensando que se trata de alguna cinta de aventuras para acabar viendo en su lugar un documental sobre la historia de Sebastián, un niño que debe luchar contra un extraño cáncer de corazón.

Dicho esto, el director de “El atraco” admite que la temática que aborda “Corazón de dragón” es dura, al punto haber emocionado hasta el llanto a varios de sus espectadores.

Sin embargo, aclara que el tratamiento visual del documental evita caer en la “pornografía del dolor”, apelando a una fotografía de colores vivos y a un registro respetuoso de los niños cuyas historias relata.

Esta apuesta se expresa también en la inclusión de videoclips y de animaciones que, sin escamotear el drama del cáncer infantil, busca transmitir un mensaje optimista en torno a un mal que, en muchos casos y con tratamientos oportunos, puede curarse.

miércoles, 29 de julio de 2015

Disney prepara filme de acción real de Merlín


Disney está imparable con las reinvenciones de sus clásicos de animación. Si hace unos días saltaba la noticia de que Aladdín llegará a la gran pantalla con actores de carne y hueso, The Hollywood Reporter ha anunciado que el estudio ya prepara un remake de Merlín el encantador.

El proyecto, basado en su éxito de animación de 1963, cuenta con Brian Cogman, uno de los guionistas y productores de la afamada serie Juego de Tronos que emite HBO, para que elabore el guión. La nueva revisión del clásico de Disney estará basada, al igual que la película de dibujos, en la novela homónima de T. H. Whitey sobre Merlín y el Rey Arturo. La película, que en 1963 recaudó algo más de 22 millones de dólares y recibió una nominación al Oscar a la Mejor Banda Sonora, estará ambientada en la Edad Media, después de que el rey de Inglaterra muriese sin dejar heredero al trono.

Pixeles’, el cine en proyección: La Tierra amenazada por pixeles malvados


¿Qué pasaría si de pronto el mundo es atacado por populares videojuegos de la década de los 80’s como Pac-Man, Space Invaders, Jojo Quest o Donkey Kong? Esta es justo la trama de Pixeles, la nueva película protagonizada por Adam Sandler en la que la Tierra se verá amenazada por estos pixeles malvados.

PIXELES BASADA EN UN CORTOMETRAJE

La película sobre la invasión alienígena hacia la Tierra en forma de videojuegos clásicos, Pixeles, no fue una idea del momento. Pues todo está basado en el cortometraje francés Pixels, creado y dirigido por Patrick Jean, y producido por Benjamin Darras y Johnny Alves. El pequeño audiovisual fue creado en 2010 y dura alrededor de 2 minutos y medio. La trama es la “liberación” de ciertos personajes de 8-bit que invaden Nueva York. Los invasores son: Pac-man, Space Invaders, Donkey Kong, Arkanoid, Tetris y Frogger.

El cortometraje ganó el Annecy Crystal por El Mejor Cortometraje del Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy. Y no es de sorprenderse pues está muy bien logrado: en principio es una idea muy original, dura lo suficiente para que no caiga en lo repetitivo, los efectos están bien hechos y la historia es bastante simple. Por ende es un buen tributo a los videojuegos ochenteros.

Desde su pequeño estreno, el cortometraje se empezó a hacer viral, tanto que llegó hasta los ojos de Hollywood. Pero fue Happy Madison Productions (la productora de Sandler) con la que se firmó el contrato. Según el creador del cortometraje fue por tres razones:

“Uno: Adam Sandler era perfecto como el personaje principal para nuestra historia. Dos: con él, la película era muy probable que se hiciera. Parece que estamos en lo correcto con esto. Tres: Amo sus películas. Sabía que le daría al proyecto una identidad verdadera y única.”

Es así como se empezó a llevar a cabo la producción en un tamaño más amplio. En un principio Jean era quien iba a dirigir la película pero por todos los efectos especiales y la complejidad, la productora decidió que la experiencia de Chris Columbus (Harry Potter y la Piedra Filosofal, Mi Pobre Angelito) sería la adecuada.

PROTAGONISTAS Y CO-PROTAGONISTAS

Además de ser uno de los productores de la película, Adam Sandler encabeza el reparto junto a Kevin James, Michelle Monaghan, Peter Dinklage, Josh Gad, y Brian Cox. El director Chris Columbus dice que el hecho de desempeñar ambas funciones beneficia al proyecto. “Adam tiene un gran sentido de la comedia y es un productor diestro. Esa es una gran combinación porque, por ejemplo, él entiende perfectamente cuando algo funciona y podemos desarrollarlo o cuándo algo no funciona y requiere un poco más de tiempo para llevarlo a cabo bien”.

La lista de los coprotagonistas pixelados de la película parece un equipo estelar sacado de los ochenta: Pac-Man, Donkey Kong, Centipede, Galaga, Frogger, Q’bert y Space Invaders, entre otros. “Estos personajes clásicos fueron parte del ADN del proyecto, por ello era crucial que trabajásemos juntos para traerlos a bordo”, explica Allen Covert, uno de los productores de la película. “Afortunadamente todos se mostraron sumamente receptivos. Nos aproximamos a ellos desde el gran amor que sentimos por sus personajes y desde el respeto por los elementos que les hicieron únicos y emblemáticos y trabajamos con las compañías colaboradoras para incluir dichos elementos en la película”.

Video Norte Estrecho' se estrenará en el país

Luego de haber obtenido tres premios internacionales, el film boliviano ‘Norte Estrecho’ llega a los cines del país este próximo mes de septiembre.

La película dirigida por el cineasta Omar Villarroel, cuenta la historia de personas que migran a los Estados Unidos, el elenco cuenta con la participación de grandes personajes, reconocidos internacionalmente como Carmen Salinas (Mex.), Luis Bredow (Bol.), Federico Saslavsky (Arg.), Pablo Fernandez (Bol.), Jorge A. Jiménez (Mex.), Camila Matienzo (Bol.), Ariadna Asturzzi (Arg.).

‘Norte Estrecho’ ganó como Mejor Producción en el Festival Ventana Andina Jujuy, Mejor Película Latina en Sunscreen Film Festival y Selección oficial en el FICG Festival Internacional de Cine en Guadalajara.

El film se estrenará en los cines bolivianos el próximo 24 de septiembre.

El gran pequeño’: Viaje de valentía, humor y amor de un niño

Próximamente llegará a nuestro medio la película titulada El gran pequeño, cinta que relata que narra la historia de un chico apodado Little Boy, que ha pasado la vida entre bromas y empujones por no ser alto. Un buen día, un mago cambiará lo que todos, incluso él mismo, han pensado, y comenzará a creer en lo imposible.

El mundo de Little Boy se derrumba cuando su padre se va a la guerra. Inspirado por su héroe de cómic, cree que puede reunir el poder para lograr lo imposible, traer a su padre de vuelta a casa.

Para tener éxito en su misión, debe hacerse amigo de la persona a quien más teme, un anciano japonés, que representa la cara del enemigo. El gran pequeño es una película familiar épica que te lleva en un viaje de valentía, humor y amor, a través de la más improbable de las amistades y la esperanza de un niño.

La cinta fue ambientada en los años 40 y es protagonizada por Jakob Salvati, David Henrie, Kevin James y Emily Watson.

El actor mexicano Eduardo Verástegui es el productor ejecutivo de la cinta, al lado de Roma Downey y Mark Burnett.

Con la realización de esta cinta, además de reactivar los estudios de Rosarito en Baja California, los productores consiguieron reunir a un talentoso equipo que integró a más de 700 profesionales, actores, técnicos y artesanos, primordialmente mexicanos, quienes, en una filmación sin precedentes, recrean la década de los 40 en Estados Unidos, inspirados fielmente en las ilustraciones de Norman Rockwell.

“La lección de humanidad permea el argumento de Monteverde y Pepe Portillo en El gran pequeño, conduciendo a sus protagonistas en una historia moderna, revelando lo que ocurre cuando alguien tiene el coraje de creer”, señala el director.

Además del debutante de seis años, Jakob Salvati, actúan Tom Wilkinson (nominado dos veces al Oscar por sus papeles en In the Bedroom y Michael Clayton).

Kendrick: “es raro ser protagonista de una franquicia”

La actriz Anna Kendrick ha conquistado, a golpe de naturalidad e ironía, el título de chica normal que triunfa en Hollywood. Aún así, Anna Kendrick, nominada a un Premio Oscar por Amor sin escalas (2009), no se acostumbra a ser la protagonista de la película y menos de una franquicia, como la comedia musical Dando la nota.

“Hacer de protagonista es muy raro, y en particular en una franquicia. Por un lado es excitante, pero a veces me pregunto si realmente quiero seguir haciendo esto, porque no figuraba entre mis ambiciones”, ha dicho la actriz en una entrevista con Efe.

“De hecho, me encantaría, en algún punto de mi carrera, dar marcha atrás y convertirme simplemente en una actriz de personajes”, precisa, en referencia a lo que en inglés se denomina “character actress”, papeles secundarios pero de fuerte personalidad e impacto.

Kendrick, logró su primer éxito cuando sólo tenía 13, con el musical de Broadway High Society, que le valió una nominación a los Tony. En el cine debutó en 2003 con otra comedia musical, Camp, y cinco años después se coló en la saga de Crepúsculo, con el papel de Jessica.

Pero el gran impacto llegó con la nominación al Premio Oscar, gracias a la entrañable Natalie que acompañaba a George Clooney de vuelo en vuelo en Amor sin escalas (2009).

“Obviamente, fue un gran momento, pero la verdad es que me costó un par de años llegar a hacer la variedad de películas que estoy haciendo ahora. Después de Amor sin escalas me ofrecían siempre el mismo tipo de personajes y no me interesaba. Si hay algo que no me apetece, es hacer lo mismo una y otra vez”, subraya.

En los últimos tres años, esta hija de la clase media -madre contable y padre profesor-, hiperactiva en Twitter y sin pelos en la lengua, ha rodado la friolera de 15 títulos.

Dando la nota: aún más alto vuelve al mundo de las Barden Bellas, un coro femenino universitario “a capella” que se presenta a sí mismo como ese lugar donde van las chicas demasiado feas para ser animadoras.

A las ya conocidas “Gorda Amy”, la excéntrica Lilly o la propia Beca, que interpreta Kendrick, se suma ahora el fichaje de Hailee Steinfeld en el papel de la cándida y confiada Emily.

El argumento gira en torno a una competición internacional de canto en la que nunca ha logrado ganar un equipo americano y donde las Bellas deberán enfrentarse al grupo alemán Das sound machine, cuya irresistible líder interpreta Elizabeth Banks, también directora de la cinta.

EFE

Las chicas Bond de ‘Spectre’

Metro Goldwyn Meyer presentó nuevas imágenes de la película Spectre, siguiente aventura cinematográfica de James Bond encarnado por Daniel Craig, ahora con una fuerte y relevante presencia femenina.

Spectre es una película que además supondrá la despedia de Sam Mendes en la dirección del proyecto. Ahora al frente de un reparto femenino con nombres como los de Lea Seydoux en el papel de Madeleine Swann, Monica Bellucci dando vida a Lucia Sciarra, Naomie Harris repitiendo en la saga después de su debut en Skyfall, Eve Moneypenny, y Stephanie Sigman como el misterioso papel de Estrella.

Como podemos ver nombres que tendrán una gran relevancia en un elenco en el que además encontramos a Christoph Waltz, quien podría interpretar al hermano de James Bond en una trama que busca cerrar el círculo iniciado en Casino Royale para una tetraología cinematográfica.

Con Ben Wishaw, Rory Kinnear, Ralph Fiennes y David Bautista continuando con el elenco. Su estreno mundial está previsto para el 23 de octubre en el Reino Unido, y una semana después en el resto del mundo.

LAS CHICAS BOND

A continuación podemos ver a Stephanie Sigman, una de las recién llegadas a la saga James Bond en un enigmático papel del que por ahora no tenemos muchos detalles.

Monica Bellucci se presenta como la verdadera protagonista femenina. En un papel que promete dar mucho juego en la saga y dejar una profunda huella en la misma.

Naomi Harris repite dentro de la saga Bond llevando el papel de Eve Moneypenny, con una fuerte presencia al inicio y ahora regresando a la acción.

Rumor de Minions nazis se extiende en Internet

Una truculenta historia que asociaba el origen de los Minions a las torturas de los nazis a los niños judíos se extendió en Internet desde la semana pasada. Momento en el que las búsquedas relacionadas con ese rumor se extendieron como la pólvora.

El rumor venía sazonado por algunas imágenes en las que se veía a personas con un casco que les hacían parecerse bastante a la icónica estampa de los personajes de color amarillo que llegaron al cine gracias a la saga Mi Villano Favorito.

Su verdadero origen es una leyenda urbana de Internet, una “creepypasta” que cobró gran fama de una manera verdaderamente rápida. Aunque más que surgir ahora, se extendió reavivado desde mediados del año 2014, cuando en YouTube apareció un vídeo que ahondaba en este aspecto tan peculiar del modo en el que los rumores se extienden en la “red de redes”.

Dentro de uno de esos mensajes virales se aseguraba que la palabra Minion se traduce del alemán “Esbirro”. Lo que no se aclara es que también significa lo mismo en inglés, idioma nativo de la superproducción y saga de animación. En los bulos se hablaba de que era la denominación que recibían los niños judíos robados a sus padres que eran utilizados como conejillos de indias para todo tipo de experimentos. Todo se acompañaba de una presunta imagen en la que presentaban a unos jóvenes ataviados con unos peculiares trajes que en realidad eran campanas de buceo individuales pertenecientes a maniobras del ejército británico.

Drácula y sus amigos estarán de vuelta

Bienvenidos al Hotel Transylvania, destino favorito para todos aquellos monstruos que pretenden tomar un descanso del terror. La primera entrega nos permitió adentrarnos en el inmueble para conocer a su colmilludo administrador -el mismísimo conde Drácula- y su grupo de escalofriantes amigos. En esta nueva entrega, la familia crecerá con la llegada del mitad humano y mitad vampiro Dennis, quien es hijo de Mevis y Johnny.

Los problemas se inician con la sorpresiva visita del padre de Drac, quien descubrirá que el legado familiar ha sido manchado con un nieto de sangre impura. ¿Cómo creen que reaccionará?

Hotel Transylvania 2 es dirigida por Genndy Tartakovsky, cuenta con los regresos de Adam Sandler, Selena Gómez y Andy Samberg y la incorporación de Mel Brooks como el veterano colmilludo Vlad, en la versión original. La cinta estrenará en septiembre del 2015.

NUEVOS TRAILERS

La página oficial de Facebook de Hotel Transylvania publicó dos nuevos tráilers de la segunda entrega de la cinta animada para deleite de sus seguidores. En ellas se observa que la hija de Drácula, Mavis (Selena Gómez) se casará con el humano Jonathan (Andy Samberg) y el hotel que maneja el vampiro abrirá sus puertas para los humanos.

En la nueva película, Mavis y Jonathan tendrán un hijo, su pequeño mitad humano y mitad vampiro, Dennis.

Al parecer Dennis no muestra signos de ‘monstruosidad’, pero su abuelo Drácula está decidido a sacar ese lado monstruoso. Su intento lo llevará a vivir muchas aventuras juntos a sus amigos y el pequeño Dennis.

"Chacho Rapere Guare" y "Llaki wij´chuna" son seleccionados por el Talent Doc 2015

La versión 2015 del Talent Doc ya tiene a sus seis finalistas. Desde Bolivia fueron seleccionados los proyectos: "Chacho Rapere Guare" de Rodrigo Urriolagoitia y "Llaki wij´chuna - Diálogos del Ayllu" de Diego Revollo. Dado que se trata de un certamen que desarrolla proyectos audiovisuales, el 31 de agosto iniciarán talleres y asesorías a fin de plasmar las ideas.

Desde Ecuador clasificaron los trabajos, "Miles de pasajeros" de David Lucio, "La Caja mágica" de Daniel Jácome y desde el Perú "Vestigios" de Humberto Paz y "Grief- Historias Perdidas" de Susanne Pelikan. Solamente uno de todos estos proyectos será apoyado para la realización con una suma de hasta $us 10.000.

El Talent Doc 2015 pondrá una atención especial en proyectos en desarrollo que muestren una acusada tendencia híbrida o transmedia.

"Los tiempos cambian y en dos años hemos querido abrir el espectro del documental hacia nuevas maneras de difusión a través de las redes sociales. El director de una película documental ahora puede generar un público mucho más grande", comentó Michael Friedrich, del Goethe Institut, entidad auspiciadora, cuando fue lanzado el premio en marzo pasado.

Este premio cuenta con diferentes asesores que son expertos nacionales e internacionales. Entre los nombres destacados se encuentran: Rodrigo Bellott (Bolivia), Cathy de Haan (Alemania), Steven Grisales (Colombia), Laura Ruggiero (Argentina), Damien Sueur (Francia), Belén Santa-Olalla (España) y Juan Carlos Valdivia (Bolivia).

En el momento del lanzamiento el Goethe Zentrum -parte importante de la organización del evento- indicó que también se realizará un primer Festival de Cine Bolivia 4K y el Taller Andino de Desarrollo de Ideas Ibermedia, junto a la Fundación CineNómada para las Artes.

Los dos proyectos en desarrollo ganadores llevan títulos en idioma nativo

"Llaki wij´chuna - Diálogos del Ayllu" es un proyecto de documental transmedia, explica el realizador Diego Revollo. "Está centrado en las relaciones generacionales de Lunlaya -Ayllu de la Nación Kallawaya- y a la vez, en la relación del Ayllu con el ´mundo moderno´" resalta Revollo.

El joven realizador -que es presentador del proyecto de televisión infantil conocido Pica- explicó que eligieron trabajar con la familia Ortiz Ramos de Lunlaya, que ya tuvo apariciones públicas en cadenas de televisión británicas y japonesas.

"Usamos este material de archivo para analizar con más precisión los cambios que ha sufrido la comunidad, la familia y sobre todo, hacer el contraste de un registro mucho más íntimo, lejos de la postal y la puesta en escena televisiva. Los dos nietos mayores viven y estudian en La Paz, uno medicina y el otro derecho respectivamente, mientras sus padres, hermanos y abuelos, todavía tratan de mantener costumbres e idiomas ancestrales", adelantó Revollo.

La acción es la protagonista de la quinta entrega: Misión Imposible: Nación Secreta


ARGUMENTO

Con la FMI disuelta y Ethan Hunt (Tom Cruise) abandonado a su suerte, el equipo tiene que enfrentarse contra el Sindicato, una red de agentes especiales altamente preparados. Estos grupos bien entrenados están empeñados en crear un nuevo orden mundial mediante una serie de ataques terroristas cada vez más graves. Ethan reúne a su equipo y une sus fuerzas con la agente británica renegada Ilsa Faust (Rebecca Ferguson), quien puede que sea o no miembro de esta nación secreta, mientras el grupo se va enfrentando a su misión más imposible hasta la fecha.

TOM CRUISE EN LA QUINTA MISIÓN IMPOSIBLE

A Tom Cruise se le nota que le gusta su nueva Misión: Imposible, la quinta película de la saga que protagoniza y que tuvo su estreno mundial en Viena, una de las localizaciones por las que pasa el superagente Ethan Hunt en sus esfuerzos para salvar, de nuevo, al mundo.

La estrella estadounidense se tomó su tiempo con los miles de fans mientras paseaba por la alfombra roja camino a la Ópera de Viena, donde tuvo lugar la presentación mundial de la película Mission:Impossible. Rogue Nation (Misión Imposible: Nación Secreta).

Vestido con vaqueros y camisa negra y repartiendo sonrisas, Cruise firmó autógrafos, se dejó hacer cientos de fotos y estrechó las manos de muchos de los que habían estando esperando durante horas para ver al actor.

“Estoy muy orgulloso de lo que creo que hemos logrado con esta película”, explicó Cruise a preguntas de Efe.

“Me siento tan privilegiado de haber hecho cinco de ellas, son películas muy difíciles, con muchos desafíos. Cuando las estoy haciendo siempre pienso en la audiencia, en qué les va a entretener, qué puedo hacer para empujar hacia el siguiente nivel”, declaró.

En Misión Imposible: Nación Secreta el agente Hunt y sus compañeros de la agencia ultrasecreta IMF se enfrentan a The Syndicate, una malvada organización que busca cambiar el orden mundial mediante el terrorismo.

En su lucha por impedirlo, Hunt se sube en marcha a un Airbus A400m y vuela agarrado a su costado por un buen rato; se lanza en moto a 190 kilómetros por hora por una carretera de montaña; y casi se ahoga tratando de robar información de una inexpugnable “caja fuerte” informática.

Y todo sin abusar de los efectos especiales y con un Cruise que, a sus 53 años, insiste en implicarse totalmente en las escenas de acción y en hacer la película lo más real posible.

“Así es como lo hago. Siempre, durante toda mi carrera he impulsado hacerlo así. La imagen generada por computadora queda fantástica en ciertas películas, pero quiero poner a la audiencia justo dentro (de la película) lo mejor que puedo”, declaró Cruise cuando atendió a los medios en la alfombra roja.

La escena del avión es especialmente impresionante, porque es real.

Cruise se colgó mediante un arnés del lateral de la aeronave mientras rueda por la pista y despega, una escena que él mismo calificó de loca y divertida y que repitió ocho veces hasta tener el material necesario.

Con las ventajas de la imagen real frente a la computerizada estuvo de acuerdo Christopher McQuarrie, el director de la cinta.

McQuarrie aseguró que hay una “reacción más visual cuando se sabe que lo que se está mirando es real”, aunque apostó por combinar la imagen auténtica con los efectos digitales.

Relatos sobre la guerra y tradición Kallawaya, finalistas en TalentDoc

Uno de seis proyectos de Bolivia, Perú o Ecuador recibirá un fondo de 10.000 dólares.

Una historia que relate la experiencia de excombatientes de la Guerra del Chaco, tanto de Bolivia como de Paraguay, por un lado; y la exploración de la vida y costumbres de una familia Kallawaya, y sus relaciones generacionales frente a la modernidad sin perder sus costumbres, son la base de los proyectos nacionales seleccionados por el TalentDoc 2015.

La iniciativa de fomento para cineastas de Bolivia, Ecuador y Perú, dio a conocer a los trabajos seleccionados y de entre los cuales se elegirá a uno, que accederá a un fondo de apoyo de 10.000 dólares otorgado por el Goethe-Institut.



UNA MIRADA HACIA ATRÁS. "Chaco Rapere Guare" de Rodrigo Urriolagoitia, Olivier Ríos, Felipe Seoane y Fabio Pérez; y "Llaki Wij'Chuna - Diálogos del Ayllu" de Diego Revollo, son los trabajos seleccionados por TalentDoc.

Rodrigo Urriolagoitia, codirector de "Chaco Randere Guaré", que en guaraní significa En el viejo camino de El Chaco, explicó que el proyecto busca volver a esa región para buscar el campo de batalla y los lugares geográficos donde murieron dos familiares suyos que combatieron allí.

"Para hacer este viaje vamos a hacerlo por carretera. Vamos a tratar de revivir lo que sintieron los excombatientes y al mismo tiempo hacer una investigación histórica de lo que significó la guerra tanto para el lado boliviano como el paraguayo", dijo.

En diciembre del año pasado, los productores realizaron un viaje inicial por el trayecto hasta Asunción, donde pudieron conocer, de primera mano, varios detalles que los inspiró a hacer un documental no sólo histórico.

"Buscamos concentrar la memoria colectiva histórica que hay sobre la Guerra del Chaco y recolectarla en un filme, además de la memoria paraguaya. Para ello, hablamos con combatientes que tienen una visión muy distinta".

Los gestores pertenecen a la productora Zooma Lights, que realiza cortometrajes, trabajos institucionales y otros. El proyecto seleccionado por TalentDoc será su primer largometraje.



TRADICIÓN Y MODERNIDAD. Por su parte, Diego Revollo, director de "Llaki Wij'Chuna", manifestó que el documental se basa en la familia Ortiz Ramos, del ayllu de Lunlaya en Charazani, perteneciente a la nación Kallawaya. El proyecto retrata y desmenuza las relaciones generacionales de esa familia específica. "Vemos cómo los nietos viven en La Paz, estudiando Medicina y Derecho, mientras sus abuelos y papás están en el ayllu manteniendo las tradiciones". A petición de los protagonistas, el proyecto sistematizará otros detalles como los tejidos, la musicoterapia, la herbolaria y todo lo relacionado a la preservación y difusión de la cultura Kallawaya.

El enfoque transmedia estará reforzado a través de una plataforma web y una radio comunitaria —aunque que no es utilizada de manera eficiente—, además de la televisión. Para ello, se tiene una alianza con el programa Pica, del cual Revollo es conductor, en el que se emite una cápsula llamada “PiKallawaya”, con espacios "donde los jóvenes de la comunidad nos cuentan procesos de sanación a través de plantas".

Fue justamente ese detalle por el cual se dio el interés para el filme, ya que Revollo llegó a Lunlaya para encontrar otros métodos de sanación "que tienen que ver más con el espíritu y la mente, no tanto del cuerpo", el proyecto se incluye también en la película de ficción "El sol, la piedra y el agua", en la que el cineasta trabaja actualmente, respecto a la búsqueda sobre la familia y sus infinitas posibilidades.

El productor resaltó que la familia ya fue documentada antes por una cadena de televisión británica y otra japonesa, por lo que se partirá de ese material de archivo de hace 10 años. El propósito es ver todo el material con ellos y notar como cambió la comunidad desde entonces.

Se prevé que "El sol, la piedra y el agua" se concluya hasta diciembre. Inicialmente se buscará presentarla en circuitos de festivales y después estrenarla en La Paz.



6 son los proyectos de tres países que buscan conseguir el premio de 10.000 dólares para llevar a cabo la filmación.





LOS PROYECTOS SELECCIONADOS por Ecuador son: "Miles de pasajeros" de David Lucio, y "La Caja mágica" de Daniel Jácome; mientras que por Perú, se tiene a "Vestigios" de Humberto Paz y "Grief- Historias Perdidas" de Susanne Pelikan.

Los seis proyectos en total serán invitados a un laboratorio interactivo de asesoramiento que tendrá lugar en la Cinemateca Boliviana del 31 al 5 de agosto. Posterior a esa actividad, se conocerá al ganador.

martes, 28 de julio de 2015

Ant-Man”, la película más taquillera

La película del hombre hormiga de Marvel, “Ant-Man”, arrebató con facilidad el título de película más taquillera del fin de semana al último estreno de Adam Sandler, “Pixels”, un filme sobre personajes de videojuegos de arcade que invaden la Tierra.

“Ant-Man” recaudó en su segundo fin de semana en acción 24,7 millones de dólares, según publicó ayer Box Office Mojo, por 24 millones de “Pixels”, cinta que estaba llamada a ser uno de los éxitos del verano pero que terminó por confirmar que Sandler ha dejado de encandilar audiencias.

Los titulares de la prensa de Hollywood destacaron ayer la decadencia de la carrera de Sandler, cuyas comedias ya no son sinónimo de triunfos seguros como ocurrió entre mediados de la década de 1990 y 2000 con producciones como “The Waterboy” (1998) y “Big Daddy” (1999).

Vendedoras

“Blended” se estrelló el año pasado y, a excepción de las dos “Grown Ups” que resultaron bien en taquilla a pesar de las pésimas críticas, también fracasaron “That’s My Boy” (2012), “Jack and Jill” y “Funny People” (2009).

Por detrás de “Pixels” quedó “Minions”, el largometraje sobre los pintorescos personajes amarillos que se dieron a conocer en la saga “Despicable Me” y que en su tercer fin de semana en cartelera sumó 22,1 millones de dólares más a una cuenta de resultados que asciende los 759 millones de dólares en todo el mundo.

En cuarto lugar figuró “Trainwreck”, una comedia de Judd Apatow (“Knocked Up”) con la humorista y guionista Amy Schumer que da el salto a la gran pantalla como protagonista después de una carrera centrada en la televisión. “Trainwreck”, la historia de una joven que no cree en la monogamia, ingresó 17,3 millones de dólares por los 16,5 de “Southpaw”, el drama de un boxeador encarnado por Jake Gyllenhaal quien en el momento cumbre de su carrera sufre una tragedia personal que le lleva a perderlo todo.

Según algunos críticos, con “Ant-Man”, el cine como divertimento irreverente vuelve a reconciliarse con la experimentación filosófica, desde el momento en que el tema del filme es la puesta en suspenso de aquella ‘realidad’ que hemos convenido en asumir y compartir.

“Bolillo fatal”, una joya cinematográfica artesanal

Carolina Cappa y María Domínguez son parte del “Kinetoscopio Monstruo”, un proyecto que se enfoca en la divulgación de la historia de Bolivia a través del cine y las imágenes. Ellas fueron las encargadas de la restauración del filme de 14 minutos “Bolillo Fatal o emblema de la Muerte”, trabajo con el que la “Cinemateca boliviana” festejó sus 39 años.

El corto-documental narra el día del fusilamiento de Alfredo Jáuregui, quien fue acusado de asesinar en 1917 al expresidente boliviano general José Manuel Pando.

“Fue de intenso trabajo, donde nos sorprendimos de la cantidad y la calidad de películas bolivianas que íbamos encontrando en el proceso de catalogación. Nos interesamos especialmente en películas familiares, amateurs, cine mudo boliviano, noticieros y cine científico entre otros. En su mayoría películas que están fuera del circuito comercial o que no fueron inicialmente pensadas para ser exhibidas. Esto hizo que el trabajo de Archivo se incremente”, indicó Domínguez en una entrevista exclusiva con ANF.

Carolina y María trabajan con material fílmico, esto significa que hacen un trabajo artesanal, “donde uno debe usar tijeras, pegamento, tintes, cuchillas, luces, etc. Es el mismo sentido que queremos darle a ‘Kinetoscopio Monstruo’, que se sienta la materialidad en descomposición de las películas y de la misma historia”, explican sobre su labor tanto en el “Bolillo Fatal” como en otros trabajos que ya han realizado.

Ambas profesionales fueron contratadas en febrero de 2012 por la Cinemateca Boliviana como consultoras externas para catalogar y ordenar todo el material fílmico perteneciente al cine boliviano.

En marzo del mismo año encontraron la película en el excine Bolívar, cuando les habían solicitado recoger y revisar la donación de la familia Guerra Velasco.

“Fuimos contratadas exclusivamente para catalogar cine boliviano, pero debido a la ausencia de un encargado de Archivo (en la Cinemateca boliviana), tuvimos que asumir este papel también”, adelantó Domínguez. Ambas fueron encargadas de la entrada y salida de materiales y donaciones, de atender a los investigadores externos y asistirlos en la búsqueda de películas, de limpiar y recuperar aparatos cinematográficos, atender a los participantes en los talleres de restauración, la limpieza y el orden de las bodegas. “Y a partir del hallazgo de ‘El bolillo fatal’, nos dedicamos a diseñar el mejor plan para su recuperación y buscar el mejor lugar donde podría ser restaurado”, indicó.

La Cinemateca boliviana se encargó de la producción del cortometraje y ellas de realizar la primera digitalización de la película, de comunicarse con diferentes filmotecas y laboratorios para pedir cotizaciones, de investigar la historia de la película, del director y de Alfredo Jáuregui, de investigar los procesos técnicos de restauración para una película tintada de 1927 -que es el caso de El bolillo Fatal-, y finalmente se acercaron a la filmoteca de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y aceptaron su propuesta de restauración como la mejor entre otras.

“Dos años después de conseguir esta oportunidad, viajamos a México y formamos parte de la restauración y digitalización de la película”, contó Domínguez. “Nos hubiera gustado contarles a todos cómo se hace la restauración de una película, pero lamentablemente a la Cinemateca no le interesa esto”.

“El primer objetivo de una restauración es acercarse lo más que se pueda a la obra original, luego de que esto se ha logrado, lo principal es difundirla. Esperamos poder mostrar esta película especialmente en la ciudad de El Alto, en la cárcel de San Pedro y a todos aquellos afectados por la injusticia”, dijo Domínguez.

El futuro

A la pregunta de qué proyectos tiene para el futuro el Kinetoscopio Monstruo dijo seguir trabajando sobre “El bolillo fatal”, recuperar otras películas y seguir investigando. Agrega que el objetivo principal “es difundir la información, que todos puedan ver estas películas y que el acceso no sea para unos pocos entendidos. Esperamos también reunir todas nuestras experiencias en una película que estamos realizando, será de bajo presupuesto, amateur, como las películas que mostramos”.

lunes, 27 de julio de 2015

Video La película boliviana Boquerón se estrena el 13 de agosto

Intensamente, cinco años de trabajo para una joya del cine

Cinco años de duro trabajo y hasta siete versiones de la película fueron necesarias para crear Inside Out (Intensamente), una nueva joya de animación salida de Pixar, con un proceso creativo mucho más complejo del que muestran sus coloridas y brillantes imágenes.
Todo comenzó tras finalizar Up (2009), momento en el que el director Pete Docter, el productor Jonas Rivera y el gran gurú de la animación moderna, John Lasseter -director creativo de Pixar y Disney- comenzaron a debatir ideas para su siguiente proyecto.
Y la ganadora fue una de Docter en la que apenas había pensado y no tenía desarrollada. "¿Qué pasaba por el cerebro de mi hija de 11 años?”. Esa fue la premisa de partida para el realizador, muy preocupado por el cambio de actitud de Elie, que había pasado de ser divertida y extrovertida a entrar en la adolescencia con toda la incomprensión que esa etapa genera.
Para llegar de esa idea al espectacular resultado final tuvieron que pasar muchas etapas, muchos intentos y muchas pruebas desechadas.
Se comienza a trabajar a la vez en el guión y en el concepto visual y una vez que se tiene una primera versión, "se vuelve a hacer otra vez y otra y otra...”, explicaba esta semana un divertido Docter en una estupenda clase magistral en Madrid para presentar su nuevo proyecto.
Cada tres o cuatro meses se finalizaba una película entera y se proyectaba a gran parte del equipo de Pixar, un proceso que se repitió siete veces durante estos cinco años.
Tras cada proyección, un largo debate en el que casi todos tenían derecho a plantear sus propuestas, a criticar lo que consideraban que no funciona y a confirmar lo que sí les gustaba.
De ahí Docter y su equipo sacaban ideas que les servían para ir mejorando la película. Eso les servía para ir definiendo los dibujos que conformaban la película y de los que se diseñaron nada menos que 177.000 para contar la historia.
Luego se añadía la música y los efectos y se veía en todo su conjunto para ver si funcionaba, con posteriores sesiones de debate de tres y cuatro horas para cada escena.
Al mismo tiempo, el Departamento de Arte trabajaba en el aspecto visual de la película, que en este caso era tremendamente complicado porque no podían ver el interior de un cerebro, así que todo tenía que ser inventado.
"Se hicieron miles de diseños” y los personajes se construyeron en barro y plástico hasta dar con los definitivos, antes de pasar a concretar su aspecto animado.

Como ejemplo, unos dibujos de las fases por las que pasó el diseño de uno de los personajes principales de la película, Alegría. Querían que desprendiera luz, así que la rodearon de partículas brillantes, que se fueron reduciendo en número y tamaño hasta quedarse reducida a unas pocas, eso sí, que captaran la luz, una especie de "burbujas de champagne”, como las describe Docter, muy satisfecho con el luminoso resultado final del personaje, que hasta se parece a Audrey Hepburn, en su opinión (EFE).

El mejor realismo


Expresiones En lo que se refiere a las expresiones, miles de fotografías de actores de carne y hueso poniendo todas las expresiones posibles, servían de base para dotar de realismo a las caras de los personajes animados.
Escenografía También se trabajó mucho en los escenarios en los que desarrollaba la historia y que acabaron siendo una mezcla de Apple Store y de Disneyland, con unos estudios estilo Hollywood para recrear la Productora de Sueños del cerebro.
Actores U na vez que se tenía una versión más o menos aproximada de la película definitiva comenzaba el trabajo con los actores que pusieron su voz a los personajes.

sábado, 25 de julio de 2015

Mineros enfrentados antes del estreno del filme 'Los 33'

Su increíble historia de supervivencia dio la vuelta al mundo y ahora llegará a los cines con Antonio Banderas como actor principal, pero sus verdaderos protagonistas, los 33 mineros de Atacama, están enfrentados antes del estreno de la producción de Hollywood la próxima semana.

Cinco años después del derrumbe que los sepultó a más de 600 metros de profundidad, al fondo de una vieja mina en el árido desierto chileno, el esperado estreno del filme 'Los 33' encuentra a sus protagonistas reales enfrentados por los derechos de su asombrosa historia.

"Yo no voy a participar de ese show", afirmó el minero Luis Urzúa, jefe de turno aquel 5 de agosto de 2010, cuando un derrumbe los sepultó a él junto a sus compañeros al fondo de la mina San José, en la ciudad de Copiapó, en pleno desierto de Atacama, en el norte chileno.

La historia se encaminaba a ser una tragedia minera más. Durante 17 días no se supo nada de ellos y, cuando ya cundía la desesperanza, un pequeño mensaje de vida emergido desde el fondo de la mina, en el que se afirmaba que todos estaban bien, le dio un giro épico a la historia. Tras 69 días, todos fueron rescatados sanos y salvos en un final feliz que conmovió al mundo.

Pocas semanas después de ser rescatados, el 13 de octubre de 2010, los 33 de mineros firmaron un acuerdo para ceder los derechos de su historia para la creación de una película y un libro.

"La realidad es diferente. Y yo prefiero no estar, porque lo que yo necesito es recuperar los derechos de mi historia", agregó Urzúa, al teléfono desde Copiapó, resentido por lo que considera el "despojo" de los derechos de comercialización de la historia que protagonizó hace cinco años.

Asesorados por abogados, se creó una compleja estructura jurídica que dejó conforme a algunos, pero que otros mineros consideraron que los dejaba "atados de manos".

"No sé si estoy conforme con el acuerdo. Hay que esperar a que salga la película y ver cómo nos va", dijo el minero Carlos Barrios.

"Todo está súper claro", replicó de su lado Mario Sepúlveda, el minero más histriónico del grupo y a quien personifica Antonio Banderas.

"Hay gente que invirtió. Esto es un negocio y una vez que esto empiece a dar sus frutos, se supone que debe empezar a haber ganancias para cada uno de nosotros", agregó Sepúlveda.

'Los 33', dirigida por la mexicana Patricia Riggen y protagonizada por el español Antonio Banderas y la francesa Juliette Binoche, tendrá su estreno mundial en Chile el 6 de agosto. Cuatro días antes, por todo lo alto y con la presencia de gran parte del elenco y de la mayoría de los mineros, se realizará el preestreno en un teatro de Santiago.

Su historia en la pantalla grande

Hace pocas semanas, gran parte de los mineros y sus familias pudieron ver la película. Hubo llantos y muchos lograron reconocerse en la pantalla grande, en las actuaciones de actores como Rodrigo Santoro, Adriana Barraza, Kate del Castillo, Gabriel Byrne, Mario Casas, Juan Pablo Raba, Tenoch Huerta y Alejandro Goic, entre otros.

"Es fuerte la película. A nosotros como mineros nos costó verla, porque fuimos recordando todo. Algunos lloraron", contó Barrios.

"Es muy apegada a la historia de nosotros. A veces se dice que las películas no reflejan lo que ha sido en la vida real, pero ésta no. Es bien apegada", agregó.

"Está tremendamente extraordinaria, hermosa. Nos deja muy bien parados como país", afirmó de su lado Mario Sepúlveda.

La cinta, producida por el estadounidense Mike Medavoy -nominado al Óscar en 2011 por "El cisne negro", con Natalie Portman- se rodó en 2014 en una mina de sal en la localidad colombiana de Mecomón y en el desierto chileno.

La productora Alcon Entertainment adquirió los derechos de la cinta para distribuirla en Estados Unidos, donde será estrenada el 13 de noviembre.

"El equipo de los 33 es lo más grande y hermoso que nos puede haber sucedido. Ahora, que estupideces y el dinero nos tengan separados, es otra cosa", dijo Sepúlveda.

Pero agregó: "Para saber la verdad sobre los 33 tienen que hacer una serie, porque cada compañero tiene su propia historia, cada uno lo vivió de su propia forma".

Video La nueva película 'Pixels' cambió su argumento para no ofender a China

Los productores de la película de Chris Columbus "Pixels", que esta semana se ha estrenado en Hollywood y en los grandes mercados europeos, cambiaron el guión para evitar que en él hubiera menciones a China,

En uno de los miles de correos filtrados por Wikileaks, remitido en 2013, una de las responsables de Sony en su oficina en China, Li Chow, recomendaba que la película protagonizada por Adam Sandler no incluyera una escena del guión en la que los extraterrestres que atacan la Tierra agujereaban la Gran Muralla.

La escena "no beneficiaría el estreno en China", señala el correo, una sugerencia que finalmente debió ser escuchada, ya que en la película los alienígenas (que en esta película toman la forma de personajes de vídeojuegos de los 80) no atacan el conocido monumento defensivo, pero sí el barrio de Manhattan o el Taj Mahal indio.

Además, la película ha logrado permiso para su estreno en China -país donde se permiten sólo una treintena de películas extranjeras en sus grandes pantallas cada año- y llegará a sus cines el 15 de septiembre.

En el correo filtrado también se sugiere que en la escena en la que el Gobierno de EEUU analiza los primeros ataques no se mencione que China no puede estar detrás de ellos porque "no tiene la tecnología necesaria", ni que se sugiera la posibilidad de que piratas informáticos chinos hayan intervenido.

Entre los destinatarios de los correos se encuentran productores como Doug Belgrad, presidente de Columbia Pictures (subsidiaria de Sony), quien en un correo de respuesta señala que tendrá en cuenta las sugerencias enviadas desde China.

La trama
"Pixels", estrenada ayer viernes en EEUU, España y varios países latinoamericanos, cuenta la historia de un ataque extraterrestre contra la Tierra en la que populares personajes como Pac-Man o Donkey Kong atacan el planeta, después de que los alienígenas malinterpretaran un cargamento con vídeojuegos lanzado al espacio por EEUU en 1982.

Sony, que condenó la filtración por Wikileaks de miles de mensajes confidenciales, ha declinado comentar sobre la presunta intervención de la censura -o la autocensura- china en el argumento de este filme, que en todo caso no sería el primero que ha sido cambiado para intentar agradar a Pekín.

Estos y muchos otros cambios de guión se justifican en un momento en el que el mercado chino, aún con mucho potencial de crecimiento, se está convirtiendo en el más importante de Hollywood en el exterior, y en ocasiones en tabla de salvación de grandes superproducciones que fracasan en Occidente pero no en Oriente.

Las 100 mejores películas estadounidenses, según BBC

¿En cuál lugar crees que se encuentra tu película favorita dentro del ranking de las mejores cintas estadounidenses de toda la historia?

¿Entre las primeras 10? ¿O acaso entre las primeras 20?

Te invitamos a revisar este ranking desarrollado por BBC Culture como un reconocimiento a la notoria influencia del cine de Estados Unidos en la expresión artística más popular en el mundo.

Cómo se escogieron las películas

A sabiendas que todos los rankings son especialmente polémicos, porque después de todo, el cine es en sí una experiencia íntima, este listado es el resultado de la consulta que BBC Culture hizo a 62 críticos internacionales alrededor del mundo.

Cada crítico propuso 10 películas y las clasificó con una puntuación de 10 puntos para la mejor y 1 punto para la que ocupara el décimo lugar en su lista personal.

Para los fines de la encuesta, se definió como película estadounidense a toda aquella que haya recibido financiamiento de una fuente de Estados Unidos.

A los críticos se les animó a que incluyeran películas que, desde el punto de vista emocional, fueran las mejores, aunque no necesariamente fueran las más importantes.

Sin más preámbulos, aquí está la lista de las 100 películas más grandes de todos los tiempos (las diez primeras de ellas, comentadas por algunos de los críticos que participaron en la encuesta).

1. Ciudadano Kane (Citizen Kane)

De acuerdo con los encuestados "Ciudadano Kane" es una gran película estadounidense porque, como los Estados Unidos, contiene multitudes. Es el debut de un joven y extraordinario director –Orson Welles solo tenía 25 años cuando la hizo- y marca el momento cumbre de una década llena de innovaciones en la cinematografía.

Es una obra maestra que expresa modernidad a través de su cambiante, pero estilizado, lenguaje cinematográfico, y por el uso escandaloso que hace del chisme melodramático.

Combina una concepción casi proustiana del tiempo y la conciencia, con abundantes diálogos hilarantes.

Es una historia de misterio cuya solución es tan obvia como el sol de la mañana. Es una tragedia, una comedia, y a veces una alucinación. Como decía su poster promocional: "Es espectacular". Realmente lo es. – Glenn Kenny.

2. El Padrino (The Godfather)

De vez en cuando aparece una película abriéndose pasos a golpes hacia la grandeza, transformando traspiés en bendiciones, e incluso ganándole la partida a sus enemigos más tenaces.

"El Padrino" (1972) es una de esas cintas. Cuando Francis Ford Coppola fue contratado para dirigir esta adaptación de la novela de Mario Puzo sobre la mafia, era un director relativamente desconocido, y tuvo que pelear hasta con los dientes para defender su criterio a la hora de seleccionar al elenco.

Al principio, él era el único que tenía fe en el actor para interpretar a Michael Corleone, que para entonces era solo una promesa de la actuación. Afortunadamente, Coppola perseveró: "El Padrino" es inimaginable sin Al Pacino.

También tuvo que pelear pata tener a Marlon Brando como el papá de Michael, don Vito.

Mezclando la técnica de la vieja escuela con su ímpetu juvenil, Coppola construyó una impresionante película alrededor de estos actores. Hay cintas que tú quieres ver o necesitas ver una o dos veces en tu vida, pero El Padrino sobresale como una pieza que la gente ve una y otra vez, demostrando en cada oportunidad una mayor riqueza lejos de la sombra del tiempo. – Stephanie Zacharek, Village Voice.

3. Vértigo

Un detective en retiro cae en un abismo psicológico cuando comienza a investigar la doble vida de una misteriosa mujer, esposa de un amigo adinerado.

Alfred Hitchcock echa mano a todas las herramientas de la cinematografía para construir una pesadilla que continua incluso cuando estamos despiertos, y que se siente como una espiral de dolor y remordimiento.

James Steward personifica al anti-héroe que se enamora de Kim Novak, el arquetipo de la femme fatale. Pero lo que hace distinta a Vértigo es cómo esta historia de amor expone las debilidades y defectos de estas dos personas, al punto que cada uno de nosotros puede identificarse con ellos.

Ese es el poder del amor, según "Hitch". – Jean-Philippe Guerand, Le Film Français.

4. 2001: Odisea Espacial (2001: A Space Odissey)

El motivo central en "El Final de Infancia", novela de invasión extraterrestre escrita por Arthur C Clark, es que "las estrellas no son para el hombre", una opinión famosamente denunciada por el autor en el epígrafe del libro.

En cierta forma es verdad si se tiene en cuenta que en "2001 Odisea Espacial" el siguiente paso en la evolución humana, donde se domina el tiempo y el espacio, requerirá una especie más avanzada que el homo sapiens.

Esta película dirigida por Stanley Kubrick es un triunfo de la imaginación, la inteligencia y la técnica. Dentro de los confines cósmicos de este peregrinaje, la relación del hombre con la tecnología es casual, apenas un escalón en la escalera al cielo.

Huesos, supercomputadoras, naves espaciales son solo herramientas que ayudan a la humanidad a alcanzar su apoteosis. Pero antes de que eso ocurra -argumenta Kubrick- tiene que ocurrir la aniquilación del hombre.- Ali Arikan, Dipnot TV.

5. Más corazón que odio (The searchers)

John Ford, un cineasta admirado por Akira Kurosawa, Alfred Hitchcock y Orson Welles, se especializó en el más humilde y casero de los géneros estadounidenses: películas del lejano oeste.

"Más corazón que odio" representa el pináculo de la carrera de Ford, explorando con una poesía visual los profundos temas de la frontera estadounidense, el odio racial y el individualismo que sobrevino luego de la Guerra Civil.

John Wayne interpreta a Ethan Edwards, un exsoldado confederado que regresa al hogar de la familia de su hermano luego de varios años. Sin embargo, el reencuentro es breve: dos días después de su llegada miembros de la familia son masacrados por bandoleros de la tribu Comanche, que además secuestran a sus dos sobrinas.

Edwards, cuyo personaje posee la patológica ira del Capitán Ahab (de Moby Dick) y la tenacidad de Ulises, dedica los próximos cinco años a cazar a los raptores de las muchachas. En la década de la Guerra de Vietnam esta obra ha sido calificada como la gran épica histórica de Estados Unidos, extendiendo su influencia a todos los géneros, desde El Taxista hasta La Guerra de las Galaxias, y evaluando eternamente el mito de la conquista de la frontera.- Liam Lacey, Toronto Globe and Mail.

6. Amanecer (Sunrise)

Incluso en 1927 esta película es un delicado susurro sobre una historia de amor y traición que parece singular y simple. Pero la dirección de FW Murnau la convirtió en cualquier cosa menos eso.

En sus manos, una historia tradicional se convierte en una mirada al futuro del cine cuando un granjero adúltero decide, en el último segundo, no asesinar a su esposa, sino seguirla hasta la ciudad para reconquistar su amor.

El manejo inusualmente expresivo de la cámara, que realiza Murnau, crea una vida interna para los personajes.

William Fox, presidente del estudio estadounidense, trajo a Murnau de Alemania a Hollywood luego de ver su delirante obra del expresionismo alemán "La Ultima Risa", la cual cuenta su trama sin ningún intertítulo.

Gracias al dominio de la imagen, y al poder y recursos de Hollywood, Murnau alcanza con "Amanecer" lo que muchos creen que es el punto más alto del cine mudo, una película cuya enorme influencia puede sentirse hasta estos días.- Bilge Ebiri, New York Magazine.

7. Cantando bajo la lluvia (Singin in the Rain)

"Cantando bajo la lluvia" es la película musical más extraordinaria hecha por la industria estadounidense, la cual, por cierto, ha producido los musicales más extraordinarios del mundo.

Esta obra del director Stanley Donen todavía se siente contemporánea, a pesar de haberse estrenado hace más de 60 años.

Cuenta con dos de los números musicales más increíbles de la historia del cine: "Hazlos reír", con la impresionante coreografía acrobática interpretada por Donald O´Connor, y "Cantando bajo la Lluvia", donde el legendario Gene Kelly hace parecer lo difícil increíblemente sencillo.

Pero además de todo eso, la razón más importante para que ningún amante del cine deje de verla es que es muy divertida, motivo por el cual amamos las buenas películas.- Mauricio Reina, El Tiempo.

8. Psicosis (Psycho)

Quizás "Psicosis" es más famosa por la escena de la ducha, en la que la horrible violencia es transmitida a través de cortes de edición más que por cortes corporales.

Matar a su heroína en las primeras escenas de la cinta es una manera en la Hitchcock viola el implícito contrato entre película y espectador, castigando de esa forma a este último por su voyerismo.

Acusada por algunos de ser una obra misógina y alabado por otros debido a sus desestabilizadores roles sexuales, esta película ha provocado innumerables interpretaciones.

No obstante, las desafía todas y confunde al espectador con su escalofriante escena final en la que "Madre" habla a través de su hijo encarcelado – el asesino Norman Bates- clamando ante unos acusadores invisibles que ella es inocente.- Tania Modleski.

9. Casablanca

Buena suerte si tratas de encasillar a "Casablanca". ¿Es una película romántica, de suspenso, una tragedia o una comedia? ¿Se trata de un poema sobre los desplazados o de una brillante pieza de propaganda para hacer que los Estados Unidos se involucraran en la Segunda Guerra Mundial?

Desde luego, es todo eso mezclado con uno de los guiones más finamente elaborados y la más icónica actuación en la historia del cine.

También es un gran ejemplo de cómo el mejor y más perdurable arte puede surgir de los lugares menos esperados. Fue una producción accidentada, un producto elaborado en la línea de ensamblaje de un director (Michael Curtiz) rara vez considerado un gran autor.

Incluso, no tuvo final hasta el último minuto. Ahora es recordada, acertadamente, como una película perfecta.- Jordan Hoffman, The Guardian.

10. El Padrino II (The Godfather Part II)

La trilogía de "El Padrino", como un estudio de la maldad y corrupción del poder, la comunidad y la familia, transforma el mito de la mafia en un elevado logro del género de películas sobre el crimen.

Un cuarto de siglo más tarde, también genera inconscientemente las bases para la serie de HBO, Los Soprano.

"El Padrino II" sigue en paralelo los destinos de Vito Corleone, un joven inmigrante de Sicilia que llega a Nueva York a principios del siglo y se encumbra hasta la cima del crimen organizado en la ciudad; y el de su hijo Michael, cuyo reinado desciende hasta el infierno 40 años más tarde.

De las tres cintas esta es la más profunda y poética. Es una obra maestra operática y shakesperiana. - Isabelle Regnier, Le Monde.

El resto de las 100

A continuación presentamos el resto del ranking:

11. The Magnificent Ambersons (Orson Welles, 1942)

12. Chinatown (Roman Polanski, 1974)

13. North by Northwest (Alfred Hitchcock, 1959)

14. Nashville (Robert Altman, 1975)

15. The Best Years of Our Lives (William Wyler, 1946)

16. McCabe & Mrs Miller (Robert Altman, 1971)

17. The Gold Rush (Charlie Chaplin, 1925)

18. City Lights (Charlie Chaplin, 1931)

19. Taxi Driver (Martin Scorsese, 1976)

20. Goodfellas (Martin Scorsese, 1990)

21. Mulholland Drive (David Lynch, 2001)

22. Greed (Erich von Stroheim, 1924)

23. Annie Hall (Woody Allen, 1977)

24. The Apartment (Billy Wilder, 1960)

25. Do the Right Thing (Spike Lee, 1989)

26. Killer of Sheep (Charles Burnett, 1978)

27. Barry Lyndon (Stanley Kubrick, 1975)

28. Pulp Fiction (Quentin Tarantino, 1994)

29. Raging Bull (Martin Scorsese, 1980)

30. Some Like It Hot (Billy Wilder, 1959)

31. A Woman Under the Influence (John Cassavetes, 1974)

32. The Lady Eve (Preston Sturges, 1941)

33. The Conversation (Francis Ford Coppola, 1974)

34. The Wizard of Oz (Victor Fleming, 1939)

35. Double Indemnity (Billy Wilder, 1944)

36. La Guerra de las Galaxias (George Lucas, 1977)

37. Imitation of Life (Douglas Sirk, 1959)

38. Jaws (Steven Spielberg, 1975)

39. The Birth of a Nation (DW Griffith, 1915)

40. Meshes of the Afternoon (Maya Deren and Alexander Hammid, 1943)

41. Rio Bravo (Howard Hawks, 1959)

42. Dr Strangelove (Stanley Kubrick, 1964)

43. Letter from an Unknown Woman (Max Ophüls, 1948)

44. Sherlock Jr (Buster Keaton, 1924)

45. The Man Who Shot Liberty Valance (John Ford, 1962)

46. It’s a Wonderful Life (Frank Capra, 1946)

47. Marnie (Alfred Hitchcock, 1964)

48. A Place in the Sun (George Stevens, 1951)

49. Days of Heaven (Terrence Malick, 1978)

50. His Girl Friday (Howard Hawks, 1940)

51. Touch of Evil (Orson Welles, 1958)

52. The Wild Bunch (Sam Peckinpah, 1969)

53. Grey Gardens (Albert and David Maysles, Ellen Hovde and Muffie Meyer, 1975)

54. Sunset Boulevard (Billy Wilder, 1950)

55. The Graduate (Mike Nichols, 1967)

56. Back to the Future (Robert Zemeckis, 1985)

57. Crimes and Misdemeanors (Woody Allen, 1989)

58. The Shop Around the Corner (Ernst Lubitsch, 1940)

59. One Flew Over the Cuckoo’s Nest (Miloš Forman, 1975)

60. Blue Velvet (David Lynch, 1986)

61. Eyes Wide Shut (Stanley Kubrick, 1999)

62. The Shining (Stanley Kubrick, 1980)

63. Love Streams (John Cassavetes, 1984)

64. Johnny Guitar (Nicholas Ray, 1954)

65. The Right Stuff (Philip Kaufman, 1983)

66. Red River (Howard Hawks, 1948)

67. Modern Times (Charlie Chaplin, 1936)

68. Notorious (Alfred Hitchcock, 1946)

69. Koyaanisqatsi (Godfrey Reggio, 1982)

70. The Band Wagon (Vincente Minnelli, 1953)

71. Groundhog Day (Harold Ramis, 1993)

72. The Shanghai Gesture (Josef von Sternberg, 1941)

73. Network (Sidney Lumet, 1976)

74. Forrest Gump (Robert Zemeckis, 1994)

75. Close Encounters of the Third Kind (Steven Spielberg, 1977)

76. El Imperio Contraataca (Irvin Kershner, 1980)

77. Stagecoach (John Ford, 1939)

78. La lista de Schindler (Steven Spielberg, 1993)

79. The Tree of Life (Terrence Malick, 2011)

80. Meet Me in St Louis (Vincente Minnelli, 1944)

81. Thelma & Louise (Ridley Scott, 1991)

82. Raiders of the Lost Ark (Steven Spielberg, 1981)

83. Bringing Up Baby (Howard Hawks, 1938)

84. Deliverance (John Boorman, 1972)

85. Night of the Living Dead (George A Romero, 1968)

86. The Lion King (Roger Allers and Rob Minkoff, 1994)

87. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (Michel Gondry, 2004)

88. West Side Story (Robert Wise and Jerome Robbins, 1961)

89. In a Lonely Place (Nicholas Ray, 1950)

90. Apocalypse Now (Francis Ford Coppola, 1979)

91. ET: The Extra-Terrestrial (Steven Spielberg, 1982)

92. The Night of the Hunter (Charles Laughton, 1955)

93. Mean Streets (Martin Scorsese, 1973)

94. 25th Hour (Spike Lee, 2002)

95. Duck Soup (Leo McCarey, 1933)

96. The Dark Knight (Christopher Nolan, 2008)

97. Gone With the Wind (Victor Fleming, 1939)

98. Heaven’s Gate (Michael Cimino, 1980)

99. 12 Years a Slave (Steve McQueen, 2013)

100. Ace in the Hole (Billy Wilder, 1951)

Raymond Depardon conversó con cineastas y fotógrafos nacionales “Ustedes son los que tienen que hacer filmes sobre Bolivia”

La experiencia de fundar la agencia Gamma, el trabajo en el cine junto a su esposa y sonidista Claudine Nougaret y el compromiso con la fotografía son algunos aspectos que Raymond Depardon compartió el jueves en la charla magistral que dio en La Paz.
Fue más un encuentro que reunió a la familia Depardon, es decir, Raymond, su esposa Claudine y su hijo Simón, con un centenar de cineastas y fotógrafos que realizaron varias preguntas.
Así, después de recordar, con emoción, su primer encuentro con Bolivia en 1997, en la primera parte del conversatorio, Depardon se centró en el momento en que decidió ser realizador.
"Tenía 21 años cuando me mandaron como camarógrafo a hacer imágenes de Douglas Bravo, en Venezuela. Hice muchas películas en las calles de Caracas, durante la guerra civil, en noviembre 1963. Me quedé tres meses en Caracas. Tomé muchos riesgos”, comentó.
Depardon acotó que no era el director, sino el camarógrafo. Después, el filme se emitió en la televisión francesa, pero su nombre no estaba en los créditos.
"A partir de ese momento dejé de ser camarógrafo y decidí ser realizador. En Francia, estábamos marcados, sobre todo, por dos grandes realizadores, personas que me ayudaron muchísimo personalmente, son Chris Marker y Jean Rouch”, contó.
Depardon recordó que de Jean Rouch aprendió lo que llamaba el feedback, es decir, que los que fueron filmados en los documentales tenían que ver los filmes.
"Lo importante es escuchar a la gente. Los documentalistas tenemos cosas que los antropólogos, políticos y periodistas no conocen. Nosotros, los cineastas, estamos adelante. Pueden estar adelante si conocen la Bolivia de todos los días, ésa es la fuerza del documental”, subrayó.
A su lado, su esposa, productora y sonidista, Claudine Nougaret, dio, por su parte, una cátedra sobre la importancia del sonido en los filmes.
"El sonido es una verdadera pasión, igual de importante que una cámara. No hay muchas mujeres que hacen sonido en Francia, soy la primera. Es un trabajo increíble”, comentó Nougaret.
La sonidista recordó que empezó como asistente de sonido en películas comerciales. Después, Nougaret, a los 24 años, trabajó con el cineasta Éric Rohmer en el filme Le rayon vert (1986). "Después, personas como Raymond vinieron a buscarme para trabajar con ellas”, agregó entre risas.
"Lo más complicado es el sonido, tiene que estar en armonía con el trabajo del filme. El sonido crea la historia y geografía del filme de manera implícita. Se habla de sonido sólo cuando hay un problema, luego está en el inconsciente del espectador. Hay que poder crear las mejores condiciones para escuchar, sobre todo, en los filmes de documental”, explicó.
Después, Depardon volvió a tomar la palabra y habló de cómo se inició en la fotografía.
"Al principio yo quería ser cineasta, pero no me alcanzó el promedio de la escuela para estudiar eso. Entonces, durante un verano, en Francia, fui el reemplazo de un fotógrafo de prensa. Así empezamos todos. Aprendí poco a poco a moverme, desplazarme, a sacar fotos”, contó.
Poco después, Depardon tenía 17 años, viajó a África y sus fotografías fueron publicadas en 10 páginas en su medio.
"En 1967 fundamos la agencia Gamma con algunos fotógrafos independientes, estábamos enojados contra las grandes agencias y periódicos. Lo único que queríamos era que nuestras fotografías tengan nuestro crédito”, comentó.
Sin embargo, Depardon no olvidó ni dejó de lado su deseo de hacer cine y unió ambas actividades y pasiones.
Finalmente, habló sobre Bolivia y la riqueza estética que él encontró en las seis ocasiones que ha visitado Bolivia. Recordó el filme que hizo sobre las lenguas en desaparición, Donner la parole (Dar la palabra, 2013), en el cual incluyó a una mujer chipaya.
"Veo los filmes que se hacen sobre Bolivia, como 50 son sobre el Camino de la Muerte, eso es un aspecto, no es Bolivia. Siempre las mismas historias, lo exótico, lo pintoresco. La verdad es que no hay filmes sobre lo que en realidad son los bolivianos”, reflexionó.
Respecto a si haría filmaciones en Bolivia, indicó que tiene que prepararse con mucho detalle.
"No puedo grabar en Bolivia como grabo en Francia. Porque no es mi idioma ni cultura. Los filmes sobre Bolivia son ustedes los que los tienen que hacer, no es un occidental, un francés, que vendrá a dar lecciones. Puedo dar pequeñas informaciones personales y lo haría con mucho gusto”, destacó.
Sin embargo, el cineasta, quien también dará una charla hoy, a las 10:00, en el Museo Nacional de Arte, contó que ya tomó muchas fotografías de La Paz en esta visita y espera volver para mostrarlas.
"Estoy sacando fotos en la calle. El movimiento es admirable, entonces el único remedio para sacar fotos es caminar rápido y sonreír. Hay fotos muy lindas porque ustedes tienen una suerte única en el mundo, hay diferentes generaciones y tradiciones”, finalizó.

El bolillo fatal

Hasta que no se compruebe lo contrario, el señor Luis Castillo será considerado el primer cineasta boliviano. Vistas locales, filmada a finales de 1912 y estrenada en los primeros días de 1913, es para la historia boliviana la primera película de un boliviano filmada en Bolivia. Castillo (o del Castillo como figura en los créditos de la película) dirigió en 1927 El bolillo fatal, un cortometraje documental que registra el fusilamiento de Alfredo Jáuregui, quien fuera acusado del asesinato del presidente José Manuel Pando.

La película documenta el proceso judicial de sentencia del acusado, quien es condenado al azar mediante un particular procedimiento de sorteo en el que el bolillo negro determina quién irá a parar al paredón. Castillo entonces se preocupa por mostrar al acusado, llegar hasta el panóptico de San Pedro en La Paz para seguir de cerca la situación del detenido. La cámara del director se vuelve testigo del dictamen de sentencia, y al final –casi al final– observamos el fusilamiento de un hombre que padeció la retardación de justicia (10 años en la cárcel) y fue la víctima fatal de un crimen que no cometió. Un asesinato inventado puesto que investigaciones demuestran que Pando murió por causas naturales.

La película de Castillo fue censurada en 1927 y no se volvió a ver más en pantallas de cine. La copia que era dada por perdida fue identificada dentro del lote de donación que la familia Guerra Villalba entregó a la Cinemateca. Identificada la película en 2012, el equipo de catalogación integrado por María Domínguez y Carolina Cappa encararon el largo proceso de gestiones para la restauración y digitalización. Mediante un trabajo realizado en Filmoteca de UNAM hoy la película ha vuelto a la vida.

El creador de los Minions explica por qué no hay ninguno con rasgos femeninos

Los Minions están dando mucho de qué hablar desde que se estrenó su spin-off hace unas semanas. Un tema que estaba tardando en salir es el por qué de la falta femenina en las criaturas amarillas. El director ha confesado en The Wrap el motivo de esto: "Viendo lo tontos y lo estúpidos que son normalmente, simplemente no podría imaginarlos como chicas". Aunque a veces se los ve disfrazados de chicas, hay espectadores que echan de menos alguna presencia femenina en la película.

jueves, 23 de julio de 2015

Jurassic World tendrá secuela

¡Buenas noticias para los fanáticos de los dinosaurios! Universal anunció que se hará una secuela de Jurassic World (2015), que saldrá en Estados Unidos el 22 de junio de 2018, y contará con el regreso como protagonistas de Chris Pratt y Bryce Dallas Howard. Mientras Derek Connolly y Colin Trevorrow volverán para escribir el guión de la segunda parte, el último no regresará para dirigir esta nueva entrega de humanos idiotas liberando dinosaurios asesinos, aunque también será un productor ejecutivo, junto a Steven Spielberg y Frank Marshall.


La reciente película se postula como la tercera película más taquillera de la historia, luego de recaudar 1.522 millones de dólares, por detrás de Avatar con 2.788 millones y Titanic con 2.187 millones.

miércoles, 22 de julio de 2015

Los 4 Fantásticos’: Los súper héroes de Marvel estarán de retorno


Los 4 Fantásticos (estilizado como Fant4stic en materiales promocionales) es una producción basada en el equipo de superhéroes de Marvel Cómics del mismo nombre. La película está dirigida por Josh Trank y protagonizada por Miles Teller, Kate Mara, Jamie Bell y Toby Kebbell. El rodaje de la película comenzó el 5 de mayo de 2014 en Baton Rouge, Louisiana y su estreno sería en el formato 3D.

Cuando cuatro personas se tele-transportan a un universo alternativo , que altera su forma física y les otorga nuevas habilidades , deben aprender a aprovechar sus habilidades y trabajar juntos como un equipo para salvar a la Tierra de un enemigo conocido.

EL VILLANO DE TURNO

El Doctor Muerte, el villano al que dará vida Toby Kebbell, no será el líder de la revolución de Latveria que hemos visto en los cómics. En esta nueva versión será un programador informático de muy mal carácter y antisocial. Asimismo Kebbell afirmó que la película será muy realista a la hora de reflejar el mundo de los superhéroes.

Los 4 Fantásticos contará la historia de dos amigos de la infancia, Reed Richards y Ben Grimm, que tras un suceso verán como son transformados por una serie de poderes y extrañas habilidades. Reed comienza a convertirse en un genio científico capaz de estirar, alargar o encojer su cuerpo a su antojo.

Pues su parte Ben se convierte en una monstruosa críatura naranja con piel similar a la roca y superpoderes. Ambos serán reclutados por el gobierno y utilizados como armas. Pero antes conocerán a otros dos con poderes: Sue Storm (la chica invisible) y Johnny Storm (antorcha humana).

Misión Imposible: Nación Secreta’: Tom Cruise dispuesto a voltear la taquilla

La saga de Mission: Impossible (Misión Imposible) ha generado más de 2.000 millones de dólares. La primera parte, dirigida por Brian De Palma en 1996, ingresó cerca de 460 millones. La segunda, de la mano de John Woo en 2000, añadió cerca de 550 millones.

La tercera, dirigida por Abrams en 2006, sumó unos 400 millones; y la más reciente, titulada Misión Imposible: Protocolo Fantasma y dirigida por Brad Bird, recaudó casi 700 millones.

ETHAN HUNT, VUELVE

La música de Giacchino Michael pone el corazón en efervescencia, la quinta aventura cinematográfica de Ethan Hunt, encarnada por Tom Cruise, nos devuelve la imagen de un agente secreto por el que ha pasado el tiempo pero, a juzgar por las imágenes del tráiler promocional, lo cierto es que su físico parece intacto.

Motos a toda velocidad, acrobacias y saltos al vacío ponen de manifiesto que el actor se encuentra en plena forma pesar de sus 52 años. Un deportivo M3 y la motocicleta S 1000 RR de BMW Group con conectividad inteligente conductor, coche y entorno son los que han facilitado que las escenas de riesgo fueran más seguras.

El protagonista de Encuentro Explosivo es un apasionado de las dos ruedas y no hay película de acción que protagonice en la que no haya una secuencia a toda velocidad sobre ella, como en este título en el que compartía cartelera con Cameron Díaz y las calles de Sevilla se convirtieron en un improvisado circuito.

Como en otros filmes de la saga Misión Imposible, distintas partes del mundo han sido participes del rodaje. Ciudades como Marrakech o Casablanca, en Marruecos; Viena, en Austria, donde la Ópera ha sido uno de los escenarios elegidos.

UNA ORGANIZACIÓN SECRETA A ELIMINAR

Cruise retomará su papel de Ethan Hunt, mientras que también repetirán Jeremy Renner como William Brandt y Simon Pegg como Benji Dumm, un equipo al que se incorpora Rebecc Ferhunson.

Según Paramount Pictures, que comparte producción con la compañía del actor, la historia se concentra en que Ethan y su equipo afrontan su misión más imposible, eliminar al “sindicato”, una organización secreta internacional cuyo objetivo es destruir al FMI.

De su director, Christopher McQuarrie, con un Premio Oscar en sus vitrinas por el guión de Los sospechosos de siempre, Cruise no ha escatimado elogios durante el rodaje, no en vano ambos se conocen a la perfección, pues ya dirigió a Cruise en Valkiria y Jack Reacher.

“Chris es un cineasta extraordinario que va a plasmar la acción trepidante y la emoción que el público espera de la saga”, ha dicho.

CRUISE, ETERNO CANDIDATO AL OSCAR

Con tres Globos de Oro en sus vitrinas y otras tantas nominaciones al Premio Oscar, que se no vieron recompensadas con la estatuilla, Tom Cruise encara un nuevo estreno con la intención de volver a ser el rey de la taquilla con un proyecto en el que ha puesto toda la intención para que las cifras se desborden.

Murió Aubrey Morris, actor de ‘La naranja mecánica’


El actor británico Aubrey Morris, cuyo papel más conocido fue el de supervisor de libertad condicional del protagonista de La naranja mecánica, falleció el pasado miércoles a los 89 años.

Morris ha fallecido en el hospital Barlow, donde había sido internado varias semanas antes, confirmó su agente, Larry Corsa.

En una carrera que abarcó medio siglo, Morris aportó un matiz memorable de excentricidad a varios personajes en películas como The Wicker Man (El hombre de mimbre), Love and Death (La última noche de Boris Grushenko) de Woody Allen y Lisztomania.

Sin embargo, el papel que ha quedado en la historia es el del funcionario encargado de la libertad condicional de Alex, el personaje protagónico interpretado por Malcolm McDowell en el clásico filme de Stanley Kubrick La naranja mecánica, estrenado en 1971. En el personaje de P.R. Deltoid, Morris mezcla lo siniestro con lo cursi y lo cómico en sus escenas con Alex, sobre todo aquella inolvidable en que le da un golpe en la entrepierna durante una visita a su casa.

Morris también actuó mucho en televisión, tanto en Gran Bretaña como en Estados Unidos. Apareció en Los vengadores, Murder, She Wrote y Deadwood, entre muchas otras.

Nacido en Portsmouth, en una familia de nueve hermanos, estudió en la Academia Real de Arte Dramático en Londres. Debutó en el teatro con un papel en la tragicomedia de Shakespeare ‘Cuento de invierno’ en el Regent Park londinense en 1944 y posteriormente actuó en Broadway

Documental Quinuera se verá hoy en el Centro Patiño

El documental Quinuera, ganador del Premio Doctv 2013, se exhibirá hoy, a las 19:30, en el Centro Cultural Simón I. Patiño (Independencia, esq. Suárez de Figueroa).
El audiovisual pertenece a Ariel Soto y relata la historia de Irineo Bautista, un sociólogo oriundo de la comunidad de Alota en Potosí que deja su ciudad y luego vuelve a reencontrarse con su tierra, con sus ancestros y a cultivar la quinua con su familia por la bonanza del producto.
Soto estará en la proyección y, después de finalizada, habrá un conversatorio con él

Guillermo del Toro reivindica el papel de los latinos en Hollywood



El director Guillermo del Toro reconoce que ahora es mucho más fácil para los latinos encontrar un hueco en la industria cinematográfica aunque recuerda que no siempre fue así. Sin embargo, pese al esfuerzo extra de su generación, se alegra de que actualmente haya tanta representación de la comunidad latinoamericana en Hollywood.

"Cuando llegamos en los 90 la industria estaba cerrada para nosotros. Ahora creo que cualquier latino puede venir y decir: soy capaz de dirigir una película taquillera. Tenemos gente como Alfonso Cuarón y de todos lugares de Latinoamérica. Hay mucha gente", señala el director en una entrevista a Variety Latino.

Guillermo ha demostrado siempre ser una persona muy comprometida con sus raíces latinas, por eso considera su responsabilidad hablar sobre la dura situación que atraviesa su país natal por culpa del narcotráfico siempre que tiene oportunidad.

"Creo que tenemos que tomarnos muy en serio nuestra responsabilidad de seguir hablando sobre la situación en México, no solo cuando vamos allí, sino también cuando estamos aquí, en Estados Unidos. Es algo muy urgente debido a la descomposición social de nuestro país por culpa del tráfico de drogas. Lo más trágico es que incluso las drogas de uso recreativo pueden provocar un efecto goteo y destruir un país", afirmó el cineasta en el portal The Daily Beast.

Disney prepara ‘Genies’, la precuela de ‘Aladdín’

La compañía Disney ya prepara la película Genies, que se trata de la precuela de Aladínn, que se estrenó en 1992, pero en esta ocasión será llevada a la pantalla grande con actores reales.

El largometraje centrará su atención en el reino de los genios y en cómo el de Aladdín terminó esclavizado en la lámpara mágica, de acuerdo al portal de Billboard.

Este proyecto apenas se encuentra en la primera etapa de desarrollo, sin embargo ya se confirmó que Damian Shannon y Mark Swift serán los encargados de escribir esta comedia de aventuras.

Mientras que Tripp Vinson producirá este filme basado en un cuento árabe, que en cuya versión anterior el fallecido Robin Williams dio la voz al azulado genio.

Video Estrenan tráiler de "Spectre", lo nuevo de James Bond

Los realizadores de "Spectre", la nueva película de James Bond dirigida por Sam Mendes e interpretada por Daniel Craig, estrenaron hoy el primer tráiler de la cinta, en el que no faltan las habituales explosiones, persecuciones en coche y bellas mujeres.

El videoclip, de dos minutos y treinta y dos segundos de duración, presenta la vuelta a la acción del agente secreto más famoso del mundo, quien disculpa su ausencia con su característica retranca, y diciendo que solo se había tomado unas "vacaciones pendientes".

Además de Craig, repite en el papel de la señorita Moneypenny en esta nueva entrega de la saga Bond la actriz Naomie Harris, si bien uno de los grandes atractivos es la presencia del actor austríaco-alemán Christoph Waltz.

El ganador dos Oscar interpreta al villano Franz Oberhauser y en el tráiler se le escucha acusar a Bond que ser "el culpable de todo su dolor".

Como no podía ser de otra manera, la exitosa franquicia cinematográfica cubre de sobra su cupo de mujeres guapas con el trabajo de la veterana Monica Belluci y el de dos nuevas actrices, Lea Seydoux y Madeleine Swann.

Esta última interpreta a la hija de un viejo enemigo de James, el señor White.

Londres acogerá el próximo 26 de octubre el estreno mundial de "Spectre", el vigesimocuarto filme del agente secreto al servicio de Su Majestad.

La película, que llegará a las salas del Reino Unido e Irlanda ese mismo día y a las del resto del mundo el 6 de noviembre, comenzó a rodarse a comienzos de diciembre del pasado año en la capital británica.

Los productores eligieron el nombre "Spectre" porque así era conocido el sindicato del crimen internacional dirigido por el villano Blofeld, que aparece por primera vez en la novela "Operación Trueno", de Ian Fleming.

Esta será la cuarta película con Craig como 007, tras suceder al irlandés Pierce Brosnan en 2005, y la segunda del agente secreto que dirige Sam Mendes, después de "Skyfall" (2012), cinta que recaudó 1.100 millones de dólares (1.510 millones de euros) en todo el mundo.

Olivia Munn sexy en nuevo fanart de X MEN Apocalipsis

Olivia Munn es la nueva Psylocke del universo cinematográfico de Marvel dentro de las adaptaciones producidas por 20th Century Fox y dirigida por Bryan Singer. Recientemente hemos podido verla en las primeras imágenes oficiales del filme con su sumamente sugerente indumentaria. La cual calificó como sumamente incómoda para filmar sus escenas, aunque para los productores resulta indispensable para el desarrollo del proyecto.

Su casa productora ha lanzado un nuevo fanart de Psylocke en X-Men Apocalipsis, presentada como una de las villanas de la película, o al menos como una de las controladas mentalmente por el villano principal para ejercer como uno de los 4 jinetes, es decir, sus secuaces. El resto del infame cuarteto está compuesto por Tormenta (ahora interpretada por Alexandra Shipp), Magneto (de nuevo con Michael Fassbender) y Arcángel (con el recién llegado Ben Hardy).

El argumento de X-Men Apocalipsis nos lleva hasta la década de los ochenta del siglo pasado. Continuando con la trama iniciada en X-Men: Primera Generación, con el desenlace de la nueva trilogía de cómic y con muchas posibilidades de desencadenar un nuevo universo cinematográfico de la célebre licencia de Marvel en manos de Fox. Por su parte Olivia Munn firmó un contrato para varios títulos dentro de la saga X- Men. Aunque por ahora no hay detalles oficiales sobre su futuro. Como suele ser habitual en este tipo de películas, todo dependerá del futuro en la taquilla de la producción en cuestión.

El estreno de ‘X MEN Apocalipsis’ queda para finales del mes de mayo de 2016, unas semanas después del debut de ‘Capitán América 3 Civil War’, dirigida por los hermanos Russo y marcada como el proyecto insignia de Marvel para el 2016. Dentro de un año con grandes estrenos de adaptaciones de cómic, como por ejemplo ‘Batman Vs Superman’ y ‘Escuadrón Suicida’ de DC.

En busca de su primer bebé: Ted 2

Comedia dirigida por Seth MacFarlane y escrita por el propio MacFarlane . Es la secuela de la película de 2012 titulada Ted. La película está protagonizada por MacFarlane, junto a Mark Wahlberg y Amanda Seyfried.

SINOPSIS

Ted (voz de Seth MacFarlane) finalmente se casa con su novia Tamy-Lynn (Jessica Barth), y juntos llegan a la decisión de tener un bebé. Por la obvia razón de que Ted es sólo un oso de felpa, acude a su dueño y mejor amigo John Bennett (Mark Wahlberg) para que se ofrezca como su donante de esperma y de paso, practicarle a Tamy-Lynn el método de inseminación artificial.

El problema radica en que, para Ted ser papá, primero debe ser reconocido ante las leyes norteamericanas como ‘una persona normal’, o más bien ‘un ciudadano con derechos, igual que todos’. Para ello, ambos acuden a una abogada para resolver el caso: Samantha Jackson (Amanda Michelle Seyfried) una hermosa actriz que hará el papel de una linda abogada en esta nueva producción. (a quien posteriormente Ted apoda como Sam L. Jackson, puesto que su segundo nombre es Leslie). Poco después, Ted se encuentra en medio de un tribunal (con Jackson como su defensora) para determinar si será o no reconocido como ciudadano. Y finalmente, vivir con los mismos derechos que los demás norteamericanos y tener junto a Tamy-Lynn su primer bebé. La pregunta es: ¿Cómo lo conseguirá?

El oso Ted está listo para hacer de las suyas en las salas cruceñas

En 2012, Seth MacFarlane, creador de las series: "Padre de Familia" y "American Dad", sorprendió en el mundo cinematográfico con "Ted". Esta cinta narró las aventuras de un oso de peluche mal hablado, Ted, y su dueño. Debido al éxito de la primera parte, en este 2015 llega su secuela, que se estrenará mañana. La película continua relatando la historia de John Bennett (Mark Wahlberg), quien a pesar de haber roto lo que parecía una próspera relación, aún mantiene su amigable y fraternal relación con su oso Ted (MacFarlane). El peculiar e irreverente oso de peluche se encuentra casado con su novia Tamy-Lynn (Jessica Barth), juntos llegan a la decisión de tener un bebé. Por obvias razones esto no puede darse, así que se encuentran entre la decisión de adoptar un bebé o buscar un donante de esperma, ya que se verán con serias trampas legales. Ahora Ted y su esposa acudirán donde Samantha (Amanda Seyfried), una abogada, que los ayudará a llevar su caso en tribunales. La cinta se estrenará mañana en Santa Cruz.

Una buena experiencia. El actor Mark Wahlberg ha definido a esta cinta como "la mejor película de colegas de todos los tiempos". Además explicó los motivos que le llevaron a confiar en el guión de la primera película. "Fue un acto de fe porque la idea sonaba ridícula. Un chico y un oso parlante que dice malas palabras. Pensé que no era para mí. Pero mi agente me convenció para leer el guión. Por último creo que esta secuela será mejor que la primera", agregó.

Duro ante críticas. Ante las críticas por el estilo de sus trabajos, MacFarlane respondió: "La mayoría de estas no proviene del público, sino de los medios, la prensa y los escritores. Nadie pretende ofender al público por el simple hecho de hacerlo, esto solo se lo hace para conseguir risas ya que la comedia no es siempre bonita", comentó.

La Ficha

Título original
Ted 2
Director
Seth MacFarlane
Guión
Seth MacFarlane, Alec Sulkin, Wellesley Wild
Género
Comedia negra
Reparto
Mark Wahlberg, Seth MacFarlane, Amanda Seyfried, Liam Neeson, Morgan Freeman, Michael Dorn


Adaptación de la novela de John Green: Ciudades de papel

LA HISTORIA

Relato sobre el fin de la adolescencia centrado en Quentin y en su enigmática vecina, Margo, a la que le gustaban tanto los misterios que se convirtió en uno. Después de haberlo arrastrado hacia una aventura que dura toda la noche a través de su ciudad natal, Margo desaparece súbitamente dejando detrás unas enigmáticas pistas que Quentin tiene que descifrar. La búsqueda lleva a Quentin y a sus ingeniosos amigos a una excitante aventura, desternillante y emocionante a partes iguales. Al cabo, para averiguar el paradero de Margo, Quentin debe lograr una comprensión más profunda de la verdadera amistad… y del verdadero amor.

DESCRIBIENDO A LOS PERSONAJES

Quentin Jacobson, o “Q”, es inteligente, romántico y un leal amigo. Tiene diecisiete años y estudia el último curso de secundaria. Q cree que a todos les llega un milagro en la vida y que el suyo se presentó cuando él tenía nueve años de edad, el día cuando Margo Roth Spiegelman se mudó a la casa de al lado.

Margo siempre fue una aventurera; Q, no tanto. Con el correr de los años, Q se ha hecho íntimo amigo de Ben y Radar. Margo, por otra parte, se ha vuelto cada vez más temeraria y misteriosa, y ahora es una de las más súper en la onda del instituto. Así que Q y Margo se han distanciado.

Una noche, sólo pocas semanas antes del baile del colegio, Margo se presenta en la ventana de Q y lo embarca en una aventura secreta que dura toda la noche y que –Q no tiene la menor duda– señala la recuperación de su amistad –¿y quizá algo más? – con su alma gemela, el amor no correspondido de su vida. Sabe que su vida está a punto de cambiar. Y así sucede.

A la mañana siguiente, Margo ya no está. Sencillamente ha desaparecido sin decir nada a nadie. ¿O sí lo ha hecho? Q empieza a encontrar pistas aparentemente dejadas para él: indicios de a dónde se fue y de por qué desapareció. Resolviendo estas pistas, empieza otra aventura. Q, junto a sus amigos Ben y Radar y las nuevas amigas de éstos, Lacey y Angela, se embarcan en una odisea para dar con Margo. Desentrañando el misterio, Q descubre el verdadero significado de la amistad y las complejidades de un enigma llamado Margo.

UNA CIUDAD DE PAPEL

Ciudades de papel, es la tercera novela de John Green que fue publicada por Dutton Books. Fue un éxito inmediato, estrenándose en el número cinco de la lista de los más vendidos del The New York Times en la categoría de ficción para jóvenes.

El libro atrajo a admiradores de todo el mundo; en especial, de EE. UU., Europa, América del Sur y partes de Asia.

Pero lo más atrayente de la historia eran sus personajes y la amistad entre ellos. “Es el relato de la búsqueda de Margo por parte de Quentin y sus amigos que, durante el transcurso de la misma, acaba convirtiéndose en un épica peregrinación”, dice John Green. “Gira realmente en torno a la forma de hallar un significado más profundo de la amistad, y sobre aprender a imaginar que los demás son más complicados de lo que nos indica la primera impresión”.