lunes, 31 de marzo de 2014

Documental. Con los burritos, Bolivia en el circuito de Sundance

El cine boliviano se afianza internacionalmente a través del documental como género cinematográfico. Un ejemplo a valorar es Violeta Ayala, cineasta nacional residente en EEUU y poco conocida en nuestro medio, que debutó con su ópera prima Stolen (Robados, 2010), que denunciaba la esclavitud en el norte del África. Esta obra significó el reconocimiento de la crítica hacia la obra de Ayala. “El filme fue estrenado en el Festival de Cine de Toronto, participó en 80 festivales de cine, gano 15 premios y el año pasado fue transmitido por PBS, la cadena nacional pública de EEUU”, destacó la directora.

Al presente Ayala se apresta a concluir el documental Los Burritos, adaptación del título en inglés Cocaine Prison, y acaba de confirmarse la noticia de que su proyecto es acreedor de un fondo del Festival de Sundance para la etapa de postproducción. “Estamos orgullosos de poder contar con el financiamiento del Instituto de Cine de Sundance, que además nos da la posibilidad de asistir a laboratorios de edición, de producción y música en su centro en Utah” indicó Ayala.

Los Burritos se empezó a filmar en mayo de 2010, y desde entonces viene sumando financiamiento de otras instituciones de cine muy importantes como ser Tribeca, The MacArthur Foundation y Chicken&Egg (EEUU). El proyecto también participó en foros de festivales de cine europeo como Berlinale, el IDFA, Sheffield, Sunny Side, IFP y Film Independent.
El género documental en cine, muy próximo al periodismo, muchas veces refleja los hechos desde la subjetividad del director. En el caso de Los Burritos, los personajes hablan por sí solos. “Los Burritos es una historia íntima, contada desde el punto de vista de las personas que producen y transportan cocaína. La película sigue la historia entrelazada de tres personajes, Mario, Hernán y Daisy. La historia de Mario, tiene que ver con el retraso judicial, ya que él tiene que esperar tres años para tan solo ir a juicio. Hernán, que va a un juicio abreviado, se beneficia con el indulto de finales del 2012 y podemos ver su historia desde el día que entra a la cárcel cuando tenía 20 años, hasta el día que sale libre, termina el bachillerato y ahora está en un instituto. Daisy, la hermana de Hernán que lucha para sacar a su hermano de la cárcel, ella acaba convirtiéndose en la primera chica de su comunidad en ir a la universidad y además a estudiar una ingeniería”.

Al mirar el tráiler de la película se plantea la amnistía como una posible solución al problema de la retardación de justicia en Bolivia, así como el hacinamiento que sufren los presos en las cárceles. Empero, la directora explica que su documental no solo refleja la pena de los internos y la utilización de la cárcel como escenario. “Tampoco soy la primera cineasta filmando en la cárcel, hay un documental hecho en San Pedro de La Paz y otro en San Antonio también en Cochabamba. Los Burritos no es solo en la cárcel, filmamos en la cancha, en el Chapare, en las protestas, en reuniones públicas donde hablan Evo Morales y Álvaro García Linera, filmamos desde aviones y hasta a las hormigas. Es una historia que te hará reír y llorar con los protagonistas luchando contra una guerra que se extiende fuera de las fronteras bolivianas”.

Una vida dedicada al cine
Fundadora de la productora UNited Notions Film, Violeta Ayala se alista a terminar dos largometrajes documentales, Los Burritos y El caso boliviano que son parte de una trilogía llamada Del sur mirando al norte. Ayala también confirmó que fueron elegidos (ella y United Notions Film) para el Mercado Latino Americano de Cine MEETS en Panamá con El caso boliviano, compitiendo por un premio de $us 25.000 con otras seis películas de ficción.
Está desarrollando dos guiones de ficción, El comunista una historia sobre su abuelo, que pasó 10 años en la cárcel de Coati (La Paz); y Nosotros los guerreros, una exploración cinematográfica que celebra la supervivencia de los pueblos indígenas de las Américas

La protagonista

Violeta Ayala
Escritora y cineasta
Un trabajo destacado
Ayala es conocida por Stolen, un largometraje que se estrenó en el Festival de Cine de Toronto y ganó 15 premios. Tiene una licenciatura en Periodismo de la Charles Sturt University. Es una de los 12 blogueras que escribe sobre La Guerra Contra Las Drogas para el Huffington Post. Es exalumna del Film Independent y becada del Instituto de Cine Tribeca y Sundance. Es ganadora del Premio de Periodismo Bertha Britdoc 2013.

La segunda parte llega en marzo de 2016 PROMETHEUS

El cineasta británico Ridley Scott volverá a ponerse detrás de las cámaras para la segunda parte de la cinta de ciencia ficción "Prometheus", que llegará a las salas en marzo de 2016, informó la web especializada The Wrap.

El filme original, protagonizado por Noomi Rapace y Michael Fassbender, ingresó más de 400 millones de dólares en 2012.

El estudio 20th Century Fox planea comenzar el rodaje de la secuela de "Prometheus" en otoño, momento para el cual Scott ya habrá finalizado el montaje de "Exodus", la cinta sobre la figura de Moisés en la que está inmerso actualmente.

Tres décadas después de que Scott se adentrara por última vez en el terreno de la ciencia ficción, el cineasta británico regresó al género con "Prometheus", una película que desvelaba claves y planteaba nuevos dilemas alrededor del universo que ya exploró en "Alien" (1979).

Según la publicación, la segunda parte se centrará más en la mitología de la misteriosa y mortífera criatura.

Rapace encarnaba en la cinta a Elizabeth Shaw, una arqueóloga en plena misión por dar con los alienígenas que supuestamente sirvieron como arquitectos de la Humanidad.

Se amplía el ciclo de cine español

El público de ocho ciudades del país tiene una cita con lo mejor del cine producido en España, ya que comienza el ciclo Martes de cine español.

Esta selección de séptimo arte ibérico tiene la característica de que es presentada cada primer martes de mes, pero el presente año lo hará también cada último martes, hasta diciembre.

“El ciclo tiene mucho éxito en Bolivia porque además de difundir el cine español es una manera de llevar la cultura a través del séptimo arte a diferentes rincones del país, muchos de ellos con acceso limitado al audiovisual”, comentó Clara Cabrera, directora del Centro Cultural de España en La Paz (CCELP), entidad organizadora del ciclo.

Con la programación se tiene la intención de mostrar la evolución del cine español, por lo que incluye cintas de directores de corte intimista e independiente.

Este año, las películas visitarán las ciudades de La Paz, El Alto, Cochabamba, Santa Cruz, San José de Chiquitos, Trinidad, Cobija y Sucre, con funciones gratuitas en todos los espacios de exhibición.

El filme que iniciará el ciclo será Una pistola en cada mano, un retrato en clave de comedia, irónico y sin compasión sobre las carencias, debilidades y otras ‘virtudes’ de los hombres de hoy, una radiografía de la vida amorosa de ocho hombres de más o menos 40 años de edad que entusiasmará a las mujeres de todas las edades.

Pompeya, una cinta sin sorpresas

La historia de Pompeya está llena de conflicto y sufrimiento. Dicha ciudad, en la región de Campania y cerca del lugar que ahora es conocido como Nápoles, fue devastada por el monte Vesubio en el año 79 a.C.
Una adaptación de este desastre había estado en desarrollo durante años y por fin hoy tenemos la oportunidad de visitar la ciudad de Pompeya gracias al director Paul W.S. Anderson (a quien muchos reconocerán como la mente creativa detrás de las cintas de Resident Evil).
Pompeya es la historia de Milo (Kit Harrington, Jon Snow de Game of Thrones), un esclavo convertido en gladiador que termina en la arena de Pompeya peleando por su vida. Así conoce a la bella Cassia (Emily Browning), hija de un comerciante y que está ligada con el senador Corvis (Kiefer Sutherland), un hombre relacionado con la muerte de la familia de Milo.
Esta trama, que toma muchos elementos creativos de otras cintas de mayor renombre (por ejemplo Gladiador), sirve como adorno para una impresionante secuencia en la que vemos la erupción del Monte Vesubio y además cómo la gente de Pompeya hace un esfuerzo por escapar.
También aparecen en la cinta los actores Jared Harris, Carrie-Ann Moss y Adewale Akinnuoye-Agbaje (Mr.Eko en Lost). "Seamos honestos, mucho del talento que aparece en esta cinta se siente desperdiciado, los actores con más ‘experiencia’ casi no son utilizados; y los protagónicos no tienen el peso suficiente como para llevar una cinta”, según el portal Elgurudelcine.com.
El director es reconocido por secuencias visuales llamativas, tramas no tan desarrolladas y personajes que tienen fallas. Es así como podríamos definir la experiencia de Pompeya; aunque no es una cinta aburrida, no es una experiencia digna de repetirse, afirman en ese portal electrónico.
En cuestión de trama, el primer acto tarda mucho en desarrollarse. El guión plantea muchas situaciones, ya que hay personajes y momentos que bien podrían ser considerados como un relleno y que ocupan mucho tiempo en pantalla.
El tercer acto de la cinta en cambio se desarrolla rápidamente, tanto que se llega a sentir que el final es algo abrupto, como si se hubiera tenido la necesidad de terminar la cinta.
Las actuaciones no son nada del otro mundo, no hay nadie que realmente destaque o haga un esfuerzo memorable; aunque Kiefer Sutherland (el villano de la cinta) tiene un acento raro que va y viene durante la historia que lo hace resaltar un poco más.
Según Elgurudelcine.com, "la joya de la cinta es la última secuencia, la erupción del monte Vesubio, que es obra de verdaderos artistas del departamento de Diseño de Producción, Vestuario y Efectos Visuales. Ellos son los que brindan el momento más memorable y quienes hacen que esta cinta no sea un fallo total”.
Pompeya es al final una cinta sin sorpresas. Como espectador uno sabe lo que espera ver y puede que la trama que el director Paul W.S. Anderson introdujo en este trágico suceso histórico se sienta completamente excesiva o innecesaria.
Con diálogos y situaciones clichés, un villano que destaca más por su mal acento y unos personajes principales que no inspiran mucho, esta cinta bien podría pasar desapercibida en una taquilla que seguramente será conquistada por mejores propuestas.
Pompeya es una película que tiene momentos entretenidos que no compensan sus evidentes fallas en historia, desarrollo de personajes o una verdadera noción de aventura ante un desenlace que muchos deben conocer o por lo menos tener idea. Aunque visualmente tiene momentos impresionantes, el primer acto tarda mucho en desarrollarse y el final se siente demasiado abrupto. Ésta es una cinta que podría ser divertida ver una vez, pero no tiene más potencia que eso.

"Frozen" se convierte en el filme de animación más taquillero de la historia

"Frozen" se ha convertido en la película de animación más taquillera de la historia al alcanzar los 1.072 millones de dólares (algo más de 777 millones de euros) de recaudación, con lo que supera a "Toy Story 3", que ostentaba hasta ahora ese récord con 1.063 millones (770).

Además, "Frozen", se sitúa como la décima película que más dinero ha conseguido en un listado que encabeza "Avatar" con 2.782 millones de dólares (2.018 millones de euros), según los datos de la web especializada Box Office Mojo.

El filme, una adaptación del cuento "La reina de las nieves", de Hans Christian Andersen, es además el primero de Disney que logra el Óscar a la mejor película de animación, una categoría que se le resistía a los estudios desde que se creara este premio en 2001.

Anteriormente, Disney se había hecho con más de una veintena de Óscar en la categoría de cortos de animación o en apartados técnicos, pero "Frozen" ha sido el primero en lograrlo como largometraje de animación.

Y lo ha conseguido con una clásica y preciosista historia, con princesas, buenos y malos, dirigida por Chris Buck, guionista de "Pocahontas" y responsable de "Tarzán", y Jennifer Lee, que escribió el guión de "Wreck-It Ralph" ("Rompe Ralph").

Ahora, además ha batido el récord de recaudación al superar a "Toy Story 3", con la que forma el tándem de animación que ha conseguido romper la barrera de los 1.000 millones de dólares (727 millones de euros) de recaudación.

Una cifra cerca de la que se quedó "El rey león" ("The King Lion"), que tuvo 987,5 millones de dólares (715 millones de euros).

viernes, 28 de marzo de 2014

"The Amazing Spider-Man 2" cambiará "para siempre" al superhéroe

La película "The Amazing Spider-Man 2. El poder de Electro" cambiará "para siempre" al superhéroe, según el director, Marc Webb, por "los momentos duros" que vive el personaje, señala la actriz Emma Stone, en una vuelta con más fuerza que nunca.

Peter Parker, el personaje tras la máscara del hombre araña, "tendrá que confrontar una serie adversidades", tanto personales como frente a los enemigos, que provocará un cambio en su persona, señaló a Efe Webb durante una entrevista en Singapur.

Para el realizador, esta continuación es "la mejor película de Spider-Man" hasta el momento, donde busca equilibrar el romance entre Peter (Andrew Garfield) y Gwen (Emma Stone) y las imágenes espectaculares de peleas entre el superhéroe y los villanos.

"El hecho de que sus padres lo abandonaran (a Peter), marca parte de su vida. El quiere unir todas las piezas para saber el porqué", indica Webb, quien también dirigió la primera película de esta nueva saga.

El director insistió en sus fascinación por Electro, uno de los villanos en esta película, encarnado por Jaime Foxx, quien asegura cumplir un sueño al participar en el largometraje y "poder estar es una película de superhéroes".

"Creo que todos los que estamos en esta industria queremos formar parte de una película de superhéroes en algún momento", afirmó Jamie Foxx a Efe.

Foxx, que dijo considerar a Spider-man como una parte de la cultura moderna, aseguró haber puesto mucho énfasis en la preparación del personaje.

"Quería que este villano estuviera muy bien actuado (...) para que Electro estuviera a la altura de Spider-man", explicó el actor y cantante estadounidense.

Para vencer en esta lucha entre el bien y el mal, Spider-man y Peter Parker se apoyarán una vez más en Gwen Stacy, su novia, quien "entiende" la necesidad que tiene Peter de enfundarse el traje del hombre araña.

"Él (Peter) está viviendo un momento realmente duro siendo Spider-man y estando en una relación con Gwen al mismo tiempo", apunta a Efe Emma Stone.

La actriz asegura que su personaje también, en cierto modo, es una "heroína".

"Ella (Gwen) es una heroína en su propia manera. Es increíblemente inteligente, quiere salvar a las personas y por ello estudia medicina. Se interesa en la ciencia y en ayudar a las personas en el modo que puede", apunta la joven actriz.

No obstante, la relación entre ambos protagonistas "será complicada", señala la intérprete estadounidense.

En este regreso a las pantallas del hombre araña veremos la evolución del personaje: de ser un adolescente, como en el anterior film, a una persona adulta y llena de responsabilidades.

"En la primera película se hablaba sólo del origen: de cómo Spider-Man llegó a ser un superhéroe y lo que eso significó para el joven que en realidad encarna al hombre araña, pero en esta ya se trata de ser Spider-man, de ser el mejor superhéroe posible", explica Matt Tolmach, uno de los productores de la cinta.

A pesar de que no está confirmado que el director siga al frente de la saga, que aún prevé dos películas más, Webb aseguró que ya existen ideas sobre historias que podrían emerger y que "van a entusiasmar a los seguidores".

"Quiero estar envuelto en todo lo que pueda" en esta saga del hombre araña, sentenció Webb.

La cinta "The Amazing Spider-Man 2. El poder de Electro", que protagonizan Andrew Garfield, Emma Stone y Jamie Foxx y que dirige Marc Webb, se presentó ayer en Singapur y se estrenará en todo el mundo entre el 17 de abril y el 2 de mayo.

“Los Olvidados” marca una nueva etapa en Carla Ortiz

“Los Olvidados”, es la película que la actriz boliviana Carla Ortiz presentará como productora.

“Ha sido un trabajo largo, pero me siento muy feliz”, agregó Ortiz con una sonrisa en el rostro.

El nuevo film se terminó de grabar en enero de 2013 y la etapa de postproducción culminó hace 20 días en Buenos Aires (Argentina).

Ortiz recalcó que es un film 100 por ciento boliviano, porque la trama está enfocada en la “Operación Cóndor”, donde se refleja la etapa de las dictaduras, el sufrimiento, las torturas, englobadas en temas políticos, históricos y sociales.

En el film participan ocho protagonistas, de los cuales la mayoría son bolivianos. “Juana Azurduy” será el papel que represente la actriz boliviana, pues quiere mostrar la fortaleza de una mujer guerrera.

Gran parte de las locaciones fue en territorio boliviano, específicamente en La Paz, Cochabamba y Santa Cruz, además de Argentina y Nueva York. “Es la producción más grande del país”, agregó.

La dirección está a cargo de Carlos Bolado, un cineasta mexicano.

Shailene Woodley

Puede que el nombre de Shailene Woodley no resulte del todo familiar, pero eso está a punto de cambiar con "Divergent", la nueva franquicia destinada a los más jóvenes que arrasa en la venta anticipada de entradas y que convertirá a su protagonista, según los expertos, en la nueva Jennifer Lawrence.

"Jennifer es genial, es una actriz magnífica y me parece una persona estupenda. Si van a compararme con alguien, me alegro de que sea con ella", afirmó Woodley, de 22 años, la que fuera hija de George Clooney en "The Descendants" (2011) y una magnética figura adolescente de "The Spectacular Now" (2013).

Las comparaciones con la intérprete de "The Hunger Games" no se han hecho esperar: ambas proceden de la escena "indie", encarnan a las heroínas de dos potentes sagas de ciencia ficción y comparten un carisma, una naturalidad y una belleza suficientes para tener a Hollywood a sus pies.

Pero la experiencia es un grado y Woodley no dudó en contactar a su compañera para pedirle consejo antes de embarcarse en una aventura tan grande, temerosa de que aquel paso fuera a afectar demasiado a su vida personal.

"Tuve conversaciones con mucha gente, incluida ella. Me dio buenos consejos: no grabar un vídeo casero porno, no tomar drogas en público y no acudir al Whole Foods (un supermercado) el día del estreno de la película. Me dijo que todo lo que iba a suceder iba a ser positivo", indicó la joven.

Asumiendo la fama

"Estoy emocionada. Realmente no tengo tiempo para prestar atención a lo que se habla sobre mí, pero sin duda, es un gran momento", afirmó la actriz, portada de múltiples revistas en la prensa estadounidense estos días como nuevo ídolo adolescente.

"Trato de seguir haciendo las mismas cosas. Me levanto, tomo un café y un batido, mis amigos me ayudan con el pelo y el maquillaje y mantengo conversaciones con los periodistas. Esa es mi realidad hoy día", declaró Woodley, que ya luce la melena corta de su personaje en la segunda entrega de la saga.

En mayo comenzará a rodar a las órdenes de Robert Schwentke, el cineasta que dirigirá "Insurgent". Para entonces, Woodley ya conocerá el rendimiento en taquilla de la primera parte, pero el aspecto económico no es algo que le quite el sueño.

"Voy al plató, hago mi trabajo y me voy. Entonces todo queda fuera de tu control. Solo esperas que quede bien, pero realmente está en manos del director, los productores, los editores y el propio estudio. La presión la tienen ellos", indicó.

El gran miedo de la actriz no tiene nada que ver con el hipotético e impensable fracaso de su película. Una parte central del crecimiento de su personaje en la cinta pasa por hacer frente a sus peores pesadillas y Woodley asegura tener fobia hacia los submarinos.

"¿Estar cientos de metros bajo el agua respirando aire reciclado y sin ventanas? ¿No es terrorífico? ¿Y si hay una fuga de agua y te hundes? La presión haría que se te salieran los ojos. Suena horrible", dijo entre risas.

La espontaneidad de Woodley es uno de sus mayores atributos. Es conocida su afición de abrazar a los periodistas antes de cada entrevista. Incluso conversa y muestra interés por las opiniones de su interlocutor.

"Me gusta ser así. Me sale natural", admitió.

Shailene Woodley y Theo James, protagonistas del filme, contaron que en su experiencia real en la secundaria fueron algo divergentes pues andaban de un lado a otro, tratando de encajar entre sus compañeros.

"Yo no pertenecía a ningún grupo, tenía a mi amiga e íbamos de un lado a otro por todos los grupos tratando de entrar, que nos dieran chance, pero nos decían: `eres demasiado inteligente', `eres demasiado musical'", reveló Woodley el martes en la capital mexicana, donde promovía el filme.

Woodley, que se ve a sí misma como una "romántica empedernida", disfruta con el cine. Para ella siempre fue un hobby, desde que comenzó con cinco años a hacer anuncios. Ahora sabe que se ha convertido en su carrera porque absorbe todo su tiempo, pero la "pasión extrema" que siente hacia su profesión sigue intacta. "Si no me divirtiera, no lo haría más", concluyó.

"DIVERGENT", TRAS LOS PASOS DE "TWILIGHT" Y "THE HUNGER GAMES"

"Divergent", la primera entrega de la saga basada en los libros superventas de Veronica Roth, está dirigida por Neil Burger y protagonizada por Woodley, Theo James, Jai Courtney, Miles Teller y Kate Winslet.

La comparan con Stephenie Meyer de "Twilight" o con Suzanne Collins, de "The Hunger Games", pero Veronica Roth no solo escribió para adolescentes "Divergent", que ahora se ha convertido en película para las masas, sino que era prácticamente una de ellas, pues publicó su superventas con 22 años.

El punto de partida de "Divergent", tanto de la película como el libro publicado en 2011, es un mundo pluscuamperfecto, un Chicago en el que las personas, para erradicar los bajos instintos de la naturaleza humana, son clasificadas según su rasgo de personalidad dominante en las diferentes tribus: Verdad, Erudición, Cordialidad, Osadía o Abnegación.Los libros de Roth, incluyendo la segunda y la tercera parte de su historia, "Insurgente" y "Leal", han vendido más de 11 millones de ejemplares.

Además la película confirmó este fin de semana su potencial en la taquilla estadounidense con 56 millones de dólares, informó el portal especializado Box Office Mojo.

El estudio Lionsgate ya ha anunciado las fechas de estreno para la segunda ("Insurgent") y la tercera parte ("Allegiant"), fijadas para marzo de 2015 y marzo de 2016. Ya tiene distribución en España y Latinoamérica a lo largo del mes de abril, y ya hay proyecto de adaptar los otros dos libros.

“Cuando las flores hablan” pretende reflexionar sobre violencia intrafamiliar

La película “Cuando las flores hablan” será estrenada la segunda semana del mes de abril y tiene el propósito de que la población y las autoridades bolivianas reflexionen sobre la violencia intrafamiliar, según confirmó a EL DIARIO Henry Contreras, productor del largometraje.

El entrevistado, quien es también representante de la Productora “Amaya Film”, encargada de la filmación de la película, aseguró que se busca impulsar que las instituciones inviertan en diferentes proyectos para reducir los altos índices de hechos que surge en cada una de las familia de esta urbe.

La película fue concebida en un proyecto del Consejo Rural Andino, el mismo que trabaja en el Distrito Municipal D-8 por más de 10 años, con característica presencial de puerta a puerta, bajo la temática de ‘facilitadores de salud’, quienes con la profesión de enfermeras dedicaron un trabajo diario explicando los programas de salud sexual reproductiva y violencia familiar.

En los programas aplicados en cada uno de los hogares se incluyó una encuesta donde los jóvenes solicitaban hablar sobre ‘violencia familiar’, razón por la que se identifica como principal tema en esta urbe.

“Fruto de estos resultados de la encuesta y de la demanda de los grupos focales es que se ha definido efectuar una producción en base a cuál es modelo de comunicación más aceptado y en eso encontramos que a las señoras, lo que más prefieren en medios es la televisión y en tipo de programas el ‘drama’. A partir de ello surge la película como mecanismos de sensibilización a la sociedad como a las propias autoridades e instituciones en general”, explicó Contreras.

La película, al ser reflexiva y cuestionadora a la vez, busca definir no sólo el origen de la problemática sino que al mismo tiempo se busque modificar factores educativos, sociales y económicos con el propósito de definir políticas públicas de solución.

Cerca de ocho casos de violencia sexual, psicológica, económica y física, son los rescatados para la elaboración del film, como los más frecuentes de acuerdo a la Ley 348.

El proyecto cinematográfico viene acompañado de una guía metodológica, la misma que se aplica a la conclusión de la película donde interviene una profesional en psicología y especialista en violencia, la misma que apoya a la realización de un taller con la participación del público con el objetivo de lograr abordar la problemática social de violencia con jóvenes, mujeres y personas adultas.

“Con esta técnica se busca identificar la tipología del agresor, cómo se presenta, cuando las personas que sufren por esta problemática al principio se muestran amables en la fase del enamoramiento, pero con el tiempo y en la convivencia o ante el surgimiento de un problema surge la conducta propia de la persona que es siempre violenta”, indicó.

La película tuvo el financiamiento de Child Fund-Bolivia, con una inversión aproximada de Bs 60.000, el costo de la producción y el pago de actores a cerca de 20.000 bolivianos, rescatando que entre estos protagonistas se incluye personajes con mucha trayectoria cinematográfica, explicó Contreras.

“Entre los dos primeros actores está por ejemplo Fernando Peredo de Cementerio de Elefantes e Inés Copa, otra actriz con mucha experiencia, además de otros 16 actores”, aseguró.

La premier será apoyada por otras instituciones, como el Servicio Departamental de Salud (Seres), la Dirección de Género y Gestión Social quienes podrían ser las instancias que apliquen el film como un instrumento reflexivo en grupos focales de una población tan joven como es El Alto.

“Este proyecto no hubiera sido factible comercialmente sin el apoyo de las instituciones anteriormente mencionadas, porque hacer cine en Bolivia es quijotesco, porque ésta película es de muy bajo costo en comparación a otros proyectos que tiene un valor de más de los 200 mil dólares, por lo que se extremó varios gastos y fue expuesta a un grupo focal de donde surgió la aprobación inmediata”, concluyó el entrevistado.

jueves, 27 de marzo de 2014

Video Presentan el primer tráiler oficial de las 'Tortugas Ninjas'

Este jueves, fue sacado el primer tráiler oficial de la nueva versión de la película de las Tortugas Ninja, la cual corre a cargo del productor de Transformers, Michael Bay, para estarse estrenando el 8 de agosto de 2014, en Estados Unidos.

Además de la participación de Bay en la producción, la nueva versión cinematográfica de Miguel Ángel, Rafael, Donatello y Leonardo, Teenage Mutant Ninja Turtles, contará con la dirección de Jonathan Liebesman quien fuera director de “Ira de titanes”.

Cabe recordar que las Tortugas mutantes no habían tenido aparición en el cine desde los noventas cuando, en 1990 apareció su primera película, la cual tuvo tal éxito que se convirtió en una trilogía con “Tortugas Ninja II: El secreto de los mocos verdes”, en 1991 y “Tortugas Ninja III”, de 1993.

La trama de la historia nos cuenta sobre la sombría época por la que está pasando la ciudad de Nueva York desde que Shredder tomó la ciudad. April O'Neil (Megan Fox) es una valerosa periodista dispuesta a acabar con esta situación y que de pronto se topa cuatro misteriosos justicieros que lucharán mano a mano para derrocar a Shredder. Su sorpresa vendrá cuando se tope frente a frente con Miguel Ángel y se dé cuenta de su naturaleza.

Los actores que participarán en el film serán Megan Fox, Alan Ritchson, Jeremy Howard, Pete Ploszek, Noel Fisher, Will Arnett, Danny Woodburn, William Fichtner y Whoopi Goldberg.

A continuación, te dejamos el avance de Teenage Mutant Ninja Turtles:

Chris Evans dejará de actuar tras “El Capitán América”

Chris Evans ha sorprendido a todos su seguidores con un impactante anuncio. El actor dejará la actuación por la dirección cuando finalice su contrato con Marvel, compañía con la que ya ha rodado Los vengadores y dos entregas de Capitán América.

"He sabido desde hace tiempo que quería dirigir... Si llego a interpretar, será bajo un contrato con Marvel, si no estaré dirigiendo. No me veo a mí mismo actuando fuera de lo que estoy obligado a hacer por contrato", afirmo el actor durante una extensa entrevista para Variety con motivo del inminente estreno de El Capitán América: El soldado de invierno.

Precisamente esta es la saga que obliga al intérprete a seguir con la actuación, ya que tiene un contrato con Marvel en el que se estipula que podría hacer hasta seis películas como el mítico superhéroe (tres del personaje en solitario y otras tres con Los Vengadores). Eso fue lo que le hizo dudar a la hora de aceptar el papel hace cuatro años, rechazando la oferta en tres ocasiones.

"El problema al principio era que el contrato me obligaba a hacer nueve películas. Si las películas tenían éxito y mi vida cambiaba y yo no lo asimilaba bien, no tendría la oportunidad de decir: necesito un descanso. Eso me asustó", finalmente, y tras la insistencia de amigos suyos de la talla de Robert Downey Jr. (Iron Man), Evans se convirtió en Steve Rogers.

Por supuesto no se arrepintió, ya que su trabajo le aportó "suficiente reconocimiento en el extranjero" como para permitirle dirigir, algo que de verdad quiere seguir haciendo. "He puesto toda la carne en el asador en 1:30 Train (su primer proyecto). Tanto si la película tiene éxito como si no, tengo la seguridad de que tendré otra oportunidad de dirigir. Eso es un lujo del que la mayoría de las personas no disfrutan", asegura.

A pesar de que sus palabras parecen muy radicales, el actor admite que con el tiempo podría cambiar de idea: "Puede que en cinco años diga: "Mierda, echo de menos la actuación". Pero en este momento solo quiero estar detrás de las cámaras y hacer películas", concluyó.

Evans se mete por tercera vez en la piel de Steve Rogers en Capitán América: El soldado de invierno, que llegará a los cines este viernes.

Documental “Algo pasó en el alma” se estrena en Bolivia

El documental "Algo pasó en el alma" de la directora venezolana Rosana Matecki, será estrenará este jueves 27 en la Cinemateca Boliviana.

La elaboración del material audiovisual fue realizada por "Producciones Kiiskakuna" de Venezuela y co-producida por "Cinenómada" de Bolivia junto a "Jinga Pictures" de Gran Bretaña.

El documental cuenta la historia de dos payasos bolivianos, del Teatro Trono de El Alto, quienes encuentran una transformación a través del arte para conseguir un mundo nuevo. La producción presenta diferentes elementos tales como un proceso artístico, sensible, humano, sincero, íntimo, creativo y liberador.

La directora venezolana invita al público paceño a ser parte del estreno y describe que la película como "un torbellino de sentimientos e imágenes".

El documental fue presentado en Varsovia, Polonia, en el Festival Clase A "29 Festival de Film de Varsovia", en la categoría de "Libre Espíritu".

El Estado debería intervenir en la Cinemateca Boliviana

Durante su participación en las II Jornadas de Periodismo Cultural, impulsada por la Embajada de España en Bolivia, el Goethe Institut y la Fundación para el Periodismo, el reconocido cineasta nacional, Alfonso Gumucio Dagron, mostró su preocupación por la poca difusión de cine independiente en nuestra sociedad y el mal momento que pasa la Cinemateca Boliviana, proponiendo pensar en una intervención del Estado a esta Fundación.

"Aunque me tomen de masista, yo soy un creyente firme de que el Estado boliviano debe formar parte, de la administración de la Cinemateca, porque ahora está sobreviviendo con lo justo", remarcó.

El cineasta participó de las jornadas, como expositor de la historia del cine de Bolivia, donde demostró su sapiencia en la materia, además de anunciar una posible nueva edición de su libro "Historia del Cine Boliviano", publicado en 1983, donde piensa recopilar las últimas producciones del país.

Dio un recorrido rápido por la historia del cine, que según algunos datos se remonta a principios del siglo pasado, con la llegada de empresas dedicadas a proyectar películas en diferentes salas de Bolivia, con gran controversia, hasta que en la década de los ’20, cuando se estrenó una primera película nacional, con películas como "Corazón Aimara" y "La profecía del lago", esta última censurada duramente.

Desde ahí se evidencia el surgimiento del cine boliviano, que es interrumpido por las dictaduras, donde se perdieron grandes películas y otras que quedaron en mal estado, es por ello que es necesario que la Cinemateca tenga un respaldo del Gobierno, para restaurar estos filmes recuperados.

La gestión pasada, el ministro de Culturas, Pablo Groux, anunció que se efectúan coordinaciones para la "estatización" de la Fundación Cinemateca Boliviana con el fin de proyectar sus actividades en los nueve distritos del país, hecho que no se consolida hasta la fecha.

En abril de 2000, el expresidente Carlos Mesa, el crítico del cine Pedro Suzs, junto a otras autoridades inauguraron el nuevo complejo y repositorio paceño donde se invirtió alrededor de cinco millones de dólares provenientes de Alemania, España, Gran Bretaña, China y algunos recursos del país, ahora está en peligro de cerrarse, algo que es preocupante para los cineastas.

Keira en la saga “Mademoiselle”

Fuerte, aventurera, segura de sí misma y eternamente elegante. Esa es la mujer de Chanel. Para dar vida a estos valores no es posible escoger cualquier musa, y con mayor razón para la fragancia que representa de manera más personal a Gabrielle Chanel, Coco Mademoiselle.

Esa peculiaridad se encontró, una vez más, en la actriz británica Keira Knigthley. Se trata de un spot que resume en un minuto seducción y acción, dos características que recalcan el espíritu y la feminidad de la mujer Chanel.

En la filmación del nuevo vídeo de la saga “Mademoiselle”, la actriz comienza una huída de la que, con la sutileza de sus movimientos, consigue salir airosa sin ser capturada. El perseguidor que no consigue darle caza no es otro que el modelo ruso Danila Kozlovsky, que también se ha puesto a las órdenes del director Joe Wright, quien dirigió a Keira en grandes películas como ‘Orgullo y prejuicio’ y ‘Expiación’.

La actriz encarna la fragancia de ‘Coco Mademoiselle’ desde 2007, fruto de la colaboración y gran afinidad entre la firma, el director Joe Wright y la propia Keira.

La sinopsis del vídeo narra la llegada de “Coco Mademoiselle” a una fastuosa fiesta de lanzamiento celebrada en su honor y en la que ella no parece estar participando. Su presencia surge de la nada cuando un hombre provoca su atención. Le lanza su perfume y él, hipnotizado, trata de conocerla, pero desaparece. Sus caminos se cruzan de nuevo, por casualidad, entre el agua y el asfalto de París, cuando ella navega con su barco por las aguas del Sena y él pasea por un puente. Esta vez, ella se decide a parar...

El perfume que representa, la más ‘mademoiselle’ de las fragancias Chanel, es un derroche de frescura, inspirado en el gusto por lo barroco y lo oriental de Gabrielle Chanel.

LA ACTRIZ

Keira nació el 26 de marzo de 1985 en Londres, Reino Unido. Hija de la dramaturga Sharman MacDonald y del actor Will Knightley. Keira decidió seguir los pasos de sus padres desde muy pequeña.

Se apuntó a clases de danza para introducirse en el mundo de la interpretación. Según fue creciendo pedía insistentemente a sus padres que le consiguieran un representante que la introdujera en la televisión. A los seis años comenzó a aparecer en algunos programas. En 1994, con tan sólo nueve años, llegó su debut en la gran pantalla interpretando a Natasha Jordan en “Dos mujeres”. En 1999 realiza un papel secundario en “Star Wars. Episodio 1: La amenaza fantasma”. En 2001 actuó junto a Thora Birch en “The Hole”, una película de terror para adolescentes. Un año después trabajó en “Quiero ser cómo Beckham”, un filme con el que logró los elogios de la crítica.

La fama y el reconocimiento mundial le llegaron en 2003 al encarnar a Elizabeth Swann en “Piratas del Caribe: La Maldición de la Perla Negra”, junto a junto a Johnny Depp y Orlando Bloom. Además, se la pudo ver en películas tan taquilleras como “Love actually” (2003) o “El Rey Arturo” (2004) de Antoine Fuqua. En 2011 estrena “A Dangerous Method”, de David Cronenberg, junto a Viggo Mortensen y Michael Fassbender. La película se basa en la relación de Carl Gustav Jung y Sigmund Freud. En 2012, rueda la comedia “Seeking a friend for the end of the world”.También participó en la adaptación de la novela de León Tolstói “Anna Karénina”, que se estrenó el 7 de septiembre de 2012. En ese mismo año protagoniza Can a Song Save Your Live?.

Al margen del cine, Keira ha participado en bastantes producciones para la televisión como la miniserie “Oliver Twist” (1999) o “El Doctor Zhivago”. En 2004 fue elegida como la actriz de películas más glamurosa por la revista Glamour en 2004, y en 2007 la mujer más bella de Gran Bretaña, según la encuesta de la cadena televisiva ITN. En 2006 fue nominada al Óscar a la Mejor Actriz por su papel de Elizabeth Bennett en la adaptación cinematográfica de la novela de Jane Austen “Orgullo y prejuicio”.

En 2007 firmó un contrato para ser la nueva imagen del perfume Coco Mademoiselle de Chanel.

Fue pareja sentimental del actor Rupert Friend a quien conoció durante el rodaje de Orgullo y prejuicio; rompieron en diciembre de 2010. El 4 de mayo de 2013 se casó en el ayuntamiento de Mazan, en la Provenza francesa, con James Righton, cantante del grupo de rock británico The Klaxons.

miércoles, 26 de marzo de 2014

Enfrentándose a un enemigo extraordinario

Capitán América y el Soldado del Invierno, es una película de super-héroes y ciencia ficción del Universo cinematográfico de Marvel. Es una secuela directa de Los Vengadores y también enlaza con lo sucedido en Capitán América: El primer ven-gador. La película es dirigida por los hermanos Anthony y Joe Russo y está protagonizada por Chris Evans, Samuel L. Jackson, Scarlett Johansson, Sebastian Stan, Anthony Mackie y Robert Redford.

SOBRE LOS PERSONAJES

La actriz estadounidense Scarlett Johansson muestra en la nueva entrega de Capitán América el lado más humano del maligno personaje de la Viuda Negra, explicó la actriz en la presentación de la película en Londres.

En la última aventura de Marvel, Capitán América y El Soldado del Invierno (Captain America: The Winter Soldier), Johansson interpreta por tercera vez a la superhéroe Natasha Romanoff, alias la Viuda Negra, que ya aparecía en la segunda entrega de Iron Man (2010) y en Los vengadores (2012).

El personaje, descrito por Johansson como una mujer “de oscuro pasado que ha tenido que deshumanizarse para ser capaz de ver las cosas que ha visto”, acompaña en esta cinta en 3D al Capitán América, “un buen hombre, moral y con valores”, según señaló su intérprete, el también estadounidense Chris Evans.

El traje rediseñado de Capitán América fue una nueva característica añadida por los directores, que crearon un nuevo “disfraz” azul marino, con un aspecto más real, similar a un uniforme militar, al que se incorporó además elementos verosímiles como armas convencionales y correas para que pudiera funcionar en la época actual.

Las acrobacias y luchas, uno de los principales componentes de la película, resaltadas por el formato en 3D, fueron desarrolladas por los actores “tanto como fue posible”, como señaló Johansson.

El actor Samuel L. Jackson, que interpreta a Nick Furia, el legendario director de la organización internacional por el mantenimiento de la paz (S.H.I.E.L.D.), regresa también en esta entrega para enfrentarse a un desconocido enemigo.

La aparición de otro héroe de Marvel, Sam Wilson, conocido como Falcon, un ex militar paracaidista interpretado por Anthony Mackie, marcó también la voluntad de los directores de personalizar más los famosos personajes del mundo Marvel.

La película cuenta además con interpretaciones de actores de la talla del estadounidense Robert Redford y las canadienses Emily VanCamp y Cobie Smulders. Los directores de la película se han declarado “fans del cómic” y “muy contentos” de llevar a la pantalla lo que más les gusta de este género.

El Capitán América llega a la gran pantalla

Para construir un mundo mejor, en ocasiones hay que destruir el antiguo, y eso crea enemigos” dijo Alexander Pierce (Robert Redford), uno de los protagonistas de Capitan América: Soldado de Invierno. Esta frase es un adelanto de lo que se verá en la nueva cinta que se proyectará desde mañana en Santa Cruz. La historia se sitúa en Nueva York, donde Steve Rogers (Chris Evans), alias Capitán América, vive discretamente en Washington D. C. e intenta acoplarse al mundo moderno. Pero cuando un colega de S.H.I.E.L.D. es atacado, Steve se implica en una red de intriga que amenaza con poner en riesgo al mundo. Tras unir fuerzas con la Viuda Negra (Scarlett Johansson), el héroe lucha para descubrir la conspiración a la vez que se enfrenta con asesinos a sueldo enviados continuamente para silenciarle. Cuando el malvado plan es revelado, el Capitán América y la Viuda Negra reclutan a un nuevo aliado, el Halcón (Anthony Mackie). Sin embargo, pronto se encontrarán delante de un enemigo inesperado y formidable: el Soldado del Invierno (Sebastian Stan). La película es distribuida por Manfer Films.

Steve Rogers / Capitán América: Es un veterano de la Segunda Guerra Mundial, mejorado al máximo del físico humano por un suero experimental, congelado en animación suspendida y que ahora lucha por adaptarse al mundo moderno.

Natasha Romanoff / Viuda Negra. Es una agente que trabaja para S.H.I.E.L.D. Con entrenamiento intenso en el arte del espionaje y equipada con dispositivos de última tecnología, Romanoff no tiene rival cuando se trata de medir las habilidades
de combate.


Nick Fury: Es el director de S.H.I.E.L.D. A lo largo de los años, Fury ha servido al mundo libre de diferentes maneras. Fue sargento del ejército, superespía experto en tecnología y director de la organización para el mantenimiento de la paz mundial.


Alexander Pierce: Es un alto dirigente dentro de S.H.I.E.L.D. El mismo tiene con una buena relación con Rogers. Hay bastante hermetismo en la información que rodea a este personaje. Es interpretado por el conocido actor y director, Robert Redford.

Tercera de ‘Los cazafantasmas’

El veterano realizador Ivan Reitman renunció a dirigir la tercera entrega de la saga Los cazafantasmas tras el fallecimiento de Harold Ramis, aunque seguirá vinculado como productor al proyecto de Sony, que empezará a rodarse en Nueva York a principios de 2015.

Reitman, realizador de las dos películas de Los cazafantasmas, anunció su decisión en una entrevista, en la que confirmó que ya existe un borrador del guión, que es “muy bueno” y que el estudio está “entusiasmado” con él.

El cineasta indicó que ya se está trabajando en crear una lista corta con directores para sustituirle y, una vez contratado su reemplazo, comenzará la búsqueda de los nuevos protagonistas de la saga.

“Es una versión de Los cazafantasmas en la que aparecen los (personajes) originales con un papel muy menor”, comentó Reitman, que reconoció que sin Ramis en el reparto no se sentía con ganas para afrontar el rodaje.

Harold Ramis falleció en febrero, a los 69 años, a causa de complicaciones derivadas de una vasculitis, una inflamación de los vasos sanguíneos que sufría desde hacía cuatro años. Sin el tercer mosquetero Ramis era miembro del equipo inicial de cazafantasmas junto con Dan Akroyd y Bill Murray, a los que se uniría Ernie Hudson en el filme de 1984 que tuvo una secuela en 1989.

David Fincher quiere a Christian Bale como Steve Jobs

La productora Sony Studios quiere a David Fincher como director del biopic de Steve Jobs, y éste quiere que Christian Bale sea el protagonista.

The Wrap informó que, en caso de que se concrete como director, David Fincher ya tiene en mente a un actor en especial para que estelarice el biopic oficial de Steve Jobs que prepara Sony Pictures.

Se trata nada menos que de Christian Bale (El Caballero de la Noche Asciende). La fuente confirma que Aaron Sorkin (colaborador con Fincher en Red Social) ya concluyó la adaptación del bestseller de Walter Isaacson.

Se aclara que Bale no ha sido contactado con oferta alguna (habría que cerrar trato primero con Fincher, aunque ya hay charlas entre él y Amy Pascal de Sony), pues el histrión se encuentra en un período de descanso tras el arduo rodaje de Exodus.

Si Sony está consciente de la inclinación de Fincher por Bale (con quien lleva una buena relación tras Escándalo americano) y los estudios lo quieren como director del biopic, hay grandes probabilidades de que el otrora intérprete de Bruce Wayne/Batman sea elegido para el estelar.

Se dice que la película será integrada por 3 largas escenas relacionadas con grandes lanzamientos de Apple: el de la Mac, la NeXT (posterior a la salida de Jobs) y el iPod.

‘Jem y las Hologramas’ se convertirán en película

Jon M. Chu (‘G.I. Joe: La venganza’) dirigirá la adaptación del título de Hasbro sobre una chica normal y corriente que se transforma en la líder de un grupo musical de éxito.

La popular serie de dibujos de los 80 Jem y las Hologramas, la ficción de Hasbro que se emitió en televisión de 1985 a 1988, ahora será llevada al cine gracias a Jon M. Chu, quien se encargará del proyecto y, además, han revelado que la producción abre una audición paralela a través de las redes sociales para buscar a cantantes y bailarinas, informó Variety.

La historia de Jem seguía los pasos de Jerrica Benton, una joven aparentemente normal que, gracias a unos pendientes mágicos, se convertía en la glamurosa y famosísima líder del grupo musical Jem y las Hologramas.

Diana

ARGUMENTO

Cuando la Princesa Diana voló a Pakistán en Mayo de 1997, fue a conocer a la familia del Dr. Hasnat Khan, el hombre con el que quería casarse. Una de las mujeres más famosas y bellas del mundo, esperaba persuadir a la madre del Dr. Khan haciéndole ver que sería la esposa adecuada para su hijo. De haber tenido éxito, los acontecimientos de aquel verano podrían haber sido muy distintos…

SOBRE EL FILME

Dirigido por Oliver Hirschbiegel, se basa en un guión del dramaturgo alabado internacionalmente Stephen Jeffreys. La apasionante historia de amor refleja cómo encontrar la verdadera felicidad personal permitió a Diana evolucionar para convertirse en una gran defensora de causas humanitarias a nivel internacional y lograr así los éxitos que definieron principalmente su figura.

La idea de Diana surgió internamente en la propia Ecosse Films hace varios años. Lo que le interesaba contar al equipo responsable era la historia de amor entre Diana y el Dr. Hasnat Khan, un cirujano cardiaco británico de origen paquistaní. “Nos pareció que era la clave para comprender sus dos últimos años de vida”, explica el director. Pese a que los productores sabían que querían hacer la película, no estaban seguros de poder seguir adelante con su desarrollo hasta que se hubieran llevado a cabo las investigaciones sobre la muerte de Diana. Desde un primer momento, los productores decidieron hacer una película centrada en quién se convirtió Diana en esos dos últimos años, más que en las trágicas circunstancias que rodearon su muerte.

“Esos dos años definieron a Diana y tuvimos la suerte de que ese viaje está ligado a una historia de amor”, prosigue Hirschbiegel. “Diana hizo mucho bien y fue una pionera concienciando a la gente sobre las víctimas de las minas terrestres, una causa que es importante recordar. Cómo se sentía influyó mucho en su capacidad para estar más segura de sí misma y convertirse en la mujer en la que se convirtió al final de su vida. Hasnat fue un elemento clave para que ello sucediera”.

Bellot estrena su ‘Unicornio’ mañana en función única




Rodrigo Bellot presentará en función única su nueva película Unicornio, este jueves a las 19.30 en el Multicine, para un grupo de invitados. El filme fue visto en Estados Unidos en un festival y universidades con buena crítica.

La historia de un joven menonita en Bolivia se convierte en la historia de muchos a través de esta producción, a la que el cineasta calificó como “una fábula de una persona dispuesta a luchar hasta las últimas consecuencias por ser feliz, libre y por el amor”.

En entrevista exclusiva con La Razón, el cineasta boliviano, radicado en Estados Unidos, precisó que al ver Unicornio “la gente sale conmovida, llorando y eso es lo que hace el cine, toca las fibras del alma, mueve paradigmas y brinda humanidad y emotividad”.

La película, que fue proyectada en el Festival de Cine en Miami, se destacó con dos reseñas positivas. El lunes 24 fue vista en la Universidad de Nueva Jersey por 200 alumnos y hace unos días en la Universidad de Nueva York. “En ambos sitios la gente se me acercaba llorando, movida por la historia”, contó el director.

Para rodar el filme, Bellot y su equipo trabajaron por casi dos años y necesitaron de “mucha investigación y un equipo boliviano que ha hecho, de algo casi imposible, una realidad con una calidad impresionante”.

La cinta, sin ninguna pretensión comercial, busca contar la historia desde la simplicidad. “Estamos tomando muchos más riesgos en el formato, en la manera de contar la historia desde lo simple, muy nuevo para mí como autor. Es muy diferente a todo lo que he hecho antes”.

El realizador recalcó que está comprometido con el cine y no con fines de lucro. “Se puede cambiar el mundo con historias, con amor, con ejemplos. Es una película de paisajes, silencios, espacios y personajes”.

En la actualidad, Bellot se encuentra produciendo tres películas más que se han compaginado con el estreno de Unicornio. “No puedo quejarme, tener la oportunidad de hacer tanto a la vez me entusiasma, estoy agotado, con muy poco tiempo, pero a la vez creo que estoy haciendo mi mejor trabajo, el más maduro, el honesto y comprometido”. En mayo, el cineasta anunciará en Cannes (Francia) las nuevas producciones en las que está trabajando para presentarlas al público.

Actores

Protagonista

Doug Porter, actor y modelo norteamericano, encarna al personaje principal del filme.

Historia

Argumento

Un joven menonita luchará por concretar su felicidad en un mundo que lo tacha de diferente.

Estreno

Reconocimiento

Fue seleccionada entre las siete películas más recomendadas de las 98 que estaban en el Festival de Miami.

El mundo de la Fórmula 1 en el cine


El mundo de la Fórmula 1 llegó al cine con Rush: Pasión y Gloria, la película de Ron Howard, Chris Hemsworth y Daniel Bruhl sobre la rivalidad de los pilotos James Hunt y Niki Lauda.

Ambientada en los años 70, durante una de las épocas doradas de la Fórmula 1 , Rush: Pasión y Gloria está basada en la verdadera historia de dos de los mayores rivales que el mundo ha conocido en las pistas de automovilismo: el austriaco Nikki Lauda , encarnado por el actor Daniel Brühl, y su máximo oponente, el inglés James Hunt, personificado en la cinta por Christopher Hemsworth.

Dentro y fuera de la pista, los dos pilotos se presionan a sí mismos hasta llegar al límite de su resistencia física y psicológica. Su enemistad fue tal que arriesgaban hasta la vida para demostrar quién era mejor que el otro. En sus mundos no existen atajos hacia la victoria ni margen de error. Si cometían uno, el precio les podría causar la muerte.

Dirigida por el dos veces ganador del Premio Oscar, Ron Howard (Una mente maravillosa y El desafío: Frost contra Nixon), la trama trae a la pantalla grande la tensión que vivieron en cada curva de competencia.

CON EL ACELERADOR A FONDO

En entrevista con EFE, el actor Daniel Brühl confesó que, para adentrarse en su personaje, contó con los consejos del tricampeón mundial de Fórmula 1, antes y durante el rodaje.

Musicalizada por el reconocido compositor Hans Zimmer, la historia se centra en la disputa de la temporada de 1976, cuando uno de los dos pilotos sufre un grave accidente que deja en suspenso el resto de la cinta.

Propuesta en dos categorías en los recientes Globos de Oro, y cuatro postulaciones a los premios BAFTA, incluyendo mejor actor secundario con Daniel Brühl, Rush: Pasión y Gloria deja una sensación de adrenalina, digna de la temática de la película.

LA SATISFACCIÓN DE NIKI LAUDA

La estrella de la Fórmula 1, Niki Lauda quedó encantado con la manera en que el actor español Daniel Brühl lo encarna en la película Rush: Pasión y Gloria.

“Estoy alucinado con la forma tan auténtica en que soy interpretado por Daniel Brühl. En la película encaja verdaderamente cada detalle”, aseguró el famoso piloto austríaco.

Bellott estrenará su nuevo filme en Bolivia



El mediometraje de 30 minutos cuenta la historia de un menonita que busca la libertad en un mundo lleno de reglas y está protagonizado por el actor estadounidense Doug Porter. El filme, que compitió en la sección Cortos del Festival de Cine de Miami, se estrenará el jueves en La Paz y el martes 1 de abril se hará lo propio en el Cine Center de Santa Cruz. En la trama el joven menonita intenta reintegrarse a su sociedad, luego de ser liberado de un castigo de ocho semanas por su padre, pero tiene un secreto

Un ‘durazno’ de película se ve en Francia



Un trabajo fílmico de más de dos años da como fruto un ‘durazno’ del que podrán disfrutar hoy los visitantes del Cinélatino, el festival de cine latinoamericano de Toulouse (Francia), que este año dedica su edición a la obra cinematográfica de mujeres directoras y productoras de esta región.
Durazno es un documental realizado por la directora boliviana Yashira Jordán, que para poder llevar adelante este proyecto inició en 2012 una campaña de ‘crowdfunding’ (recolectar dinero voluntario de personas interesadas), tanto en internet como en reuniones y picnics en diferentes ciudades.

Un parto difícil
“Creo que podría imaginarme que tener un hijo es algo muy parecido a concebir tu primera película, solamente que Durazno fue un parto bastante complejo”, indicó Jordán sobre su ópera prima, y agregó que ahora la película comienza un nuevo ciclo gracias al esfuerzo de mucha gente involucrada.
“Comenzamos Durazno entre dos países, un equipo en Bolivia y otro en Argentina. A partir de un diseño transmedia y con el ‘crowdfunding’ el proyecto llegó a muchos lugares del mundo y a partir de las contribuciones la película se hizo conocer”, señaló Jordán, de 28 años.

El estreno en Francia
El documental llega a Francia por invitación directa de los organizadores del festival de Toulouse. “Nosotros habíamos enviado un corte para Cine en Construcción en San Sebastián. Conocieron Durazno en esa instancia y después nos escribieron para verla en el estado final de posproducción”, explicó Jordán.
El documental tiene un trasfondo ecológico en su trama, además de que para su realización se organizaron campañas de recolección de desechos para reciclarlos y reutilizarlos en los sets de las escenas de filmación. “Creamos un manifiesto de cine orgánico que contemplamos para el rodaje del film”, resaltó la directora.
Durazno es una ‘road movie’ protagonizada por los actores argentinos Ezequiel González y Nahuel Pérez. Es la documentación de un viaje que realizan desde Argentina hasta Bolivia para encontrar cadenas rotas de la vida de Ezequiel.
La película todavía no tiene fecha de estreno en Bolivia, algo que Jordán resolverá a su regreso de Francia

Durazno

Colaboradores
335 fueron las personas que aportaron con algún monto de dinero para financiar Durazno. Los montos de cada uno varían. Gracias a esto la película arrancó con un presupuesto cercano a los $us 15.000, recaudados en 21 días en 2012.

La película
Tiene una duración de 86 minutos. Fue producida por Árbol Cine Orgánico y Carrousel Films. Grabada en Full HD con una cámara Harinezumi.

La directora
Yashira Jordán inició sus estudios de cine en la Escuela La Fábrica, de Cochabamba. Posteriormente realizó cursos en Estados Unidos y México. De 2005 a 2009 hizo la carrera de cine en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (Argentina). Participó en proyectos dentro del Festival de Cine de Buenos Aires y del de Berlín, entre otros. Actualmente es docente de montaje y hace trabajos de asistencia en dirección.

El heredero del diablo

LA HISTORIA

Después de su viaje de luna de miel del que, misteriosamente, hay una noche que no recuerdan, una pareja de recién casados descubre que debe prepararse para un embarazo antes de lo previsto. Mientras va grabándolo todo para la posteridad, el marido empieza a notar un extraño comportamiento en su mujer, al que inicialmente ninguno de los dos da importancia atribuyéndolo a los nervios, pero a medida que pasan los meses se va haciendo más evidente que los misteriosos cambios físicos y mentales que está experimentando su esposa tienen un origen mucho más siniestro.

DETALLES DE PRODUCCIÓN

Protagonizada por Zach Gilford y Allison Miller, la película está dirigida por Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett. El característico estilo de la producción del filme se manifiesta a través de una amplificada sucesión de sustos y sobresaltos, así como en su inquietante tono general. Sin embargo, señala Gillett, también era su intención hacer un thriller que “realmente conectara a nivel emocional y basado, desde un principio, en los personajes”.

“La película no es sólo una enfatizada retahíla de sustos y delirantes imágenes sobrenaturales”, prosigue Gillett. “Trata sobre dos personas que están iniciando una vida juntos. El heredero del diablo se adentra en su relación y en cómo ésta se transforma cuando se incorpora a ella un poderoso y sobrehumano elemento”.

“Somos fans del género de terror, pero también lo somos del cine”, añade Bettinelli-Olpin. “Por lo tanto, centramos nuestro foco en la relación de la joven pareja y en el lado razonablemente cómico de estos personajes, algo muy presente durante gran parte del filme si se está atento a ello. La historia de amor es asimismo algo que verdaderamente puede enganchar al público cuando ve casarse a la pareja y planear la llegada de su retoño”.

“Y el miedo que acompaña a todo ello no tiene nada que ver con el género de terror”, interrumpe Gillett. “Nuestra aproximación al género siempre ha consistido en encontrar personajes interesantes y contar, en primer lugar, su historia, añadiendo posteriormente elementos del género. El resultado, esperamos, es una historia sobre unas personas que te resultan absolutamente reconocibles; no obstante, luego ves que les suceden cosas terribles y espantosas”.

Conocemos a la joven pareja, Zach (Zach Gilford) y Samantha McCall (Allison Miller), cuando están a punto de casarse. Un brillante futuro se abre ante ellos; y tras una emotiva ceremonia nupcial, emprenden viaje a la República Dominicana, el caribeño país bendecido por el sol, para disfrutar de su luna de miel. Sus vacaciones dan un extraño giro tras una incómoda sesión con un vidente, que, inquietantemente, advierte a la pareja que “les estaba esperando”.

Más que desconcertados por dicho encuentro, Zach y Sam de repente se encuentran perdidos en medio de calles vacías y oscuras hasta que, por fin, encuentran un taxi, cuyo conductor insiste en llevarlos a un bar subterráneo para que disfruten de una auténtica experiencia dominicana. Entonces, empiezan a pasar cosas realmente inquietantes.

Chicas con ansias de acción y diversión

Selena Gomez, Vanessa Hudgens, Ashley Benson y Rachel Korine se transforman en unas criminales con ansias de acción y diversión desenfrenada en la nueva película Viviendo al límite (Spring Breakers).

Faith (Selena Gomez), Candy (Vanessa Hudgens), Brit (Ashley Benson) y Cotty (Rachel Korine), son unas adolescentes que deciden robar las ganancias de un restaurante para derrochar el dinero en sus celebraciones de vacaciones de primavera; sin embargo, poco les durará la diversión, ya que la ley intervendrá para arrestarlas y encarcelarlas.

Durante su encierro, las amigas conocerán a Alien (James Franco), un traficante que se ofrece a ayudarlas, pero las forzará hacer el trabajo sucio por él realizando crímenes y actos vandálicos.

Viviendo al límite ha sido dirigida por Harmony Korine. El filme fue presentado en festivales de cine de Europa e incluso fue seleccionado para competir por el León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia.

SELENA GOMS: CHICA MALA

Selena Gomez reveló la preocupación que le causó su aparición en Viviendo al límite y es que esta fue una faceta muy diferente a sus habituales roles en Disney por lo que no fue muy fácil para ella interpretar a una chica mala.

“Estaba muy nerviosa por tener que interpretar mi papel en Viviendo al límite porque me sentía muy cómoda en mi serie de televisión (Hechiceros de Waverly Place) y con los papeles de las películas en los que había participado. Así que hacer algo totalmente distinto a lo que estaba acostumbrada fue un poco abrumador. Pero era lo que necesitaba”, reconoció la intérprete.

A pesar de sus miedos iniciales, Selena Gomez, quien compartió pantalla con James Franco, Vanessa Hudgens y Ashley Benson, se enorgullece de haber aceptado el papel ya que ello le dio la oportunidad de demostrar que es más que capaz de interpretar personajes de mayor complejidad.

Noé y su misión divina


“Cuando empiecen a verla se va a acabar la controversia porque yo creo que la película es muy respetuosa al texto original, pero lo lleva a la vida para el público del siglo XXI”, dijo el estadounidense en una entrevista con Efe.

Noé cuenta la historia de este personaje bíblico (interpretado por Russell Crowe), un humilde carpintero que comienza a tener visiones apocalípticas sobre el diluvio universal y para salvar a su familia construye una embarcación en la que también mete parejas de distintas especies animales.

“Creo que hice una película para creyentes y no (...). La parte medular de la película son los valores, que quienes creen reconozcan como propios porque nos apegamos mucho al texto original, y para quienes no son creyentes o menos religiosos encontrarán una película emocionante, que no está en la Biblia de su abuela, sino un espectáculo visual con un gran drama”, añadió el cineasta.

A las protestas de algunos católicos extremistas que acusan a la cinta de poco fiel a la historia, se suma la decisión de órganos como el Consejo Nacional de Medios de Comunicación de Emiratos Árabes Unidos que tras ver la película anunció que tres países árabes la censurarán.

“Considero que en la historia de la Biblia, cuando realmente empiezas a leerla, hay mucha intensidad, se ponen muchas cosas a prueba, mucha tentación frente al mal y al bien y esa batalla está ahí en el texto y no creo que sea algo que se deba ocultar porque es lo que lo hace dramático”, aseguró.

Lejos de ser una historia para niños, como en opinión de Aronofsky creen muchas personas, “para nada es así”. “Esta es una de las primeras cosas que queríamos cambiar, la percepción de la gente de esta historia”, apuntó.

“Estoy seguro de que (la película) va a superar todas las expectativas porque todo el mundo espera a un hombre viejo, con barba larga, con una túnica y sandalias y todos esos animales felices”, y no va a ser así, ya que la idea es “reinventar” al personaje.

Uno de los mayores retos para Aronofsky a la hora de rodar la cinta, contó, fueron los efectos especiales, pues quiso hacer cosas que “nunca se habían intentado antes”.

Por ejemplo, dijo, la escena “más complicada” donde aparecen los animales dormidos en el arca, “una sola computadora habría tardado 38 años en hacerla”, ya que fueron necesarias un millón de horas de procesamiento.

Junto con Crowe completan el reparto Anthony Hopkins, Douglas Booth, Logan Lerman, Emma Watson y Jennifer Connelly, quien contó a Efe cómo preparó su papel, el de Naameh, la esposa de Noé.

martes, 25 de marzo de 2014

Bolivia y Chile negocian la restauración de Hacia la gloria

Especialistas de la Cinemateca Boliviana y la Cineteca de Chile negocian la restauración de Hacia la gloria, un filme que fue censurado tras su estreno -el 1 de marzo de 1932- debido a que aborda la historia de un joven que nació fuera del matrimonio.
"Técnicos de la Cineteca de Chile están interesados en restaurar Hacia la gloria. Ellos tienen un escáner digital y quieren sacar una copia en formato digital de esta película. En la actualidad, entre las dos instituciones de los dos países negociamos la restauración de este histórico largometraje”, aseguró Mela Márquez, directora de la Cinemateca Boliviana.
Hacia la gloria es un largometraje de la época silente del cine boliviano, dirigido por Mario Camacho y Juan Jiménez. El filme fue rodado en 1931 y exhibido una sola vez, pues permaneció por varias décadas casi en el olvido hasta que los rollos de una de las copias fueron descubiertos el año pasado.
Según Márquez, Ignacio Aliaga, director de la Cineteca de Chile, aseguró que esa institución está interesada en trabajar en la restauración de Hacia la gloria, ya que el año pasado concretaron un convenio de cooperación para restaurar varios filmes patrimoniales e históricos del país.
El año pasado, la Cinemateca Boliviana y la Cineteca de Chile establecieron un convenio para restaurar películas patrimoniales e históricas del país. Por eso, hace unos meses, técnicos chilenos iniciaron la digitalización de las copias de exhibición de Chuquiago, de Antonio Eguino.
Sin embargo, Márquez indicó que la Cinemateca sólo conserva los rollos originales de Hacia la gloria en nitrato de plata y que los técnicos chilenos requieren una copia en negativo del filme. "Ellos no pueden realizar la restauración digital de la cinta desde el nitrato. Por eso hay que pasar los rollos de nitrato de celuloide a un duplicado en negativo”, explicó Márquez.
El crítico de cine Pedro Susz sostuvo que la posibilidad de recuperar Hacia la gloria representa un paso fundamental para la historia del cine boliviano tras la restauración de Wara Wara, de José Velasco Maidana. "Es vital recuperar este filme porque muy pocas producciones de la época silente del cine boliviano lograron salvarse. Ya casi la mayoría de las cintas se perdió por la falta de conservación”, comentó.
Investigación
El año pasado, María Domínguez y Carolina Cappa, quienes trabajan en el proyecto Imágenes de Bolivia, que consiste en recuperar filmaciones de inicios del siglo pasado, hallaron en una vieja caja de cartón 223 rollos de nitrato de plata de Hacia la Gloria.
Las restauradoras identificaron algunas escenas del filme y en la actualidad realizan una investigación en hemerotecas y bibliotecas del país para reconstruir el guión de esa cinta. "Se ha encontrado este filme en rollos separados en pedacitos. Reconstruir este filme es como armar un rompecabezas porque no tenemos el guión”, dijo Márquez.

Hacia la gloria fue un filme censurado porque abordaba una historia dramática sobre el abandono de un niño que, por azares de la vida, se enamora de quien sería su hermana, según las primeras investigaciones. También informaron que en la cinta actuó el pintor y escritor Arturo Borda, quien interpretó el papel de un yatiri y se hizo cargo de la dirección de escena.

Punto de vista
Pedro Susz
Crítico de cine
"Es un rescate fundamental para el cine nacional”
Considero que restaurar el filme Hacia la gloria significa rescatar las huellas de memoria cinematográfica e histórica de Bolivia. Por muchos años, los bolivianos perdimos varias películas de época silente y solamente se ha recuperado una parte mínima gracias al trabajo de la Cinemateca Boliviana.
Este largometraje se llamaba originalmente El hijo del Choqueyapu porque narra la historia de un niño abandonado a orillas del río Choqueyapu y que fue rescatado por una familia de campesinos. Sin embargo, la trama daba un giro argumental y se ambienta en los años previos a la Guerra del Chaco. De manera que muestra ese momento de inflexión de la historia política de Bolivia. Y por eso es que la cinta fue muy polémica en su época, ya que aborda un tema como el de una madre soltera.
Creo que no será complicado reconstruir el guión de Hacia la gloria porque existen bastantes pistas en los comentarios, en las críticas y las declaraciones de algunas personas que participaron en la producción de este largometraje.
La mayoría de estos datos fueron publicados en periódicos de la época.

Revelador tráiler y nuevo póster de «X-Men: días del futuro pasado»

Quedan poco más de dos meses para la llegada de la última entrega de la saga mutante, los X-Men. Una guerra para la supervivencia de la especie que tendrá lugar en dos épocas distintas.

X-Men: días del futuro pasado, dirigida por Bryan Singer (X-Men y X-Men 2), narra el enfrentamiento de la Patrulla X a un acontecimiento que de ocurrir tendrán consecuencias apocalípticas, obligando a los mutantes a luchar por sobrevivir en campos de concentración vigilados por los Centinelas.

La nueva y más ambiciosa entrega de la saga nos sitúa después de los acontecimientos vividos en X-Men: La decisión final, última entrega de la trilogía original. Los mutantes se encuentran al borde de la extinción y la única solución es alterar el pasdo para cambiar el presente. "¿Es el futuro realmente inalterable", se pregunta Xavier.

La combinación de futuro y pasado permite que se reunan en el reparto de la películas miembros de la trilogía original como Lobezno (Hugh Jackman), Magneto adulto (Ian McKeller) y Charles Xavier adulto (Patrick Stewart), junto los de la Primera Generación entre los que se encuentran Mística (Jennifer Lawrence), Magneto joven (Michael Fassbender) y Charles Xavier joven (James McAvoy).

Vea el trailer subtitulado de la película que llega a los cines el próximo 23 de mayo:


Estrenan el documental ‘Minerita’ ganador del Goya

El cortometraje-documental rodado en el Cerro Rico de Potosí, que trata sobre la vida-sobrevivencia de tres mujeres en la mina, dirigido por el español Raúl de la Fuente, y que obtuvo el Premio Goya en su categoría, será estrenada hoy en la Cinemateca Boliviana.

El filme es la dura historia que se desarrolla en el Cerro Rico, donde los mineros se juegan la vida para extraer plata y zinc. La “Minerita” es el relato de tres mujeres, Lucía, Ivonne y Abigail, que se desempeñan como guardianas y trabajan en la mina en duras condiciones.

Las tres protagonistas son mujeres que quedan viudas y abandonadas en el Cerro Rico, por lo que quedan atadas a él por el poco dinero que sacan.

PABLO STIGLIANI DIRECTOR ARGENTINO DE CINE. “QUERÍA MOSTRAR EL TRABAJO ESCLAVO EN LA ARGENTINA”

Bolishopping, el primer largometraje del director argentino, Pablo Stigliani se estrenó recientemente en el Festival de Cine Pantalla Pinamar 2014. El filme cuenta con la actuación protagónica del boliviano Juan Carlos Aduviri y trata sobre el régimen de esclavitud y encierro en que viven cientos de trabajadores bolivianos en los talleres textiles clandestinos de Argentina. La historia se centra en una red de trabajo esclavo que produce un gran número de la ropa que visten los porteños ante la complicidad de la política y los funcionarios.

Después del preestreno, Stigliani dio detalles del filme que, antes de presentarse en Bolivia, recorrerá varios festivales internacionales.

Al ser su primer trabajo cinematográfico, ¿por que decidió abordar esa temática?

Decidí abordar esta temática, porque más allá de ser una problemática que está siempre presente en los medios de comunicación, me llega desde el presente y desde el pasado. Desde el presente, ya que vivo en el sur de la Ciudad de Buenos Aires, lugar donde vive la mayoría de los compatriotas bolivianos. Y desde el pasado, se da algo muy parecido, los estudios primarios los realicé en una escuela municipal, también al sur de Buenos Aires, a finales de los 80, principios de los 90, donde se produjo una gran inmigración de bolivianos a la Argentina. Muchos de mis compañeros de estudio fueron bolivianos y sus padres, en muchos casos, trabajaban como costureros. Yo frecuentaba sus hogares todos los días durante aquellos años.

Escribió la historia en 2010, ¿se inspiró en alguien en particular?

El guion nació en 2010, pero hasta 2013 tuvo varios cambios y reescrituras. Podemos decir que la idea surge en 2010, pero el guión se transformó y se trabajó casi hasta la fecha del rodaje. El guión está basado en distintas entrevistas que realicé a victimas del trabajo esclavo, no es un caso puntual el que trabaja la película. Se trata de una compilación de varios testimonios, que se transformaron en una ficción que toma distintos elementos de cada una de las entrevistas.

¿Qué buscó mostrar/exponer en el filme desde un principio?

Lo más importante para mí era mostrar la problemática del trabajo esclavo en la Argentina, contar a través de personajes que sean interesantes para el espectador cómo funciona la maquinaria del trabajo esclavo, que empieza en la frontera y termina cuando las prendas llegan a los shopping. Retratar la complejidad de esta problemática desde un pequeño caso, evitando el reduccionismo de explotado y explotador y la victimización de los involucrados.

¿Cómo se dio la elección de Juan Carlos Aduviri? ¿Qué conocía de él?

Me decidí por Juan Carlos Aduviri por su excelente trabajo en También la lluvia. Le envíe un mail, leyó el guión y enseguida aceptó sumarse a la película. Fue un gran trabajo el que realizó en la Argentina durante su larga estadía de casi dos meses.

El filme se presentará en Bolivia, ¿ya se tiene una fecha?

La película se estrenará en Bolivia luego de su recorrido por festivales. Esa fecha estará supeditada al camino que hará el filme. Hasta ahora, hubo un preestreno nacional en Pantalla Pinamar, donde tuvimos una excelente repercusión del público.

lunes, 24 de marzo de 2014

El mal busca un espacio El heredero del diablo

Una emotiva ceremonia y una luna de miel perfecta, Zach McCall y Samantha están tan enamorados que ni siquiera le dan importancia a una noche de la cual no recuerdan nada.

Esta nueva propuesta de Twentieth Century Fox ya llegó a los cines cruceños para intentar atemorizar a los fanáticos del terror con una perturbadora historia.

Sinópsis. Pronto se enteran de que serán padres, sin embargo pistas perturbadoras salen a la luz y hacen ver que su situación está lejos de ser normal: un examen de ultrasonido y amniocentesis toman un giro inesperado; en una visita al supermercado Sam, vegetariana, se mete a la boca carne cruda y sangrienta. Un espíritu malévolo espera nacer en este mundo. Una película acerca de una mujer fecundada con algo poderoso.

Ficha técnica

Título original: Devil's Due
Género: Horror
Dirección: Matt Bettinelli-Olpin, y Tyler Gillett
Guión: Lindsay Devlin
Reparto: Allison Miller, Zach Gilford y Steffie Grote

Secuestran equipos y copias ilegales de película nacional

El Ministerio Público, en coordinación con personal policial de la Fuerza Especial de Lucha Contra el Crimen (Felcc), en las recientes horas, procedió con el secuestro de equipos de grabación y reproducción de CD’s y DVD’s y algunas copias ilegales de una película nacional en específico que estarían siendo comercializadas irregularmente.

El fiscal de materia y representante del Ministerio Público, Aldo Morales, informó que la producción nacional que sería afectada con estas copias ilegales se realizó en la localidad minera de Huanuni, aunque no mencionó el nombre, manifestó que sus productores presentaron la denuncia, ya que la venta de los CD’s ilegales se realizaba no solo en Oruro sino en otros departamentos.

"El Ministerio Público recibió una denuncia del productor de una película nacional que se realizó en la localidad de Huanuni donde refiere que una copia de la misma era vendida en varios puestos, no solamente a nivel de la ciudad de Oruro sino a nivel de otros departamentos, es en ese sentido que se procedió al allanamiento de dos domicilios, uno cerca al mercado Bolívar y otro en proximidades de la calle Tacna", afirmó Morales.

No descartó que las copias sean trasladadas desde La Paz, aspecto que se dilucidará en las investigaciones que se realicen posteriormente en coordinación con la Policía de la sede de gobierno.

"Se recomienda a todas las personas y puestos de venta, que cuando se trata de películas nacionales se abstengan de hacer la venta toda vez que es un plagio a la propiedad intelectual del autor de este hecho, es en ese sentido que este tipo de operativos no será solamente como el que se realizó sino será en forma periódica, tanto en los puestos de venta como en lugares de exhibición de CD’s, donde se hará la requisa a objeto de cortar este tipo de hechos", añadió.

Tanto los equipos como los CD’s decomisados, entre los que también se encontró pornografías, fueron puestos en custodia de personal policial de la Felcc.

ESTRENAN MINERITA EN LA CINEMATECA

El filme Minerita, ganador del Premio Goya 2014 a Mejor Cortometraje Documental Español, será estrenado en el país el martes 24. La Cinemateca exhibirá la pieza realizada por Raúl de la Fuente a partir de las 19.00. La entrada será de carácter gratuito. Con Minerita, el cineasta español obtuvo el primer Premio Goya de su carrera. El cortometraje de tipo documental es una historia que gira en torno a las difíciles condiciones de vida de las mujeres que trabajan en el Cerro Rico.



domingo, 23 de marzo de 2014

Protagonistas de ‘Minerita’ llegan al estreno en La Paz



Lucía (40 años), Ivone (16) y Abigail (17) protagonizan el filme Minerita, ganador del premio Goya a Mejor Corto Documental de este año. Ellas llegarán a La Paz para la proyección de la película en la Cinemateca, el martes 25 a las 19.00.

La cinta dirigida por el realizador español Raúl de la Fuente trata la historia de estas mujeres en torno a la vida de las minas, donde son víctimas constantes del acoso de los varones. Se estrenó el 20 de marzo en Cochabamba, gracias a las gestiones del Centro de Documentación e Información Bolivia (CEDIB).

“Las tres mujeres estarán en la ciudad de La Paz para contar su experiencia en la realización del documental y compartir también su problemática”, explicó Rosemary Amils, responsable de Comunicación del CEDIB.

Cuando el director nacido en Iruña, Pamplona, recibió el reconocimiento internacional, dedicó el galardón a “las mujeres del Cerro Rico, en especial a Abigail”.

La sinopsis redactada por la productora Kimuak señala que la película refleja la historia de “tres mujeres que trabajan como serenas o dentro de la mina y luchan por sobrevivir en un infierno no apto para la vida. Su única arma, coraje… y dinamita”.

De la Fuente es director y guionista de cine y televisión desde 1996. Es director y guionista del largo Nömadak Tx, la película documental española más premiada en festivales internacionales en 2007. En la actualidad dirige Un día más con vida, basado en la obra del mismo título de Ryszard Kapuscinski.


Balance del cine boliviano: el legado de Luis Espinal



El 21 de marzo se festeja el Día del Cine Boliviano en honor a uno de los grandes promulgadores del séptimo arte en nuestro país: Luis Espinal. En esta fecha, en 1980, el sacerdote español fue secuestrado y asesinado por la dictadura de Luis García Meza.

Luis Espinal fue un hombre clave para el desarrollo de la cinematografía nacional, no tanto como realizador (hizo algunos programas de televisión de contenido social), sino más bien como un mentor de los cineastas más importantes que dio Bolivia. Sus labores como crítico de cine, como teórico, pedagogo y cineclubista marcó a una generación entera de cinéfilos y ciertamente dejó una fuerte impronta en el estilo cinematográfico boliviano del siglo pasado.

Si Espinal fue tan importante es porque comprendió que el cine no solo lo hacen los cineastas, sino que también tienen un papel fundamental los críticos y sobre todos los espectadores. Hacer un buen cine tiene que ver no solo con cierta sensibilidad artística o con intuiciones más o menos acertadas, sino que además implica mucho tiempo de reflexión y, sobre todo, de diálogo con otras personas que no necesariamente hacen parte del círculo de conocidos del autor.

Reconocer la existencia o crear la categoría de “cine boliviano”, con sus particularidades, tiene que ver con la posibilidad de fomentar una atmósfera de cinefilia permanente. Implica crear espacios de formación para los tres actores principales de la actividad cinematográfica. Implica reflexionar sobre el pasado, el presente y el futuro de nuestro cine desde la función de cada uno. Implica que cineastas, críticos y espectadores podamos reconocernos como tales.

Sepa más

Para saber más sobre la actualidad cinematográfica boliviana y su historia visitar: http://www.cinemascine.net/

Diagnóstico

El pasado

El cine boliviano, a pesar de ser una de las filmografías más pequeñas de la región en términos cuantitativos, dio películas invaluables. Wara Wara (1930) (foto), de José María Velasco Maidana, o Yawar Mallku (1969), de Jorge Sanjinés, demuestran las grandes potencialidades de nuestro cine. Pero sin duda, el filme más importante de Bolivia es La nación clandestina. Jorge Sanjinés, cercano a Espinal, pudo plasmar en su filme una reflexión sobre la identidad nacional a partir de un lenguaje innovador.

El presente

Como nunca antes, en Bolivia se están produciendo una gran cantidad de películas. Sin embargo, estos filmes no logran encontrar su público y son rápidamente olvidadas. Es complejo conocer la realidad cinematográfica actual del país si se toma en cuenta que la gran parte de lo que se hace son “películas fantasma”. Se hace pues patente la importancia de la crítica de cine para reconocer (si es que lo tuviera) el valor de estas cintas y ayudar a conducir a los espectadores y a los cineastas hacia un mejor cine.

El futuro

En los últimos años pudimos presenciar la creación de cortometrajes innovadores propuestos por un pequeño grupo de realizadores bolivianos ligados a la Universidad del Cine de Argentina. El Juku (2012), de Kiro Russo, es un ejemplo. La película describe el rescate de un minero perdido en los profundos y oscuros socavones. El trabajo de Russo tiene un récord prometedor: es uno de los cortometrajes bolivianos que más presencia en festivales internacionales ha tenido.


sábado, 22 de marzo de 2014

Exitosa jornada por el Día del Cine Boliviano

El Día del Cine Boliviano, establecido desde el 2007 para ser celebrado el 21 de marzo, fecha en la que se recuerda la trágica muerte del sacerdote jesuita Luis Espinal, destacado poeta, periodista,cineasta y docente universitario que resaltó por su labor social y de fomento al cine en Bolivia; fue festejado ayer en las ciudades más importantes del país con diversas actividades.

En Cochabamba, la jornada “Un día de película por una ciudad de película”, organizada por la Red de Creadores y Autores del Audiovisual y Cine de Cochabamba, comenzó a las 7:30 en la plaza 14 de Septiembre, con la proyección de películas bolivianas, la exhibición de diverso material y equipos cinematográficos y la filmación de varios cortos.

La Red de Creadores y Autores está integrada por colectivos, estudiantes universitarios, productoras independientes, empresas, cineastas y artistas, entre varios otros, que se “han unido para mostrar lo que es el cine boliviano” y emprender políticas tendientes a promover la nueva Ley del Cine y “tener más espacios en las salas de cine, ya que actualmente una película boliviana tiene que competir con una película de Hollywood y muchas veces sólo están una semana en cartelera y lo que ganan apenas les alcanza para pagar la publicidad”, dijo Nayra Antezana, productora de Prodecine.

Durante la jornada de ayer, que se extendió hasta cerca de las 22:00, nueve directores, en su mayoría cochabambinos, filmaron en los alrededores de la plaza Principal nueve cortos de diferentes temáticas y de tres minutos de duración, que fueron editados ahí mismo y exhibidos al final de la jornada; proceso que conquistó la atención de cientos de transeúntes.

“Butaca Callejera”

Para la Oficialía Mayor de Culturas de la Alcaldía, que apoyó “Un día de película por una ciudad de película”, la jornada de ayer fue muy positiva y muy emocionante “ver todo el despliegue de los diferentes productores, directores, estudiantes, gente vinculada al audiovisual, actores y ver sobre todo rodajes in situ.

Ver a la gente correteando de aquí para allá, el bullicio, la cantidad de gente involucrada e interesada es de verdad apasionante”, dijo Marco Antonio Marín, ayudante del Oficial Superior de Cultura.

La Oficialía inauguró ayer su espacio “Butaca Callejera” 2014 con la proyección en la plaza Principal, como parte del Día del Cine Boliviano, de dos películas de Jorge Sanjinés: “Para recibir el canto de los pájaros” y “Los hijos del último jardín”; en medio de ambos filmes se proyectó los cortos trabajados ayer.

Los filmes de Espinal y Quiroga Santa Cruz toman la Cinemateca

El filme El Combate, de Marcelo Quiroga Santa Cruz (1963), y uno de los programas En carne viva: Encarcelados, de Luis Espinal (1967), son algunas de las joyas que la Cinemateca Boliviana proyectará hoy en sus salas. Las exhibiciones comenzarán a las 16:00 y el ingreso será gratuito.
"En carne viva es un programa realizado por Espinal y emitido por Televisión Boliviana. En el caso de El Combate, de Quiroga Santa Cruz, es un cortometraje artístico sobre una pelea de gallos”, aseguró Elizabeth Carrasco, de la Cinemateca Boliviana.
El Combate es un corto en blanco y negro y 16 mm. Trata sobre una pelea de gallos, que es narrada a través de los ojos de un niño.
La iniciativa forma parte del proyecto Cinemateca Puertas Abiertas. La sesión cerrará el ciclo Peripecias y Encantos, en la que se exhibieron películas en formato original, como 8 mm, súper 8 mm y 16 mm del archivo fílmico. Algunos de los filmes son musicalizados por invitados que componen o diseñan una banda sonora exclusivamente para el evento.
La sesión constará de cuatro partes. La primera abrirá a las 16:00 con la proyección de una colección de publicidades bolivianas de los años 70 y 80.
Además, se exhibirán dibujos animados de los años 30, como The King’s Tailor (El Sastre del Rey), Donald’s ice capers (Las Heladas Aventuras de Donald) y The Pincushion Man (El hombre alfilerero).
La segunda sesión, bautizada como El Cine Revolucionario: los Ukamau, comenzará a las 17:30. Hará un recorrido por el trabajo del cineasta Jorge Sanjinés y proyectará filmes como Revolución (1963) y Aysa ( 1965). Según los responsables, exhibirán el noticiero Aquí Bolivia (1966), en la que se observará pormenores del rodaje y el estreno de Ukamau.
Otra de los joyas que se proyectará será Inundación (1966), de Ricardo Rada. Además se exhibirá el filme Basta (1970), de Antonio Eguino.
Un homenaje a Espinal
Luego, a las 19:30, se proyectará la sesión titulada Ni olvido ni perdón, en la que se hará un homenaje a los desaparecidos y asesinados en dictadura, a 34 años de la muerte de Luis Espinal.
Entre los filmes que se exhibirán están El Combate, de Quiroga Santa Cruz (1963), y En carne viva: Encarcelados, de Luis Espinal. Bolivia (1967). También se proyectará un documental sobre el entierro de los guerrilleros de Teoponte, dirigido por Eguino (1971) y el Entierro de Luis Espinal, de Hugo Roncal (1980).
Finalmente, se proyectará la sesión Actualidades familiares: Alto Beni, Beni y Carnaval, en la que se exhibirán películas familiares bolivianas de los 30 y 40.
Según Carolina Cappa, responsable del Archivo Fílmico de la Cinemateca, presentarán una selección de filmes que muestran las zonas de Alto Beni y Beni, así como en las festividades de Carnaval. Entre los filmes mudos están Compañía Aramayo de Minas. Tipuani. Teoponte (1941), Oriente Boliviano (1940) y Ultimas Actualidades de Bolivia (1926), de Luis del Castillo; Corso Infantil. Matrimonio, de 1930.

Los cronopios llegan al cine como dibujos animados en centenario de Cortázar

En el centenario del nacimiento del genial escritor argentino Julio Cortázar, los fantásticos cronopios y famas surgidos de su pluma llegan a la pantalla grande en una película de animación que compite a partir de hoy en el Festival de Cine de Málaga (sur de España).

El cineasta argentino Julio Ludueña dirigió una historia coral que refleja "la confrontación entre opuestos" que las criaturas de Cortázar "ejemplifican a través de distintas y divertidas situaciones cotidianas, políticas o emocionales", según el director.

En diálogo con Efe, Ludueña aseguró que con "Historias de cronopios y famas" cumplió una asignatura que tenía pendiente desde 1972, cuando coincidió con el autor en Francia "y quedó abierta la posibilidad de filmar alguno de sus libros".

Aunque originalmente pensó en una adaptación cinematográfica con actores, al final se decantó por la animación, porque sintió que tenía entre manos una historia "capaz de unir la literatura con el cine y las artes plásticas.

Por eso, invitó a los pintores Carlos Alonso, Luis Felipe Noé, Antonio Seguí, Daniel Santoro, Crist, Ana Tarsia, Magdalena Pagano, Patricio Bonta, Luciana Sáez y Ricardo Espósito a traducir en imágenes los relatos, en un trabajo que se prolongó durante seis años.

"Plasmó cada uno con su propia visión artística los distintos enfoques de cada cuento, tal como Cortázar lo hace escribiendo, dejando abierta esa estructura a la diversidad de variantes", indicó el cineasta.

La fructífera relación entre el autor de "Rayuela" y el cine se remonta a más de cinco décadas atrás, cuando el argentino Manuel Antín filmó en 1961 "La cifra impar", inspirada en el cuento "Cartas de mamá".

Maestros del cine como el italiano Michelangelo Antonioni y el francés Jean Luc Godard siguieron sus pasos, y "Blow up", la adaptación del primero de "Las babas del diablo", se alzó con la Palma de Oro en Cannes en 1966 y se convirtió en una película de culto.

"Cortázar es un escritor cuyas escrituras narrativas son profundamente cinematográficas. Para los cineastas, leerlas es querer filmarlas, desde Antonioni a Godard", aseguró Ludueña.

Para el director argentino, el lúdico universo cortazariano incluye numerosas situaciones que dan pie a interpretaciones múltiples e imágenes distintas en cada lector, del mismo modo que "la música surge de una partitura, con infinitas posibilidades".

Como ejemplo cita "Las líneas de la mano", donde una línea sale de una carta y cruza la ciudad hasta llegar a la línea de la vida de una mano, sin aclarar si esa carta es de amor o es un naipe.

Esa ambigüedad "abre un mundo de alternativas tanto a la imaginación del lector como a las imágenes del director", subrayó.

"Historias de cronopios y de famas", que se estrenará en los cines argentinos el próximo mayo, se suma a los numerosos homenajes que Argentina y Francia brindarán a Cortázar durante 2014, cuando se conmemora el centenario de su nacimiento y el trigésimo aniversario de su muerte.

Además, se organizará una muestra itinerante por el país suramericano en la que la película, premiada ya en el Festival Internacional de La Habana, será exhibida junto a las obras de todos los pintores que contribuyeron a su realización.

"Nunca dejó de pertenecer al sur, a sus circunstancias y a su idioma", destacó Ludueña sobre su célebre compatriota.

El veterano director reivindicó también que "su ideología, indisolublemente unida a la renovación cultural que produjo, no necesita actualizarse sino reconocerse".

"Cortázar es una voz fundamental para Latinoamérica", concluyó.