domingo, 31 de marzo de 2013

Tarantino, brillante y desmesurado

Se ha dicho que la vida de Tarantino se reduce a escribir historias, dirigir películas y seguir viendo cine. También se ha dicho que es un animal cinematográfico, alguna clase de bestia cinéfaga. Lo que parece incuestionable es su corazón cinéfilo y su amor filial por antiguas películas, en una especie de fetichismo nostálgico.

Con vistas a componer su historia de cine alternativo a la oficial, Tarantino ha mamado en todas las filmografías de todos los países, de todos los idiomas, de cualquier cultura.

Nacido en Knoxville, Tennessee, a punto de cumplir 50 años, se formó en el sur de Los Ángeles, en el barrio de Harbor City, entre blancos y negros, influido por las culturas populares, por las películas de artes marciales y por miles de DVD como vendedor en un videoclub.

Tarantino representa el nexo de unión entre las películas de los 60 y el cine actual, entre el cine de autor de las filmotecas y el tipo de cine más popular que siempre ha coexistido con aquél.

No es difícil imaginarlo echado en un sofá, rodeado de cervezas y patatas fritas, absorto en la pantalla, con las carátulas de los DVD tiradas por el suelo. En más de una ocasión, el cineasta español Álex de la Iglesia ha contado cómo fue cenar con Tarantino en una de las visitas del estadounidense a España: “Se trata de un señor que sólo habla de cine y me preguntó si sabía cómo conseguir una película del 73 que se rodó en Sevilla, que no la encontraba en ningún lado”.

La televisión, las series B y Z, la literatura negra popular, los cómics. Lo puramente emocional, lo visual, también lo visceral. Eso le interesa a Tarantino.

Hitos

Destaquemos los momentos principales de su filmografía: su primer gran éxito fue Reservoir Dogs (1991), un film pensado para rodarse en 16 milímetros, pero que de pronto tuvo el apoyo del actor Harvey Keitel y se convirtió en una película de 1,2 millones de dólares de presupuesto. Destaca el plantel de actores que participaron en ella: el propio Keitel, Michael Madsen, Steve Buscemi, Tim Roth, Lawrence Tierney, Chris Penn y el mismo Tarantino.

Hay quien dice que se trata de su mejor película: triunfó en el Festival de Sundance y recaudó 2,8 millones de dólares. El guión era modélico. En ella se exhibían las claves que han convertido en único a su cine: ritmo, ingenio, atrevimiento, desmesura, magníficos diálogos, desvergüenza y mucha sangre a cámara lenta.

Sin olvidar los guiones que hizo y vendió con anterioridad -los de True Romance, 1992, dirigida por Tony Scott; y Natural Born Killers, 1993, de Oliver Stone.

Pulp fiction (1994) hizo llegar a Tarantino al gran público con el beneplácito de la crítica, ya que con ella obtuvo la Palma de Oro del Festival de Cannes.

Allí estaban John Travolta y Uma Thurman, arropados por un gran elenco en el que se hallaban Bruce Willis, Samuel L. Jackson, Rossana Arquette y Christopher Walken. Allí bailaban los dos de manera divertida, ensimismada y convulsa, en aquella cafetería cuajada de referencias cinéfilas. Y allí había interminables monólogos sobre lo humano y lo divino, y pistoleros a sueldo, y sangre de tomate por todas partes, y seres desvalidos, y amor a prueba de fuego.

Además, con ella se ganó la etiqueta de violento y un sinfín de detractores, algo que le ha acompañado el resto de su carrera. Porque en Tarantino hay dos tipos de violencia: una de cómic, juguetona, de una gran fuerza visual. Y otra, seria, perturbadora, brutal. “Esta última es de una naturaleza diferente y no deja moralmente indiferente a nadie”, ha dicho Tarantino sobre ella.

Sus siguientes películas fueron Jackie Brown (1997), basada en una novela del gran Elmore Leonard, una especie de homenaje a un movimiento cinematográfico que tuvo lugar en Estados Unidos a principios de los 70, un “boom” de cine negro con bandas sonoras de conocidos artistas, el “blaxploitation”, con una bellísima Pam Grier recuperada.

Las artes marciales chinas, las películas de género japonesas denominadas “jidaigeki” y los “spaghetti westerns” confluyeron más tarde en Kill Bill Vol. 1 y Kill Bill Vol. 2, una historia de venganza radical en la que su manera de hacer cine se va estilizando.

Las dos últimas

Con Inglourious Basterds (2009), un filme bélico ambientado en la II Guerra Mundial, describe las peripecias de un grupo de infiltrados en la ocupación de los nazis en Francia que quiere acabar con el régimen dictatorial de Hitler.

El guión de esta película lo escribió y reescribió durante diez años y parece que ni el mismo Tarantino se sintió a gusto con el resultado final. De ella cabe destacar la portentosa presencia de Christoph Waltz, que también brilla en su siguiente film, Django Unchained (2011).

En ella revisa y resucita por enésima vez un género, el western, y no sale malparado de la prueba. El hilo conductor del relato es la historia de la venganza, otra vez, de un esclavo liberado contra su antiguo amo, en el profundo sur de Estados Unidos.

Con ella elige los elementos que le han hecho famoso: el uso de la conversación, la elección de los temas musicales, la exaltación de emociones, el melodrama, el homenaje a los subgéneros cinematográficos, las historias dilatadas en el tiempo. El entretenimiento, en suma, desenfadado. El cine que le gusta ver al espectador Tarantino.

Conductor de sentimientos

En enero de 2010, en declaraciones al diario británico Evening Standard, advirtió de que, cuando dirige una película, siente que está conduciendo los sentimientos de los espectadores porque puede decidir cuándo hacerles reír y cuándo hacerles sentir horrorizados.

Para él es necesario que se muestre sangre en la gran pantalla, porque “cuando pegan un tiro en el estómago a un tipo sangra como un cerdo, y es eso lo que quiero ver, no una pequeña mancha roja en mitad de la tripa”.

El actor, guionista y, sobre todo, director de cine Quentin Tarantino cumple ahora 50 años y ya han pasado 20 desde el estreno de Reservoir Dogs. Seguro que su vida ha cambiado, pero también es seguro que su manera apasionada de entender el cine no lo ha hecho. “Los 60 serán mi tope -ha subrayado-. No quiero hacer películas geriátricas”. (EFE Reportajes)

The Paperboy

En 2009, Lee Daniels fue encumbrado por la crítica estadounidense, en mi opinión sin demasiados argumentos sólidos, a causa del éxito de Precious. El filme obtuvo el Oscar al mejor guión adaptado y Mo’Nique que interpretó a Clareece Precious Jones se alzó con el Oscar a la mejor actriz de reparto.

Con tal aluvión de críticas positivas, Lee Daniels se lanzó a la adaptación de la célebre novela de Peter Dexter, The Paperboy (El chico del periódico), que fue largamente perseguida por Pedro Almodóvar.

En The Paperboy, Lee Daniels continúa con su ambición de fundir lo alto y lo bajo, la crítica social con lo pop y lo kitsch.

El filme se centra en la búsqueda de un periodista (Matthew McConaughey), que regresa a su pueblo natal en las profundidades de Florida para investigar el caso de un hombre (John Cusack) condenado a muerte, acusado de haber asesinado a un sheriff. La justicia carece de pruebas definitorias, y el periodista trata de derrumbar la sentencia que considera injusta con la ayuda de su hermano (Zac Efron) y una mujer (Nicole Kidman) que se ha enamorado del condenado a través de correspondencia, sin llegar a verlo.

El mayor problema de The Paperboy es que quiere ser tres géneros simultáneamente, y no termina por definirse ni por encontrar su forma.

En primer lugar, The Paperboy es una comedia erótica, centrada en la relación irreal entre el joven Paperboy (Zac Efron) y la madura seductora, Nicole Kidman, en un papel que lleva al extremo un erotismo trasnochado y desmesurado, una hipérbole que sólo las artes pueden construir. Es, en este aspecto, donde Daniels logra sin duda sus mejores resultados, pues pretende imitar a las obras de sexploitation de los años 60 y 70, fundadas en una estética descuidada y centrada más en el detalle que en el conjunto.

Así, el relato erótico está construido mediante la partición de la pantalla en fragmentos, por sobreimpresiones oníricas y por una música constante que crea un tono irónico e irreal.

Aunque a veces molesta ver a Lee Daniels pretendiendo ser Quentin Tarantino sin alcanzar ese talento en su fusión de referencias.

En segundo lugar, The Paperboy es un intento de drama sureño con reivindicación racial y con una familia desestructurada con el paso del tiempo, a lo Faulkner. La crítica de The Paperboy al racismo queda confinada a un personaje secundario, la criada de la familia, que siempre tiene algunas frases oportunas para señalar la igualdad pero desaparece con prontitud del encuadre, erigiéndose casi en el estereotipo de criada negra ingeniosa.

Y, por último, The Paperboy es una película de detectives en busca del verdadero asesino del sheriff. Quiere ser el Zodiac de los pantanos de Florida, el relato de la búsqueda imposible del asesino sustituyendo San Francisco por juncos, helechos y aguas estancadas, pero entonces el guión se desvía hacia otros intereses, la estructura de búsqueda se quiebra, y a nadie le importa encontrar o no al asesino: Lee Daniels quería hablar de una realidad esquiva, imposible de conocer, como puede atisbarse en el recurso a la frondosa vegetación donde tienen lugar algunas escenas clave del filme, pero todo se hunde con las aguas de Florida.

Por todo ello, The Paperboy es una obra fallida que nos lleva a la nada absoluta en su discurso. Pero aún así, es un filme con el que se puede disfrutar.

Y en especial, se disfruta con la decadencia de los personajes y la estética, con ese aire trasnochado que era buscado por el director, pero que se sobredimensiona ante la caducidad de la realización. Y es que Lee Daniels le imprime una energía subterránea que, en algunos detalles, hacen atractivo el visionado de The Paperboy (Extracine).


Videoteca Barbarroja lleva 13 años de apoyo al nuevo cine latinoamericano

RTE La iniciativa tiene por objetivo difundir obras audiovisuales nacionales y continentales.

Redacción central / Cambio

El 24 de marzo de 2000, la vidioteca Barbarroja inició las proyecciones itinerantes de películas y documentales.

La dinámica de la institución es ofrecer charlas y debates en la exhibición de las cintas.

Su trayectoria en estos 13 años le permitió participar en festivales nacionales e internacionales.

El panorama nacional no cuenta con muchos espacios consolidados de difusión de cine no comercial.

Llevar adelante este tipo de empresas implica alejarse de un conglomerado mediático audiovisual dominado por productoras, distribuidoras y la cultura popular, y hacer una fuerte apuesta por producciones bolivianas y latinoamericanas.

Barbarroja hizo esta apuesta, el 24 de marzo de 2000, como resultado de compromisos personales y colectivos de un grupo de personas con la meta de materializar sueños mediante la poderosa herramienta del cine.

La videoteca Barbarroja inició sus actividades de la misma forma que lo hicieran los realizadores del Nuevo Cine Latinoamericano, con muchas ideas pero pocos recursos. Un reproductor y algunos videos fueron suficientes para empezar en 2000, gracias a una donación realizada por Jorge Sanjinés, Santiago Feliú y Beatriz Palacios.

La primera actividad de la videoteca se realizó en Sucre, y fue un ciclo denominado ‘Clásicos del Cine Cubano’, dando pie a años de exhibiciones de cine itinerantes en La Paz, Potosí, El Alto, Cochabamba y Santa Cruz, en municipios, comunidades campesinas, centros mineros, barrios populares, escuelas, colegios y universidades.

En cada una de sus presentaciones y paradas realizó la misma dinámica, la de dar breves charlas que muestran la obra del director, la sinopsis y la ficha técnica de cada película antes de la proyección, y al final un debate. De esta forma, cada presentación es una nueva forma de acercarnos al público en general, y a los jóvenes en particular, a directores como el boliviano Jorge Sanjinés, el chileno Miguel Littín, el argentino Fernando Solanas, a su compatriota José Campanella, entre otros exponentes el audiovisual latinoamericano.

La consolidación de la videoteca y su constante labor le permitió participar en eventos como el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano en La Habana, Festival Internacional de Cine en Guadalajara, entre otros.

Al cumplir 13 años de trayectoria, la videoteca posee archivos digitalizados de más de mil títulos de filmes, así como afiches, fotos, fichas técnicas, libros y revistas referidas al Nuevo Cine Latinoamericano, además de una sección especial con una amplia video-biografía de Ernesto Che Guevara.

Bajo la dirección ejecutiva de Jorge Barrón Díaz, Barbarroja continuará en esta nueva etapa, realizando sus actividades de difusión de producciones audiovisuales nacionales y latinoamericanas de forma gratuita, en municipios y comunidades de los nueve departamentos de Bolivia.


Misión

La videoteca Barbarroja es un espacio de reflexión y discusión, dedicado a la promoción y difusión del nuevo cine latinoamericano en Bolivia, mediante exhibiciones itinerantes gratuitas de películas y documentales.


Un año de homenaje a Jorge Sanjinés

En este décimo tercer año de actividades, Barbarroja rinde homenaje al cineasta boliviano Jorge Sanjinés.

La videoteca difundirá cuatro películas fundamentales de la obra de Sanjinés (Yawar Mallku, El enemigo principal, El coraje del pueblo e Insurgentes) en todo el país y a lo largo del año. Paralelamente, Barbarroja prepara una reedición del libro Teoría y práctica de un cine junto al pueblo, de Sanjinés y el Grupo Ukamau.

La institución se acoplará a las actividades organizadas por el Comité Impulsor de Silvio en Bolivia, con motivo de la llegada al país del cantautor cubano Silvio Rodríguez, el 15 de abril.

Asimismo, con el apoyo del Ministerio de Culturas y Turismo, Barbarroja, proyectará cine boliviano y latinoamericano en todas las localidades fronterizas del país a lo largo de este año.

sábado, 30 de marzo de 2013

Repaso al cine religioso que marca el siglo XXI

Aunque Ridley Scott y Ang Lee preparan dos adaptaciones sobre la vida de Moisés, en el siglo del consumismo y el frenesí tecnológico, el cine ha buscado respuestas menos bíblicas a la religión a través de filmes tan importantes como The tree of life, The master, Of Gods and men o Life of Pi.

Como en los tiempos de Cecil B. De Mille, pero con Christian Bale en vez de Charlton Heston, Ridley Scott recreará en Exodus el vellocino de oro, las tablas de la ley o la separación de las aguas del mar Rojo, aunque menos se sabe de Gods and kings, proyecto de Steven Spielberg que quizá asuma ahora Lee, tras ponerse muy politeísta en Life of Pi.

Pero esta revisión bíblica rompe con una tendencia del cine religioso del siglo XXI, que ha explorado la espiritualidad desde una manera más poliédrica en filmes difíciles de programar en las televisiones en Semana Santa junto con Quo Vadis o The greatest story ever told.

¿Pero qué es The tree of life sino una revisión del libro de Job? ¿Acaso no es Life of Pi una alternativa exótica al mismo planteamiento que hacía Carl Theodor Dreyer en Ordet?

El Óscar al mejor director de Ang Lee reconocía, además de una explosión visual ‘milagrosa’, su habilidad de convertir la convivencia de un tigre y un joven indio en medio del océano en una reflexión sobre Dios desde una perspectiva humanista y un retrato de la creencia de cualquier religión como forma de dinamitar las barreras de la lógica.
Se basaba, no en vano, en un libro del canadiense Yann Martel del que el mismísimo presidente de Estados Unidos, Barack Obama, dijo que era "una elegante prueba de Dios".

En la otra cara de la moneda, otra de las películas del año, The master, de Paul Thomas Anderson, se encargaba de reflejar el nacimiento de lo que muchos llaman secta, pero el director llamaba “nueva religión” (la Cienciología). Y también exploraba esa religiosidad desde un punto de vista del desamparo y la debilidad, casi como un parche de vulgaridad para curar la desorientación emotiva.

"No tengo una bola de cristal ni hablo de una crisis espiritual inminente. Creo que la crisis espiritual nació a la vez que la espiritualidad", dijo Anderson al presentar la película en Venecia.

Un año antes, The tree of life también había sido nominada a la mejor película y al mejor director, además de haber ganado la Palma de Oro en Cannes, por el acercamiento de Terrence Malick a la teodicea y al justo reparto de los dones, entendiendo la religión como una manera de aplacar la desesperación ante una naturaleza injusta.

En 2010, el festival de los festivales también había dado su máximo premio a una cinta de contenido religioso mucho más exótico, pero religioso al fin y al cabo: la cinta de Apichatpong Weerasethakul, Uncle boonmee who can recall his past lives.

El director tailandés, tótem del cine minoritario, tejía un relato animista, en el que el hombre se funde y conversa con la naturaleza, en el que el eje temporal de presente, pasado y futuro confluye en un mismo momento y, sobre todo, las almas transitan más allá de la vida y la muerte.

Religiosidad y espiritualidad
En esa misma edición, el Gran Premio del Jurado era para Of Gods and men, de Xavier Beauvouis. En tiempos de descrédito de la Iglesia, el filme se abría paso de manera luminosa al retratar la historia real de secuestro y matanza de siete monjes que vivían en el Monasterio de Tibhirine (Argelia).

El compromiso, la integridad, la discreción y la valentía de esta comunidad religiosa se erigían como ejemplo moral en tiempos de ciudadanía cabizbaja y autoindulgente, de insurrecciones con boca pequeña y cinismo en los valores.

El coreano Kim Ki-Duk, por su parte, revisaba muchos conceptos del catolicismo: desde el martirio de La samaritana, la virgen del siglo XXI en Amén, o la Pietá con la que se hizo en 2012 con el León de Oro en Venecia, en la misma edición que The master y la cinta sobre el fanatismo religioso, Paradise: faith, del austriaco Ulrich Seidl.

"La religión no encontró al hombre, sino que el hombre fue el que encontró la religión cuando recibió un daño que no esperaba", decía Ki-Duk.

Otra producción fílmica clave para entender la complejidad de la fe en el siglo XXI era Lourdes, de la belga Jessica Hausner, que por un lado denunciaba la mercantilización de los milagros pero, por otro, retrataba cómo la posibilidad de la fe deslumbra a una escéptica para, finalmente, dejarla huérfana en su vuelta a la no creencia.

viernes, 29 de marzo de 2013

Filme brasileño El payaso se estrena en salas paceñas

Ayer se estrenó con bastante expectativa el filme brasileño El Payaso en la Cinemateca, el Multicine y el MegaCenter. La cinta cuenta la historia de un payaso que pierde la gracia y parte en una nueva aventura detrás de un sueño, pero que finalmente se da cuenta de que uno “deber hacer lo que sabe hacer”.
Fue la película seleccionada por Brasil para postular al Oscar a Mejor Película de habla no inglesa y quedó entre las finalistas para optar a la selección oficial.
Bajo la dirección de Selton Mello, el filme se presenta en el país gracias a Yaneramai.

La huerta, nuevo filme de humor y suspenso

La película se estrenará el 9 de mayo en el Multicine, MegaCenter y Cinemateca de La Paz.

Un nuevo filme tarijeño producido por Toborochi Films se apresta a mostrarse en las salas de cine nacionales. La Huerta tiene prevista como fecha de estreno el 9 de mayo y en La Paz se exhibirá en tres lugares: la Cinemateca, el Multicine y el MegaCenter.
Su director, Rodrigo Ayala Bluske, inició recientemente una gira de promoción de la cinta de humor y suspenso por el país. Actualmente se encuentra en Santa Cruz y la próxima semana estará en la sede del Gobierno.
Detalles. La Huerta es la tercera parte de una trilogía de comedias sobre Tarija realizadas por Rodrigo Ayala, quien presentó anteriormente Día de boda e Historias de vino, singani y alcoba. De acuerdo con el realizador, la producción trata de “la idiosincrasia de la clase media tradicional”, que tiene como característica principal el humor negro.
La película cuenta la historia de una familia que se ve envuelta en un asesinato y a partir de ello se dan varias situaciones divertidas. Humor y suspenso, fiel al estilo de Ayala, son los ingredientes para atrapar al espectador.
El filme contó con la participación de más 40 actores, de los cuales nueve son los principales, además de 100 extras. El rodaje de la cinta se inició en 2011 y tuvo como locación la zona de Obrajes, cercana a la capital chapaca, donde se sitúa la Casa Arce-Aramayo, convertida en el ambiente principal.
Ayala dice que las expectativas son amplias, pues con sus anteriores filmes logró un buen resultado. “El proyecto es ganar la pantalla nacional”, afirma, y añade que se busca, principalmente, repetir la taquilla de las otras cintas.

3 años aproximadamente duró el rodaje de la nueva cinta nacional La Huerta.

‘Juegos del hambre’ con otra chica de moda

Rebel Wilson se ha colocado en el punto de mira de la industria tras ser alabada por la crítica por su genial interpretación en la comedia musical Dando la nota. Y según ha confesado en una entrevista para el portal BuzzFeed, en estos momentos se encuentra en negociaciones para su posible incorporación en la franquicia de Los juegos del hambre.

Wilson, que ya había participado en filmes como Qué esperar cuando estás esperando o La boda de mi mejor amiga, parece que va a aprovechar el impulso de su última película para introducirse en una de las sagas con más éxito del momento. La noticia la dio ella misma cuando le preguntaron su opinión sobre la oscarizada Jennifer Lawrence, y Rebel además de mostrar su admiración por la actriz, confesó que estaba en negociaciones con los productores de Los juegos del hambre para formar parte del reparto de la saga.

De momento no se ha dicho nada acerca de qué papel podría interpretar. Lo que sí sabemos es que, en caso de entrar en la franquicia, se incorporaría a las dos últimas películas que se inspiran en Los juegos del hambre: Sinsajo, el tercer libro de la trilogía escrita por Suzanne Collins.

La segunda entrega de la saga, Los juegos del hambre: En llamas, promete más acción que nunca, y en ella veremos a Katniss (Lawrence) compitiendo en ‘El Vasallaje’, una batalla que cambiará Panem para siempre. La película llegará a nuestras carteleras el 23 de noviembre de 2013.

El cine en proyección: ‘Los Croods’ Todo (lo prehistórico) vuelve a ser nuevo


Las excursiones previas a la producción al Parque Nacional de Zion, en Utah (EE.UU.), inspiraron la creación de ambientes muy propios de nuestro planeta pero que, al mismo tiempo, resultan intrigantemente inesperados.

“Los Croods nos resulta próxima porque tiene lugar en un mundo no diferente del que habitamos ahora”, afirma el director Sanders. “Pero al mismo tiempo, la película nos transporta en un viaje vibrante y a menudo pasmoso.¡Ofrece tanto para que los ojos lo procesen! Y esa es la razón por la que la experiencia de ver Los Croods puede repetirse una y otra vez; cada vez descubrimos algo nuevo”.

ZOOLÓGICO DE ‘LOS CROODS’

El universo de Los Croods incluye un zoológico de criaturas que plantean retos adicionales a la familia durante su viaje. Cuando conocemos a los Croods, apenas van arreglándoselas, pero al menos comprenden sus actuales desafíos a vida o muerte. En su viaje a esta nueva tierra, casi nada les resulta familiar, incluidas las extrañas bestias, algunas de las cuales suponen un peligro inesperado, aunque a veces cómico:

• El Oso Búho, una mezcla de oso y búho, duerme durante el día y merodea por el cañón por la noche, aterrorizando a Grug y a su familia durante su épico viaje.

• El Guacanívoro tiene el cuerpo de un tigre pequeño, una cabeza descomunal y los colores de un guacamayo. Es una imponente criatura que descuella sobre los Croods.

• Como su nombre sugiere, los Monopuños sacuden unos golpes de abrigo. Son divertidos y encantadores hasta que se sienten amenazados, momento en el que se convierten, efectivamente, en grandes máquinas de sacudir.

• Inesperada mezcla de cánido y cocodrilo, el amenazador aspecto y los dientes de navaja barbera del Crococán ocultan una conducta amistosa. Tonkle convierte en su mascota y le llama Douglas.

• Los Pirañaloros son un cruce entre un periquito de cuerpo entero y una piraña de finos dientes. Estos feroces depredadores que atacan en bandadas, devoran rápidamente a cualquier criatura que les salga al camino.

• En parte coyote y en parte lagarto, el Layote disfruta tomando el sol fuera de la caverna de los Croods, pero también se asusta con facilidad.

• El diminuto elefante conocido como el Ratofante tiene las orejas y la cola de un ratón y es una de las primeras criaturas que los Croods encuentran en su viaje. El Ratofante parece inofensivo, pero sólo hay que esperar a uno de sus ensordecedores berridos.

• El Ramu es un intrigante híbrido de carnero y emú, y posee la fuerza y el empuje de un jugador de rugby.

• Unidos por sus colas ágiles y peligrosas, los Tropejerbosson roedores que nunca van solos, ya sea como depredadores o como presas.

SOBRE LA EVOLUCIÓN

Cada familia tiene una genealogía, al igual que cada proyecto cinematográfico. El “árbol genealógico” de Los Croods se remonta al año 2005 y a un relato original que DeMicco escribió con el legendario actor, escritor y emblema de Monty Python, John Cleese. Ambos comparten el mérito del relato con Sanders, que se incorporó al proyecto unos años después.A lo largo de los años, Los Croods evolucionó desde una comedia de amigos, en la que aparecían los personajes de Grug y Chico, hasta un cuento de tema familiar con gran cantidad de personajes destacados.

A lo largo de los ocho años del periodo de desarrollo, producción y postproducción, el hogar de Los Croods ha estado en DreamWorks Animation, que ha cuidado el proyecto desde su concepción hasta que vio la luz en salas de todo el mundo. La “primera familia de DreamWorks” ofrece al público un viaje inolvidable. “Los espectadores van a salir de viaje con los Croods y se van a quedar alucinados de lo bello e imaginativo que es. Sobre todo, van a sentir cariño por esta familia y sus aventuras, porque todas las risas van acompañadas de una emoción y unos sentimientos genuinos”, dice Sanders.

“Blancanieves’ de Pablo Berger

LA TRAMA

Blancanieves es Carmen (Macarena García), una bella joven con una infancia atormentada por su terrible madrastra, Encarna (Maribel Verdú). Huyendo de su pasado, Carmen, emprenderá un apasionante viaje acompañada por sus nuevos amigos: una troupe de Enanos Toreros. Con un final inesperado y sorpren-dente, Blancanieves nos descubrirá que “la vida no es como en los cuentos”, sino como en un melodrama gótico.

LA PRODUCCIÓN

Hace ocho años que Pablo Berger comenzó a gestar el proyecto de su muy personal Blancanieves, una historia basada en el cuento de los hermanos Grimm, rodada en blanco y negro y sin sonido, inspirada en los grandes clásicos mudos de los años 20, el propio Berger cita como referencias a grandes maestros como Abel Gance, Carl T. Dreyer o Friedrich W. Murnau

La película Blancanieves se comenzó a rodar finalmente el 15 de agosto del 2011, tras algún que otro intento anterior, y se terminó siete semanas después. Más de un año, llega por fin el resultado de tan arduo trabajo con Maribel Verdú, Macarena García, Daniel Giménez Cacho y Ángela Molina como protagonistas.

“En mi adaptación trasladamos los personajes a Sevilla en los años 20. Es un melodrama gótico, con grandes dosis de fantástico, aventura, terror y con una gruesa capa de humor negro”, comenta el director.

El director bilbaíno Pablo Berger cuenta con una exigua pero valiosa filmografía. En 1988 dirigió el cortometraje Mamá (1988) con el que consiguió numerosos premios, entre ellos el de mejor película en el prestigioso Festival de Alcalá de Henares. Precisamente este corto da nombre a la productora de Berger: Mamá Films. Dos años más tarde obtuvo una beca de la Diputación Foral de Bizkaia que le permitió estudiar dirección de cine en la Tisch School of the Arts de Nueva York. Allí dirigió su segundo cortometraje Truth and Beauty (1994), con el que consiguió una nominación a los premios Emmy de las escuelas de Cine y Televisión. Durante algunos años se dedicó a la enseñanza como profesor de dirección y a finales de los noventa regresó a España. Pero no fue hasta 2003 que logró estrenar su ópera prima Torremolinos 73 (2003)una original comedia costumbrista que consiguió numerosos premios en distintos festivales (Málaga, Toulouse, Palm Springs y 4 nominaciones a los Goya) y obtuvo cierto éxito comercial.

“Yo he hecho una película a favor del público, nada experimental, aunque con muchas lecturas y múltiples guiños a Abel Gance o Carl Dreyer. Tiene terror, humor negro, mezcla de géneros. Solo hay una diferencia: en vez de diálogos, oímos música”.

La música precisamente tiene una importancia primordial en esta película. Inicialmente el compositor previsto para encargarse de la banda sonora iba a ser el gran Alberto Iglesias (10 Goyas, 3 nominaciones a los Premios Oscar), pero sin duda los diversos retrasos en la filmación del filme complicaron su participación. La música corre finalmente a cargo de Alfonso Vilallonga que ha hecho un gran trabajo. La Blancanieves de Pablo Berger cuenta a parte de la sensibilidad de Alfonso Vilallonga, compositor habitual de Isabel Coixet, con un equipo técnico magnífico.

‘Trance’ lo nuevo de Danny Boyle

La próxima semana llegará a las salas de nuestro medio, el nuevo filme del oscarizado director Danny Boyle: Trance, película de suspenso protagonizada por Rosario Dawson, James McAvoy y Vincent Cassel.

ARGUMENTO

La cinta cuenta la historia de Simon, un subastador de arte que se alía con un grupo de ladrones profesionales para recuperar una pintura perdida.

Sin embargo, Simon traiciona a la banda, y acaba recibiendo una paliza por ello. Cuando se despierta sufre amnesia y ya no recuerda dónde escondió el cuadro. Para poder recuperar la memoria, Simon acudirá a una hipnoterapeuta, quien lo inducirá en un viaje al inconsciente muy peligroso, en el que la línea entre la sugestión hipnótica y la realidad estará totalmente difuminada.

Película brasileña: El Payaso


LA HISTORIA

En los años setenta, un circo ambulante circula por las carreteras del interior del estado de Minas Gerais. Benjamín es un payaso, hijo del dueño del circo. Insatisfecho y dubitativo acerca de su propia habilidad para hacer reír, decide emprender un nuevo camino para conocer el mundo y hallarse a sí mismo.

SOBRE EL FILME

Selton Mello. Es un talentoso y reconocido actor de la televisión brasileña, y ha actuado en decenas de películas. En 2008 dirigió su primer largometraje, Feliz Natal. El payaso es su segunda película y ha sido un éxito en Brasil, con un millón y medio de entradas vendidas.

El Payaso (O Palhaço), escrita y dirigida por Selton Mello la describe como “una road-movie en la que lo más importante no ocurre en el viaje o el paisaje, sino dentro de los personajes”.

Es el segundo largometraje de Selton Mello, artista muy querido y afamado en Brasil tras debutar como actor con sólo siete años y mantener una intensa carrera como intérprete en teatro, cine y televisión. Su debut como cineasta comenzó hace cinco años con el cortometraje Quando O Tempo Cair, al que le siguió su primer largometraje, Feliz Natal (2008).

Con El Payaso, Selton Mello ha logrado conquistar tanto al público, como al sector cinematográfico de su país, ya que fue la gran triunfadora del Cinema Brazil Grand Prize 2012, los “Goya brasileños”, con doce galardones, entre ellos los correspondientes a mejor película, mejor guión original (Marcello Vindicato y Selton Mello), mejor director y mejor actor protagonista (ambos para Selton Mello). Además, obtuvo las estatuillas a la mejor dirección de arte (Claudio Amaral Peixoto), fotografía (Adrian Teijido), diseño de vestuario (Kika Lopes), montaje (Selton Mello, Marilia Moraes), maquillaje (Marlene Moura y Rubens Liborio), música original (Plínio Profeta) y mejor actor secundario (Paulo José), así como el Premio del Público.

Con más de treinta premios y nominaciones desde que se estrenó en Brasil en octubre de 2011, El Payaso fue la película que Brasil seleccionó para aspirar al Oscar 2013 como Mejor Película de Habla no Inglesa.

Producida por Vania Catani (Bananeira Films), está protagonizada por Selton Mello y el veterano y prestigioso actor brasileño, Paulo José. Cuenta, además, con un amplio elenco, integrado por Larissa Manoela, Teuda Bara, Álamo Facó, Cadu Fávero, Fiselle Motta, Fabiana Karla, junto a consagrados actores como Jorge Loredo, Jackson Antunes y Moacyr Franco.

Christian Bale ya no se parece en nada a ‘Batman’

Sí. Éste a quien en la imagen es Christian Bale, aunque no lo parezca. El que fuera considerado uno de los mejores actores en interpretar al hombre-murciélago, parece haber dejado de lado su faceta de súper héroe para meterse de lleno en la piel de un personaje que bien podría pasar por familiar de Torrente.

El actor, asiduo a cambios bruscos de físico lo ha vuelto a hacer. Lejos quedaron los músculos y ese cuerpo escultural que lucía en El Caballero de la Noche. Ahora podemos verle pasadito de peso y con menos pelo del habitual para la nueva película del director David O.Russell. Tras su éxito con El lado bueno de las cosas, la fama de este director ha subido como la espuma y ya tiene dos nuevos proyectos en cartera.

Aún sin título conocido, el nuevo proyecto de O.Russell cuenta con Bale y Amy Adams como protagonistas de una cinta cuyo rodaje se está llevando a cabo estos días en Massachusetts.

El actor de 39 años se ha echado otros 20 kilos encima para esta nueva caracterización que se suma a una larga lista de cambios radicales. Ambientada en la década de los setenta, la película se basa en la historia real de un estafador financiero (Bale) que junto a su amante y socia (Adams) consiguen timar a varios hombres de negocios, hasta que tienen que asociarse con un agente federal (Bradley Cooper) para atrapar a otros mafiosos y políticos del momento. Una historia que viene como anillo al dedo con los tiempos que corren.

Esta no es la primera vez que hemos podido ver a Christian Bale meterse de lleno en su papel. Recordemos que su papel más sonado, el de Trevor Reznik en El Maquinista en 2004 nos dejó ver a un actor literalmente en los huesos, además de una interpretación impecable. Para ello, perdió peso a base de una dieta de café y manzanas. En apenas seis semanas, recuperó su talla y figura habituales para convertirse en Batman tras atiborrarse de pizza y helado.

“Lo conseguí porque me encan-taba atiborrarme. Ignoré el consejo de hacerlo poco a poco porque mi estómago había encogido y debería haber empezado con sopas”, comentaba el actor acerca de su dieta. “Comía sólo pizza y helado durante cinco veces al día. Mi estómago se hizo más grande rápidamente. Estuve enfermo durante ese tiempo, pero me gustó. No me importaba en absoluto”.

Puede que precisamente por su fuerza de voluntad, Christian Bale se esté convirtiendo en uno de los actores más solicitados de Hollywood.

Jack, el caza gigantes


SINOPSIS

La llama de una antigua guerra vuelve a encenderse cuando, sin darse cuenta, un joven granjero abre una puerta entre nuestro mundo y el de la temible raza de los gigantes.

Los gigantes, liberados en la Tierra por primera vez en siglos y tras milenios de destierro, comienzan una lucha con el pretexto de recuperar la tierra que una vez perdieron, provocando que el joven Jack (Nicholas Hoult) se vea envuelto en la batalla de su vida para conseguir pararlos. El muchacho se enfrentará cara a cara con los invencibles guerreros que pensaba que solo existían en las leyendas para salvar al reino y a sus gentes, y conseguir el amor de una valiente princesa... al hacerlo, él mismo terminará convirtiéndose en leyenda.

NOTAS DE PRODUCCIÓN

Al protagonista le da vida un joven todavía poco conocido, Nicholas Hoult, un chico humilde que se convertirá en héroe a la fuerza cuando los gigantes regresan a la Tierra tras milenios de destierro. Una batalla en la que contará con la ayuda de un guardián, interpretado por McGregor, y los obstáculos que le ponga el villano, al que da vida Stanley Tucci, mientras además salva a la princesa.

“La veía como una historia muy simple y muy lineal: Jack se va arriba, roba algo y corta la planta de las habichuelas. Pero me interesaba la iconografía visual, con la planta como puente entre dos mundos, el mundo de gigantes, evolucionando hacia una historia de amor épico-romántico, una fábula clásica más grande”, explica el director Bryan Singer.

Como es moda en Hollywood en películas como Blancanieves y la leyenda del cazador, tras el mensaje de honor y moral se puede apreciar el reverso oscuro de ambición, traición, batallas y celos que requiere un reparto a la altura de las sutilezas, con Stanley Tucci como el villano o Ewan McGregor como el guardián.

“Habitualmente, muchos cuentos de hadas tienen en su núcleo moral una parte muy oscura. Los cuentos de los hermanos Grimm son notoriamente siniestros, lo que pasa es que cuando se leen a los niños se adapta a esa concepción de la poética infantil”, asegura el director Singer.

SOBRE EL ELENCO

Sin embargo, los protagonistas son, como le gusta a Singer, prácticamente desconocidos: Jack, el plebeyo que descubre las habichuelas mágicas, está interpretado por Nicholas Hoult, que había trabajado con Tom Ford en Un hombre soltero, y Eleanor Tomlinson, la princesa con ínfulas de aventurera, fue vista brevemente en Alicia en el país de las maravillas.

En Hoult, encontró “a alguien carismático y un gran actor, con una vulnerabilidad y un sentido del humor que eran muy importantes para la evolución del personaje”, describe.

Efectivamente, acostumbrado a tratar con héroes con superpoderes en la saga de Marvel, Singer opta por humaniza a su nuevo protagonista, que se llena de inseguridades y de la inmadurez de la edad.

Los Croods, cine de familia

Estar en la sala de cine y escuchar las risas de padres y niños suponen la mejor recomendación para esta animación digital. Una película de familia y para la familia. Niños y grandes disfrutan por igual de esta propuesta de Dreamworks. Los Croods narra la historia de una familia cavernícola que debe dejar su mundo y buscar la seguridad en un nuevo horizonte.

La disputa entre el padre y la hija guían una historia cómica no exenta de emoción y sentimiento. Grug, el jefe de familia, es un hombre de buen corazón cuya misión consiste en resguardar a su familia de los peligros que les acechan. Su hija mayor, Eep, posee el espíritu arriesgado y curioso por descubrir lo nuevo. Entre medio, otros personajes de la familia aportan sus momentos jocosos y divertidos en la trama. Este conflicto familiar, entre lo conocido y lo desconocido, da pie a una trepidante aventura de acción y humor incesante.

Cinematográficamente, la historia se asemeja mucho a La era del hielo. La caracterización de los personajes, la simulación de escenarios, las situaciones de asombro frente a lo nuevo, la huida de lo conocido para buscar una esperanza en lo nuevo apelan mucho a la primera película de la saga de Manny y compañía.

Al final, Los Croods plantea una interesante reflexión sobre aspectos de la vida como el miedo y la esperanza. Pero sobre todo, la historia regala una hermosa excusa para reunir a la familia en torno a ella y conocer los roles dentro de la misma

G.I. Joe: El Contrataque

TRAMA

El filme nos presenta al equipo G.I. Joe entrando en conflicto con Zartan, Storm Shadow y Firefly, todos sirviendo al recién estrenado Comandante Cobra. Zartan (que es visto por última vez disfrazándose como el Presidente de Estados Unidos) marca a todos los agentes de G.I. Joe como traidores y se borra a la mayoría de los Joes en un ataque sorpresa, dejando solo a Duke, Roadblock, Snake Eyes, Flint y Lady Jaye. Zartan tiene ahora a todos los líderes mundiales bajo el control de Cobra, que dirije sus cabezas a la población inocente. Muy golpeados, superados en número y armados, los Joes hacen un plan desesperado para exponer la verdad y evitar que Cobra se apodere del mundo.

NOTAS DE PRODUCCIÓN

Continuación de la película de 2009 G.I. Joe, que recaudó más de 300 millones de dólares en todo el mundo, Paramount Pictures, MGM y Skydance Productions presentan, en asociación con Hasbro, una producción di Bonaventura Pictures: G.I. Joe: El Contrataque.

La película está protagonizada por D.J. Cotrona, Byung-hun Lee, Adrianne Palicki, Ray Park, Jonathan Pryce, Ray Stevenson, Channing Tatum, con Bruce Willis y Dwayne Johnson. G.I. Joe: El Contrataque está dirigida por Jon M. Chu, producida por Lorenzo di Bonaventura y Brian Goldner, y escrita por Rhett Reese & Paul Wernick, basándose en los personajes de Hasbro, G.I. Joe.

ACERCA DE LOS PERSONAJES Y EL REPARTO

Uno de los de la primera entrega que vuelve es Duke, el joven soldado típicamente norteamericano que lidera a su equipo con confianza, precisión y bastante orgullo. Duke, entregado y leal, es capaz de hacer cualquier cosa para proteger a los soldados a su cargo, y procura sacar siempre lo mejor de todos y cada uno de ellos. Retomando el papel está el actor Channing Tatum, quien le aporta calma a un personaje que atrae a un público variado.

Con Duke a la cabeza de la unidad de élite, la columna vertebral del grupo es Roadblock, su mano derecha. Roadblock es un tipo enorme que contribuye a dirigir al equipo con su experiencia, su honor y su inquebrantable entrega a su unidad y a su país. El elegido para este rol fue Dwayne Johnson.

Otro de los entrañables personajes de la saga de G.I. Joe introducidos en la saga cinematográfica es Flint, un soldado firme y decidido que tiene un pequeño punto de rebeldía. Los realizadores encontraron a su Flint en el actor novel D.J. Cotrona, que tenía la combinación perfecta de fuerza y encanto.

Otro personaje nuevo que se presenta en la película es Lady Jaye, la única mujer del pelotón y alguien que nunca retrocede, ni se deja intimidar. Una experta tiradora que también utiliza su inteligencia, Lady Jaye es una parte integral de la unidad que combate junto a sus compañeros masculinos con idéntica pasión y fuerza. La actriz Adrianne Palicki, resultó finalmente la seleccionada.

También regresa a la saga Snake Eyes, uno de los preferidos de los fans y uno de los personajes más emblemáticos de la mitología de G.I. Joe. Retomando por segunda vez el papel, el actor y experto en artes marciales Ray Park encaja de nuevo perfectamente en el papel del mortífero ninja.

Una de las principales tramas de G.I. Joe: La Venganza se centra en la relación entre Snake Eyes y su archienemigo Storm Shadow, a quien se suponía muerto al final de la primera película de G.I. Joe. La súper estrella coreana Byung-hun Lee, quien retoma su papel de Storm Shadow.

Un personaje que aparece por primera vez en el cine, pero que es muy conocido dentro del mundo de G.I. Joe, es Jinx, una mujer ninja prima de Storm Shadow. Para el papel de Jinx, los realizadores encontraron a su primera mujer ninja en la actriz Elodie Yung.

Secuela. G.I. Joe: el contrataque es la nueva entrega del director Jon Chu. El comando estadounidense llega reforzado



Bolivia se alinea con el resto del mundo para ser testigo de una nueva entrega cinematográfica de ciencia-ficción y acción. Lo mejor del armamento militar estadounidense y la sagacidad de sus hombres de batalla regresan en G.I. Joe: el contrataque, que detonará todas sus aventuras en las salas de cine locales.

En esta secuela, la unidad de fuerza, comandada por Duke y por Snake Eyes, se enfrentará a un nuevo enemigo: miembros infiltrados en el Gobierno que intentarán no dejar ni rastro de los G.I. Joes en los Ejércitos del mundo.

Pero sus archienemigos Zartan, Storm Shadow y Firefly, dirigidos por el comandante Cobra, tampoco dejarán en paz al grupo de élite, que en esta versión sumó a importantes miembros.

Zartan, haciéndose pasar por el presidente de EEUU, acusa a los ‘Joes’ de traidores y pone a todos los líderes mundiales bajo el control de Cobra. Muy golpeados y superados en número, los soldados elaboran un plan desesperado para exponer la verdad y evitar que Cobra se apodere del mundo.

El filme está recomendado para mayores de 12 años.

El elenco
En esta secuela se estrenan las estrellas Dwayne ‘The Rock’ Johnson y Bruce Willis, además de Adrianne Palicki, D. J. Cotrona, RZA y Elodie Yung.



Ficha técnica

Título. G.I. Joe: el contrataque
Género. Ciencia-ficción y acción
Reparto. D.J. Cotrona, Byung-hun Lee, Adrianne Palicki, Ray Park, Jonathan Pryce, Ray Stevenson y Channing Tatum, con Bruce Willis y Dwayne Johnson.
Público. Recomendada para mayores de 12 años

lunes, 25 de marzo de 2013

Estrenan comedia negra con Brad Pitt como sicario de la mafia

Boston. Otoño de 2008. Año de elecciones en EE.UU. y la crisis manifiesta sus primeros efectos en la economía de un barrio en el estado de Massachusetts.

Frankie (Scott McNairy), un joven ladrón recién salido de la cárcel, junto a Russell (Ben Mendelsohn), un drogadicto que se gana la vida robando perros, son reclutados por un hampón para sustraer el pozo acumulado de un juego de póquer dirigido por un mafioso llamado Markie (Ray Liotta).

Pese a lo infalible que pueda sonar el plan uno de los tres hablará más de la cuenta. Así es como aparece en escena Brad Pitt, quien interpreta a Jackie Cogan, un experimentado sicario que llegará a poner orden contratado por la mafia.

Es la historia de Mátalos suavemente, la nueva cinta del director australiano Andrew Dominik. Un thriller con tintes de humor negro que integró la Competencia Oficial del Festival de Cannes 2012 y que llega a las salas nacionales el próximo 4 de abril.

Para la revista Hollywood Reporter el filme se trata de “un jugoso, sangriento, sucio y profano drama criminal que satisface ampliamente como una pieza de género”.

Pero también es mucho más: La cinta funciona como un ácido comentario sobre los efectos del capitalismo a nivel microeconómico. Una problemática presente en el director y protagonista.

“Cuando Andrew vino con esta idea y hablamos estábamos en lo más alto del escándalo de las hipotecas, con mucha gente que perdía sus hogares y era un desastre”, aseguró Brad Pitt en Cannes el año pasado. El filme también tuvo a Pitt en un rol detrás de las cámaras: Participó con su productora Plan B Entertainment.

Estrenada en EE.UU., semanas después de las elecciones presidenciales que determinaron la reelección de Barack Obama en noviembre de 2012, Mátalos suavemente cuenta con imágenes televisivas extraídas de los discursos que cuatro años atrás llevaron por primera vez al mandatario afroamericano a presidir la Casa Blanca.

Así, a lo largo de la cinta se suceden conceptos como unidad, democracia y libertad, ideales que encuentran su contrapunto en las pesimistas reflexiones de Jackie Cogan, quien cree que el individuo sobrevive por cuenta propia. “América no es un país, es sólo un negocio”, dice en un pasaje de la película Cogan, el sicario que mata a distancia porque no soporta el lamento de sus víctimas.

Brad Pitt dijo sobre su personaje: “Creo que Jackie es un tipo simpático, pero es un mundo violento, eso no hay que negarlo, porque en realidad forma parte de nosotros mismos”.

Vidas ajenas

Basada en la novela Cogan’s Trade (1974) escrita por el norteamericano George V. Higgins, Mátalos suavemente se le vino a la cabeza a Andrew Dominik luego que mirara por televisión la cinta The Friends of Eddie Coyle (1973), otra adaptación cinematográfica del mismo autor protagonizada por Robert Mitchum.

“Lo que me atrajo del libro fue el diálogo. Se trataba de un montón de gente que tenía mucho que decir sobre sus vidas y sobre el mundo en que viven”, agregó el cineasta que ahora trabaja el guion de su cuarta cinta titulado Blonde, una adaptación libre de la voluminosa biografía ficcionada de Marilyn Monroe, escrita por Joyce Carol Oates.

Andrew Dominik cuenta con una breve, pero celebrada filmografía. Alcanzó reconocimiento con su ópera prima Chopper (2000), adaptación de la autobiografía que el legendario criminal Mark “Chopper” Read escribió en prisión.

Con su segundo largometraje, el western El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford participó en el Festival de Venecia 2007. Brad Pitt, quien encarna a Jesse James ganó la Copa Volpi al mejor actor en La Mostra.

Jack el matagigantes Mágica aventura

Una antigua guerra se reaviva cuando un joven peón, sin darse cuenta, abre una puerta entre nuestro mundo y una terrible raza de gigantes.

Sinopsis. Una guerra se desata en el planeta Tierra por primera vez en siglos. Los gigantes se esfuerzan por reclamar la tierra que una vez perdieron, obligando al joven Jack (Nicholas Hoult), a enfrentar la batalla de su vida para detenerlos.

Luchando por un reino y su pueblo, y el amor de una princesa valiente, se encuentra cara a cara con estos guerreros imparables, los cuales pensaba que solo existían en leyendas... y tendrá la oportunidad de convertirse en una leyenda.

Ficha técnica

Título original: Jack the Giant Slayer
Género: Aventura- Drama – Fantasía
Dirección: Bryan Singer
Guión: Darren Lemke y Christopher McQuarrie
Reparto: Nicholas Hoult, Stanley Tucci , Ewan McGregor, Warwick Davis, Bill Nighy

Detalles de producción

• Los cineastas experimentaron con varias diferencias de altura entre los gigantes y los humanos antes de elegir la proporción de cuatro a uno. En promedio los gigantes miden 7,6 metros.

• El tallo es un símbolo de la película y a la vez uno de los escenarios. Fue compuesto de madera contrachapada, gomaespuma, hule y efectos visuales.

• Se produjeron en total cerca de 2.000 trajes. El vestuario estuvo a cargo de la diseñadora Joanna Johnston.

Da por hecho su regreso a “Star Wars” HARRISON FORD

El septuagenario actor Harrison Ford ha confirmado que su regreso a la saga “Star Wars” es más que probable aunque no está cerrado aún, según declaró a un medio local de Chicago en un homenaje que le rindió esta semana la revista Michigan Avenue.

Ford atendió brevemente antes del evento al canal de televisión local WGN-TV que ha publicado en su página web la entrevista.

“Creo que es casi cierto”, contestó el intérprete cuando fue preguntado sobre si finalmente se produciría un reencuentro en la pantalla de los protagonistas de la primera trilogía de “Star Wars” para la anunciada séptima entrega que verá la luz en 2015.

“Lo estoy deseando”, añadió Ford, que encarnó por primera vez al mercenario Han Solo en la conocida saga de George Lucas cuando tenía 35 años, en “Star Wars” (1977).

Ford repitió como Solo en “The Empire Strikes Back” (1980), un año antes de convertirse en Indiana Jones (“Raiders of the Lost Ark”, 1981) y dos antes de ser el expolicía Rick Deckard cazador de replicantes en “Blade Runner” (1982).

La última vez que el actor hizo de Han Solo en la gran pantalla fue para “Return of the Jedi” (1983). Su regreso, largamente especulado, “no está aún en la bolsa” según expresó Ford en Chicago.

Carrie Fisher (princesa Leia) confirmó a principios de marzo que sí estará en la próxima entrega de “Star Wars” que dirigirá J.J. Abrams, y George Lucas comentó después que las negociaciones con Mark Hamill (Luke Skywalker) y Ford estaban avanzadas antes de que vendiera su productora Lucasfilm a Disney en 2012.

"Blancanieves" llega a los cines de EEUU para "encantar" a los espectadores



Después de triunfar en los premios Goya, "Blancanieves" aterriza esta semana en los cines de Estados Unidos con la confianza de "encantar" a los espectadores en uno de los territorios "más difíciles" para el cine extranjero en opinión de su director, Pablo Berger.

"No es fácil ligarse a un distribuidor americano. Pero 'Blancanieves' fue una chica guapa a la que le salieron muchos novios", dijo con orgullo el realizador español en una entrevista con Efe.

Pese a que encontrar distribuidores extranjeros es uno de los retos más difíciles para los directores, Berger explicó que en este caso la película "habla por sí sola" y fueron muchas productoras las que se interesaron por el filme tras su presentación oficial en Toronto.

Así, el próximo viernes esta versión española muda y en blanco y negro del cuento de los Hermanos Grimm llegará a la gran pantalla en Nueva York y Los Ángeles, y en los próximos meses se empezará a distribuir en el resto del país.

"Blancanieves" salta al otro lado del charco después de triunfar en los cines franceses, donde la cinta ya ha sido vista por 100.000 espectadores, y de haberse proyectado con éxito en algunos festivales de cine estadounidenses.

"Sabemos que hay un público que está respondiendo muy bien a la película", dijo el director tras la buena aceptación del filme en el "Spanish Cinema Now" de Nueva York y en la American Cinematheque de Los Ángeles.

Aunque está previsto que "Blancanieves" llegue a los cines de otros países como Suiza, Bulgaria, Rusia, Grecia o México, Berger destacó que se siente "muy afortunado" de poder hacerlo en EEUU porque "es el centro de la industria cinematográfica y abre nuevas posibilidades".

"EEUU es uno de los territorios más difíciles del cine extranjero, incluido el español, porque no están acostumbrados a leer subtítulos y es un gran consumidor de su propio cine", apuntó, aunque "en este caso ("Blancanieves") subtítulos no tiene", bromeó el bilbaíno.

Aunque Berger va megáfono en mano al grito de "Pasen y vean Blancanieves" por todo el mundo, confesó que ya tiene ganas de que el tren "se pare" para volver a su productora, releer un par de guiones que tiene ya escritos y pensar cuál será su siguiente "locura".

"Todavía no sé cuál va a ser mi próximo proyecto pero espero que sea una película de riesgo e intentaré sorprender a los espectadores", afirmó.

En opinión de Berger, "el cine tiene que ser riesgo y los directores tenemos que plantearnos cada película como si fuera la última. No puedes guardar balas en la recámara. Hay que hacer un desnudo total y tirarnos al precipicio".

Pese a que "Blancanieves" ha tenido un "final feliz", llevándose el Goya a la mejor película el pasado febrero, el español reconoció que no ha sido fácil llegar hasta aquí, pues el camino ha sido "largo, difícil y lleno de obstáculos".

Haciendo balance de esta carrera de fondo que duró ocho años, Berger reconoció que terminó con éxito gracias en gran parte a la ayuda "de fuera de España".

"Desgraciadamente a veces tenemos que salir fuera para conseguir hacer nuestras películas", dijo, pues su filme salió adelante gracias a inversiones francesas, principalmente.

"Es importante que los gobiernos españoles den valor a la cultura y la coloquen como una de las cosas prioritarias, como la educación o la sanidad. La cultura es una parte fundamental y permite que los pueblos evolucionen", reivindicó el director. EFE

domingo, 24 de marzo de 2013

Virgen de Urkupiña, en filme holandés

El documental se titula María en tiempos de crisis y muestra a tres mujeres devotas.

Un documental holandés que habla de la devoción y la fe hacia la Virgen de Urkupiña en Cochabamba será proyectado este lunes 25 en la Cinemateca. El documental titulado María en tiempos de crisis aborda, desde la perspectiva de tres mujeres devotas, la relación entre la religiosidad y la prosperidad económica. En función única, el filme será exhibido a las 19.30.
Perspectivas. Filmada en 2012, María en tiempos de crisis es la primera película de Sanne Derks, una profesora holandesa que vivió en Bolivia desde 2001 para estudiar casos de género, identidad cultural y, sobre todo, la devoción religiosa hacia la Virgen María, por lo que se centró específicamente en la figura de la Virgen de Urkupiña. A lo largo de ese año presentó varias disertaciones, tales como “Las alasitas en Urkupiña. Expresiones materiales y materialistas de la religión”; “La violencia doméstica, el marianismo y la rabia de la Virgen de Urkupiña”, y “Las alasitas en la economía espiritual de Urkupiña”.
Sanne Derks forma parte del programa de investigación interdisciplinaria denominado El poder de la Peregrinación, grupo de la Universidad de Radboud, Holanda, que apunta a investigar la devoción a María a través del tiempo y las diferencias culturales. Es así que se adoptó un estudio comparado en cinco lugares de culto en los cinco continentes para profundizar más sobre el fenómeno en cada sitio y hallar diferencias y similitudes.
La cinta podría ser incluida en la cartelera de la Cinemateca durante la Semana Santa.

2012 Fue el año de filmación del documental que refleja el culto de tres mujeres a la Virgen de Urkupiña.





Es tomada la Cinemateca Ciclo de Asesinos


La Cinemateca Sur presenta desde 21 de marzo al 3 de abril un ciclo dedicado a los asesino que marcaron a historia del cine.

El lado más oscuro de la naturaleza humana, aquel recóndito lugar que esconde lo más insospechado de nosotros, ha sido siempre un motivo para la creación de escalofriantes guiones de suspenso y terror. Los asesinos más destacados de la historia del cine, se reúnen en un ciclo especialmente diseñado por la Cinemateca Sur en esta segunda quincena de marzo.

El ciclo contará con figuras emblemáticas como el exquisito y desquiciado Hannibal Lecter en ´El Silencio de los Inocentes´, el psicópata de la máscara escalofriante Michael Myers de ´Halloween´ o el enigmático y sofisticado Patrick Bateman en ´Psicópata Americano´. Directores de renombre como Oliver Stone se hace presente con su obra maestra ´Asesinos por Naturaleza´ y David Fincher con la intrincada ´Siete Pecados Capitales´ junto a Bradd Pitt y Morgan Freeman.

Un ciclo imperdible para todos los amantes del suspenso cuya programación es la siguiente; el jueves 28 estará El Silencio de los Inocentes; el viernes 29 se exhibe Asesinos por Naturaleza; el sábado 30 estará Los Ríos de Color Púrpura; los domingos 24 y 31 es el turno de Copycat; los lunes 25 y 1 de abril estará Halloween; los martes 26 y 2 de abril, Psicópata Americano; los miércoles 27 y 3 de abril llegan Los Siete Pecados Capitales. Los horarios son a la 14.30, 17.00, 19.30 y 21.45. Excelente ciclo de la Cinemateca Sur.

El TalentDOC promueve la producción de documentales

AUDIOVISUAL El concurso apoya a realizadores jóvenes en la posproducción.

Redacción central / Cambio

TalentDOC apoyará con 10.000 dólares para la posproducción de un documental.

El proyecto recibe postulaciones en desarrollo, no terminadas.

La fecha límite para la presentación es el 15 de mayo.

Realizadores jóvenes de documentales están convocados a participar en el Proyecto de Promoción y Apoyo al Cine Documental TalentDOC.

Esta iniciativa se realiza simultáneamente en tres países, que son Bolivia, Ecuador y Perú, donde serán elegidos sendos proyectos para ser apoyados en su conclusión.

Cada proyecto debe tener calidad narrativa y una propuesta creativa documental, caracterizarse por su factibilidad de producción y su relevancia global o local. En el proceso de selección se tomará en cuenta también los antecedentes profesionales del autor.

CONDICIONES

El evento está dirigido a realizadores residentes en su país, cuya edad oscile entre los 18 y 35 años, que estén trabajando en su primera o segunda película documental, la cual debe estar obligatoriamente en desarrollo.

No se podrán presentar otros trabajos fílmicos como reportajes, revistas, novelas documentadas, programas educativos, trabajos por encargo o similares. La fecha límite de presentación de propuestas es el 15 de mayo, a las 19.00, en el Goethe-Institut de La Paz, situado en la avenida Arce 2708, esquina Campos.

El postulante podrá presentar sólo un proyecto, aunque se aceptarán escritos por dos o más personas, pero, en caso de que el proyecto resulte seleccionado, sólo uno de los directores podrá asistir al taller en Cochabamba.

BENEFICIARIOS

En una primera fase, tres participantes de cada país serán seleccionados como finalistas e invitados a participar en talleres de asesoramiento que tendrán lugar, del 26 al 30 de agosto de 2013, en la Fundación Simón I. Patiño, en Cochabamba. Estos talleres serán dirigidos por expertos internacionales.

La segunda fase consiste en la selección final. Entre los nueve proyectos finalistas, el jurado seleccionará a los tres mejores, uno por cada país participante. Cada uno de ellos tendrá acceso a un fondo de apoyo a la posproducción por el valor de 10.000 dólares.

El Goethe Institut, la Alianza Francesa, Espacio Simón I. Patiño, y las embajadas de Alemania y Francia, son las instituciones que promueven el concurso en Bolivia.

Los interesados en recabar mayores detalles de esta convocatoria pueden visitar la página de Facebook del proyecto Talentdoc Bolivia, o escribir al e-mail info@lapaz.goethe.org


JUVENTUD

El proyecto convoca a realizadores entre 18 y 35 años de edad que se encuentren en proceso de producción de un documental.

Video Premier del Largometraje Documental Tarija Valle Central

Este pasado martes en el Cine de La Torre se llevó a cabo la premier del largometraje documental Tarija Valle Central Dirigido por Rodrigo Ayala y apoyado por el Ejecutivo Seccional de Cercado y el Director de la Casa de la Cultura. Te mostramos un poco de este evento y deseamos éxito en este lanzamiento!

sábado, 23 de marzo de 2013

El impresionante nuevo cambio físico del protagonista de Batman

Prácticamente irreconocible. Así han calificado los medios internacionales las primeras fotografías de Christian Bale participando de su última cinta, American Bullshit, donde aparece calvo y con un alza de peso evidente. Todo, para interpretar a un estafador financiero en los años 70.

Su cambio ha sorprendido sobre todo, considerando sus últimas actuaciones. Como protagonista de la última saga de Batman (2005-2008-2012), su cuerpo lucía tonificado para interpretar al famoso superhéroe.

Posterior a Batman, el actor experimentó una radical baja de peso para trabajar en el film El Luchador (2010), transformación que recordó su look en la cinta El maquinista (2004), donde mostró una extrema delgadez en el papel de Trevor Reznik.

La nueva producción donde trabaja Bale es dirigida por David O. Russell, el mismo de la película El lado bueno de las cosas, nominada a ocho categorías en los últimos Premios Oscar, donde recibió finalmente el galardón por la actuación de Jennifer Lawrence como mejor actriz del año.


American Psycho (2000)

El maquinista (2004)

Batman Begins (2005)

Rescue Dawn (2006)

El Caballero Oscuro (2008)

El luchador (2010)

Batman: el caballero de la noche asciende (2012)

American Bullshit (2013)

Película sobre la vida de Steve Jobs retrasa su estreno


El primer trailer de la cinta jOBS, la biografía del fallecido creador de Apple, Steve Jobs, fue lanzado en el recién pasado Festival Sundance. Los problemas comenzaron ahí, cuando Steve Wozniak, ex compañero de Jobs en la firma, señaló que la película no caracterizaba bien al personaje, a pesar de encontrarla divertida.

Su crítica hacia el trabajo del director Joshua Michael Stern se suma al retraso del estreno de la película, previsto para el próximo 19 de abril y cuyo cambio no tiene una nueva fecha para su debut en la pantalla grande, según indicó diario El país.

Algunas de las razones que explicarían el cambio están la importancia de la figura de Jobs, que aparentemente estaría en decadencia.

Según el medio, las mismas acciones de Apple disminuyeron considerablemente: en septiembre de 2012, el título se pagaba a 705 dólares, más de 300 mil pesos la unidad, monto que habría disminuido a un tercio de eso en la actualidad.

Mientras, The Hollywood Reporter señaló que el retraso en el estreno se debió a decisiones del distribuidor para alargar el período de promoción.

La película protagonizada por Ashton Kutcher tenía como día de estreno el 19 del próximo mes, fecha que conmemora el aniversario 37 de la apertura del garage donde comenzó a gestarse el proyecto de Apple.

Una 'Huerta' repleta de humor

Al igual que muchas cintas de carácter mundial, en la capital del vino (Tarija) se vive con mucha expectativa el estreno nacional del más reciente filme del director nacional Rodrigo Ayala. El creador de "Día de Boda" y de "Historias de Vino, Singani y Alcoba" pone fin a su trilogía de comedias con la presentación nacional de "La Huerta", cinta que será estrenada este venidero 2 de mayo en Tarija y del 6 al 9 de mayo en el resto del país.

Características. "La Huerta" es la historia de una familia tarijeña tradicional (los Vásquez)que habita una rústica casa con extenso patio. La casa es heredada y se convierte en la manzana de la discordia de los personajes (Virginio Lema, Luciana Acosta, Liliana Arce, Beto Martínez, Hugo Buhezo y Diego Gabriel Arana), quienes a través del humor y el suspenso atrapan al espectador. El rodaje del filme se emprendió en 2011 en la ciudad de Tarija.

Cinemateca estrena filme sobre Urkupiña



Tanto las hermanas Virginia y Victoria como la rockera Escarlent esperan conseguir algo de la mamita de Urkupiña. Sus caminos se cruzarán en el santuario y en el documental María en tiempos de crisis de la antropóloga Sanne Derks.

El filme se estrenará el lunes, a las 19.30, en la Cinemateca Boliviana. La cinta también se proyectará durante el feriado de Semana Santa, aunque todavía no se definieron cuáles serán los horarios de las funciones de exhibición.

La película documental sigue a tres mujeres, las indígenas Virginia y Verónica, que se ganan la vida con la venta de oraciones y bendiciones a los peregrinos, y Escarlent, quien acude a la virgen María para solicitar que su bar no se vaya a la quiebra. El documental fue filmado durante los cuatro días de la festividad religiosa.

Sanne Derks (nacida en 1979) es una antropóloga y psicóloga holandesa especializada en cultura. Desde 2001 realizó su trabajo de campo en Bolivia. En 2007 presentó en la Universidad Católica Boliviana y en la Alcaldía de Quillacollo disertaciones sobre Urkupiña.

Hoy, en la Cinemateca Boliviana Proyectan Amargo Mar en 23 de marzo

Su director, Antonio Eguino, hablará después de la proyección. El filme se exhibirá a las 19.30 y la entrada costará 25 bolivianos.

El filme Amargo Mar, del reconocido cineasta Antonio Eguino, se proyectará en la Cinemateca Boliviana hoy, al recordarse 134 años de la pérdida del Litoral en la Guerra del Pacífico. La exhibición contará con la presencia del director y guionista del largometraje de 90 minutos, quien sostendrá una breve charla con el público al cabo de ella. La función tendrá lugar en la Sala 2, a partir de las 19.30, y un costo de 25 bolivianos.
Fecha conmemorativa. Amargo Mar es un largometraje que narra los hechos sobresalientes ocurridos durante la Guerra del Pacífico (1879-1883) entre Bolivia, Perú y Chile. El filme se enmarca en el periodo de la historia de Bolivia en que ésta pierde su Litoral y puertos del océano Pacífico, a finales del siglo XVIII. Asimismo, la producción está basada en la investigación de reconocidos historiadores bolivianos como Fernando Cajías, Roberto Flores y Édgar Oblitas.
El argumento es de Óscar Soria, Antonio Eguino, Paolo Agazzi y Raquel Romero.
Cuenta con la participación de destacadas figuras nacionales, tales como Agar Delos, Alfredo Ribera, David Mondacca, Eddy Bravo, Daniel del Castillo, Édgar Vargas, Edwin Morales, Enriqueta Ulloa, Édgar Darío Gonzales, Germán Calderón, Ninón Dávalos y Norma Merlo, entre otros.
Representativo. En la ocasión, Antonio Eguino se dirigirá al público para argumentar la producción de la cinta, además de responder algunas preguntas. Amargo Mar se proyectó en varias ocasiones en la Cinemateca, en el marco de ciclos o de aniversarios.
En el rodaje de ésta que es una de las películas más representativas de la filmografía nacional participaron aproximadamente 40 actores y, al menos, 3.000 extras, lo que la convirtió en la producción cinematográfica más grande del país en aquella época.

1984 Es el año en que se estrenó Amargo Mar, uno de los filmes más representativos de Eguino.



Mamá

Sinopsis:

El día que su padre mató a su madre, las hermanas Victoria y Lilly desaparecieron en el bosque cercano a la urbanización donde vivían. Su tío Lucas y su novia Annabel las han buscado sin cesar durante 5 años. Cuando ocurre lo imposible y las niñas aparecen en una cabaña medio derruida, la pareja empieza a preguntarse si no ha llegado alguien más a su casa acompañando a las niñas. Annabel intenta ofrecer una vida normal a las niñas, pero acaba convencida de que hay una presencia malévola en la casa.

¿Sufren las hermanas de estrés traumático o viene un fantasma a visitarlas? Mientras intenta contestar a estas inquietantes preguntas, la nueva madre acabará descubriendo que los susurros que se oyen a la hora de dormir proceden de los labios de una presencia letal.

FICHA TÉCNICA

Autor: Andrés Muschietti

Género: Terror

Temática: Adaptación corto, leyendas, fantasmas, muerte, misterio

País: España/Canadá/Estados Unidos

Duración: 100 minutos

Año: 2013

Protagonistas: Jessica Chastain y Nikolaj Coster-Waldau.

viernes, 22 de marzo de 2013

LAS PELíCULAS/// THE CROODS Y OLYMPUS HAS FALLEN, PONEN LA ANIMACIóN Y LA ACCIóN PARA RENOVAR LA TAQUILLA

El nuevo proyecto de DreamWorks, la comedia familiar de animación "The Croods", y un nuevo ataque cinematográfico a la Casa Blanca con "Olympus Has Fallen" son las grandes novedades de la semana en la cartelera estadounidense.

"The Croods", dirigida por Kirk De Micco y Chris Sanders, es una aventura en 3D sobre la primera familia prehistórica que existió en la Tierra y el viaje en el que se embarcan para emprender una nueva vida, cuando la cueva en la que vivían queda destruida.

La familia tendrá que hacer frente a las diferencias entre grandes y pequeños y los movimientos sísmicos que afectan a la zona, mientras descubren un espectacular paisaje repleto de criaturas que nunca antes habían visto.

La cinta cuenta en su versión original con las voces de Nicolas Cage, Emma Stone y Ryan Reynolds.

"Olympus Has Fallen", del especialista en el género, Antoine Fuqua, cuenta la historia de un exagente de seguridad que formaba parte del dispositivo de protección del presidente estadounidense, envuelto en un ataque terrorista contra la Casa Blanca.

Haciendo uso de su conocimiento de la ubicación, colaborará con el cuerpo de seguridad nacional para rescatar al mandatario de las garras de sus secuestradores.

El elenco incluye a Gerard Butler, Aaron Eckhart, Morgan Freeman y Angela Bassett.

Asimismo se estrenan dos comedias adultas: "Admission" y "The Sapphires".

"Admission", de Paul Weitz, reúne por primera vez a Tina Fey ("30 Rock") y Paul Rudd ("This is 40"), una comedia con tintes dramáticos sobre el camino que recorren y los baches con los

que se topan dos personas hacia la felicidad.

Especialmente la protagonista (Fey), una trabajadora de Princeton, encargada de la admisión de estudiantes a esa universidad, que ve cómo cambia su vida cuando conoce a un chico, que podría ser el hijo que dio en adopción años atrás.

"The Sapphires", por su parte, echa la vista atrás hasta 1968 a través de cuatro chicas australianas que descubren el amor, la amistad y la pérdida cuando su grupo de música entretiene a las tropas estadounidenses durante la guerra de Vietnam.

jueves, 21 de marzo de 2013

Gerard Butler salva a la Casa Blanca y su presidente en "Olympus Has Fallen"

El actor británico Gerard Butler vuelve a la acción en "Olympus Has Fallen", donde interpreta a un exagente del Servicio Secreto que debe salvar a la Casa Blanca de un despiadado ataque de terroristas norcoreanos, que han tomado al presidente de Estados Unidos como rehén.

Con su perfecta dosis de patriotismo, adrenalina y testosterona, "Olympus Has Fallen" llega a las salas estadounidenses con la promesa de ser el primer gran filme de acción del año, tras el fracaso de taquilla de la quinta entrega de "Die Hard" (Duro de matar o La jungla de cristal), con Bruce Willis.

La película, que se estrena el viernes en Estados Unidos y en mayo en Latinoamérica, es producida y protagonizada por Butler, quien alcanzó fama internacional gracias a la fantasía épica griega "300" (2006), y cuenta con los oscarizados Melissa Leo y Morgan Freeman en su reparto.

Dirigido por Antoine Fuqua -autor del thriller "Training Day" que dio un Óscar en 2002 a Denzel Washington-, el filme imagina que una milicia norcoreana toma por asalto la Casa Blanca (cuyo nombre código es Olimpo) y mantiene al presidente (Aaron Eckhart) y otros funcionarios como rehenes, entre ellos la secretaria de Defensa (Melissa Leo).

El exagente del Servicio Secreto Mike Banning (Butler) consigue infiltrarse en la Casa Blanca y ponerse en contacto con el presidente interino (Freeman), quien deberá confiar en este hombre de quien todos recelan para salvar al presidente secuestrado y al país de una horrenda catástrofe nuclear.

Traducida como "Objetivo: La Casa Blanca", la cinta muestra a un personaje heroico, pero justificado por una motivación interna.

"Él probablemente no sea diferente a la mayoría de la gente", dijo Butler a la AFP. "El mundo se hace pedazos a su alrededor, sin duda su pasado lo acecha (...) y eso se filtra en el trabajo que hace. Pero tiene su objetivo claro".

Además, la concentración de Banning en su misión está reforzada "por el secreto deseo de poder ejecutar al fin un trabajo para el que ha sido entrenado toda su vida", añadió el actor escocés de 43 años.

Pero está por verse si los estadounidenses digerirán imágenes que afectan la sensibilidad de la audiencia tras los ataques del 11 de septiembre de 2001.

Por ejemplo, la Casa Blanca se ve desolada tras el violento ataque y el obelisco de Washington cae en una forma que recuerda con cruel precisión el desplome de las torres gemelas en Nueva York.

La cinta "causa gran tensión y produce esa clase de indignación patriótica que los estadounidenses más recalcitrantes sentirán en sus entrañas", escribió el crítico Todd McCarthy en la revista especializada The Hollywood Reporter, donde se refirió a la película como un "macho thriller".

Para las escenas en el interior de la Casa Blanca -llena de escondites y pasadizos secretos-, así como para imaginar la respuesta de las fuerzas del orden en la eventualidad de un ataque, los productores consultaron a ex-agentes del Servicio Secreto, el FBI y la CIA.

"Los consultores ayudaron a planear un ataque simulado al detalle: desde la cantidad mínima de atacantes necesarios para tomar la Casa Blanca hasta los tipos de armas que serían más efectivos", dijo el productor/actor, al asegurar que "no hay nada que sea simple conjetura".

"Pero no nos dijeron todos sus secretos, se guardaron cosas bajo la manga", agregó Butler, quien produjo y protagonizó el año pasado la comedia romántica "Playing for Keeps".

En la mitología griega, el Olimpo es la residencia de los dioses, recordó el director Fuqua. Y en "Olympus Has Fallen" "la Casa Blanca se desmorona de un modo impensable. La identificación es clara. Roma, el gran imperio, se convierte en Estados Unidos y su mayor monumento colapsa".

Nueva versión de Godzilla empieza a rodarse



La nueva versión de la película Godzilla empezó a rodarse en Vancouver, bajo la dirección de Gareth Edwards. Según un comunicado de los estudios Warner, el proyecto promete devolver al famoso monstruo “a sus raíces épicas con un tono de acción realista”.

Entre los actores que participarán del film están Aaron Taylor-Johnson, el actor que hace tres años se hizo conocido por "Kick-Ass", Bryan Cranston de la serie "Breaking Bad", además, a la ganadora del Oscar Juliette Binoche, David Strathairn, Ken Watanabe y Elizabeth, la hermana menor de las gemelas Mary Kate y Ashley Olsen.

Esta última adelantó hace unas semanas que se acercará bastante al estilo de la primera entrega japonesa de 1954. Su estreno se prevé que sea en mayo de 2014.

Hasta el momento se filmaron dos versiones de ‘Godzilla’, una japonesa rodada por Ishiro Honday y la versión de Hollywood estrenada en 1998 por Roland Emmerich.

Ryan Reynolds: ‘Siempre luchas con tu propia sombra’



¿Con un papel protagónico en The Croods y también en la venidera Turbo, parece ser que eres la nueva voz dentro del área de animación de DreamWorks. ¿Cómo sucedió eso?

En realidad no lo sé. Jeffrey Katzenberg me preguntó si estaba interesado en participar en Turbo, y después de haberme divertido tanto, en Los Croods, le dije que desde luego, que me encantaría. Estos momentos son ese tipo de oportunidades que sólo se presentan una vez en la vida, así que acepté de inmediato. No sabía mucho acerca de la dirección que iría a tomar el proyecto, simplemente sabía que te diviertes mucho cuando los haces y en realidad no te molestas con mucha de la logística con la que te toparías en una película de acción en vivo.

¿Cuál fue la razón por la cual quisiste que Los Croods se constituyese en tu primera película de animación?

No sé si uno tiene la oportunidad de escoger estos proyectos, como que éstos te escogen a ti. Fue, de alguna manera, en la infinita sabiduría de Jeffrey que yo era el tipo adecuado para ocupar los zapatos de este personaje y no me iba a poner a discutir con él al respecto. No sé de ningún actor que haya rechazado una de estas cosas —son muy divertidas y tienen un ambiente creativo fenomenal. Tienes la oportunidad de lanzar —o relanzar— tu imaginación como lo hiciste cuando eras niño. Jeffrey simplemente me abordó y me dijo: ‘¿Te interesa formar parte de esto?’ y ni siquiera lo dejé que acabara la oración. Le contesté: “¡Por supuesto que sí!!”.

Sabemos que mientras grababas tus pistas de audio, también estaban grabando tus expresiones con una camarita…

Para ser honesto, no fue sino hasta la tercera o cuarta sesión que me percaté de que estaban haciendo eso, ¡estaba haciendo una de las caras más feas que te pudieras imaginar! Y estaba diciendo groserías después de lo que yo consideraba era una mala toma. Así que de repente me di cuenta de que me estaban grabando. No es para nada distinto de un set común.

¿Tuviste la oportunidad de trabajar con Emma o Nick?

Trabajé con Emma cara a cara en un par de sesiones, pero nunca con Nick o alguien más. Está bien… como sea, la mayoría de las veces es una experiencia muy solitaria, porque estás ahí solo en esa cabina con tu director. No tienes mucha oportunidad de colaborar con tus compañeros actores, así que en una sesión tú eres el que la guía y después, en otra sesión, ellos guían porque ya has grabado las pistas que están por hacer. Es interesante, y ciertamente no estás ahí sentado esperando a nadie —esas son las buenas noticias. O lidiar con ciertas actitudes. Es muy agradable meterte ahí y jugar.

¿Cómo describirías a tu personaje, Guy?

Guy es un tipo bastante solitario. Es un personaje que ha estado solo durante tanto tiempo, que muchas de sus habilidades sociales están atrofiadas. Necesita a los Croods de la misma forma en la que los Croods lo necesitan a él —cada uno tiene algo que le falta desesperadamente en su vida y precisa algún tipo de catalizador para hacer que avancen. Ellos tienen la familia que Guy tanto desea y él tiene un sentido de pertenencia con ellos que nunca antes habían tenido. Para ellos, Guy es un paso evolutivo clave: necesitan avanzar o morir, y él es el hombre que los puede ayudar a lograrlo.

¿Cómo diste con la voz?

En muchas ocasiones, con las películas de DreamWorks, no quieren que cambies mucho tu voz. En cuanto a mí, sólo intenté encontrar una vitalidad juvenil en mi voz y acordarme qué se sentía tener 18 o 19 años, y aportarle eso al personaje. Simplemente usas algunos de esos hábitos irritantes que pudiste haber tenido cuando tenías 18 o 19 años, que es cuando intentas sonar como un adulto, pero no lo logras. O, por ponerlo en otras palabras, simplemente estás intentando crear un sentido de intimidad y calidez con la audiencia, y logras hacerlo al interpretarlo junto con los directores.

¿Hubo algún tipo de frustración al remover tu yo físico del proceso?

No, hubo ventajas. Creo que siempre luchas contra tu propia sombra, y por sombra me refiero a que luchas con los aspectos que te caracterizan y que en realidad no te gustan. Conozco a muchos actores que, cuando se ven en pantalla, se contorsionan y se voltean y se retuercen en algún tipo de dolor, porque es difícil para ellos verse. Aquí, en la animación, pierdes todos esos conceptos, pues tienes la oportunidad de ser absolutamente libre y después reinventarte como un cavernícola o un caracol o como un ogro verde. Es una sensación increíblemente liberadora.

¿No extrañas recurrir a algunas de tus expresiones típicas?

Puedes recurrir a ellas hasta cierto punto —está esa camarita ahí dentro que quizás podrían usar, y en algunas ocasiones lo hacen. Pero la esperanza es que en cada proyecto que hagas, ya sea animado o de acción en vivo, no te duermas en tus laureles, y que en cambio intentes de verdad progresar cada vez más.

¿Puedes ver algo de ti mismo en el Guy terminado?

Por supuesto, visualmente puedo ver algo de mí. En la otra película animada soy un caracol y en ésta un cavernícola, así que es un hecho que veo más de mí en este último personaje. Cuando los vuelves a ver, te das cuenta la razón por la cual te graban: de repente ves muchos de los gestos que haces y el movimiento de tus manos. Es sorprendente ver cómo capturan esas pequeñeces. Lo que me pareció más fascinante fue que pueden animar tu alma.

Cabe señalar que incluso en la forma animada, apareces sin camisa. Kurt dice que está en tu contrato.

En realidad no está en mi contrato, es una cláusula, le pueden prestar atención o no. De hecho, les pedí que me pusieran pezones grandes y no me lo concedieron, no tuvieron esa cortesía. No obstante, espero que lo que aparezca allá arriba sea aceptable.

Estamos seguros de que así será. ¿Qué le sucede a Guy y a sus pezones pequeños?

Cuando lo vemos por primera vez, él presenta una evolución más leve que los Croods, pero, asimismo, también podemos ver que tiene muchas cosas que resolver en su vida, y es un personaje que está intentando seguir la luz. Lo que sea que esto signifique para la mayoría de la gente, creo que hay un vínculo metafórico en ello y él lo siente de verdad. En muchas ocasiones, lo que estamos buscando, como a muchos psiquiatras les gusta decir, está escondido de la simple vista, y eso es lo que él termina por descubrir. Al final, ya tiene un sentido de pertenencia que al principio nunca imaginó tener.

De qué se trata ‘Los Croods’

En Los Croods, Ryan Reynolds personifica al primer hombre moderno del mundo en la aventura prehistórica dirigida por Kirk De Micco (Space Chimps) y Chris Sanders (Lilo & Stitch, How To Train Your Dragon). Guy, el personaje, es un nómada solitario que busca un lugar mítico llamado “mañana”, cuando se topa con los Croods, la primera familia del periodo Croodation.

Estreno

Los Croods se estrena hoy en todo el mundo. La película es la nueva apuesta de DreamWorks. Visite: www.manferfilms.com.bo para obtener más información.

El mensaje de ‘Los Croods’

“Creo que es acerca de prescindir de nuestras redes de seguridad. Siempre que he hecho eso en mi vida, ha sido increíblemente remunerador, incluso si al principio no lo parecía. Cada riesgo que he tomado, cada fracaso que he experimentado, ha sido algo que me ha llevado a progresar como ser humano y me ha hecho más fuerte, mejor y más sabio”.

Guy, el cavernícola

El actor estaba fascinado cuando le llamaron para estelarizar su primera película animada. Con el final del mundo en puerta, Guy intenta guiar a sus nuevos acompañantes a un lugar más seguro, mientras choca con el patriarca de la familia Grug (Nicolas Cage) y se enamora de su hija aventurera, Eep (Emma Stone). Al final, dice Reynolds, todos formaron un buen equipo.

Primeros pasos

Reynolds, nacido en Vancouver, obtuvo su primera oportunidad en la comedia canadiense Hillside, renombrada Fifteen cuando se transmitió en EEUU; estuvo al aire durante dos temporadas. Después de pasar problemas para encontrar trabajo una vez cancelada la serie, estaba listo para renunciar al negocio, cuando un amigo lo persuadió de que se trasladara a Los Ángeles.



Los hombres del cine boliviano



El cineasta boliviano Guillermo Aguirre y el gestor cultural Francisco Cacho Muñoz recibirán esta noche el premio Semilla por su contribución al cine boliviano. El acto se realizará a las 19.00 en la Cinemateca Boliviana.

“Ha sido una sorpresa y al mismo tiempo una satisfacción recibir este premio de los jóvenes cineastas, un reconocimiento al trabajo de 38 años en el cine nacional”, dijo Aguirre, responsable de los guiones de obras clásicas del cine boliviano como Chuquiago (1975), Mi socio (1982) y El día que murió el silencio (1998), entre otras. Aguirre sigue escribiendo sus historias originales con bolígrafo, aunque ahora las transcribe en una computadora. “No me llevo bien con esas máquinas”, dijo, aunque no deja de lado una pequeña cámara digital para capturar las imágenes de sus historias.

El homenaje a los cineastas, que se realizará hoy en el marco del Día del Cine Boliviano, tiene el propósito de “honrar la trayectoria de las personas que dieron los mejores años de su vida para fortalecer este arte en el país”, sostuvo la directora de la Cinemateca Boliviana, Mela Márquez. Este es el segundo año que se entrega el premio Semilla. En 2012 el galardón nacional fue para la actriz Norma Merlo.

“No hay película mala (...) Todas tienen su valor y la gente no sabe el esfuerzo que hay detrás de cada una de estas obras, es algo muy difícil”, afirmó Aguirre, aunque luego lamentó que gracias a las facilidades de la tecnología digital, muchos realizadores jóvenes improvisan con los detalles técnicos de sus producciones, incluso en el contenido de sus historias.

Guillermo Aguirre ya tiene listos varios guiones, entre los que destaca uno sobre la gesta de Túpac Katari, quien en 1781 aisló durante 109 días a La Paz. Otra es Charata, una historia relacionada con la defensa de Boquerón en el marco de la Guerra del Chaco (1932-1935), además del Gran inocente, que muestra una faceta poco divulgada del expresidente Mariano Melgarejo (1864-1971).  Las obras están listas para el rodaje.

Cineastas recuerdan a Luis Espinal

DS 29067

El Día del Cine Boliviano fue instituido el 21 de marzo de 2007 en conmemoración del asesinato del padre jesuita Luis Espinal Camps.

Semilla

La Cinemateca creó en 2012 este reconocimiento para homenajear a los cineastas. Este año, el premio coincide con el aniversario 24 de la muerte del cineasta Óscar Soria.

‘Cacho’ Muñoz celebra con gratitud

Llegó a Bolivia en 1964 con un proyecto profesional de tres meses. Han pasado 49 años y Francisco Cacho Muñoz no se ha ido porque encontró muchas ocupaciones, tantas que no hubo espacio ni tiempo para las preocupaciones.

“Yo no soy un hombre de cine, yo de cine no sé absolutamente nada. Siempre decía en broma que la última película que había visto era Pelota de trapo en 1946”, afirmó este administrador de empresas, nacido en Argentina en 1938.

Muñoz llegó a presidir la Cinemateca Boliviana desde 2003 “hasta (2007), cuando tuvo su casa propia”, donde se halla en la actualidad. Precisamente, éste ha sido el legado de Muñoz: la finalización de la construcción del nuevo edificio del repositorio fílmico nacional, una obra que demandó 4 millones de dólares y el esfuerzo de muchas instituciones.

Muñoz, que llegó a la institución gracias a su esposa Alicia Ballarini, aseguró que la Cinemateca le debe un reconocimiento a todas las personas que apoyaron a la “monumental obra”. China, Japón, España e Inglaterra están en la libreta de agradecimientos de Cacho Muñoz, así como diez empresas privadas y ocho familias que apoyaron las obras. “La gratitud es lo fundamental”, manifestó.


The Croods y Olympus Has Fallen, animación y acción para renovar la taquilla



El nuevo proyecto de DreamWorks, la comedia familiar de animación "The Croods", y un nuevo ataque cinematográfico a la Casa Blanca con "Olympus Has Fallen" son las grandes novedades de la semana en la cartelera estadounidense.

"The Croods", dirigida por Kirk De Micco y Chris Sanders, es una aventura en 3D sobre la primera familia prehistórica que existió en la Tierra y el viaje en el que se embarcan para emprender una nueva vida cuando la cueva en la que vivían queda destruida.

La familia tendrá que hacer frente a las diferencias entre grandes y pequeños y los movimientos sísmicos que afectan a la zona mientras descubren un espectacular paisaje repleto de criaturas que nunca antes habían visto.

La cinta cuenta en su versión original con las voces de Nicolas Cage, Emma Stone y Ryan Reynolds.

"Olympus Has Fallen", del especialista en el género Antoine Fuqua, cuenta la historia de un exagente de seguridad que formaba parte del dispositivo de protección del presidente estadounidense, envuelto en un ataque terrorista contra la Casa Blanca.

Haciendo uso de su conocimiento de la ubicación, colaborará con el cuerpo de seguridad nacional para rescatar al mandatario de las garras de sus secuestradores.

El elenco incluye a Gerard Butler, Aaron Eckhart, Morgan Freeman y Angela Bassett.

Asimismo se estrenan dos comedias adultas: "Admission" y "The Sapphires".

"Admission", de Paul Weitz, reúne por primera vez a Tina Fey ("30 Rock") y Paul Rudd ("This is 40"), una comedia con tintes dramáticos sobre el camino que recorren y los baches con los que se topan dos personas hacia la felicidad.

Especialmente la protagonista (Fey), una trabajadora de Princeton encargada de la admisión de estudiantes a esa universidad, que ve cómo cambia su vida cuando conoce a un chico que podría ser el hijo que dio en adopción años atrás.

"The Sapphires", por su parte, echa la vista atrás hasta 1968 a través de cuatro chicas australianas que descubren el amor, la amistad y la pérdida cuando su grupo de música entretiene a las tropas estadounidenses durante la guerra de Vietnam.

Dirigida por Wayne Blair, la cinta la protagonizan Chris O'Dowd, Deborah Mailman, Jessica Mauboy y Shari Sebbens.

Entre los estrenos independientes destaca la llegada de "Love and Honor" y "Come Out and Play".

"Love and Honor" es una historia romántica protagonizada por los australianos Liam Hemsworth y Teresa Palmer, mientras que "Come Out and Play" ofrece una historia terrorífica sobre una pareja que viaja a una idílica isla mexicana en la que encontrarán un grupo de niños asesinos.

El filme cuenta con la presencia del mexicano Daniel Giménez Cacho.