jueves, 28 de febrero de 2013

A partir de hoy en la Cinemateca

Desde hoy y hasta el 3 de marzo, la Cinemateca Boliviana y la Embajada del Japón en Bolivia presentarán el ciclo de Cine Japonés en Tiempos de Recuperación con cuatro títulos que mostrarán cómo el país del sol naciente superó una serie de catástrofes, al cumplirse dos años del tsunami que afectó al país.
La proyección se realizará en la sala José María Velasco Maidana en funciones que comenzarán a las 19.00. El ingreso será gratuito y las entradas podrán recabarse desde las 18.00 el mismo día.
De acuerdo con el agregado Cultural de la Embajada del Japón en Bolivia, Yasusgi Kondo, los cuatro filmes tratan de la vida de japoneses que se vieron afectados por desastres naturales. “Es para mostrar la fuerza de la sociedad japonesa”, dijo.
El ciclo se inicia hoy con la película Rokku: Wanko no shima (La isla del perro), del director Isamu Nakae, y continuará mañana con la proyección de Cuarteto!, de Junichi Mimura. El sábado 2 de marzo, el turno será de Eclair, del director Akio Kondo, y cerrará el ciclo el filme El viaje de Haru, de Masahiro Kobayashi, el domingo 3.
Kondo informó que ayer también se tuvo la visita del becario boliviano Javier Montaño, quien fue beneficiado por la legación japonesa en 2009 para estudiar Agricultura Tropical en la Universidad de Kyoto, donde continuará sus actividades.
Una próxima actividad que se alista es una conferencia sobre arquitectura, que contará con la presencia de una joven arquitecta japonesa y se realizará el 7 y 8 de marzo en el Museo Nacional de Etnografía y Folclore (Musef).

miércoles, 27 de febrero de 2013

Dinosaurios al ataque: Pesadilla Jurásica


ARGUMENTO

El mundo pensó que los dinosaurios estaban extintos... pero cuando una expedición acompañada de un equipo fílmico descubre que estas criaturas siguen vivas, se desata una aventura inimaginable. Luego de la desaparición de esa misma expedición, dos pescadores descubren una mochila flotando a la deriva de un río. Dentro hay cintas y discos duros con más de 100 horas de video. El material cuenta la historia de la expedición, que se adentró en lugares misteriosos repletos de criaturas prehistóricas, y su posterior desaparición.

La producción

Monstruos creados por computadora que tienen un resultado positivo en pantalla y de seguro asustarán a los asistentes. La cinta fue dirigida por Sid Bennett (Depredador X, 2009), quien nos ofrece un excelente trabajo de imágenes generados con CGI.

El cine que veremos “Hitchcock era profundamente inseguro y estaba lleno de miedos internos”: Hopkins

Han pasado nueve años desde que el veterano actor Anthony Hopkins aceptó encarnar a sir Alfred Hitchcock en una película en torno al cineasta. Sin embargo, el esperado filme no se puso en marcha hasta mucho después, 2012, y será este año cuando llegue a las pantallas.

Así lo ha desvelado el propio Hopkins en una entrevista facilitada por su productora, en la que el intérprete elogia al semidesconocido y joven director que se ha hecho cargo de Hitchcock, Sacha Gervasi. “Es un hombre extraordinario (...), muy brillante e inteligente “, asegura antes de recordar que Gervasi nunca se había enfrentado con anterioridad a una película aunque había firmado el premiado documental Anvil: el sueño de una banda de rock.

Allí estaba Scarlett con todo su glamour y cuando decían ‘Acción’, se transformaba. En cuanto a la experiencia de interpretar a “un verdadero artista” y a un personaje tan popular como fue el responsable de La ventana indiscreta o Vértigo, Hopkins la describe como “escalofriante”. “Soy un buen imitador pero (...) no hay nada que puedas hacer para superar ese miedo”, explica.

A lo largo del estudio de su personaje, Hopkins ha llegado a curiosas conclusiones. Para el británico, Hitchcock no solo fue “escritor, filósofo” y un hombre lleno de ingenio y talento. Además era “profundamente inseguro y lleno de miedos internos”, resume el galés.

“Vivimos en nuestro particular y egocéntrico mundo pensando que somos los únicos que nos ponemos nerviosos. Yo supongo que todo el mundo está asustado. Todos estamos asustados. Él también lo estaba. Si estuviéramos muy seguros de nosotros mismos seríamos muy aburridos”, reflexiona el actor.

Respecto a la forma de trabajar del cineasta, admira que dejara a los actores “muy a su aire”. “Confiaba en que los actores hicieron lo que podían hacer. No le agradaban los actores del método, no podía soportarlos”.

En el filme, Hopkins se encuentra arropado, además, por un reparto con el que el estadounidense no repara en elogios. Por ejemplo, Helen Mirren, que interpreta a la mujer del cineasta, Alma Reville. O James D’Arcy (Anthony Perkins en el largometraje), Michael Wincott (Ed Gein) y Scarlett Johansson (Janet Leigh). “Era muy extraño porque allí estaba Scarlett con su bonito pelo y todo su glamour y de repente, en cuanto decían “¡Acción!”, su rostro se transformaba en el de Janet Leigh”, recuerda el actor.

EL ARGUMENTO

En la cima de su carrera como director, Alfred Hitchcock (Hopkins) decide filmar una película de terror aparentemente de baja categoría. Ningún estudio apoya el proyecto, así que Hitchcock decide financiarlo él mismo y rodarla con un equipo barato de TV. El resultado fue un fenómeno internacional y una de las películas más famosas e influyentes de la historia.

Oz, el poderoso’ Un mundo de fantasía


Oz, el poderoso, es una película de Walt Disney, una nueva adaptación de las películas de El mago de Oz basadas en ‘El mago de Oz’ de Lyman Frank Baum.

La cinta fue dirigida por Sam Raimi y protagonizada por Mila Kunis, James Franco, Rachel Weisz, Michelle Williams, Zach Braff y Joey King.

La mágica historia del conocido mago que muy pronto conquistará no sólo a niños, con el papel protagónico de James Franco, recordado por la nominación al Oscar en 127 Horas (Danny Boyle, 2010), quien tiene en su contra las sombras de Robert Downey, Jr. y Johnny Deep, que rechazaron el papel.

EL UNIVERSO FANTÁSTICO

La aventura fantástica del director Sam Raimi, Oz, el poderoso de Disney, imagina los orígenes del popular mago, que debutó en el primer libro de L. Frank Baum titulado “El maravilloso mago de Oz”. Como precuela cinematográfica del libro, la película se adentra en los antecedentes del personaje del mago y ofrece una experiencia absolutamente única a los espectadores. Baum, que escribió 14 novelas entre 1900 y 1920, todas ambientadas en el mundo de fantasía que creó con tanto realismo, no contó nunca con detalle los orígenes del mago. “Me gustan las historias que cuentan los orígenes y me encantó la idea de cómo el personaje llegó a ser mago”, dice el productor Joe Roth. “Así que me pareció una gran idea acudir a los libros de Baum para investigar y crear sus orígenes”.

Con Oz, el poderoso, Sam Raimi (la trilogía de El Hombre Araña) aborda el proyecto más importante de su carrera de director al afirmar: “Esta es una visión enorme. Tiene una escala gigantesca. El mundo de Oz, tal y como Frank Baum lo creó, abarca muchos países y territorios diferentes. Es un universo totalmente inventado. A pesar de su grandeza, en las películas de Spider-Man había un personaje fantástico en una ciudad que todos conocemos, Manhattan. No era un mundo imaginado. Y eso es lo que Baum hizo en sus libros. Creó Oz, un auténtico universo”.

Juegos de Muerte: El Coleccionista 2


Bajo la dirección de Marcus Dunstan y Patrick Melton (Saw IV, V, VI y VII), llega Juegos de Muerte: El Coleccionista 2, una película de terror, dirigida por Dunstan y protagonizada por Josh Stewart, Emma Fitzpatrick y Christopher McDonald, la película se centra en un hombre traumatizado, obligado a ayudar a salvar una hermosa mujer, que se ha convertido en la última obsesión de un asesino enloquecido que colecta humanos en una casa tenebrosa.

LA HISTORIA

Cuando Elena (Fitzpatrick) se animó a asistir a una fiesta subterránea con sus amigos, no se esperaba el terror que iba a vivir, es atrapada en una trampa dónde todos serán cortados en rodajas y aplastados por una macabra serie de artefactos operados por un psicópata enmascarado. Cuando la masacre espantosa ha terminado, Elena es la única sobreviviente. Pero antes de que pueda escapar, ella se encierra en un baúl para esconderse y tratar de sobrevivir sin percatarse que es llevada a un lugar desconocido.

Afortunadamente, Arkin (Stewart) sabe exactamente dónde la tienen. Él es un sobreviviente de los espantosos y descabellados planes del enmascarado. El acaudalado millonario poco escrupuloso padre de Elena (McDonald) que está dispuesto a hacer lo que sea para rescatarla con vida, contrata a un equipo de mercenarios para obligar a Arkin a conducirlo a la guarida del asesino. Sin embargo; estos guerreros no están preparados para lo que encuentran: un hotel abandonado convertido en una cámara de tortura, con trampas mortales y lleno de cadáveres mutilados

FOX ANUNCIA NOVEDADES DE ‘RIO 2’

Twentieth Century Fox ha dado a conocer el reparto completo, fecha de estreno (para Estados Unidos) y argumento de Rio 2, secuela del filme de animación producido por Blue Sky Studios y estrenado en 2011.

El estudio ha confirmado que Anne Hathaway, Jesse Eisenberg, Jemaine Clement, Will.i.am, Tracy Morgan, George Lopez, Leslie Mann, Rodrigo Santoro, el cantante brasileño Bebel Gilberto, Jake T. Austin y Jamie Foxx repetirán en sus respectivos papeles mientras que las voces de Andy Garcia, Bruno Mars, Kristin Chenoweth, Rita Moreno, Amandla Stenberg, Rachel Crow, Pierce Gagnon y Natalie Morales serán las principales novedades.

Por su parte Carlos Saldanha repetirá como director en esta producción que llegará a los cines norteamericanos el 11 de abril de 2014, y en la que nos encontraremos con Blu, Jewel y sus tres hijos viviendo lo que parece ser la vida perfecta en la ciudad mágica que le da nombre. Sin embargo Jewel piensa que los niños tienen que aprender a vivir como pájaros de verdad, como pájaros salvajes, por lo que la familia se verá obligada a trasladarse al Amazonas donde Blu, aparte de tener que adaptarse a sus nuevos vecinos, tendrá que lidiar con el miedo por perder a su familia ante la llamada de la madre naturaleza.

Comedia negra. Sátira política: Carrusel, la película


SINOPSIS

Es una Sátira Política, una comedia negra con pequeños toques de drama, que trata la historia del Alcalde de Ciudad del Caffre. El Dr. Santiago Rubio, un personaje clásico de la política latinoamericana, en donde su mayor aspiración es ser presidente de “La República Independiente del Croto”. Para lograrlo se va a inventar la construcción del mejor aeropuerto de Latinoamérica contratando al Grupo Empresarial Hoyos; un conglomerado de contratistas bastante turbios en sus negocios. Los hermanos Hoyos, como les decimos coloquialmente, se gastan todo el presupuesto público en todo menos en la obra del aeropuerto.

Maria Cristina Echeverry, la esposa del famoso Alcalde es la ficha clave ya que sus amoríos y estrategias desatan una tormenta política en la ciudad. El Alcalde está siempre rodeado de sus tres hermosas asesoras que en realidad poco hacen ya que él siempre hace su voluntad. Ellas serán pieza clave en el gran escándalo.

Carrusel se burla del “modus operandi” de la corrupción en nuestra querida Latinoamérica.

Una dolorosa historia de pasión: Amor

SINOPSIS

Georges y Anne con ochenta años cumplidos, son dos profesores de música clásica jubilados que viven en París. Su hija también se dedica a la música, y vive en Londres con su marido británico. Un día, Anne sufre un infarto. Al volver del hospital, un lado de su cuerpo está paralizado. El amor que ha unido a la pareja durante tantos años se verá puesto a prueba.

ENTREVISTA CON MICHAEL HANEKE

Después de ganar la Palma de Oro en 2009 por La cinta blanca, Michael Haneke vuelve con Amor, una película rodada en Francia y en francés, escrita especialmente para Jean-Louis Trintignant, el actor protagonista

P: ¿Por qué le apetecía hablar de amor?

R: “Quise hablar del fin del amor, del modo en que se reacciona ante el sufrimiento unido a la pérdida de una persona amada. Es una situación a la que todos acabaremos enfrentándonos en un momento de nuestra vida. Puede tratarse de nuestros abuelos, nuestros padres, la persona con la que convivimos, incluso de nuestros hijos. He pasado y sigo pasando por situaciones comparables, aunque no sean idénticas a la que se describe en la película. Además, tengo 70 años, por lo que me veo obligado a mirar la posibilidad de frente. Se habla de lo que se conoce y me inspiré en lo que sabía. Las personas de 30 años hablan del amor que nace, y yo, del amor que se acaba”.

P: Después de ‘La cinta blanca’, rodada en alemán y en Alemania, regresa a Francia. ¿Por qué rodar en este país y no en otro?

R: “Hace tiempo que quería hacer una película con Jean-Louis Trintignant. Por eso escribí el guión de Amor y lo rodé en Francia. Fue el mismo proceso que en Caché/Escondido, quise escribir un papel para Daniel Auteuil y acabé escribiendo una historia que solo podía transcurrir en Francia porque estaba arraigada en la historia del país. Además, necesitaba dos actores fuera de serie. Un intimismo semejante entre dos personas no puede funcionar con cualquiera. Son cosas muy difíciles de interpretar”.

P: ¿Jean-Louis Trintignant leyó el guión antes de que estuviera terminado?

R: “Solo se me ocurrió hacerlo una vez y fue para un telefilm. No suelo entregar el guión antes de que esté terminado. Pero sí me ha pasado que el actor o la actriz han aceptado el papel antes de leer el guión. Ocurrió con Isabelle Huppert cuando le propuse trabajar en La pianista/La pianiste. Hace poco me confesó que aceptó el papel sin tener ni la menor idea de qué trataba la película y que se enteró en el avión que la llevaba a Viena. Creo que se llevó un buen susto. (Ríe) Había leído Funny Games: Juegos divertidos y no se había atrevido a aceptar el papel”.

PREMIOS

• 5 Nominaciones a los Oscar, Ganadora en la categoría Mejor Película de habla no inglesa.

• Festival de Cannes: Palma de Oro (Mejor película).

• Globos de Oro: Mejor película de habla no inglesa.

• Premios César: 10 nominaciones, incluyendo Mejor película.

• Premios del Cine Europeo: Mejor película, director, actor y actriz. 6 nominaciones.

• Critics Choice Awards: Mejor película de habla no inglesa. 2 nominaciones.

• 2 Premios BAFTA: Mejor película extranjera y actriz (Riva). 4 nominaciones.

• Independent Spirit Awards: Nominada a Mejor película extranjera.

• Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera.

• National Board of Review (NBR): Mejor película extranjera.

• Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor película.

• Satellite Awards: Nominada a Mejor película extranjera y mejor actriz (Riva).

• Premios Guldbagge: Mejor película extranjera.

martes, 26 de febrero de 2013

'Xibalba' Es la nueva película de Carla Ortiz

Carla Ortiz, la hermosa actriz boliviana, se está preparando para ser protagonista de otra película, esta vez de ciencia ficción. Ella cuenta que la película se llama "Xibalba", que es un nombre maya del inframundo maya. "Tengo el papel protagónico, es una de las mejores buceadoras en el mundo de cavernas subterráneas", contó. Asimismo, dijo que es un personaje "fuerte" porque se trata de una mujer latina que es encargada de uno de los equipos de buceadores "más importantes que probablemente hará historia". La bella actriz estará al lado de artistas latinoamericanos.

Filme. Ortiz sostuvo que la preproducción se iniciará el 13 de marzo en México, con el director Joaquín Rodríguez (basado en películas de terror) y el productor Carlos Calderón, mientras que el rodaje será probablemente la primera semana de abril, en la Riviera Maya, en México. "Es una experiencia maravillosa para mí porque será una película de ciencia ficción", aseguró la actriz. Según ella, es la primera vez que se hace una película en Latinoamérica, donde la mujer es una heroína que pelea contra monstruos. Del mismo modo, manifestó que el entrenamiento es fuerte porque tiene que aprender a bucear, montar caballo y manejar armas. "Estoy emocionada porque es la primera vez que haré una película de ciencia ficción", aseveró.

'Olvidados'. Es otra de las películas de las que participó Carla Ortiz, quien sostuvo que la etapa de rodaje ya culminó. "Estamos en la postproducción, que corresponde a la edición. En cuanto a la selección de imágenes, musicalización, efectos especiales" se demora entre dos a cinco meses, contó. Añadió que esperan tenerla lista para el mes de septiembre. "Olvidados" es una película de la Operación Cóndor, a finales de los años '70 y principios de los '80, con el tema de las dictaduras, desaparecidos, el plan conjunto en los diferentes países. Las locaciones son Argentina, Chile, Bolivia y Nueva York.

Woody Allen, único

Lo reconozco, tengo una debilidad. Es escuchar la inconfundible música de los créditos iniciales de sus películas y experimentar esa sensación punzante en el pecho: la flecha del amor que te atraviesa como la primera vez.

Siempre la misma sobriedad en la tipografía, blanca sobre fondo negro, unos créditos premeditadamente largos para hacer de la espera no un momento de tedio, sino un verdadero placer porque uno sabe que esos minutos, esos deliciosos minutos, provocan en el espectador la certeza de no ser sino el preludio de que algo bueno, inolvidable diría yo, va a suceder a continuación.

Y entonces los créditos desvelan el misterio para los que aún no lo hubiesen adivinado: escrita y dirigida por Woody Allen.

reflexivo y singular

El cine de Allen es una reflexión sobre el cine en sí mismo desde una perspectiva de la problemática humana, en ocasiones abordada a través del humor más hilarante y en otras a través de diálogos que no sólo quedan en la memoria, sino que expresan una faceta del ser humano que otras cinematografías ocultan con el objetivo de no incomodar al espectador.

Allen tiene la habilidad de llevar a cabo esta tarea de disección del alma humana que puede resultar ardua y difícil de digerir sin por ello evitar que de nuestra boca escapen, en los mejores casos, estruendosas carcajadas.

hito cinematográfico

Annie Hall supone un punto y aparte en su extensa filmografía, ya que se acerca al cine dramático que Allen siempre había admirado sin que por ello desaparezca la chispa que brilla en sus magníficas e hilarantes primeras comedias inspiradas en el humor absurdo de Chaplin, Buster Keaton, los hermanos Marx o Harold Lloyd, tales como Take the money and run (1969) o Sleeper (1973).

En 1979 se estrenó Manhattan, que recupera el tono de Annie Hall y logra convertirse por méritos propios (únicamente sus créditos iniciales son una verdadera obra de arte) en uno de los hitos cinematográficos de la historia.

época dorada

Las dos décadas que siguen al estreno de sus mayores obras de arte están protagonizadas por filmes que juegan al despiste entre el drama y la comedia.

Películas inolvidables como The purple rose of Cairo (1985) o Hannah and her sisters hacen de los últimos años de la década de los 80 una nueva época dorada en la filmografía alleniana, que continúa produciendo películas de gran calidad hasta comienzos de los 2000.

tragedia

Con el estreno de Anything else (2003) se presagia la tragedia: además del enorme error de casting que puso al frente del filme a Jason Biggs, el cine de Woody Allen, con las excepciones de Melinda and Melinda (2004) y Match Point (2005) –aunque en este último caso tenga mis reservas–, se convierte en un cine insulso y que carece de la calidad propia de su artífice.

profundo y ligero

El cine de Allen se caracteriza por ser un cine profundo y a la vez ligero, pero sobre todo por ser un cine capaz de mantener su sello de identidad inconfundible sin caer jamás en la repetición.

Así que, a pesar de que los últimos diez años de su carrera han sido un intento en vano por permanecer fiel a su estilo y ofrecernos la maravillosa cita anual a la que nos tenía acostumbrados, el cine de Woody Allen supera con creces en cuanto a guión y realización a gran parte de las películas que cada año se estrenan procedentes de los Estados Unidos. (Extracine)

Hitchcock El maestro del suspenso

Psicosis, dirigida por el "maestro del suspenso" Alfred Hitchcock, es quizás una de las películas más emblemáticas de suspenso y terror de la historia del cine. "Hitchcock", el próximo estreno de Manfer Films para el jueves 7 de marzo, narra cómo en la cima de su carrera de director Alfred Hitchcock (Anthony Hopkins) decide filmar esta película, aparentemente de bajo presupuesto, y el resultado la vuelve un fenómeno internacional y una de las películas más famosas e influyentes de todos los tiempos. Además de Hopkins, los otros protagónicos son para Helen Mirren, que interpreta a la esposa del director; Alma Reville y Scarlett Johansson como Janet Leigh. La cinta estará en estos días proyectándose en salas cruceñas.

Detalles de producción

• La película está basada en el libro "Alfred Hitchcock and the Making of Psycho", de Stephen Rebello.

• Oscar de la Renta, Dior y Donna Karan han homenajeado a la sofisticada elegancia que introducía el director para las protagonistas de sus filmes, en sus colecciones de pasarela.

• El tipo favorito de protagonistas que tenía el director británico eran las famosas "Rubias de Hitchcock". "Él amaba a las rubias y no podía entender el por qué las mujeres no teñían su cabello por el privilegio de trabajar con él", dice el actor Joseph Cotton, quien trabajó con él en dos películas.

Ficha técnica

Título original: Hitchcock.

Género: Drama.

Director: Sacha Gervasi.

Guión: John J. McLaughlin, Stephen Rebello.

Reparto: Anthony Hopkins, Helen Mirren, Scarlett Johansson, James D'Arcy, Jessica Biel, Toni Collette, Danny Huston, Michael Stuhlbarg, Kurtwood Smith y Richard Portnow.

Video con las 10 mejores actuaciones en la historia del cine.

lunes, 25 de febrero de 2013

Depardieu anuncia planes de película sobre Grozni durante visita a Chechenia



El actor Gérard Depardieu, ciudadano ruso desde principios de año, anunció sus planes de realizar una película sobre la capital de Chechenia, Grozni, durante una visita a la república norcaucásica rusa.

"Quiero hacer cine aquí. Demostrar que en Grozni se puede hacer una película, una gran película. Sobre Chechenia se dice mucho que es una región difícil. Quería venir y verlo por mí mismo", afirmó Depardieu, citado hoy por las agencias locales.

Depardieu se mostró "convencido de que aquí vive gente realmente feliz, ya que para bailar y cantar como lo hacen los chechenes, hay que ser verdaderamente feliz".

"Quiero contar cómo una persona logró reconstruir una ciudad en cinco años. Yo vi como era hace cinco años. Los chechenes son un pueblo muy orgulloso y antiguo. Ustedes tienen un folclore muy marcado", señaló.

El actor, quien reconoció que aún sabe poco sobre la cultura chechena, aseguró que tenía muchas ganas de regresar a Grozni para ver otra vez las danzas populares que tanto le impresionaron cuando visitó la ciudad hace varios meses.

Hace unos días, Depardieu, quien interpretó en 2011 a Rasputin en una coproducción ruso-francesa para la televisión, también mostró un gran interés por el jefe cosaco, Yemelián Pugachov, que se rebeló contra los zares a finales del siglo XVIII.

El líder chechén, Ramzán Kadírov, le concedió hoy la ciudadanía honorífica de la república y las llaves de un apartamento de cinco habitaciones en Grozni, algo criticado por los medios rusos.

"Gerard Depardieu ya no es sólo nuestro invitado. La República de Chechenia es ahora su casa. Usted conoce toda la belleza y profundidad de la cultura del pueblo chechén", aseguró Kadírov.

Después de que Depardieu anunciara su decisión de renunciar a la ciudadanía francesa, Kadírov se ofreció a acoger en Chechenia al legendario artista, al que definió como "un humanista, un hombre con mayúsculas".

No obstante, Depardieu ya se empadronó este sábado como residente permanente en la ciudad de Saransk, capital de la república de Mordovia, en la parte europea de Rusia.

"No querría vivir en Moscú. Hay mucho tráfico, lo que es muy estresante. Allí (en Saransk) creo que estaré mucho más tranquilo", dijo.

El mes pasado, las autoridades mordovas le propusieron a Depardieu el cargo de titular de Cultura de la república, ofrecimiento que declinó con el argumento de que él es "ministro de Cultura del mundo".

El actor, un mito en Francia, decidió renunciar a la ciudadanía gala y trasladar su domicilio fiscal a Bélgica debido a la decisión del Gobierno francés de elevar hasta el 75 % el impuesto a la renta de los más ricos.

La historia de resistencia de Natascha Kampusch llega al cine

¿Bastan 3.096 días de humillación, miedo y violencia para doblegar a alguien? Ese tiempo es el que da título a la película sobre los ocho años de secuestro de Natascha Kampusch, una historia de dominación y resistencia que tiene hoy en Viena su
estreno mundial.

La cinta, basada en la autobiografía del mismo nombre, narra una lucha de voluntades: la del secuestrador por dominar, más bien domar, a una niña de diez años; y la de Kampusch, que se defiende con armas que van desde la rebeldía infantil a la sensualidad de una adolescente obligada a crecer deprisa.

"Estaba claro que sólo uno de nosotros sobreviviría. Y al final fui yo. Y no él". La frase con la que arranca la cinta es el culmen de ese enfrentamiento, que la película detalla sin efectismo pero sin esconder la violencia que sufrió Kampusch.

El secuestro, el 2 de marzo de 1998, de una niña de diez años que iba camino del colegio fue el principio de uno de los casos policiales y mediáticos más comentados de la última década.

Wolfgang Priklopil, un técnico de telecomunicaciones en paro la raptó y la ocultó en un zulo de seis metros cuadrados, oculto bajo una puerta acorazada y bajo el garaje de su casa.

Ocho años más tarde, una joven delgada irrumpió en el jardín de una casa a las afueras de Viena y anunció quién era y que había logrado escapar. Su captor se suicidó ese mismo día.

La película presentada hoy tiene a la británica Antonia Campbell-Hughes como protagonista, encarnando a Kampusch.

"Para mí es una heroína", ha referido la actriz al referirse a la austríaca. Campbell-Hughes define su personaje como el de una joven que poco a poco va madurando y decide que no quiere someterse más a su destino.

Así, Kampusch va abriendo grietas en la salvaje exigencia de sumisión de su captor. Una ducha, un paseo, una excursión. Pequeñas victorias que desequilibran la relación de dominante y dominada.

"Estás tan atado a mí como yo a ti", espeta en otro momento Kampusch a Priklopil, interpretado por el danés Thure Lindhardt.
En las casi dos horas de metraje, la directora Sherry Hormann muestra sin tapujos la violencia ejercida sobre Kampusch: hambre, oscuridad, palizas, soledad y violación.

Este tema, si hubo o no relaciones sexuales, si fueron consentidas u obligadas, ha sido el mayor interés de los medios sensacionalistas y una excusa incluso para arrojar dudas sobre la condición de víctima de Kampusch.

Aunque ni en entrevistas ni en su autobiografía ella se ha referido nunca al tema, la película cuenta que Priklopil abusó de una Kampusch ya adolescente que, en algún instante, encuentra incluso en ese sexo forzado una pincelada de cercanía y cariño.

La relación de secuestrador y secuestrada es explicada en toda su complejidad patológica. Priklopil juega a ser desde el padre severo pero magnánimo al novio capaz de hacer regalos a cambio de gratitud y admiración.

"Soy tu familia, tu padre, tu madre, tú abuela", le dice él a ella, en un resumen de su intento de anular a su víctima.

"El mayor desafío fue encontrar el equilibrio adecuado, para no mostrar a Priklopil ni como un completo psicópata ni como un demente absoluto", ha explicado el actor Thure Lindhardt sobre el complejo papel que le ha tocado interpretar.

Para el rodaje del filme, que llagará este jueves a los cines austríacos y alemanes, se reprodujo completamente el zulo donde Kampusch pasó los primeros cuatro años de su secuestro.


EFE

domingo, 24 de febrero de 2013

Actor que encarnó a Luke Skywalker podría unirse a la nueva entrega de "Star Wars"

Las nuevas entregas de la saga "Star Wars" podrían convertirse en una verdadera reunión de estrellas de la trilogía original.

Así lo indica "The Vulture", al asegurar que Mark Hamill, quien interpretó originalmente a Luke Skywalker, se encuentra en conversaciones con el recién fichado guionista Michael Arndt ("Toy Story 3").

"George (Lucas) quería saber si estábamos interesados. Él dijo que si no queríamos hacerlo, ellos no les ofrecerían los papeles a otros actores… pero igual nos iban a escribir", comentó Hamill.

El actor, quien es fanático de la saga, explicó a la revista que espera que esta última trilogía sea parecida a la primera, y no como las precuelas.

"Le dije a George que quería regresar a lo que era originalmente, en el sentido de que la nuestra era mucho más despreocupado, alegre y chistoso, por lo menos en mi opinión", aseguró. Otra cosa de la que quería saber es si íbamos a estar todo el elenco nuevamente. Carrie, Harrison, Billy Dee y Tony Daniels, todos los que estuvismos en la original. Quiero asegurarme que todos están a bordo, no sólo uno", agregó.

A finales de enero de este año, Disney confirmó que la nueva entrega de "Star Wars" será dirigida por J.J. Abrams.

sábado, 23 de febrero de 2013

Michael Haneke dirigió una historia de amor, dolor, devoción y vida


Michael Haneke ha vuelto a sorprender con su último filme, Amor, una durísima pero tierna historia de amor, de dolor, de devoción y de vida, una película tan profunda como las que suele dirigir el director austríaco, que reconoce que no quiere “crear un mundo que sea inmediatamente olvidable”.

En una entrevista con un reducido grupo de medios, entre ellos Efe, Haneke se mostró especialmente emocionado con el trabajo de la pareja protagonista, los franceses Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva, que dan una toda una lección de interpretación y entrega en este Amor.

El guion fue escrito para Trintignant, un actor con el que Haneke quería trabajar. “Es un increíble ser humano y no conozco a muchos actores que lo sean (...) Siempre ha sido uno de mis actores favoritos, tiene ese misterio de no saber exactamente qué tienen dentro, muy poco actores lo tienen”.

Y el trabajo de Trintignant estuvo muy por encima de las expectativas y esperanzas del director, así como el de Riva. “Fue increíble lo que dieron al filme”, asegura Haneke.

Trintignant y Riva interpretan a un matrimonio feliz, que viven su vejez con tranquilidad hasta que a la mujer le diagnostican una enfermedad y comienza la última etapa de una vida que recorrerán juntos y solos, sin querer que nadie ni nada entorpezca ese viaje.

“No era mi intención hacer un retrato de una generación, siempre hay una generación previa, gente que envejece, pero no era ese mi objetivo haciendo este filme”, explica pausadamente el realizador.

La idea era centrarse en algo a lo que todos tenemos que enfrentarnos. “En nuestra vida, en nuestra familia o en nuestro círculo más próximo de amigos hemos visto sufrir mucho a alguien a quien queremos y es muy duro tener que verle pasar por ello. Ese era el punto de partida del filme”.

Y si situó la historia en la vejez fue por el hecho de que Trintignant es mayor y Haneke quería a toda costa trabajar con él.

Quizás, reflexiona, “hubiera sido posible hacer el filme sobre una pareja cuyo hijo de treinta años muere de cáncer, pero hubiera sido diferente, porque el cáncer es el destino individual y es trágico porque es alguien que muere muy joven, pero no es algo global, no es un hecho universal al que todos tendremos que enfrentarnos en algún momento de la vida”.

Es una película sobre “cómo enfrentarse al sufrimiento de alguien que queremos profundamente”. Y eso, agrega, “no está determinado por la edad”.

Un sufrimiento con el que el realizador ha buscado, como siempre, perturbar al espectador, llevarle a una parte de sí mismo que no conoce, “crear una experiencia intensa para la audiencia, llegar a lo más profundo del asunto que trata, ese es el desafío”.

En este caso, Haneke considera que “no hay algo más hondo que ser forzado a mirar al sufrimiento de alguien que amas sin poder ayudarle”.

‘Iron Man 3’, nueva saga de Marvel Studios


Con un presupuesto de 225 millones de dólares, Iron Man 3 es una próxima película de superhéroes presentando al superhéroe Iron Man, de Marvel Comics, producida por Marvel Studios y distribuida por Walt Disney Pictures. Será la secuela de Iron Man (2008) y Iron Man 2 (2010), y será la primera película con la que se dará inicio a la segunda fase del Universo Cinematográfico de Marvel, siendo el primer gran estreno de la franquicia después de Los Vengadores (2012) que fue la sexta y última película de la primera fase del ya mencionado universo cinematográfico. Shane Black está establecido para dirigir un guión escrito por él mismo y Drew Pearce, el cual estará basado en la historia ‘Extremis’ de Warren Ellis. Jon Favreau, quien dirigió las dos primeras películas, sirve como productor ejecutivo junto con Kevin Feige. Robert Downey Jr. repite su papel como Tony Stark, con Gwyneth Paltrow y Don Cheadle repitiendo sus papeles como Pepper Potts y James Rhodes, respectivamente.

La película está prevista para ser estrenada el 3 de mayo de 2013 en Estados Unidos (en Bolivia, el estrenó será el jueves 25 de abril). El reparto cuenta con las incorporaciones de los actores Rebecca Hall, Ben Kingsley y Guy Pearce, interpretando a la Dra. Maya Hansen, una doctora que es una de los creadores del virus Extremis, Mandarín, villano principal de la película, y a Aldrich Killian, villano secundario y uno de los creadores del virus Extremis, respectivamente.

LA HISTORIA

El descarado pero brillante empresario Tony Stark (Iron Man) se enfrenta contra un enemigo cuyo alcance no tiene límites. Cuando Stark ve cómo su vida personal queda destruida a manos de su enemigo, se embarca en una angustiosa búsqueda para encontrar a los responsables. En este viaje verá cómo su temple se pone a prueba. Cuando se ve entre la espada y la pared, Stark consigue sobrevivir por sus propios medios, confiando en su ingenio y su instinto para poder proteger a las personas que quiere. Durante su lucha Stark descubrirá la respuesta que le atormentaba: ¿El traje hace al hombre, o el hombre hace al traje?

El cine en proyección: ‘Los Miserables’ Musical que llega al cine trás 150 años

Ciento cincuenta años después de que Víctor Hugo escribiese Los Miserables, el musical basado en esa obra da el salto a la gran pantalla como una historia todavía vigente de la mano del oscarizado director Tom Hooper y con un reparto cargado de estrellas como Hugh Jackman o Anne Hathaway.

“Los Miserables es el gran himno de los desposeídos, tiene ese mensaje de que podemos levantarnos unidos para mejorar las cosas, y creo que hay algo inspirador en ello precisamente en el momento que estamos viviendo”, dijo el director.

Desde las protestas del movimiento Ocupa Wall Street en la Gran Manzana hasta los levantamientos populares en Oriente Medio, pasando por las masivas manifestaciones en Europa, el mundo atraviesa un momento “de ira contra el sistema” que hace más vigente esta historia, aseguró el realizador.

Ambientado en la Francia del siglo XIX, en el centro de Los Miserables se encuentra un grupo de estudiantes revolucionarios que se levanta en armas para luchar contra la corrupción del Gobierno y la pobreza que sufre el pueblo y se atrinchera en pleno corazón de París.

El filme, arranca con la historia de Jean Valjean (Hugh Jackman), quien sufre la implacable persecución del inspector de policía Javert (Russell Crowe) después de romper su libertad condicional tras haber pasado años en prisión por robar un trozo de pan.

Valjean consigue rehacer su vida convirtiéndose en alcalde y propietario de una fábrica, pero su existencia da un giro inesperado cuando una de sus obreras, Fantine (Anne Hathaway), es despedida y, tras tener que venderlo todo, hasta su propio cuerpo, le encomienda el cuidado de su hija.

Gracias a la pequeña Cosette, (Amanda Seyfried) el protagonista “conoce por primera vez lo que es querer”, explica Jackman, y cuando ella se hace mayor y se enamora de un joven revolucionario, Valjean decide ir hasta las barricadas a rescatarle para que se puedan reunir de nuevo.

“Es uno de los grandes personajes literarios y lo veo como un verdadero héroe. Jean Valjean viene de un lugar de dificultad que nunca podría imaginar, y consigue transformarse desde dentro, Hugo utiliza la palabra transfiguración, es más que una transformación, es algo religioso y espiritual”, dijo el actor sobre su personaje.

El australiano, que labró su carrera precisamente en los escenarios de Broadway, celebró que el director de la película decidiera grabar todas las canciones del musical en directo y no hacer “playback”, por lo que sometió a todo el reparto a unas exhaustivas audiciones, incluso al propio Jackman.

Si bien tanto el Wolverine de X-Men como el neozelandés Russell Crowe cuentan con un largo historial musical a sus espaldas, la adaptación cinematográfica de la obra Los Miserables descubre otras voces menos conocidas como la de Anne Hathaway, quien cuenta con su momento estrella en la desgarradora “I Dreamed a Dream”.

La neoyorquina explicó que tuvo que practicar durante semanas para poder cantar y llorar a la vez para interpretar esa balada, en la que Fantine narra el abandono de su pareja y el declive de su vida hasta tener que prostituirse.

Al no tener ninguna forma de relacionarse con su personaje, Hathaway decidió “intentar entrar en la realidad de su historia como existe en nuestros días”, leyendo artículos y viendo documentales sobre la esclavitud sexual.

“Había pensado en Fantine como una mujer del pasado, pero me di cuenta de que está viviendo en Nueva York ahora, probablemente a menos de una manzana de aquí, la injusticia existe en nuestro mundo y vi que ella no era una invención y yo no estaba actuando, sino honrando que este dolor existe en nuestro mundo”, dijo Hathaway.

La película, en la que aparecen otras estrellas como Sacha Baron Cohen y Helena Bonham Carter, es la adaptación al cine de un musical que han visto ya más de 60 millones de personas en 42 países de todo el mundo, lo que supuso un reto para Hooper, quien no saltó a la fama hasta El discurso del Rey hace dos años.

“Soy muy consciente de que millones de personas llevan este musical en el corazón y que probablemente se iban a sentar en el cine y pensar que la habíamos estropeado o dañado su espíritu (...) -reconoció el director-, así que decidí que tenía que proteger el ADN emocional de la obra”.

EL DATO

La música, esta vez, ha superado a la imagen, a la historia y a los actores, pese al tremendo esfuerzo de puesta en escena, de entrenamiento o de grabación en directo. De una película que llegó a las salas de todo el mundo. Anne Hathaway está fantástica como Fantine. Su dramatismo, su sacrificio físico -perdió 11 kilos en cinco semanas- y su gran voz hacen que sea la actriz perfecta para un papel que reafirma su calidad interpretativa. Hugh Jackman cumple en el papel protagonista de Jean Valjean, pese a su, a veces excesiva, omnipresente presencia. Y Russell Crowe compensa con su fuerza la mala calidad de su voz.

Dirigida por Kathryn Bigelow: La noche más oscura


LA HISTORIA

La búsqueda de Osama bin Laden preocupó al mundo y a dos presidentes estadounidenses durante más de una década. Al final, un perseverante equipo de agentes de la CIA consiguió dar con su paradero. Toda la misión estuvo siempre envuelta en el mayor secretismo. Algunos detalles han salido a la luz, pero las partes más significativas de la operación y, sobre todo, el papel que jugó el equipo de agentes, se verán por primera vez en la fascinante película del oscarizado dúo compuesto por Kathryn Bigelow y Mark Boal.

La busca y captura de Bin Laden está descrita con intensidad, sin dejar de lado la fidelidad a los hechos, llevando al espectador hasta el corazón del poder y a la primera línea de la histórica misión, que culmina con el asalto, por parte de las Fuerzas Especiales, a una misteriosa residencia en Pakistán.

Pero lo que realmente diferencia La noche más ocura, de todos los demás relatos sobre estos hechos son los preparativos. La búsqueda de Bin Laden era una misión sumamente peligrosa, y no sobrevivieron todos los agentes involucrados. Algunos expertos de los servicios secretos estaban convencidos de que era imposible llevarla a cabo pero, en la práctica, un esforzado equipo de analistas e interrogadores desafió todas las dificultades y demostró que tenía razón. Por primera vez, la lucha por encontrar a Osama bin Laden se cuenta detalladamente y con gran inmediatez.

1NOTAS DE PRODUCCION

El primer desafío al que debieron enfrentarse Bigelow y Boal para desarrollar La noche más oscura, era cómo contar una historia de tal magnitud en el tiempo que durará una película. La narración incluye acontecimientos dramáticos que ocurrieron durante una década en numerosos países y que requieren un reparto muy bien escogido de cientos de personas y un equipo técnico realmente entregado para capturar la realidad de la misión con la mayor emoción y autenticidad posible. Para conseguirlo, los cineastas no se quedarán cortos a la hora de documentar las reglas éticas -tortura incluida- que los agentes se saltaron para conseguir el objetivo. La intención de los cineastas ha sido crear una obra cinematográfica con la envergadura dramática y emocional de una novela histórica. Zero Dark Thirty título original “Cero oscuro treinta” procede de la jerga militar y significa “noche oscura hora”, las 00:30, cuando los SEAL de la Marina pusieron el pie en los terrenos del complejo donde se había refugiado Bin Laden) es el proyecto más ambicioso de Kathryn Bigelow hasta la fecha. Con un despliegue de todo el arsenal de las artes fílmicas, desde las naturalistas interpretaciones de un reparto coral con Jessica Chastain, Jason Clarke, Joel Edgerton, Jennifer Ehle, Mark Strong, Kyle Chandler y Édgar Ramírez, entre otros.

Homenaje en la Cinemateca Ganadores del Oscar a mejor película extranjera

Desde mañana jueves, la Cinemateca Sur rinde un homenaje a las mejores películas galardonadas como mejor película extranjera de los Premios Oscar.

Desde 1956, la Academia decidió nombrar una categoría especial reconociendo a las películas no producidas en EE.UU. con una categoría que se denominó Mejor Película de Habla no Inglesa, reconociendo de esta manera la producción cinematográfica realizada en todo el mundo.

EL TIGRE Y EL DRAGÓN

(Ang Lee). Taiwán. Año 2000

Li Mu Bai, un legendario experto en artes marciales, ha decidido dejar en herencia su espada mágica, la Espada Celestial, a su mejor amigo. Además, le pide a YuSha, una poderosa guerrera de la que está enamorado, que custodie la espada hasta que llegue el momento de entregarla.

(Jueves 21 de febrero)

LA HISTORIA OFICIAL

(Luis Puenzo). Argentina. Año 1985

Buenos Aires, 1983. En los últimos años de la dictadura militar argentina, una acomodada profesora de historia comienza a tomar conciencia de lo ocurrido en ese periodo.

(Viernes 22 de febrero)

EL DISCRETO ENCANTO DE LA BURGUESÍA

(Luis Buñuel). Francia. Año 1972

Don Rafael Costa, embajador de Miranda, y el matrimonio Thévenot están invitados a cenar en casa del matrimonio Sénechal, pero a causa de un malentendido tienen que ir a un restaurante.

(Sábado 23 de febrero)

EL FESTÍN DE BABETTE

(Gabriel Axel). Dinamarca. 1987

Siglo XIX. En una remota aldea de Dinamarca, dominada por el puritanismo, dos ancianas hermanas, que han permanecido solteras, recuerdan con nostalgia su lejana juventud y la rígida educación que las obligó a renunciar a la felicidad.

(Domingo 24 de febrero)

EL TAMBOR DE HOJALATA

(VolkerSchlöndorf). Alemania. 1979

El día de su tercer cumpleaños es una fecha determinante en la vida de Oskar. No sólo es el día en que toma la decisión de dejar de crecer, sino que recibe su primer tambor de hojalata.

(Lunes 25 de febrero)

CARÁCTER

(Mike van Diem). Holanda. 1997

Katadreuffe es un joven que atraviesa por dificultades económicas en la Rotterdam de los años 20. Vive bajo la tiranía de su padre, el dominante alguacil Dreverhaven, un hombre que todavía no ha aceptado que la madre del chico lo abandonara, y que vuelca toda su rabia y fustración sobre su hijo.

(Martes 26 de febrero)

CINEMA PARADISO

(Giuseppe Tornatore). Italia. 1989.

La película narra la historia de un niño de un pueblecito italiano, en el que el único pasatiempo es disfrutar de las películas del cine Paradiso. Subyugado por las imágenes en movimiento, Salvatore cree ciegamente que el cine es magia, pero, un día, Alfredo, el operador, accede a enseñarle al pequeño los misterios y secretos que se ocultan detrás de una película.

(Miércoles 27 de febrero)

‘Oz, el poderoso’ Disney apuesta a la fantasía


¿QUÉ ES OZ, EL PODEROSO?

Una fantástica aventura de Disney dirigida por Sam Raimi, imagina los orígenes del célebre personaje de L. Frank Baum. Cuando Oscar Diggs (James Franco), un mago de circo de poca monta con un dudoso sentido de la ética, es arrojado desde la polvorienta Kansas hacia la apasionante Tierra de Oz, está convencido de haberse sacado la lotería, la fama y la fortuna parecen eternas.

Pero pronto conoce a tres brujas, Theodora (Mila Kunis), Evanora (Rachel Weisz) y Glinda (Michelle Williams), que no están tan seguras de que él sea el gran mago que todos estaban esperando. A regañadientes, Oscar deberá enfrentarse con los problemas épicos que le presentan la Tierra de Oz y sus habitantes, y tendrá que descubrir quiénes están de su lado y quiénes son sus enemigos antes de que sea demasiado tarde.

Con sus conocimientos del arte de la magia, que incluyen ilusión, ingenuidad y un poco de hechicería, Oscar se transformará no sólo en el gran Mago de Oz sino también en un hombre mejor.

MARIAY CAREY EN LA BANSA SONORA

La cantante Mariah Carey es la encargada de dar voz al tema principal de la película Oz, el poderoso, precuela del clásico El Mago de Oz. Dicha canción tiene el título de ‘Almost Home’ (Casi en el hogar).

Según la nota oficial de Disney, el tema ‘Almost Home’ fue lanzado como single desde el sello de Mariah Carey, Island Def Jam, ayer martes 19 de febrero. La dirección del videoclip musical corrió por cuenta de David LaChapelle, antiguo colaborador de Mariah Carey.

A pesar de que Mariah Carey no vive su mejor momento profesional, nos recuerdan en la nota, que fue capaz de vender más de 200 millones de discos, así como contando con un total de nada menos que dieciocho números 1 en la lista Billboard. Sin olvidar sus cinco premios Grammy, nueve American Music Awards, premio Artista Billboard de la década, o el World Music Award como la mayor artista en ventas.

Oz, el poderoso se presenta como una precuela del clásico del año 1939 El Mago de Oz, basado en la novela de L Frank Baum. Un imaginativo proyecto que, a priori, genera un gran interés. Sobre todo por tratarse el esperado nuevo trabajo de Sam Raimi, después de su salida de la franquicia Spiderman.

Oz, el poderoso se rodó durante catorce semanas, y principalmente utilizando localizaciones de Michigan. Con su estreno marcado para el 8 de marzo de 2013.

James Franco también tiene previsto llegar hasta nuestros cines con la película Spring Breakers.

Tan conmovedora como puede llegar a ser el cine… El sueño de Lú

Ganadora en el Festival Internacional de Cine de Shanghai, en la categoría de Mejor Actriz para Ursula Pruneda y galardonada con una mención honorífica en el Festival Internacional de Cine de Morelia, El Sueño de Lú, ha sido considerada como una historia hermosa, desgarradora y extremadamente conmovedora.

SINOPSIS

Después de un intento de suicidio, Lucía tendrá que resignificar su vida para poder seguir adelante. Al enfrentar el duelo por la pérdida de su hijo, encontrará nuevos vínculos y pequeños milagros. Un encuentro y un viaje inesperado abrirán el espacio para comprender que puede permanecer en la vida y descubrirá que la eternidad se contiene en un instante.

LA PRODUCCIÓN

El Sueño de Lú (México, 2011), de Hari Sama, llegó a nuestro medio, precedida de un exitoso recorrido por diversos festivales cinematográficos y del premio Golden Globet como Mejor Actriz en el Festival de Shanghai para Úrsula Pruneda.

Dividido en tres secciones identificadas como “movimientos” a manera de partitura musical, el filme aborda el proceso de duelo de Lucía (Úrsula Pruneda), quien tras la pérdida de su hijo a causa de un aneurisma cerebral, busca encontrarle sentido a su vida. En el camino hacia su redención, Lucía descubrirá nuevos vínculos y pequeños milagros, además, un encuentro y un viaje inesperado le abrirán la posibilidad de un nuevo espacio para comprender que puede permanecer en la vida y, al mismo tiempo, descubrirá que la eternidad se contiene en un solo instante.

En palabras del realizador Hari Sama, “El Sueño de Lú es una película que al hablar del dolor, evidencia la compasión e insiste en la búsqueda, no huyendo del misterio, sino arrojándose en él. Es una historia que sigue la odisea de su protagonista con una mirada compasiva que no juzga ni sobre dramatiza, donde el mayor reto es lograr una visión íntima y natural, que no disfraza el dolor y que encuentra en su lenguaje una manera de privilegiar visualmente el detalle y las cosas pequeñas”.

Exhibida por primera vez en el Festival Internacional de Cine de Morelia, El Sueño de Lú es el segundo largometraje de Hari Sama, cuya ópera prima Sin ton ni Sonia (México, 2003) -filmada bajo el nombre de Carlos Sama- resultó galardonada con el Premio del Público en el Festival de Cine de Guadalajara y estrenada a nivel internacional el Festival de San Sebastián.

Actualmente, el director Hari Sama, quien estudió la licenciatura en Cine en el Centro de Capación Cinematográfica (CCC) y composición musical en el C.I.E.M., se encuentra trabajando en un taller de teatro permanente y en el largometraje Despertar el polvo.

Oblivion

Una película que es esperada para febrero y la primera sinopsis se presenta "En un futuro espectacular, en el que la Tierra ha evolucionado más allá de lo que podemos esperar, el enfrentamiento de un hombre con su pasado. El cual lo guiará en un viaje de redención y descubrimiento mientras lucha para salvar a la humanidad.

Jack Harper (Tom Cruise) es mecánico y operador de aviones no tripulados destinados en la tierra. Forma parte de una operación masiva para extraer los recursos vitales después de décadas de una aterradora amenaza conocida como los Scavs. La misión de Jack está casi completa. Vive patrullando los espectaculares cielos a miles de metros de altura. Toda su vida cambia por completo cuando rescata a una bella desconocida. Lo cual provoca una serie de acontecimientos que le hará cuestionarse todo lo que sabe, poniendo el destino de la humanidad en sus manos".

Además del argumento, los productores han remarcado que el filme se rodó en 4K, para ofrecer la mayor resolución posible. Ubicando el rodaje en diferentes localizaciones de Estados Unidos e Islandia.



FICHA TÉCNICA

Título: Oblivion el tiempo del olvido

Género: A confirmar

Duración: 120 minutos

Estreno: jueves 11 de abril de 2013

Clasificación: A confirmar

Director: Joseph Kosinski

Actores: Tom Cruise, Morgan Freeman, Olga Kurylenko, Melissa Leo

viernes, 22 de febrero de 2013

Los estrenos en el cine

“El mensajero (Snitch), Cielos Negros (Dark Skies) e Inescapable, son las películas de estreno de este fin de semana que anuncia la cartelera norteamericana.

SNITCH “El mensajero ” es un thriller de acción con Dwayne Johnson (“Fast five”) y Susan Sarandon. Ric Roman Waugh, dirige el filme a partir de un guión que él mismo ha escrito con Justin Haythe (por cierto, su historia se basa en un documental).

En la película, un padre (Johnson) recibe un duro golpe cuando condenan a su hijo adolescente a permanecer varios años en la cárcel por un asunto relacionado con las drogas. Para intentar que se reduzca su condena, el hombre intenta dar con el paradero de un importante traficante.

El mensajero. cuyo título original es Snitch. está dirigida por: Ric Roman Waugh y es de género: Acción, thriller. Interpretada por: Dwayne Johnson, Susan Sarandon, Jon Bernthal y Benjamin Bratt.

DARK SKIES Descrita como un thriller psicológico sobre una pareja de los suburbios cuya vida se convierte en una pesadilla cuando una aterradora presencia alienígena entra en su casa cada noche para acechar a sus hijos. Cada vez más aislados de unos amigos y vecinos que dudan de los hechos, la pareja se verá obligada a solucionar el problema con sus propias manos para salvar a su familia.

El título original es Dark Skies, dirigida por Scott Stewart, Guión: Scott Stewart , integran el reparto: Keri Russell, Josh Hamilton, Dakota Goyo, Kadan Rockett, J.K. Simmons.

martes, 19 de febrero de 2013

La Ci­ne­ma­te­ca Sur se pre­pa­ra pa­ra el Os­car

Del jue­ves 21 de fe­bre­ro al miér­co­les 6 de mar­zo, la Ci­ne­ma­te­ca Sur rin­de un ho­me­na­je a las me­jo­res pe­lí­cu­las ga­lar­do­na­das co­mo me­jor pe­lí­cu­la ex­tran­je­ra en la pre­mia­ción más re­co­no­ci­da del mun­do: El Os­car, o los Pre­mios de la Aca­de­mia La pri­me­ra ce­re­mo­nia de en­tre­ga de los Aca­de­mia de las Ar­tes y las Cien­cias Ci­ne­ma­to­grá­fi­cas, tu­vo lu­gar el 16 de ma­yo de 1929, en el ho­tel Roo­se­velt en Los Án­ge­les, en ho­nor a los lo­gros ci­ne­ma­to­grá­fi­cos ob­te­ni­dos en los años de 1927 a 1928. Y no fue si­no has­ta 1956, que la Aca­de­mia de­ci­dió nom­brar una ca­te­go­ría es­pe­cial re­co­no­cien­do a las pe­lí­cu­las no pro­du­ci­das en EEUU con una ca­te­go­ría que se de­no­mi­nó Me­jor Pe­lí­cu­la de ha­bla no in­gle­sa, re­co­no­cien­do de es­ta ma­ne­ra la pro­duc­ción ci­ne­ma­to­grá­fi­ca rea­li­za­da en to­do el mun­do.

La Ci­ne­ma­te­ca Sur res­ca­ta en un ci­clo es­pe­cial 7 pe­lí­cu­las ga­na­do­ras en es­ta ca­te­go­ría, y que mar­ca­ron la his­to­ria del ci­ne pa­ra sus paí­ses y pa­ra la con­cep­ción de los mis­mos des­de la in­dus­tria de Holly­wood. Es­tas pe­lí­cu­las son de dis­tin­tas épo­cas, que se han con­ver­ti­do en clá­si­cos muy es­pe­cia­les del ci­ne mun­dial.

CAR­TE­LE­RA

EL TI­GRE Y EL DRA­GÓN (ANG LEE)- TAI­WÁN

Ga­na­dor Os­car Me­jor Pe­lí­cu­la Ex­tran­je­ra del año 2000.

Li Mu Bai, un le­gen­da­rio ex­per­to en ar­tes mar­cia­les, ha de­ci­di­do de­jar en he­ren­cia su es­pa­da má­gi­ca, la Es­pa­da Ce­les­tial, a su me­jor ami­go. Ade­más, le pi­de a Yu Sha, una po­de­ro­sa gue­rre­ra de la que es­tá ena­mo­ra­do, que cus­to­die la es­pa­da has­ta que lle­gue el mo­men­to de en­tre­gar­la. La pe­lí­cu­la se po­drá apre­ciar el 21 y 28 de fe­bre­ro.

LA HIS­TO­RIA OFI­CIAL (LUIS PUEN­ZO) - AR­GEN­TI­NA

Ga­na­dor Os­car Me­jor Pe­lí­cu­la Ex­tran­je­ra del año 1985

Bue­nos Ai­res, 1983. En los úl­ti­mos años de la dic­ta­du­ra mi­li­tar ar­gen­ti­na, una aco­mo­da­da pro­fe­so­ra de his­to­ria co­mien­za a to­mar con­cien­cia de lo ocu­rri­do en ese pe­río­do. Sus sos­pe­chas so­bre los os­cu­ros asun­tos de su ma­ri­do y una Abue­la de la pla­za de Ma­yo que bus­ca a su nie­ta son los mo­ti­vos que la lle­van a re­plan­tear­se "la his­to­ria ofi­cial". Las fun­cio­nes se­rán el 22 y el 1º de mar­zo.

EL DIS­CRE­TO EN­CAN­TO DE LA BUR­GUE­SÍA (LUIS BU­ÑUEL) - FRAN­CIA

Ga­na­dor Os­car Me­jor Pe­lí­cu­la Ex­tran­je­ra del año 1972.

Don Ra­fael Cos­ta, em­ba­ja­dor de Mi­ran­da, y el ma­tri­mo­nio Thé­ve­not es­tán in­vi­ta­dos a ce­nar en ca­sa del ma­tri­mo­nio Sé­ne­chal, pe­ro a cau­sa de un ma­len­ten­di­do tie­nen que ir a un res­tau­ran­te. Cuan­do lle­gan, no pue­den ce­nar por­que el due­ño del lu­gar ha muer­to. A par­tir de ese mo­men­to, las reu­nio­nes de es­te se­lec­to gru­po de bur­gue­ses se ve­rán siem­pre in­te­rrum­pi­das por las cir­cuns­tan­cias más ex­tra­ñas, al­gu­nas rea­les y otras fru­to de su ima­gi­na­ción. La pe­lí­cu­la se pro­yec­ta­rá el 23 y 2 de mar­zo.

Arriba lo nuevo de Denzel Washington El Vuelo

Este film dirigido por Robert Zemeckis y protagonizado por Denzel Washington relata la historia de un piloto comercial que tras un aterrizaje de emergencia en medio del campo gracias al cual salvan la vida un centenar de pasajeros, el comandante Whip Whitaker, encarnado por Denzel Washington, que pilotaba el avión, es considerado un héroe nacional. Sin embargo, cuando se pone en marcha la investigación para determinar las causas del incidente, se averigua que el capitán tenía exceso de alcohol en la sangre y que puede ir a la cárcel si se demuestra que estaba volando el avión en estado de ebriedad.

Este film contiene además un apasionante y completo estudio de personajes interpretados por gente de la talla de Don Cheadle o John Goodman, solo para mencionar algo. Adicionalmente, este absorbente drama le da a Denzel Washington uno de sus papeles más jugosos y complejos, lo cual le ganado varias nominaciones a diferentes premios como el Globo de Oro o el Oscar como Mejor Actor.

El trabajo de Zemeckis y su equipo también es para destacar ya que ponen todos sus esfuerzos, en gran forma, a disposición del reparto, logrando así una producción de primera. Es un gran film.

Jean Rochefort abandona el cine

El actor francés Jean Rochefort, de 83 años, no volverá a rodar tras haber protagonizado la última película del director español Fernando Trueba El artista y la modelo. Según publicó el diario Le Figaro, el intérprete, que tiene a sus espaldas centenar y medio de trabajos, anunciará el final de su carrera en un programa de televisión. Candidato al Goya al mejor actor por El artista y la modelo en la gala que tuvo lugar la noche del domingo en Madrid, España. Rochefort pondrá fin a su dilatada carrera informó Efe.

domingo, 17 de febrero de 2013

El Bolivia Lab inicia en junio

El laboratorio y clínica de proyectos cinematográficos lanzó su convocatoria para la gestión 2013.

La quinta edición de Bolivia Lab - Laboratorio y Clínica de Proyectos Cinematográficos anuncia la apertura de las convocatorias para las distintos talleres y premios que conforman su oferta. El nuevo capítulo de Bolivia Lab tendrá lugar del 11 al 18 de junio en La Paz y Cochabamba; este año contará con la participación de Ecuador como país invitado. Se desarrollarán distintos talleres de formación y especialización que actualmente tienen su inscripción abierta.
Para los amantes del séptimo arte. El V Laboratorio de Desarrollo de Proyectos Cinematográficos Iberoamericanos está dirigido a profesionales de España y Latinoamérica con proyectos interesados en encontrar potenciales coproductores. Este espacio incluye conferencias, diálogos y mesas de análisis de profesionales de la industria, un taller de guión y encuentros con medios nacionales e internacionales.
Según su página oficial www.bolivialab.com.bo, este año, la convocatoria elegirá un máximo de 23 proyectos, seleccionados de la siguiente manera: cuatro de Bolivia, 14 proyectos iberoamericanos (un proyecto por país), dos proyectos del país invitado (Ecuador), un proyecto seleccionado de países de Centroamérica o del Caribe por Cinergia, un proyecto de BR Lab, y un proyecto elegido por el Observatorio Escuela de Cine Documental.
La selección de cada proyecto se llevará a cabo a través del Instituto Nacional de Cinematografía de cada país iberoamericano. El mejor proyecto recibirá un incentivo de 15.000 dólares en servicios en Filmosonido.
Actividades conjuntas. El Bolivia Lab incluirá entre sus actividades el III Taller Internacional de Guión de Cochabamba, en el que podrán participar guionistas, directores y productores bolivianos e iberoamericanos o profesionales residentes.
Las plazas del taller son limitadas, por lo que sólo se recibirá 15 guiones, de los cuales, tres de ellos obtendrán becas completas y 12 guiones seleccionados en modalidad pago. La sede del curso será en Cochabamba y se desarrollará del 5 al 9 de junio. Al igual que en ediciones anteriores, también está abierta la convocatoria para el “Premio Finaliza- Bolivia Lab”, en el que podrán participar realizadores bolivianos e iberoamericanos con largometrajes en fase final o primer corte. Se seleccionarán tres cintas finalistas que participarán de todas las actividades del Bolivia Lab del 15 al 18 de junio.

7 días durará la quinta versión del Bolivia Lab que se realizará en La Paz y Cochabamba.

Star wars VII Harrison Ford vuelve a ser “Han Solo”

El actor Harrison Ford ha llegado a un acuerdo con Disney para retomar su papel de “Han Solo” para el episodio VII de Star Wars, según contó un periodista de Latino Review en un programa de la cadena Fox News Latino.
La cinta se estrenará en 2015 y el veterano actor encarnaría a su mítico personaje después de 30 años. terra.com

viernes, 15 de febrero de 2013

Arraya afirma que el cine boliviano vive “una interesante transformación”


ARAYA ES PARTE DEL DOC STATION, UN PROGRAMA DE TRABAJO AL INTERIOR DE LA BERLINALE TALENT CAMPUS. GALERÍA(2)

El cochabambino Claudio Araya que hace unos días participó en la Berlinale 2013, presentando el documental “Cuando los muertos están más secos” conversó con EL DIARIO para comentar los pormenores de su trabajo y la participación en uno de los festivales cinematográficos más importantes de Europa.

El Diario (ED).- ¿Cómo surge el interés por el tema que tratas en el documental?

Claudio Araya (CA).- Bueno el tema que me llamó la atención sobre este documental es básicamente el desarraigo, la relación con la tierra y como uno sale de ella. Cómo es que uno abandona su tierra natal para irse a otro lugar muy distinto. Creo que en el fondo el personaje principal es forzado de una forma indirecta a vivir otra realidad irse de un lugar familiar a un espacio en el que es casi invisible.

ED.- ¿Cómo estructuraste la narración que sigue el documental? y ¿Cómo articulaste el sentido estético con respecto al tema que tratas?

CA.- Pues el trabajo de estructura lo planteo desde la ficción, creo que esto es bastante interesante pues, creo que el documental puede aprovechar mucho de las técnicas narrativas de la ficción. Finalmente hoy la ficción y el documental están muy cerca. Uno podría ver los documentales de la Pompeu Favra y podemos descubrir un mundo de posibilidades atractivas. Creo que hay un camino por recorrer en este sentido que abre un mundo de posibilidades. En términos estéticos creo que este es un documental ensayístico en el que exploro un universo lleno de sensaciones en torno a la intimidad de los personajes y los mismos fantasmales recuerdos que lo rodean. Creo que el espacio estético en este documental es un punto en el que quiero hacer énfasis. No sólo es una pesquisa detectivesca (sino) también es una exploración interior.

ED.- ¿Cuál es su perspectiva como un realizador cinematográfico en Berlinale? ¿Cuál es la perspectiva del cine boliviano joven?, ¿Cómo está resultando tu experiencia en la Berlinale?

CA.- Creo que el cine boliviano está cruzando por una muy interesante transformación y eso se verá en estos próximos años. Creo que hay nuevas energías en el cine boliviano en todas partes. La Berlinale es un espacio muy selecto de realizadores, productores y cineastas de todo el mundo. Es un excelente espacio de intercambio, con expertos que ven con una mente muy abierta los proyectos y filmes más innovadores. Es muy refrescante poder intercambiar ideas y sentimientos con mentes tan propositivas. Creo que lo que más podría resaltar es la calidad de las propuestas. En mi caso participo del ‘doc station’ un programa de trabajo al interior de la Berlinale Talent Campus de escritura en profundidad de los proyectos seleccionados en el que soy el único latinoamericano participante a la par de colegas de Alemania, Bélgica, Canadá, India, turbia y Libia. Un grupo muy diversos en temáticas y visiones, que nos permite gozar de una experiencia realmente multinacional.

Descubriendo a Abraham Lincoln


Abraham Lincoln ha estado siempre en el filo de la navaja entre mito y hombre de carne y hueso.

Sin embargo, Lincoln atrae la atención del público ahora más que nunca. Quizás sea porque su figura se ha convertido en un símbolo mundial de la esperanza de que se puede manejar el poder juiciosamente. Quizás porque fue el único presidente de Estados Unidos que trató de sofocar la posibilidad de que se pudiera abolir el gran experimento de una Unión Americana. O quizás sea porque su vida muestra cómo los imperfectos y complicados seres humanos pueden lograr lo que parece increíble e inspirar a aquéllos atrapados por la guerra y por oscuros legados para que cambien de dirección y se lleven bien unos con otros.

La idea de Lincoln y su lado humano poco conocido pero cautivador han atraído la atención del cineasta Steven Spielberg desde que era un niño. Desde entonces, ha leído sobre Lincoln, pensado en Lincoln y ha sido cada vez más consciente de que la intensa y agitada vida de Lincoln está repleta de historias, no sólo inherentes al cine, sino cada vez más relevantes para nuestra época.

“Siempre he querido contar una historia sobre Lincoln porque es una de las figuras más fascinantes de la historia y de mi vida”, afirma Spielberg. “Me acuerdo cuando tenía cuatro o cinco años y fui al Lincoln Memorial, lo aterrorizado que me sentí cuando vi esa estatua tan grande en esa silla, pero cuanto más me acercaba, más me cautivaba su rostro. Nunca olvidaré ese momento, que me dejó haciéndome preguntas sobre ese hombre sentado en esa silla”.

Cuanto más aprendía Spielberg sobre Lincoln, más crecía esa curiosidad. Como sigue contando Spielberg: “Lincoln guió a nuestro país en sus peores momentos y permitió que los ideales de democracia americana sobrevivieran y garantizaran el fin de la esclavitud. Pero también quería hacer una película que mostrara las múltiples facetas de Lincoln. Era un hombre de estado, un líder militar, pero también un padre, un marido y un hombre que estaba siempre mirando en lo más profundo de su ser. Quería contar una historia sobre Lincoln sin caer en el cinismo o en la idolatría a un héroe y que fuera real en toda la enormidad del hombre que fue en su vida privada y en su lado más bondadoso”.

Sin embargo, tanto a Spielberg como al guionista Tony Kushner -que trabajaron juntos en la película Munich- les llevaría una década encontrar la historia adecuada para contar y el modo en que querían contarla. Y cuando por fin lo hicieron, sorprendentemente, se centraron tan sólo en unos pocos pero conmovedores meses de la vida de Lincoln. Esos pocos meses iban a iluminar la esencia de un hombre, un genio político, un angustiado hombre de familia y, sobre todo, un valiente defensor de los Estados Unidos de América.

“Decidimos centrarnos en los últimos cuatro meses de la vida de Lincoln porque fue en ese periodo de tiempo cuando consiguió sus logros más trascendentales. No obstante, queríamos mostrar que era un hombre, no un monumento. Pensamos que haríamos mayor justicia con esta persona tan complicada si la describíamos en su lucha más complicada: la aprobación de la Decimotercera Enmienda”, revela Spielberg.

Ésa es la idea que animó a Spielberg a hacer la película. Cuando parecía que ya se había contado todo sobre Lincoln, Spielberg ha llevado su instinto cineasta a un nivel distinto al de cualquier otra película de su extensa filmografía.

SINOPSIS

La película de Steven Spielberg Lincoln nos permite sumergirnos en los momentos más peligrosos y reveladores del líder americano, en una época en la que la oscura sombra de la esclavitud crece y en la que un país dividido por la guerra debe ser unido.

Se desarrolla un drama de enorme riqueza humana con los esfuerzos de Lincoln para poner fin a la devastadora Guerra Civil. Pero no lucha simplemente por terminar la guerra, sino también por aprobar la Decimotercera Enmienda y abolir de manera permanente la esclavitud, en un acto de verdadero arrojo. Para ello, tendrá que valerse de toda su capacidad, coraje y fortaleza moral que le llevarían a convertirse en leyenda.

Aventura peruana en 3D: Rodencia y el diente de la princesa

El cine peruano pasa por uno de sus mejores momentos, de eso no cabe duda. Así lo demuestra el estreno de Rodencia y el diente de la princesa, una cinta animada con tecnología 3D que llegará a nuestra cartelera desde mañana jueves.

La película es una coproducción peruano-argentina con un presupuesto cercano a los 4 millones de dólares. Su productor, el peruano Milton Guerrero, dio detalles de la película, su primera incursión en la pantalla grande tras dejar de lado el mundo de la publicidad.

“Cuando creamos nuestra productora, nuestro estudio de animación, nos dimos cuenta de que lo más importante en una película no es solo la parte artística, sino la historia, y es que una película animada tiene que dejar de ser predecible, esa en que a los cinco minutos sabes qué va a pasar y quién es el villano. Rodencia... dará una sorpresa en ese sentido, porque habla de cosas reales. Los protagonistas tienen problemas, algunos complejos, anhelos. Todo lo que pasa en la película tiene un sentido”, señala Guerrero.

Es que, en efecto, el protagonista Edam es un pequeño ratón que habita el maravilloso bosque de Rodencia y sueña con convertirse en un gran y poderoso mago. Sin embargo, la torpeza de aprendiz lo hace cometer errores y estar muy lejano del prototipo de superhéroe.

“Edam es todo lo contrario a un héroe. Es el único aprendiz de mago de Rodencia, es torpe, es en extremo inseguro de sí mismo. De pronto se arma de valor y dice: “No, mejor no lo hago porque me van a criticar y voy a quedar mal”, cuenta el productor.

Por otro lado, la cinta busca “enganchar” no solo al público infantil sino identificar y agradar a los adultos a través de los diálogos. “Seamos sinceros, los niños ya ven cosas para adultos, es cierto que hay horario para ver cosas, pero ellos están acostumbrados a ver publicidad o avances de películas, entonces entienden cómo suceden las cosas y cuáles son los problemas que enfrentan los grandes. Pero en el cine peruano se ha entendido que los niños son recién nacidos y que no entienden, entonces se apela a poner en la pantalla a un bueno, un malo, una bonita y un popular, y funciona”, dice.

Pero Rodencia y el diente de la princesa también tiene un villano, el aterrador hechicero Rotex, que desea a toda costa adueñarse de Rodencia. Para evitarlo, Edam, acompañado de su inseparable amiga Brie, tendrá que superar sus miedos y aventurarse a conseguir un poder mayor que solo lo otorga el anhelado diente de una princesa humana.

EDAM Y EL CHULLO

Si bien es cierto la historia ha sido trabajada por el director argentino David Bisbano y la guionista Raquel Faraoni (quien ha laborado para Disney), el productor asegura que el proyecto tuvo desde sus inicios “corazón peruano”, hecho que queda demostrado en la apariencia de su carismático protagonista y en los paisajes.

“Pensamos que por ser peruano no era necesario poner Machu Picchu, Lima o las Líneas de Nasca, porque la película no es así, pero remite a eso. Creo que cuando uno ve a Edam ves a un peruano, tiene el chullo, el tema del color y una serie de patrones más, luego se ven los paisajes y, sin ser un lugar real, lo asocias definitivamente con Lima”, sostiene.

Sobre las características del personaje y el cartel publicitario (que simula un partido de fútbol), Guerrero asegura que no se ha pretendido tocar fibras con el tema de las derrotas y la inseguridad. “No lo creo, ese no es un tema peruano, es universal. Pero de lo que sí estoy seguro es que es la película de más calidad que se ha producido en Perú “, comenta orgulloso.

Para detallar lo dicho, el productor asegura que Rodencia y el diente de la princesa es una producción innovadora por varios aspectos. “Es pionera empezando por la historia. Visualmente es impactante, hay fotografía. Hemos cumplido con todos los procesos de una película real, pero la hemos llevado a 3D, eso marca una diferencia importante, no es como juntar computadoras y hacerlo, sino hacer una cinta de verdad”, dice el director.

‘La noche más ocura’, filme sobre la muerte de Osama Bin Laden


La búsqueda, captura y muerte de Osama Bin Laden podría haberse trasladado al cine como un drama patriótico de difícil digestión, pero Kathryn Bigelow lo narra en La noche más oscura (Zero dark thirty) con un pulso narrativo y cinematográfico que hace de ella una gran película y un ejemplo de cine de altura.

Jessica Chastain, esa actriz que hasta hace apenas dos años era una total desconocida y hoy es un rostro imprescindible del cine, es la perfecta protagonista de una película que no se regodea en el dolor de los atentados del 11S, ni en la rabia que debió presidir la búsqueda de Bin Laden.

Se limita a utilizar un buen argumento para construir una de las mejores películas de Hollywood de los últimos tiempos, sin que la historia real domine la ficción.

Bigelow confirma que el Premio Oscar que consiguió como mejor directora -el primero para una mujer- en 2010 por The Hurt Locker no fue ni suerte ni casualidad, sino fruto de su talento cinematográfico.

En La noche más oscura, Bigelow traza con precisión una historia tan conocida como desconocida, tan publicitada como ocultada al gran público por esa gran potencia que es Estados Unidos y que tan bien sabe manejar sus logros para reafirmar su control sobre el mundo.

Narración tensa y compleja: Celda 211

Thriller de acción, protagonizado por Luis Tosar, Alberto Ammann, Antonio Resines, Marta Etura y Carlos Bardem entre otros. A partir de la novela homónima de Francisco Pérez Gandul, Jorge Guerricaechevarría y el propio realizador, Daniel Monzón, han elaborado el guión de la historia.

SINOPSIS

Juan, funcionario de prisiones, se presenta en su nuevo destino un día antes de su incorporación oficial. Allí, sufre un accidente minutos antes de que se desencadene un motín en el sector de los FIES, los presos más temidos y peligrosos. Sus compañeros no pueden más que velar por sus propias vidas y abandonan a su suerte el cuerpo desmayado de Juan en la Celda 211. Al despertar, Juan comprende la situación y se hará pasar por un preso más ante los amotinados. A partir de ese momento, nuestro protagonista tendrá que jugársela a base de astucia, mentiras y riesgo, sin saber todavía qué paradójica encerrona le ha preparado el destino.

Unas notas del director

Cuando Celda 211 cayó en mis manos, me la leí de un tirón y supe que quería llevarla a la pantalla. La novela tenía un contundente punto de partida, un universo poderoso, reconocible y humano y estaba construida sobre una tensión asfixiante con algunos giros memorables. Como película, constituía un reto narrativo de primer orden, dejaba poco margen a otra cosa que no fuera despojar la puesta en escena de artificio y poner la cámara al servicio de los personajes. Había por tanto que conseguir un reparto a prueba de bombas. A película terminada, me es difícil imaginar actores más sólidos y adecuados. Empezando por el dúo protagonista, la banda de presos, el grupo de funcionarios y cada uno de los figurantes entregados en cuerpo y alma a esta aventura. Por mucho que Celda 211 fuera ficción, el primer paso para recrear una historia ambientada en la supuesta realidad de la cárcel era conocer lo que escondía ese mundo tan cercano a todos nosotros y a la vez tan remoto. A la hora de escribir el guión, Jorge Guerricaechevarría y yo teníamos que saber de lo que hablábamos, incluso para saber dónde mentíamos. Durante el año que nos llevó la escritura, conversamos, visitamos, vivimos y respiramos cuanto pudimos con presos, parientes de presos, funcionarios y educadores cuyo día a día era la cárcel. Todos nos abrieron su mundo con una hospitalidad tan sorprendente como comprensible.

El lado bueno de las cosas: Los Juegos del Destino


LA Historia

Tras pasar ocho meses en una institución mental por agredir al amante de su mujer, Pat (Bradley Cooper) vuelve con lo puesto a vivir en casa de sus padres (Robert De Niro y Jacki Weaver). Determinado a tener una actitud positiva y recuperar a su ex-mujer, el mundo de Pat se pone del revés cuando conoce a Tiffany (Jennifer Lawrence), una chica con ciertos problemas y no muy buena fama en el barrio. A pesar de su mutua desconfianza inicial, entre ellos pronto se desarrollará un vínculo muy especial que les ayudará a encontrar en sus vidas el lado bueno de las cosas.

SOBRE EL FILME

Hace poco más de tres décadas, el actor Robert Redford sorprendió no sólo a sus colegas del gremio actoral, sino a grandes directores con los que ya había trabajado, gracias a su ópera prima titulada Ordinary People, cinta que ganó cuatro de los principales premios Oscar de 1980.

La cinta era el retrato de una familia norteamericana de buena posición, a la que la muerte accidental de uno de sus hijos sumía a la madre en la amargura, el padre trataba de unir los pedazos de ese núcleo que abruptamente se despedazó, y el hijo menor lidiaba con sus demonios interiores.

Toda esta referencia justifica al estreno de una de las películas que este año se encuentra nominada en algunas de las principales categorías de los Premios Oscar, y que como toda propuesta innovadora, tiene todos los ingredientes suficientes para ser reconocida con al menos uno de esos galardones.

Los Juegos del Destino (Silver Linings Playbook, un un filme nominado a ocho Premios Oscar en categorías importantes como las de Mejor Película; Director (David O. Russell); Mejor Actor (Bradley Cooper) y Mejor Actriz (Jennifer Lawrence), y trata sobre un hombre que al salir de una institución mental trata de reconciliarse con su exmujer y con su vida.

Es así como desde las primeras escenas conocemos a Pat Solitano (Cooper), un joven maestro quien recién ha salido de una institución mental, luego de haber sido recluido por un episodio de violencia doméstica en contra de su ahora exesposa. Esto lo obliga a regresar a la casa de sus padres, sin embargo, justo en ese trance en el que prácticamente se enfrenta día a día con sus progenitores Pat y Dolores (los también nominados Robert De Niro y Jackie Weaver), conoce a través de su mejor amigo Ronnie (John Ortiz) a la cuñada de éste, Tiffany (Lawrence), una joven que vive agudos estados depresivos, sin embargo tiene una meta en particular que es la de ganar un concurso de baile. Tiffany invita a Pat a que sea su pareja dentro de la competencia iniciando así una relación que cambiará sus vidas para siempre.

Dirigida por David O´Russell, este filme es uno de sus mejores trabajos fílmicos de su carrera.

El cine que veremos: Mi novio es un zombie

La película

En Mi novio es un zombie, R es un zombie que deambula por un mundo destruido por la pandemia zombie, alimentándote de los sobrevivientes que encuentra a su paso y "disfrutando" de sus recuerdos tras ingerir sus cerebros. Sin embargo todo cambiará cuando el no-muerto adquiera los hermosos recuerdos de un joven enamorado de Julie, hecho que desatará un inusual amor que podría representar la salvación de la humanidad.

SOBRE LA PRODUCCIÓN

La cinta está basada en la popular novela del mismo nombre escrita por Isaac Marion. El estudio responsable de la saga Crepúsculo, Summit Entertainment, es la encargada de la producción.

El actor Nicholas Hoult fue elegido para interpretar a R, el zombi protagonista, en la adaptación al cine del libro, escrita y dirigida por Jonathan Levine. La película también es protagonizada por Teresa Palmer como Julie Grigio, Rob Corddry como M, y John Malkovich como el General Grigio. Dave Franco, Analeigh Tipton y Cory Hardrict también se unieron al elenco.

El director Levine buscó expandir la mitología zombi haciendo que los zombis tuvieran mejor aspecto que en otras películas, además, los zombis no hablarán realmente en la película, sino que se utilizará el recurso de voz en off para expresar sus pensamientos.

La película, comenzó grabaciones en Montreal en septiembre de 2011, y aunque tenía prevista como fecha de lanzamiento el 10 de agosto de 2012, su lanzamiento fue postergado para el 1 de febrero de 2013.

Luchas, sueños, esperanzas, amor: Los Miserables

Los Miserables es la adaptación cinematográfica del sensacional éxito teatral visto por más de 60 millones de espectadores en 42 países, traducido a 21 idiomas, y que sigue batiendo récords de taquilla en todo el mundo desde su estreno hace 28 años.

Dirigida por el oscarizado Tom Hooper, las estrellas protagonistas de la producción de Working Title Films son Hugh Hackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Amanda Seyfried, Eddie Redmayne, Aaron Tveit, Samantha Barks, con Helena Bonham Carter y Sacha Baron Cohen.

SINOPSIS

Los Miserables transcurre en la Francia del siglo XIX y cuenta una emotiva historia de sueños rotos, amor no correspondido, pasión, sacrificio y redención: una prueba atemporal de la fuerza del espíritu humano. Hugh Jackman es Jean Valjean, el exconvicto al que persigue durante décadas el despiadado policía Javert (Russell Crowe) después de incumplir la libertad condicional. Cuando Valjean acepta cuidar a Cosette, la joven hija de Fantine (Anne Hathaway), sus vidas cambiarán para siempre.

LA PRODUCCIÓN

Escrita por Víctor Hugo hace 150 años, esta historia de personas sin futuro uniéndose para hacer frente a la corrupción y exigir un cambio, es la base del musical que más tiempo ha permanecido en los escenarios. Ahora, Los Miserables se apodera de la gran pantalla a través de una espectacular y dramática interpretación dirigida por Tom Hooper. Con estrellas de fama internacional y canciones tan queridas como “I Dreamed a Dream/Soñé una vida”, “Bring Him Home/Sálvalo”), “One Day More/Otro día se va” y “On My Own/Solo para mí”, el espectáculo de todos los espectáculos renace como una experiencia cinematográfica inolvidable.

De la novela a la pantalla

‘Los Miserables’ se estrenó en Londres, en el Barbican Theatre, el 8 de octubre de 1985; pasó al Palace Theatre el 4 de diciembre de 1985 y al cabo de 19 años, el 3 de abril de 2004, se trasladó a su hogar actual, el Queen’s Theatre. Cuando la obra celebró su vigésimo primer aniversario en Londres el 8 de octubre de 2006, se convirtió en el musical que más tiempo había estado en cartel en el mundo entero, superando a ‘Cats’ en el West End londinense. En enero de 2010, la producción del West End batió otro récord al llegar a las diez mil funciones. La obra ha sido vista por más de sesenta millones de espectadores en 42 países y en 21 idiomas, y se ha convertido sin duda alguna en uno de los musicales más populares de la historia, con nuevas producciones estrenándose continuamente en el mundo.

Durante años, fueron muchos los cineastas que propusieron al productor teatral llevar la obra a la gran pantalla. Es más, los derechos cinematográficos se vendieron hace 25 años, poco después del estreno en Broadway, pero la opción caducó y Mackintosh los recuperó. Decidió esperar hasta que llegó la oportunidad de trabajar con la productora más conocida y prolífica del Reino Unido, Working Title Films. Tim Bevan y Eric Fellner llevaban algún tiempo interesados en producir el musical, pero su interés no se despertó realmente hasta que Eric Fellner se encontró por casualidad con Nicholas Allot, el ejecutivo de operaciones de Cameron Mackintosh Ltd. Poco después, ambos productores se reunieron con Mackintosh y empezaron a hablar muy seriamente de la posibilidad de adaptar “Los miserables” a la gran pantalla.

Taller intensivo de cine

La Escuela Municipal de las Artes de La Paz, dependiente del gobierno municipal de La Paz, convoca al Taller intensivo Incubadora de proyectos cinematográficos para ibermedia y fondos de ayuda a la producción. El taller cierra sus inscripciones mañana. Una vez finalizado el curso, los proyectos serán presentados en la Dirección de Promoción y Producción Cultural de la Unidad de Formación Artística Cultural.

jueves, 14 de febrero de 2013

Michelle Obama alaba filme "Beasts of the Southern Wild" 

La primera dama de Estados Unidos, Michelle Obama, aseguró ayer que la película "Beasts of the Southern Wild", nominada al Oscar es "una de las películas más impactantes e importantes que se han hecho este año", incluso, "en mucho tiempo".

La primera dama confesó ante un grupo de estudiantes reunidos en la Casa Blanca para ver el filme, que ella ya había visto la cinta el pasado año, y que junto a ella había gente, entre familiares y amigos, de un rango de 3 a 75 años.

"Es raro en estos días encontrar una película tan completa y que cautive absolutamente a una audiencia tan amplia, esa fue una de las cosas que más me impactó de esta película. Logró ser alegre, hermosa y honestamente devastadora", dijo.

"Beasts of the Southern Wild" cuenta la historia de una niña de 6 años que vive con su padre en el delta de un río de Luisiana y que, mientras se empeña en buscar a su madre, ve a una tempestad destrozar el lugar donde vive, lo que la obliga a luchar por sobrevivir.

"Es una película que nos hace pensar acerca de la gente que queremos en nuestras vidas, los que nos hacen ser quienes somos. Muestra la fuerza de nuestras comunidades, no importa cómo sean", dijo la primera dama. "Muestra que comunidades pueden dar el poder para vencer todo tipo de obstáculos. Y también cuenta una historia convincente sobre la pobreza y la devastación, pero también habla de esperanza y de amor”, dijo.


Cortos animados rescatan la oralidad de la historia boliviana

“Katty pensó que los objetos que caían del cielo eran estrellitas. Sólo escuchaba el ruido de aviones que sobrevolaban la zona. Y sale con su hermano a recibir las estrellitas del cielo, que en realidad son casquillos de bala”, relata el creador de la serie de cortos Pequeños Recuerdos Pequeños, Jorge Campos, sobre su primer capítulo.

Pequeños Recuerdos Pequeños es una serie de cortos realizada en Cochabamba, cuyo primer capítulo se estrenó en las plataformas virtuales Vimeo y Youtube.

La idea de la serie de cortos, que obtuvo una interesante respuesta en el mundo virtual, surgió durante un té en la casa de Campos, cuando sus familiares evocaban memorias de ciertos sucesos históricos a partir de la perspectiva de sus años infantiles.

La serie fue creada por el orureño Jorge Campos, un comunicador social, músico y actual editor de Bolivia TV en Cochabamba. Sorprendido por estas memorias familiares, decidió hacer el primer capítulo inspirado en el golpe de Estado del general René Barrientos Ortuño de 1964.

Así nació Katty, personaje que observa cómo una lluvia de estrellas empieza a caer fuera de su casa. “¿Qué raras las estrellas, pensó?, pero no dudó en ponerse a jugar con ellas ('). Estos cortos están disponibles en enlace http://vimeo.com/58449332 y en Youtube en http://www.youtube.com/watch?v=W6rpoiM4pO8 .

Los recuerdos en la historia

El objetivo de los cortos es reflejar el lado inocente y fantástico de sucesos que forman parte de la memoria de Bolivia, pero no bajo el abrigo de las estadísticas y libros, sino como los recuerdan las personas en su niñez. Por supuesto, la información es verificada con datos históricos por el creador.

Una muestra particular utilizada para reflejar la perspectiva de los recuerdos en el primer capítulo es que la comunicación entre los personajes no se hace con palabras. Según explica Campos, esto porque los recuerdos de Katty estaban enfocados en los ruidos raros y fuertes de ese momento, no en lo que le decía a su padre o en las noticias que estaban pasando por la radio y que él seguía tan atentamente.

Para el creador, el impacto visual y emocional prima y el diálogo carece de importancia.

Sentado en su computadora, tomando varios mates de manzanilla, según cuenta, elaboró los dibujos en una Tablet , echando mano de varios programas de animación. Como nunca pasó clases de esta técnica, creó una llamada “cocinar dibujitos”.

Sobre el primer capítulo, el director de la carrera de Comunicación de la Universidad Católica Boliviana de Cochabamba, Marcelo Guardia, considera que el aporte radica en el punto de vista desde donde se cuenta la historia. “Es una manera diferente de transmitir un mensaje de la historia, de la política y de ciertas situaciones en un contexto determinado, me parece interesante el punto de vista que se maneja a partir de la imaginación, las preocupaciones y la sensibilidad de los niños”, opina.

100 entregas y una película

Cada capítulo tendrá sus propios personajes basados en los recuerdos de una sola persona.

El segundo capítulo estará basado en los recuerdos de su abuelo. Y se pondrá un corto por mes en la plataforma de Vimeo y Youtube, hasta que sumen alrededor de 100.

Campos tiene planificado lanzar otra serie llamada Migracionlandia, además de planes para hacer una película animada a partir de los capítulos de Pequeños Recuerdos Pequeños.

De momento, no tiene planes de transmitirlo en ningún canal de televisión, pero no se cierra a la idea.

Desde la perspectiva de la jefa de Bolivia TV en Cochabamba, Daniela Puente, la serie ofrece un enfoque diferente que refleja a través de la inocencia de un niño momentos críticos de la historia reciente del país.

“Esa parte oscura es reflejada con la mirada cándida de un pequeño. Creo que es interesante, novedoso y además ofrece una narrativa ágil”, dice.

Campos desea que las personas valoren las diferentes situaciones que presentan los relatos, tanto históricas, económicas, bélicas, culturales, de género, entre otras. Todo ello confrontando el pasado y el presente.

“Quiero despertar nuevas expectativas de análisis para proyectarnos a un mejor futuro (...). Mis personajes han percibido con inocencia épocas muy fuertes, conflictivas y de crisis... es como si un plan “divino” o los padres hubieran creado una burbuja protectora contra esos momentos crudos y por ello su memoria es valiosa y diferente”, finaliza.

"Beautiful Creatures", un relevo de "Twilight" más real y literario

Con "Crepúsculo" formando ya parte del pasado, Hollywood se asegura el relevo y presenta con "Beautiful Creatures" un nuevo romance adolescente con elementos sobrenaturales, pero "más anclado en la realidad" que la saga de vampiros y que limita al máximo los efectos especiales.
La película, adaptada de una serie de libros de Kami Garcia y Margaret Stohl, se estrena este jueves en Norteamérica aprovechando la coincidencia con San Valentín.
El guionista y director neoyorquino Richard LaGravenese, quien ha escrito para Clint Eastwood, Robert Redford o Steven Soderbergh, se tomó, con la bendición de los autores, grandes libertades respecto al libro original para "centrar más la historia en los dos jóvenes", según explica a la AFP.
El filme sigue a Ethan (Alden Ehrenreich), un joven que adora los libros y que se aburre en la granja donde vive en el sur de Estados Unidos, confinado en un mundo beato. Sin embargo, la llegada de Lena (Alice Englert) lo cambiará todo.
Ethan se enamora inmediatamente de esta alma atormentada con poderes sobrenaturales que pertenece a una saga de brujas, que deberá prometer fidelidad, en el día de su 16 cumpleaños, a las fuerzas del mal o a las del bien.
"Lo que me gusta del libro es que, si le quitas lo sobrenatural, sigue siendo una historia interesante, basada en personajes reales", explica el cineasta. "Es lo que yo le decía a los actores durante el rodaje", y cita como ejemplo una escena que recrea una cena en familia donde la mesa se pone a dar vueltas sobre sí misma por un proceso mecánico y no por efectos especiales.
"La mesa da vueltas pero sigue siendo una reunión de familia en la que los padres se están peleando", subraya LaGravenese.
El director confiesa su voluntad de limitar al máximo los efectos especiales para no "eclipsar a los personajes o la historia, como lo han hecho muchas grandes películas populares". De la misma manera, intentó insuflar un poco de humor a la trama para mantenerla lo más anclada posible a la realidad.
"No podemos ser demasiado serios, sobre todo cuando hablamos de un mundo sobrenatural y trabajamos con personajes adolescentes", afirma el realizador. "La vida real es absurda. El humor participa en la honestidad del desarrollo. Y esto convierte a los personajes en más espirituales y más inteligentes".
Adolescentes enamorados de la lectura LaGravenese quiso igualmente hacer de la pareja de enamorados dos grandes seguidores de la literatura, concretamente lectores de Bukowski. "Estaba presente en el libro original, pero yo lo desarrollé. Quería que estos adolescentes disfrutaran con la literatura, que fueran inteligentes. Quería que fueran 'cool' gracias a sus lecturas y no a su vestuario o su maquillaje", asegura.
Por otra parte, la película se beneficia de un casting de lujo en los papeles secundarios, cualidad de la que adolecía cruelmente "Crepúsculo", con Jeremy Irons como el tío de Lena y Viola Davis en el papel de la bibliotecaria y ángel de la guarda de Ethan.
Davis explicó que su personaje de Amma "felizmente" no tiene nada que ver con el del libro original, donde se limita a ser la vieja ama de llaves negra de Ethan. "Sé que la gente adora el libro, pero yo no quería representar eso. Pienso que en 2013 debemos parar con eso, necesitamos algo diferente".
"Quería que esta mujer pudiera formar parte del tejido de esta comunidad sin estar en una situación de servidumbre", añade la intérprete.
El británico Jeremy Irons, poco habitual en las grandes producciones populares, aceptó el papel de tío de Lena porque sintió "que podría ser divertido. Puede que no sea el tipo de película por la que yo me lanzaría a las salas, pero pienso que sería interesante hacerlo", dice.
"Como actor, deseas tener la mayor elección de papeles posibles", asegura Irons. "No podemos hacerlo todo, pero yo siempre he intentado en mi carrera cubrir el espectro de géneros más grande posible".






Un documental recrea la historia de Los Marqueses

Las hazañas, alegrías y desventuras de la popular agrupación paceña de los 70, Los Marqueses, fueron recogidas en un documental que lleva el mismo nombre y que se estrenará esta noche, a las 20:00, en el cine 6 de Agosto.

“Esta producción muestra los inicios del club, además de la intervención que hicimos a la Universidad Mayor de San Andrés (UMSA). También abordamos el asesinato de mi hermana y el intento de homicidio hacia mi persona”. Así resume Freddy Márquez el contenido del filme que verá la luz tras más de dos años de producción.

El legendario líder del grupo de jóvenes que en los 70 sorprendió a una entonces conservadora sociedad comentó que este trabajo fue dirigido por su esposa, Marta López de Márquez, y que presenta filmaciones, fotografías, música y recortes de periódicos de la época en que la pandilla cobró fuerza en la ciudad.

Una historia dramática

Aunque con el tiempo sus actividades variaron, Los Marqueses se creó en torno a la gran afinidad de un grupo de amigos por el deporte. “Era nuestra principal actividad, organizábamos campeonatos”, recuerda Márquez.

Con los años la pandilla, que estaba conformada por más de un centenar de miembros, cambió sus actividades deportivas por otras de corte político.

Una de sus principales proezas se dio en julio de 1970, cuando los estudiantes de la UMSA se oponían al Gobierno de Alfredo Ovando y, según Márquez, “se gestaba una revolución universitaria, pese a lo cual el régimen no se animaba a intervenir la casa de estudios”.

Entonces el jefe de seguridad del Palacio de Gobierno, el capitán Luis Arce Gómez, coordinó un operativo desde las sombras. “Nos pidieron que intervengamos la universidad. Su gente nos ofreció a cambio becas; sin embargo, esa hazaña nos costó mucho y nos salió el tiro por la culata”, recordó.

“No tenían el valor de hacer sus cosas y se aprovecharon de nosotros, nos utilizaron como carne de cañón”, agregó.

Márquez recuerda que dos meses después de la intervención fue encarcelado por más de dos años. “En octubre de 1970, el general izquierdista Juan José Torres asumió el poder. Pocos días después cientos de universitarios afines al nuevo régimen fueron a mi casa, me atacaron y luego me apresaron”.

A más de cuatro décadas, el grupo sintió la necesidad de compartir sus experiencias. “Ahora, quienes aún estamos vivos, nos reunimos cada año y recordamos los tiempos de nuestra juventud”, dijo el líder, quien invitó a los paceños a ver el documental. “Es un trabajo de años que por fin será presentado a todos”, dijo.