jueves, 31 de enero de 2013

Los actores de "jOBS" se encuentran con los fanáticos de Apple en EEUU

Los actores Ashton Kutcher y Josh Gad, quienes interpretan en la película "jOBS" a Steve Jobs y Steve Wozniak, fundadores de Apple, se presentaron ante los fieles seguidores de la compañía el jueves durante el primer día de la feria Expo Macworld en San Francisco.

"Yo quería que esta historia fuera contada de una manera que honrara a mi héroe", dijo Kutcher sobre su decisión de encarnar a Jobs, el fallecido cofundador de Apple.

"Nunca antes había interpretado a alguien que realmente hubiera existido y me aterrorizaba la idea", explicó en referencia a la película que se estrenará en abril en Estados Unidos tras proyectarse recientemente en el Festival de Cine de Sundance.

"No es como si estuvieras interpretando a (Abraham) Lincoln", explicó Kutcher. "No tenemos un montón de videos de Lincoln, pero tenemos un montón de videos de Steve", razonó en el encuentro en el Macworld de California (oeste de Estados Unidos), considerado como la mayor reunión de "iFans" del mundo.

"Y tenemos un montón de recordatorios diarios de él en las puntas de nuestros dedos", continuó, en referencia al uso de los iPod, iPhone y iPad creados por Jobs antes de su muerte a fines de 2011.

Gad, por su parte, admitió que sabía poco sobre la leyenda de Jobs y Wozniak antes de que le ofrecieran interpretar al asistente de ingeniería del dúo cuyos logros cambiaron el mundo de la tecnología.

"Yo era un analfabeto informático, mientras que Steve Wozniak era un ilustrado informático", dijo, y explicó que tomó clases de programación informática para preparase para el papel, de manera que pudiera saber de qué estaba hablando el personaje al que representa en el filme.

En las noticias de esta semana, Wozniak criticó duramente la película, basado en lo que ha visto del guión y las publicidades hasta el momento.

"Espero que cuando vea la película en su totalidad, comprenderá que hicimos todo lo posible para capturar la esencia de su viaje", contestó Gad cuando fue consultado sobre los comentarios del co-fundador de Apple en la prensa.

Gad dijo, en un mensaje dirigido a Wozniak, que el trabajo para captar la esencia de Wozniak había sido para él un "viaje intenso", y que lo había hecho con "el mayor amor y respeto".

¿Ashton Jobs o Steve Kutcher? Kutcher comparte foto de su transformación en Jobs

El actor Ashton Kutcher compartió en su cuenta de Twitter una imagen que hace evidente la transformación a la que se sometió para interpretar a Steve Jobs, fundador de Apple, en una película.

La fotografía muestra el rostro de Jobs, aunque si se mira con atención, es más bien el resultado de la mezcla de la cara de Ashton con la de Steve, fallecido en octubre de 2011.

Apenas hace unos días, Ashton dio a conocer que fue a parar al hospital por tratar de seguir la misma dieta que Jobs.

En la película interpreta al fundador de Apple desde el origen de la empresa en la década de los 70 hasta la salida al mercado, en 2001, del primer iPod.

Kutcher considera que el empresario es su héroe personal. "Es una persona que fracasó y volvió a subirse al caballo. Creo que todos podemos identificarnos de alguna manera en esa situación en algún momento de la vida".

miércoles, 30 de enero de 2013

"Hitchcock", el cine clásico sigue inspirando a las nuevas generaciones

Anthony Hopkins y Helen Mirren protagonizan "Hitchcock", una película que trata de mostrar la cara menos conocida de Hitch y de su esposa, Alma Reville, y un ejemplo más de que el cine clásico sirve tanto de escuela como de inspiración a los nuevos cineastas.

"Hitchcock", que llega este viernes a los cines españoles, protagonizada por Anthony Hopkins, Helen Mirren y Scarlett Johansson, es otro caso que confirma la vigencia del cine clásico, no sólo como arte, sino como modelo al que recurrir y copiar cuando la imaginación no se traduce en historias nuevas y originales.

Si "Hitchcock" se basa en el rodaje de "Psicosis", el año pasado "My Week with Marilyn" recreaba el desarrollo de "The Prince and the Showgirl", con Marilyn Monroe y Laurence Olivier. Y en "White Hunter, Black Heart" fue el rodaje de "The Queen of Africa" el que contó Clint Eastwood o "RKO 281" el de "Citizen Kane".

Pero no solo de rodajes vive el cine, que copia y recopia películas convertidas en clásicos, como "Anna Karenina" o "The Great Gatsby", dos nuevas versiones para este año de historias ya adaptadas anteriormente para la gran pantalla.

O filmes que recuperan la vida de algunas de las estrellas más glamourosas de Hollywood, como "Grace of Monaco", la vida de Grace Kelly, la protagonista del cuento de hadas por excelencia, la de la actriz convertida en princesa.

Nicole Kidman se pone en la piel de esta película, aún en rodaje, en la que Tim Roth hace del príncipe Rainero y que ya ha levantado las primeras críticas por parte de la familia Grimaldi, que consideran que el filme está cargado de inexactitudes históricas y escenas puramente ficticias.

Y también hay homenajes más o menos sentidos al séptimo arte, como el que Martin Scorsese le dedicó, personificado en Georges Meliès, uno de los padres del cine, en "Hugo".

Un director que ya se había metido en las bambalinas del cine con "The Aviator", la biografía de Howard Hugues y su relación con Katherine Hepburn, un papel que interpretó Cate Blanchett y que le valió un Óscar.

No tendrán la misma suerte los protagonistas de "Hitchcock", película que sólo ha recibido una nominación por parte de la Academia de Hollywood, en la categoría de maquillaje y peluquería.

Poca cosecha para una película que levantó mucha expectación durante su proceso de producción y con la que el británico Sacha Gervasi debuta como director -su mayor logro hasta la fecha era el guión de "The Terminal" (2004)-.

La historia se centra en el periodo en el que Hitchcock estaba volcado con "Psycho". En los problemas que tuvo para financiarla, hasta el punto de tener que hipotecar su casa, y para poderla llevar a cabo por los obstáculos de la censura a la famosa escena de la ducha.

Pero sobre todo cuenta la relación de Hitchcock con su mujer, la desconocida para el gran público Alma Reville, una excelente guionista que dejó muy aparcada su carrera para dedicarse a engrandecer la de su marido.

Una valiosa colaboración en los guiones que el gran realizador agradeció públicamente cuando en 1979 recibió el premio a su trayectoria por parte del American Film Institute.

Esa relación de interdependencia es lo más interesante de un filme en el que Reville se descubre como el personaje protagonista por encima de un Hitchcock que no deja de mostrarse tal y como ya se le conocía.

Y en el que Helen Mirren está a años luz de Anthony Hopkins, que con su estupenda caracterización no consigue dotar de realismo a un personaje cuya voz impostada impide cualquier atisbo de acercamiento al espectador.

Frente a él, Mirren compone un personaje cercano y humano, muestra la cara brillante de una mujer que sacrificó todo a la sombra del considerado como genio, cuando en realidad la igualdad era la nota dominante en la pareja.

Scarlett Johansson, como Janet Leigh, Jessica Biel como Vera Miles y Toni Colette como Peggy Robertson, la secretaria de Hitch, completan el reparto de un filme que cuenta los detalles del rodaje de una película que marcaría un hito en la historia del cine.

Y que demuestra que con rodajes de por medio o simplemente contando las vidas de algunos de sus protagonistas principales, el cine de la época dorada de Hollywood sigue estando presente en la actualidad.

Star Wars en 3D no va

Tras el sonado fichaje de J.J. Abrams para tomar las riendas de «Star Wars», Disney sigue gestionando el futuro de la joya de la corona de LucasFilms. La última decisión que ha tomado ha sido cancelar los estrenos en 3D de los capítulos 2 y 3 de la saga, previstos para este año.

Según revela una información publicada por Deadline, la decisión de Disney, que cancela el acuerdo que LucasFilm tenía con Fox, busca centrar todos sus esfuerzos en la nueva trilogía que comandará Abrams. Una decisión que Disney también fundamenta en la sorprendentemente tibia acogida que tuvo el estreno tridimensional de «La Amenaza Fantasma».

El Episodio 1 de la saga regresó a los cines en 3D hace ahora casi un año, en febrero de 2012, y tan sólo recaudó 23 millones de dólares en su estreno en Estados Unidos. Además, no fueron pocos los fans de la franquicia que pusieron el grito en el cielo ante lo que consideraban una nueva artimaña de George Lucas para seguir estirando el chicle.

Y no fue en vano, ya que gracias al reestreno «La Amenaza Fantasma» se convirtió en la primera película de «Star Wars» que superaba en taquilla la barrera de los mil millones de dólares. Un club, el de las mil millonarias, en el que finalmente no tendrán oportunidad de entrar ni «El Ataque de los Clones», que tenía previsto su reestreno en 3D el 20 de septiembre de 2013, ni el «La Venganza de los Sith», que iba a volver a los cines en 3D el 11 de octubre de 2013.

martes, 29 de enero de 2013

Ashton Kutcher. Hospitalizado por comer manzanas

Tan metido estaba en el papel, que quiso imitar la polémica dieta que seguía Steve Jobs. El actor tuvo que ser hospitalizado con algunos problemas en el páncreas, solo dos días después de haber iniciado el rodaje de la película sobre el fundador de Apple. Así lo contó el propio Kutcher, durante la presentación de jOBS en el festival de Sundance. Quiso empaparse tanto que probó hábitos alimenticios de su personaje y confesó que en muy poco tiempo “mi páncreas estaba al borde del colapso y puse en riesgo mi vida”. Pero cuando volvió a una dieta sana y equilibrada se recobró de esos problemas que lo obligaron a ser hospitalizado.

Se sabe que Steve Jobs se alimentaba únicamente de frutas y verduras después de leer el libro de Frances Moore Lappe, Dieta para un pequeño planeta, que fue best seller y que sentó las bases del vegetarianismo.

Jobs hizo su propia interpretación de esa dieta y muchos aseguran que el hecho de que no se curara de su cáncer de páncreas es, en parte, por no dejar esta dieta, conocida como ‘frutariana’.


El dato
Steve Wozniak, el otro socio de Apple, no está conforme con la versión del filme. “Siempre vio una manera de hacer dinero fácil a costa de mis diseños”, dijo sobre Jobs.


Disney cancela los reestrenos en 3D de Star Wars

Tras el sonado fichaje de J.J. Abrams para tomar las riendas de Star Wars, Disney sigue gestionando el futuro de la joya de la corona de LucasFilms. La última de ellas ha sido cancelar los reestrenos en 3D de los capítulos 2 y 3 de la saga, previstos para este año, informó el periodiquito que cita como fuente a Europa Press
Según revela una información publicada por Deadline, la decisión de Disney -que cancela el acuerdo que LucasFilm tenía con Fox- tiene por objetivo centrar todos sus esfuerzos en relación a Star Wars en el futuro de la saga, es decir, en la nueva trilogía que comandará Abrams.
Una decisión que Disney también fundamenta en la sorprendentemente tibia acogida que tuvo el estreno tridimensional de ´La Amenaza Fantasma´. El Episodio 1 de la saga regresó a los cines en 3D hace ahora casi un año, en febrero de 2012, y tan solo recaudó 23 millones de dólares en su estreno en Estados Unidos.
Además, no fueron pocos los fans de la franquicia que pusieron el grito en el cielo ante lo que consideraban una nueva artimaña de George Lucas para seguir estirando el chicle. Y no fue en vano, ya que gracias al reestreno La Amenaza Fantasma se convirtió en la primera película de La Guerra de las Galaxias que superaba en taquilla la barrera de los mil millones de dólares.
Un club, el de las milmillonarias, en el que finalmente no tendrán oportunidad de entrar ni el ´Episodio II: El Ataque de los Clones´, estrenada originalmente el 16 de mayo de 2002 y que tenía previsto su reestreno en 3D el 20 de septiembre de 2013; ni tampoco el ´Episodio III: La Venganza de los Sith´, lanzada por primera vez el 19 de mayo de 2005 y que tenía previsto volver a los cines en 3D el 11 de octubre de 2013.


Sammy 2: El gran escape Aventura en el fondo del mar

Dos pequeñas tortugas viven un sinfín de aventuras para tratar de salvar a parte de su familia de un acuario. La película animada se estrena el 31 de enero y viene en formato 3D.

Sinopsis. Sammy y Ray son dos tortugas que han sido amigas toda la vida. Han vivido un sinfín de aventuras y ahora están dispuestos a pasar su legado a las crías recién nacidas, Ricky y Ella. Cuando se disponen a conocer el gigantesco océano, aparecen unos cazadores furtivos que los capturan y los envían al acuario de Dubái para que hagan parte del show preparado para los turistas.

El mandamás del lugar, Big D, un caballo de mar, los recluta para que hagan parte de su plan de escape en compañía de sus nuevos amigos: Jimbo el pez de ojos saltones, Lulu la langosta, Annabel el pulpo dulce y toda una familia de pingüinos, pero Ray y Sammy han hecho planes por su cuenta. Es cuando llegan Ricky y Ella para rescatarlos. Después de una serie de aventuras y escapes estrechos, nuestros héroes van hacia el sur para reunirse con Shelly, primer y único amor de Sammy.

Ficha técnica

Título original: Sammy 2: Great Escape
Género: Animación-Aventura.
Director: Ben Stassen
Guión: Domonic Paris
Reparto: Pat Carroll, Carlos McCullers II, Cinda Adams, Dino Andrade, Chris Andrew Ciulla.

Máximo ejecutivo de Disney opta por enfocarse en las películas familiares

Las películas familiares de Walt Disney Co. como Cenicienta tienen un atractivo más perdurable que clásicos para adultos como Casablanca, dijo el máximo responsable ejecutivo, Robert Iger, al delinear su estrategia de centrarse en las franquicias.

Iger explicó cuál es el razonamiento en que se basan las adquisiciones de la compañía cinematográfica por un valor de US$15.000 millones que ha realizado desde 2005 y la importante reducción de la cantidad de filmes que estrena Disney con respecto a una década atrás.

“Hoy uno puede comprar un DVD de Cenicienta o Blancanieves. Los chicos de todo el mundo todavía ven esas películas”, dijo Iger, con referencia a los filmes que realizó el fundador Walt Disney en 1950 y 1937. “Uno puede ver Casablanca hoy y disfrutarla mucho por lo que es. Pero en algunos lugares y mercados ya no hay demanda y no es tan comercializable como antes”.

Casablanca, estrenada en 1942 por Warner Bros., ganó el Oscar a la mejor película y ocupa el tercer puesto entre las cien primeras películas de todos los tiempos, de acuerdo con una lista de 2008 del American Film Institute.

Disney, la empresa de entretenimiento más grande del mundo, este año estrenará diez filmes. Esto contrasta con los 38 de 2003, según la firma de investigación Box Office Mojo. De los diez estrenos de este año, dos son secuelas de Marvel, uno es una secuela de Pixar y dos están basados en historias clásicas, Oz el poderoso y El llanero solitario. Otro film, Salvando al Sr. Banks, es un drama histórico basado en la realización de un éxito de Disney de 1964, Mary Poppins, según los comunicados de prensa de Disney.

Las acciones de Disney, que también posee parques temáticos y el canal de cable ESPN, tuvieron un alza del 33% en 2012, más que el aumento de 7,3% del Promedio Industrial Dow Jones, que incluye papeles de Disney.

Iger, de 61 años, adquirió Pixar, Marvel Entertainment y Lucasfilm desde que tomó el timón de la compañía de Burbank, California, en 2005. Las compras aportaron a Disney marcas consagradas con atractivo internacional que pueden ser transferidas a otros productos, de juguetes a programas de TV, añadió.

“En un mar de increíble cantidad de opciones, creo que uno tiene alguna ventaja si tiene una buena marca”, declaró Iger. “Nuestra estrategia cinematográfica en gran medida evolucionó hacia filmes de marca, hacia franquicias”.

Jennifer Lawrence sufre neumonía

La actriz Jennifer Lawrence, ganadora del Globo de Oro 2013, está enferma de neumonía, informó su compañera, la también actriz australiana Jacki Weaver.

Durante la ceremonia de premiación de la Academia de Cine y Televisión de Australia, Weaber recibió a nombre de Lawrence el galardón como Mejor Actriz.

"Está muy enferma con neumonía. Voy a recibir esto por ella. Pobre Jen, está muy enferma", dijo la australiana de 65 años, quien es coestrella de Lawrence en Silver Lining Playbook.

En la pasada entrega de los Globos de Oro, trascendió que Lawrence, nominada al Oscar en la categoría de Mejor Actriz por la película El lado bueno de las cosas, no gozaba de buen cuadro de salud y ante esto el productor Bruce Cohen compartió a la revista Us Weekly: "Con todas sus apariciones y actividades, Jennifer Lawrence no ha tenido mucho reposo en cama, aunque no he hablado con ella recientemente". A pesar de esto, se informa que asistirá a los Premios SAG que se celebran esta noche

domingo, 27 de enero de 2013

360 El mimado director brasileño Fernando Mireilles entrega un trabajo insatisfactorio de punta a cabo



El género —¿podrá considerárselo un género?— ha tenido en el mexicano Alejandro González Iñárritu (Amores perros/2000, Babel/2006, Biutiful/2010) a su profeta y cultor más conspicuo. Grosso modo vendría a ser la ilustración, un tanto pedestre es cierto, de aquella teoría física de carácter holístico según la cual el aleteo de una mariposa en un extremo del mundo puede ser la causa de un terremoto en el otro, en virtud del encadenamiento de diversos fenómenos. O para decirlo de manera más sencilla: todo tiene que ver con todo.

Esta vez el turno es del brasileño Fernando Meirelles (Ciudad de Dios/2002, El jardinero fiel/2005), otro director latinoamericano mimado por los círculos de la industria donde se cree, o se finge creer, que una cierta qualité sería sinónimo de buen cine, malentendido que las películas del mexicano debieron haberse encargado de disipar. Y Meirelles termina de liquidar la discusión con un emprendimiento que contaba de partida con todos los ingredientes necesarios para un resultado interesante, al menos, pero acaba entregando un trabajo insatisfactorio de punta a cabo.

Veamos esos ingredientes: un director que en Ciudad de Dios exhibió cierta fibra narrativa aunada a un estimable sentido del ritmo; el guionista Peter Morgan, responsable de asuntos tan atendibles como Frost vs. Nixon o La reina y que antes, en Más allá de la vida (Clint Eastwood), había trabajado sobre parecida estructura coral hecha de múltiples fragmentos; un elenco con intérpretes de la nombradía de Anthony Hopkins, Jude Law o Rachel Weisz. Por si todo ello fuera poco, la película quiere ser una versión actualizada de La ronda, clásico del cine rodado en 1950 por Max Ophuls.

Como en esa película, el percutor es la historia de una prostituta, eslovaca esta vez y venida de Bratislava a Viena para encontrarse con un empresario británico cuya esposa lo engaña en Londres con un fotógrafo brasileño. La novia de este último, harta de las infidelidades, resuelve regresar a Río de Janeiro y en el vuelo conocerá al padre británico en busca de su hija perdida y al joven exconvicto norteamericano sentenciado por delitos sexuales. En medio, como personajes secundarios, aunque en definitiva todos lo son, pues ninguno de los caracteres es más que un esbozo, encontramos, entre otros, al marido ruso de una chica francesa hastiada de los trabajos de aquél al servicio de un traficante de drogas, drama del cual sueña con escapar entablando un romance con su jefe, dentista musulmán entreverado por prejuicios religiosos.

Verdadero catálogo multinacional de seres, de bajezas y desventuras para un retablo que pareciera ilustrar el irremisible envilecimiento del género humano todo, aunque las frases dichas en off al comenzar y cerrarse el círculo del título entreabran un estrecho resquicio a la esperanza, proponiendo desvíos para hallar una salida. O sea una suerte de reactualización del credo existencialista relativo a nuestra inescapable obligación de elegir siempre, de optar inevitablemente, aun siendo del todo consciente de los riesgos.

Pero es demasiado inferir semejante especulación filosófica de cara a la ligereza con la cual se van despachando las varias historias sumadas, decir articuladas sería un exceso, a lo largo del relato que sólo levanta vuelo, un poco, cuando por ejemplo se detiene en los dilemas del muchacho enviado a terapia sicológica para sobreponerse a sus obsesiones sexuales.

Justamente en el uso del sexo por Meirelles se encuentra la ilustración más cabal del engreimiento que manda en la forma de abordar este rompecabezas, cuyas piezas son movidas a discreción por el guionista y el realizador, ateniéndose con preferencia al lucimiento formal y desatendiendo la consistencia narrativa, como si ésta fuera una cuestión prescindible.

Lo es por cierto para Meirelles, como lo ha sido para González Iñárritu. La idea en torno a la que revolotea ese juego exhibicionista no se halla exenta de potencialidades dramáticas, sobre todo en este tiempo tan propicio para los desplazamientos y las interconexiones, reales o virtuales, y los cambios que ello entraña en nuestra percepción del espacio y del tiempo. Pero cuando una película apuesta todas sus fichas a la estructura, en desmedro de la historia, debería develarse un gran misterio, alguna diabólica verdad soterrada. Nada así queda al término de tantas idas y venidas, de momentos que destellan principios de situaciones dejadas a medias, del puro y simple malabarismo de secuencias y brochazos apuntados, pareciera, a ilustrar de apuro cuán proclives al Mal somos todos, indistintamente de procedencia, historia personal o encrucijada vital. Todo ello envuelto en una estética relamida, discordante con el miserabilismo de las maneras de proceder endilgadas a los personajes.

Librados a su suerte, los actores se las arreglan como pueden. Y dado que Hopkins puede mucho, su interpretación es la de mayor peso, pese a un rol casi accesorio. Ben Foster salva su encargo componiendo un creíble abusador cargado de dudas. El resto correcto y deslavado como el film mismo, no obstante su autoasumida importancia.

Ficha técnica

Título original: 360. Dirección: Fernando Meirelles. Guion: Peter Morgan. Pieza original: : La Ronda de Arthur Schnitzler. Fotografía: Adriano Goldman. Montaje: Daniel Rezende. Intérpretes: Lucia Siposová, Gabriela Marcinkova, Johannes Krisch, Danica Jurcová, Jude Law, Anthony Hopkins, Peter Morgan, Moritz Bleibtreu, Riann Steele, François-Xavier Demaison, Jamel Debbouze, Dinara Drukarova,Vladimir Vdovichenkov, Patty Hannock, Djemel Barek ,Rachel Weisz.Inglaterra, Austria, Francia, Brasil/2011


‘The Lady’, amor a prueba de distancias



Realizada por el cineasta francés Luc Besson, y escrita por Rebecca Frayn, la película The Lady (2012) —distribuida en Latinoamérica como Amor, honor y libertad— es un ejemplo de cómo se puede leer afectivamente una historia. El film narra la historia de Aung San Suu Kyi (1945), una extraordinaria dama de Birmania que fue la figura emblemática de la lucha contra la dictadura militar en su país el poder entre 1962 y 2011. Recién liberada de la detención domiciliaria el 2012, después de haber sido aislada de su familia durante 24 años, Aung San Suu Kyi pertenece a un linaje de lucha política que reivindica la resistencia pacífica, en el cual está emparentada con el líder africano Nelson Mandela, con Mahatma Gandhi, Stephen Biko y Martin Luther King y el filósofo Henry David Thoreau, desde que escribiera su ensayo Desobediencia civil.

Se puede embanderar de mil maneras a esta valiente activista birmanesa. De hecho, Besson no disimula su admiración, pues busca que el espectador se relacione emotivamente con su lucha, y lo antes posible, sin brindar mayores detalles sobre su discurso político.

En su crítica, Pedro Susz apunta como falla la simplificación de los antagonismos: “malos —malísimos—, y buenos —buenísimos—, contienden sin que la narración aclare en ningún momento los desacuerdos ideológicos de fondo, ni se sepa cuáles fueron las desavenencias filosóficas, salvo que unos oponen la libertad al régimen dictatorial”.

Si bien es una observación válida, cabe preguntar: ¿qué tanto se necesita entrar en detalles para comprender que una dictadura militar es inaceptable desde todo punto de vista como forma de gobierno, independientemente del discurso que la sostenga? La cuestión es simple, la democracia, sin ser la forma de gobierno ideal, es lo menos a lo que puede aspirar un país en cualquier parte del mundo. Ésa, nos parece, es la posición que asume el director Luc Besson. Reclamar por filosofías de trasfondo es apreciar la película sólo con el cerebro. Una película como The Lady debe ser leída afectivamente.

Aung San Suu Kyi sufre el arresto domiciliario en Birmania mientras su esposo, Michael Airis, agoniza de cáncer en Inglaterra. Los represores le dan la opción a Suu Kyi de que viaje para estar con él, sabiendo que una vez que salga de Birmania nunca más la dejarán entrar. Pero ella no va, su mismo esposo, por teléfono, le insta a continuar. Agrupando las escazas fuerzas que le quedan susurra: “Estamos siendo puestos a prueba al más alto nivel ahora. No hemos llegado hasta aquí para caer en la recta final”. Evidentemente la cuestión de la lucha política ha pasado a un segundo plano, todo lo que queda es un acto de amor que rompe los moldes.

¿Por qué no va? ¿Dónde encuentra Aung San Suu Kyi la fuerza para no derrumbarse en un momento tal? Cierto que lee a Gandhi, y que se da fuerzas escribiendo a modo de recordatorios unos carteles con las frases de los luchadores que sufrieron antes que ella. Pero si bien es una parte de su alimento, es sólo mínima. ¿De dónde extrae la sustancia que forma su voluntad inquebrantable?

La película nos plantea que quizá sea del espacio intemporal y portátil que construyeron con su esposo en base a amor y devoción. Esta faceta es la que Luc Besson acentúa. The Lady no es, como muchos piensan, una historia sobre la agitación política de Birmania, con el telón de fondo del amor entre Suu Kyi y su esposo; es a la inversa, The Lady es una historia acerca de ese lugar incorruptible que habita en el ser humano, que se alimenta con el amor, con el trasfondo la desigual lucha por la democracia en Birmania. PREGUNTAS. Entonces, lo que se pregunta es ¿cómo, a pesar de las largas separaciones y de la incomunicación se puede mantener un amor tan intenso? El poder es estúpido cuando se confronta a la voluntad de los seres libres, pues pretende que podrá doblegarla sin considerar la existencia de ese lugar en el espíritu al que no puede llegar ningún poder, donde se atesora aquello que nadie le puede quitar; algunos lo llaman música, otros esperanza, y otros amor. Todos mantienen viva y fuerte a Aung San Suu Kyi, mientras permanece encerrada en una casa 24 horas al día.

El dictador decía: “un árbol al que se le corta las raíces, eventualmente se termina cayendo”; por ende, creía que podía cortar sus vínculos con su familia y sus compañeros, como si se trataran de unos cables, sólo por el hecho de encerrarla sola en esa casa, sin teléfono ni salidas. Pero la figura del árbol sólo es buena para explicar las estructuras del poder: jerárquicas, verticales y estáticas. El poder desconoce que todo lo que hay de prodigioso en la vida, el amor, la música, el pensamiento, sigue otro modelo que se extiende en planos horizontales, sin fijaciones, como una planta aérea, o como el mundo de la world wide web: por conexiones ilimitadas.

Es como si se tratara de una comunicación inalámbrica, pues están conectados aunque no hayan cables de teléfono ni Internet de por medio. Curioso, pues hoy en día se piensa que las relaciones amorosas pueden sobrevivir a las largas separaciones y la distancia gracias a los nuevos medios electrónicos. Ahí es donde la historia de Aung San Suu Kyi nos recuerda: la distancia es mucho más una cuestión intensiva que extensiva o de desplazamiento físico. A la conexión no le interesan los kilómetros, y esto se entiende cuando ella le cuenta a su esposo: “Tú sabes que nunca estoy lejos… A menudo hablaba contigo, a veces en voz alta. Siempre era tranquilizador, y me recordó de tu inquebrantable amor”.

Quizá fue esa la única razón por la cual ella no necesitó ir a Inglaterra, mientras su esposo agonizaba, para “estar” con él. Había que seguir luchando por lo que construyeron entre ambos, algo que los trasciende, y se queda impregnado en el aire de los tiempos, como la sonrisa incorpórea del gato en Alicia en el país de las maravillas. ¿Qué otra cosa nos dejan los verdaderos revolucionarios y artistas? Son esos paquetes sensibles que soplan los vientos, risas de un gato, ideas, clamores, burbujas, que cada uno puede hacer suyas para luchar contra lo que reprime lo vital en su presente.


Django, Unchained

Tarantino, con el paso del tiempo ha demostrado que no se necesita sacar películas cada vez que haya la oportunidad para ser considerado un gran director y esto queda demostrado en su filmografía, que no es tan extensa pero que contiene muchas obras de arte contemporáneas como ´Pulp Fiction´ o ´Bastardos Sin Gloria´, por mencionar algo.

Es de esta forma que Tarantino regresó al ruedo con una adaptación de la película western ´Django´ de 1966 que fue dirigida por Sergio Corbucci y protagonizada por Franco Nero. En la nueva versión de ´Django´ que dura 160 minutos donde cada uno lo vale. ´Django´ no requiere de ningún corte o resumen de escenas. El equipo de edición manejó adecuadamente el drama ya que cada uno de los diálogos se desenvuelve satisfactoriamente en sus ángulos selectos.

Sobre el reparto no hay mucho que descubrir; está el ganador del Oscar, Jamie Foxx, el talentoso Leonado Di Caprio, el siempre leal a Tarantino, Samuel L. Jackson, y hasta se dio el gusto de contar en el reparto con el protagonista de la versión original, Franco Nero. Estamos ante una de las mejores producciones de Tarantino� no se puede dejar de ver.

Academia de actuación HAPA Hollywood al alcance


La industria del cine y la televisión está cambiando constantemente debido a la globalización y la tecnología digital. Hollywood y producciones de cine independiente son movibles y están siendo filmadas en lugares y países que nunca habían sido destinados. Por consiguiente, existe una creciente demanda de talento profesional en estas nuevas ubicaciones. Esa es la razón principal por la que se ha desarrollado la primera escuela de actuación que no tiene fronteras, HAPA (Hollywood Academy of Performig Arts) o lo que sería Academia de las Artes de Actuación, en el idioma de Cervantes. Los estudiantes de esta academia estudian con los mejores profesionales en su propia ciudad y complementan el trabajo con actores que aplican la técnica en producciones de Hollywood. En esta entrevista con Alejandra Pacheco, una de las encargadas de la academia en nuestro país, nos explica cómo trabaja.

¿Qué es HAPA y cómo llega al país?

Hollywood Academy of Performing Arts es una academia de actuación y desarrollo personal que funciona de manera virtual, justamente para convertirse en la primera academia de este nivel que sea accesible en cualquier parte del mundo. De esta forma es posible su llegada a Bolivia, pero nada de esto se concretaría sin el convenio realizado con la Universidad de La Salle, institución que se encargará de ofrecer sus aulas para el proceso académico.

¿Cuál es el mayor beneficio que logran los alumnos?

Aprenderán las últimas técnicas de actuación que son métodos que se ponen en práctica en grandes producciones de Hollywood.

Aparte de los amantes de la actuación ¿Quiénes podrán acceder a estas clases?

Es importante recalcar que este aprendizaje no es solo para actores/actrices, sino para cualquier profesional que le interese mejorar sus habilidades sociales, como ser desarrollo de conciencia de sí mismo; mente cuerpo y voz, desarrollo de conciencia de los demás; colaboración y empatía, retórica y elocuencia, profundizar la comprensión del comportamiento humano; etc.

¿A quiénes esta dirigido?

El proceso de inscripción es inicialmente a través de la página www.academyhapa.com, aquí los interesados encontraran un link que los direccionara a toda la información y formularios de HAPA.

¿Cuál es el punto fuerte de la metodología de enseñanza que utilizan?

Lo más importante de esta metodología es el proceso de retroalimentación que recibirán de actores de Hollywood.

¿Se busca revolucionar el mundo de la producción audiovisual a partir de tomarlo de forma profesional?

Sí, este es uno de los objetivos principales de HAPA en Bolivia. La academia ha notado el alto grado de interés y deseo por hacer actuación, hay muchos jóvenes y adultos que sueñan con ser actores/actrices y casi siempre este deseo se frustra. HAPA ha desarrollado este método que rompe fronteras y hace accesible un conocimiento moderno e intenso.

Hollywood es la cuna de una parte del cine mundial. ¿Qué aporte se tendrá desde allá?

El aporte principal será la retroalimentación académica que emitirán actores y actrices con grados de licenciatura y master en artes escénicas. Ellos enseñan y ponen en práctica las últimas técnicas de actuación y desarrollo personal que se realizan en Hollywood.

¿Existe la posibilidad de que alumnos destacados de acá puedan hacer carrera en Hollywood?

HAPA ayuda a los graduados que quieran mudarse a Los Ángeles con orientación e información sobre visas, situación de vivienda y vida cotidiana.

¿Cuándo y dónde comienzan las clases? ¿Dónde puede comunicarse la gente para mayor información?

Las inscripciones están disponibles desde el 3 de diciembre hasta el 1 de febrero. Las clases serán en las instalaciones de la Universidad de La Salle. Podrán encontrar toda la información en la página web:

www.academyhapa.com.

sábado, 26 de enero de 2013

Nicobis, más de tres décadas vigentes

Hicieron documentales, animación y ahora incursionan en la televisión para jóvenes.

Eran muy jóvenes —Alfredo Ovando O. tenía 25 años; Liliana de la Quintana, 21— y estudiaban audiovisuales. En febrero de 1980 ingresaron a La Paz la primera cámara de video profesional y a partir de ese momento surgió Nicobis, la productora que se mantuvo presente, con renovaciones constantes, durante estos 33 años. En las siguientes líneas, un acercamiento somero a su amplia trayectoria.

LOS INICIOS EN EL DOCUMENTAL. En Bolivia, a principios de los 80, se producía muy poco. El video “era una alternativa de producción más fácil, rápida y económica, de llegada más sencilla al público. La tecnología iba de nuestra mano con la propuesta de documentar y hacer documentales sobre toda la época que se estaba viviendo: saliendo de las dictaduras y retornando a la democracia. El video empezó a jugar un papel alternativo muy importante”, evoca Ovando.
Así recorrieron casi todo lo ancho del país, cámara en mano, y con un registro específico de distintas realidades, cuyo fruto fueron trabajos como La danza de los vencidos, Lucho vives en el pueblo, La marcha por la vida o El llamero y la sal.

EL AVANCE A LA ANIMACIÓN. Corría 1989 cuando se animaron por hacer dibujos animados de manera independiente. Lo primero fue un corto de 5 minutos que se llamaba Cañoto, dedicado al héroe cruceño. “Después hicimos Pintemos el mundo de colores, cortometraje que cuando fue conocido obtuvo premios, fue pedido por la institución Seamos (Sistema educativo antidrogadicción y de movilización social) para utilizarlo en una de sus campañas”.
Hicieron también una animación en celuloide, pero que no estrenaron porque “nos quedó incompleta, pero hicimos acetatos, que filmamos en 16 mm”.

La LUCHA POR ESTAR AL DÍA. Ovando reflexiona con sencillez: “Tratamos de acoplarnos a la rapidez del mundo. Pasamos del cine al video analógico, luego al video digital y más adelante, a la televisión. Hay que estar siempre anticipándose, la tecnología avanza siempre realmente muy rápido, los equipos se vuelven obsoletos en dos patadas. Siempre hay que estar joven y esa es la virtud. Ahora con el programa Pica, que tenemos para jóvenes, nos sentimos muy compenetrados con la juventud actual”.
Asimismo, ya se dio el recambio generacional, en la figura de la hija de ambos, Geraldine, quien ya está a cargo de la productora.
“Su hermano Mauricio está también trabajando como reportero. Ellos se van a hacer cargo de la empresa, con esta nueva dimensión de crecimiento, de ingreso a la televisión, etc. Es el aporte juvenil necesario. Queremos abrir más espacios para ellos, allí van los nuevos proyectos”.

140 producciones en distintos géneros y formatos llevan el sello de Nicobis. Ahora apuntan a la televisión.

“Quizás lo especial para nosotros es sobrevivir. Creo que somos la única productora que sobrevive luego de tantos años. Creo que se debe al amor que le ponemos al oficio”.

Alfredo Ovando / FUNDADOR DE NICOBIS

viernes, 25 de enero de 2013

Cinta producida por Bellott es comprada tras su estreno

Rodrigo Bellott da otro salto grande en su carrera. We are what we are (Somos lo que somos), cinta de terror que lleva el crédito del cineasta cruceño en la producción, ha sido adquirida por el grupo Entertainment One, uno de los mayores distribuidores independientes de películas en el mundo. La compañía ha adquirido los derechos para la película en Estados Unidos en un acuerdo, según fuentes especializadas, que establece una cifra en dólares de siete dígitos para la compra.

En un diálogo con este medio, Bellott prefirió no referirse a la cifra, pero sí confirmó la transacción del filme, que el viernes abrió el Festival de Cine Independiente de Sundance en EEUU. “Estamos muy contentos, a pocos días del estreno somos de las primeras películas que participan en el festival que logran venderse. Y ya tenemos una súper oferta para Latinoamérica”, afirmó Bellott.

Entre caníbales

Escrita y dirigida por Jim Mickle, We are what we are, es una nueva versión de la cinta de terror Somos lo que hay, realizada por el mexicano Jorge Michel Grau, que se estrenó hace tres años en Cannes. La versión de Mickle se ambienta en una región de oprimidos del estado de Nueva York, en donde una familia, cuyo padre y líder murió, trata de conservar una extraña tradición familiar ligada al canibalismo.

Buenas críticas

El largometraje, que abrió la sección Medianoche del Festival de Sundance, ha recibido buenas críticas por parte de portales como indiewire.com en el que Eric Kohn, autor del artículo, señala: “Superando la cinta original, la perspectiva del crecimiento gradual de la ira en la historia es poética, atemorizante y, finalmente, satisfactoriamente bruta”.

Por su parte, Mike Flemming, de deadline.com afirma: “Los secretos más oscuros de la familia Parker son presentados en un filme que deja al público con la sensación de haber encontrado a un director con una voz que vale la pena escuchar”.

El director nacional afirmó que desde que estrenó Dependencia sexual (2003) no se recibían tan buenas críticas en el país del norte respecto a una producción que lo involucre .

MÁS DETALLES



una firma con prestigio
Entertainment One (eOne), que recientemente se fusionó con Alliance Films, es la mayor distribuidora independiente de películas en los mercados del Reino Unido y Canadá.

No tiene fecha para Bolivia
Bellott estima que la0 película podría llegar a salas bolivianas este año, pero todavía es pronto para confirmar una fecha.

UN agenda intensa
El director de Perfidia viajó ayer a Nueva York para empezar a trabajar en su próxima película, cuyo nombre no puede adelantar. Lo que si mencionó es que producirá otro filme de terror.

Asesoramiento
Bellott estuvo trabajando en el cortometraje Refugiados, cuyo guión, escrito por Santos Callisaya, fue ganador del Concurso Nacional de Guiones Sofía.

Abrams dirigirá el filme "Star Wars" para Disney

El realizador y guionista J.J. Abrams será el encargado de dirigir la próxima película de la saga "Star Wars", según informó la página web Deadline, que aseguró que el "trato estaba hecho" con el cineasta que está detrás de series como "Lost" y la última versión de "Star Trek".
La productora Kathleen Kennedy, presidenta del grupo Lucasfilm dentro de Walt Disney Company, fue la encargada de convencer a Abrams para ponerse al frente del esperado proyecto para revivir en la gran pantalla la popular historia galáctica.
Ben Affleck, actor y director, era otra de las alternativas que se barajaron para el filme, la séptima entrega de "Star Wars" que contará con el guión de Michael Arndt ("Little Miss Sunshine").
El pasado 30 de octubre Disney anunció la adquisición de la empresa Lucasfilm por 4.050 millones de dólares.
Lucasfilm, fundada por el cineasta George Lucas, era propietaria de franquicias como "Star Wars" e "Indiana Jones".

Cuenta atrás para la posible exhibición de Operación E

Dos meses después de su estreno en Francia y España, el filme Operación E, protagonizado por Luis Tosar y que relata la historia del campesino que cuidó el hijo de la que fuera rehén de las FARC Clara Rojas, aguarda que la justicia colombiana respalde o prohíba su exhibición.
El Tribunal Superior de Bogotá tiene que tomar esa decisión antes del 30 de enero, por lo que los productores de la cinta franco-española han viajado a Colombia, mientras la demandante Clara Rojas se mantiene expectante. En el equipo de Operación E hay optimismo y esperan que no se la censure

Filme sobre la vida de Steve Jobs llegará en abril

La película biográfica de Steve Jobs, jOBS, protagonizada por Ashton Kutcher, ya tiene fecha de estreno en el cine: 19 de abril de 2013. Según informó The Hollywood Reporter, la fecha no es aleatoria, sino que se escogió para coincidir con el aniversario 37 de la fundación de Apple.
Detalles. La cinta, dirigida por Joshua Michael Stern y escrita por Matthew Whitely, hará su debut mundial hoy en el Festival de Cine de Sundance. La película muestra la vida de Steve Jobs desde que dejó la universidad y se convirtió en uno de los empresarios más respetados del siglo XX. Parte del filme se rodó en el histórico garaje de la casa de la familia del cofundador de Apple, ubicada en Palo Alto, California. De acuerdo con la publicación del portal elcomercio.pe ya circulan las primeras escenas del actor Ashton Kutcher interpretando al fundador de Apple. En las imágenes se puede ver al protagonista convenciendo a Steve Wozniak sobre la importancia de vender computadores para que la gente las use en su casa. “Nadie sabe lo que quiere si nunca lo ha visto”, dice el personaje interpretado por Kuchter ante las dudas de
su interlocutor.
En la producción de jOBS , que fue escrita por Michael Stern, también participan los actores Dermot Mulroney, Josh Gad, Lucas Haas, J.K. Simmons y Matthew Modine. Paralelamente a esta cinta se producirá otra basada en la biografía oficial de Jobs escrita por Walter Isaacson (publicada en 2011) y que será producida por Sony Pictures.

jueves, 24 de enero de 2013

El próximo 8 de febrero Cortometraje "La danza de los diablos" será estrenado en Oruro

El cortometraje "La danza de los diablos" del consorcio "Ases Arte" e "Independent Bolivian Cinema" será estrenado el próximo 8 de febrero en esta capital, simultáneamente en el Teatro Palais Concert y la Casa Municipal de Cultura "Javier Echenique Álvarez", como una de las actividades del Carnaval de Oruro, Obra Maestra del Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad.

Esa fue la información que brindó ayer el productor general del film, Rodrigo Rodríguez, quien señaló anoche que la producción del cortometraje está en su etapa final.

"Ya hemos terminado la edición, el video pasó a post producción, es por eso que estamos mostrando el tráiler de 30 segundos de La Danza de los diablos. Es un cortometraje y un docuficción, porque se rescata un poema de los años 40 de Carlos Mendizábal Camacho que evoca a todas las deidades del Carnaval orureño, ubicándolo junto a su vestimenta real, qué significaba en ese tiempo en Oruro, el Carnaval y cada insignia de la diablada, como ser osos, diablos, chinas, cóndores y de dónde salían", explicó.

Rodríguez añadió que hacen el rescate de esa poesía, que además fue ambientada con una recopilación de varias leyendas antiguas recopiladas del altiplano, desde el sector de Aullagas hasta la ciudad de Oruro. Las leyendas son míticas que muestran cómo apareció la primera diablada, así como leyendas que hablan de que veían salir de las bocaminas a los diablos, bailando en la noche.

"De todas esas leyendas hemos hecho una recopilación y le hemos presentado al Comité de Etnografía y Folklore y al Consejo de Historia en Oruro que fue aceptado y por eso llegamos a filmar", señaló. La película fue dirigida por Marco Mendizábal y producida por Rodrigo Rodríguez. El consorcio fílmico es un grupo multidisciplinario de las ciudades de La Paz, Cochabamba y Santa Cruz.

La locación del film fue el sector de Chusakeri, que está al Suroeste de la ciudad de Oruro, donde se hizo la grabación con los diablos, y la ciudad de Cochabamba, donde se aprovechó filmar la llegada de un cura enviado por el Vaticano para que salve una iglesia que fue tomada por el diablo en los Andes bolivianos.

Para la producción participaron 60 integrantes de la Fraternidad Artística y Cultural La Diablada. Asimismo, dos actores que representan al Arcángel Miguel y a Lucifer que por primera vez se los verá pelear a trinche y espada, en medio de la aparición de la Virgen del Socavón.

Acusan a James Cameron de copiar guión de "Avatar"

Un juez estadounidense ordenó al director James Cameron que entregue el guión de "Avatar" el miércoles, a los abogados de un hombre que asegura haber sido el autor de la historia en la cual está basada una de las películas más rentables de la historia, informó el periodiquito.com que cita como fuente a AFP.


En diciembre de 2011, Eric Ryder demandó a James Cameron y a la productora Lightstorm Entertainment, alegando que entre 1996 y 1998 él escribió una historia, "KRZ 2068", con elementos muy similares a los de "Avatar".

Documental sobre captura de bin Laden trae debate

Los realizadores de un documental sobre Osama bin Laden que se exhibe en el Festival de Cine de Sundance dicen que el debate sobre la exactitud de esta película de Hollywood, que relata la captura del líder terrorista, está distrayendo la atención de los interrogantes morales, que son mucho más importantes, informó el periodiquito.com que cita como fuente a AP.
Greg Barker, director de "Manhunt: The Search for Bin Laden", dice que las críticas en torno a la cinta nominada al Oscar "Zero Dark Thirty", de Kathryn Bigelow, son una cuestión política que simplifican demasiado el asunto.
Varios legisladores en Washington han fustigado "Zero Dark Thirty", alegando que el filme retrata erróneamente la tortura como elemento integral para conseguir las pistas que llevaron a la muerte de bin Laden en un asalto de la Armada en Pakistán en 2011.
"El hecho es que lo que nuestras operaciones especiales realizan son operaciones de matar y capturar todo el tiempo, y muchas personas mueren en ellas", dijo Barker. "Quizá eso es lo que queremos como país, pero tenemos que atenderlo seriamente y entenderlo para saber lo que está pasando en realidad".
"Manhunt" se estrenará en HBO en mayo y tiene entrevistas amplias con funcionarios de la CIA, operadores del ejército y otros involucrados tanto en rastrear a bin Laden, en su ascenso al poder tras llamar a la yihad contra Estados Unidos en la década de 1990, como en la guerra contra el terrorismo tras los ataques del 11 de septiembre de 2001.
Gran parte del relato tiene paralelos con la dramatizada en "Zero Dark Thirty" protagonizada por Jessica Chastain en el papel de una agente de la CIA llamada Maya quien busca obsesivamente a bin Laden durante años.

miércoles, 23 de enero de 2013

Arnold Schwarzenegger confirma su participación en "Terminator 5"

Arnold Schwarzenegger tiene en mente participar en la próxima entrega de "Terminator", según indicó en una conferencia de prensa en Londres, donde promociona su nueva película "The Last Stand".

El actor explicó que la quinta entrega de la saga es uno de sus proyectos futuros, y que actualmente se está escribiendo el guión de la historia.



El ex gobernador de California indicó al diario The Sun que "en el último año y medio hubo varios escritores que trabajaron en la historia, pero no pudieron avanzar. Les dijimos varias veces que iban en la dirección incorrecta. Ahora finalmente nos libramos de esos guionistas y tenemos a escritores de calidad. Ahora sí vamos en la dirección correcta", indicó.



El protagonista de la franquicia indicó, además, que la historia debería estar lista este año.



Schwarzenegger participó en las tres primeras entregas de "Terminator". La cuarta y última fue protagonizada por Christian Bale.



A comienzos de enero se informó que el guión estará en manos de la productora de "Avatar" Laeta Kalogridis y del director de "Dracula 2000", Patrick Lussier.

Hitchcock: el maestro del suspenso

Hitchcock narra la producción de la película Psicosis (1960). Detrás de Alfred Hitchcock, el denominado “maestro del suspenso” �el extraordinario icono del celuloide famoso por haber creado algunas de las más intensas e inquietantes películas de intriga que el público ha visto nunca� había un aspecto que se ocultaba: su extraordinariamente creativo roman-ce con su leal esposa y colaboradora en la realización cinematográfica, Alma Reville.

Hitchcock saca a la luz su fascinante y compleja historia de amor. Y lo hace mientras se filma su más audaz aventura cinematográfica: Psicosis, que se convertiría en el filme más controvertido del director, y también en el más legendario. Cuando, contra todo pronóstico, la tumultuosa producción llegó a su fin, la forma de hacer cine cambió para siempre.

Con guion de John J. Mc-Laughlin, la cinta esta basada en el libro “Alfred Hitchcock and the making of Psycho”, de Stephen Rebello.


Scarlett Johansson, la nueva diva de Hitchcock

Legendario. La película narra la producción del film Psicosis (1960) y el romance de Alfred Hitchcock con su leal esposa Alma Reville, que destaca durante la controvertida cinta. Cuando la producción llegó a su fin, la forma de hacer cine cambió para siempre

Texto: Manfer Films
Edición: Aida Domínguez


Como actriz ganadora del Premio Bafta o como superheroína, Scarlett Johansson es una de las artistas que tienen más demanda en el planeta. Recientemente el público la ha visto luchando contra el mal en Los vengadores, de Marvel, y enfrentando a animales en Un zoológico en casa, de Cameron Crowe.

¿Cuál fue tu reacción cuando te ofrecieron Hitchcock?
Lo que verdaderamente me atrajo al proyecto fue la opción de trabajar con Tony (Anthony Hopkins) y Helen (Mirren). El libreto también fue muy atractivo. Y la idea de hacer una película dentro de una película: recrear los estudios de Paramount, la época de oro de Hollywood.
Me agrada la idea de una historia que se trata del proceso de crear arte y nunca había querido hacer una película biográfica ni nada por el estilo, pero siempre me ha encantado Janet Leigh. Siempre me ha parecido una actriz muy magnética, encantadora y espiritual, por ello me pareció que sería divertido encontrar su esencia. Pero no me di cuenta de lo difícil que sería. Pensé: hay un par de semanas de trabajo y será una agradable experiencia ver a Tony e interactuar con él y con Helen. No me di cuenta de la magnitud del reto. Pero fue agradable y me encantó el desafío.

¿Crees que las cosas valen la pena solo cuando atemorizan?
Estoy de acuerdo. A estas alturas de mi carrera caí en la cuenta de que a menos que sea algo que sienta como desafiante y ligeramente imposible, no tengo nada que contribuir si no doy todo. Hay mucha más presión cuando estás interpretando a alguien querido, una persona con hijos y que está muy viva en la mente de los fans, familia y amigos. Ese es un desafío diferente.

¿Hay mucha responsabilidad al interpretar a alguien que existió?
Sí, desde luego. No me parezco particularmente a Janet Leigh, no traté de imitarla ni de adoptar su apariencia, pero quería capturar a su personaje a través de mi investigación y mi estudio de ella.

Hopkins dijo que eras Scarlett Johansson y de pronto tu rostro cambiaba y se convertía en Janet Leigh. Tal vez era tu sonrisa o algo que no sabía.
Vaya... Mira quien lo dice, alguien que un minuto es un hombre jovial, dulce, enigmático, muy querido por todo el equipo, muy generoso y un narrador de historias maravilloso, y de pronto se transforma frente a tus ojos. Un minuto es Tony, al siguiente es Marlon Brando o en este caso Hitchcock. Es absolutamente embriagante verlo. Es un actor magnífico y encantador.

¿Resulta intimidante trabajar con alguien así? ¿Toma tiempo superar la imagen pública?
Depende si la persona lleva esa imagen pública a la atmósfera laboral. La mayor parte del tiempo el entorno profesional es tan íntimo que la gente baja la guardia y el set se siente como la casa. Como todos se colaboran creo que eso les permite sentirse humildes ante la presencia del equipo y del reparto. Aunque creo que es diferente en cada set. Con alguien como Tony, es de lo más agradable. Tiene una actitud tan discreta, tan casual, que cualquier temor que tengas del ‘Gran Anthony Hopkins’ sencillamente se esfuma. Y desde luego actuar a su lado es una dicha porque está increíblemente presente y es muy generoso con su actuación. Tiene una energía impresionante.

En esta etapa de su carrera, debe estarlo haciendo puramente por amor al arte. ¿Qué crees?
No fue un trabajo fácil para él, fueron horas y horas de usar este traje terriblemente incómodo todo el día para transformar completamente su cuerpo. Siempre estaba dispuesto. Obviamente obtiene mucha dicha al trabajar. Siempre está preparado, siempre tiene una historia para quien sea. Obviamente vive en un set. Cobra vida en el set y es una persona que disfruta la vida. Definitivamente se sigue divirtiendo. Afortunadamente para nosotros.

¿Cuál fue la parte más difícil de la filmación para ti? ¿La famosa escena de la regadera?
Cuando estás filmando una escena así o si en algún momento hay un actor con un problema de pudor, el equipo tiene más cuidado y está más alerta. Pero, una vez que haces la primera toma y te das cuenta dónde están los retos, eso te permite respirar.
La escena más desafiante que filmamos fue en el restaurante Musso and Frank’s. La primera vez que ves a Janet, simplemente porque estás representando al personaje y tienes que estar detrás de la mesa, puede resultar un poco embarazoso. Creo que a la mayoría de los actores no les gusta estar sentados detrás de una mesa. Así que ese fue un reto.

¿Hablaste con Jamie Lee-Curtis, la hija de Janet Leigh?
Sí. Tuve la fortuna de entablar una relación con ella a través de correos electrónicos. Compartió conmigo historias y fotografías. Me imagino que debe ser raro que alguien interprete a su mamá, especialmente una madre como Janet, increíblemente involucrada en la vida de sus hijas, que puso su carrera en pausa por sus hijas y fue adorada por ellas. Jamie fue maravillosa, cálida, abierta y motivante. Fue genial tenerla de mi lado para esto.

¿Cuál fue la primera película de Hitchcock que recuerdas?
No recuerdo si Psicosis o Pacto siniestro, pero como mi mamá era una gran cinéfila nos permitía ver incluso las películas de Hitchcock y recuerdo que vi Psicosis cuando era muy chica. También vimos juntas El silencio de los inocentes, yo tenía ocho años. Mis padres nunca nos censuraron las películas, no tenían sentido eso de observar las clasificaciones de las filmes, cuáles eran las funciones apropiadas para niños, ni nada. Por eso vi muchas películas de Hitchcock mientras fui creciendo.

¿Viste Psicosis antes de filmar esto? ¿Sentiste que aún retiene su poder?
Sí, creo que realmente sigue vigente. Las actuaciones son fantásticas. Janet es absolutamente maravillosa. La película está llena de suspenso, es terrorífica y es truculenta, lo que es hermoso de ver. Realmente es una obra maestra y aun cuando sabes cómo termina, sigues sintiendo que podría terminar diferente cada vez que la ves. Creo que esa debe ser la señal de algo. Definitivamente, es impactante cuando ella muere después de 30 páginas de la historia. Me sigue impactando. Creo que ahora, siendo mayor, puedo apreciar el arte y la destreza detrás de cada corte, la música de acompañamiento y la sutileza de la actuación, el trabajo de cámara, es agradable poder apreciar eso.




El cine que veremos: Aventuras, emoción en ‘Sammy Dos′


Dirigida por Ben Stasses, Sammy dos, el gran escape, es una cita animada que llegará en el formato 3D. A través de la infancia de una tortuga (unos cincuenta años) se muestran los efectos del calentamiento global y la necesidad de acometer cambios en los hábitos sociales.

LA HISTORIA

Sammy y Ray, dos tortugas acuáticas y eternos amigos, se divierten en un mar de corales junto a los pequeños Ricky y Ella, a quienes guían y protegen de los peligros del mar. De pronto, un pescador furtivo atrapa a Sammy y a Ray y los lleva a su show en un espectacular acuario en Dubai.

Big D, un caballito de mar que es el cabecilla del lugar, los incluye en su plan: lograr un gran escape. Pero en el acuario Sammy y Ray también conocerán más amigos:

Jimbo �un pez gota de ojos sal-tones- , Anabel �una dulce pulpa- , una langosta poco amigable, y toda una familia de pingüinos.

Con sus nuevos compañeros de aventuras, Sammy y Ray tramarán sus propios planes para huir del acuario. Todo esto sucede mientras Ricky y Ella irrumpen dispuestos a rescatarlos.

Luego de atravesar diferentes y emocionantes aventuras, nuestros héroes se dirigen hacia el sur a reencontrarse con Shelly, el primer y único amor de Sammy.

Las aventuras de Sammy, estrenada durante el 2010, recaudó más de 80 Millones de dólares alrededor del mundo.

El cine proyección: ‘Fuerza Antingángster′: Ambientando Los Ángeles de los años 40

PINTANDO LA CIUDAD

Fuerza Antigángster fue filmada enteramente en Los Ángeles y sus alrededores, utilizando varias locaciones históricas y transformando otras para recrear lugares de moda que fueron populares durante el reinado de Mickey Cohen.

"Me encanta cuando las películas te transportan en el tiempo tan sólidamente que puedes sentir la textura y la riqueza de los lugares, pero como también queríamos que esta película se sintiera contemporánea, hacía falta un equilibrio delicado", afirma el director Ruben Fleischer. "Tuve la fortuna de trabajar con algunas de las personas más talentosas de la industria, verdaderos artistas como Dion Beebe, Maher Ahmad, Mary Zophres y Ariel Velasco Shaw. Así que entre la fotografía, el diseño de producción, los vestuarios y los efectos visuales, creo que la audiencia sentirá que realmente están en ese entonces, pero también responderán ante la sensibilidad moderna de la película".

Una vez que se decidió el estilo de filmación, los cineastas tornaron su atención a los detalles prácticos para poder obtener un alto nivel de autenticidad.

Por dentro y por fuera, uno de los sets más importantes de la película es Slapsy Maxie's, el club nocturno en el que Mickey Cohen pasa sus noches cenando con los servidores públicos que tiene en su bolsillo, justo como lo hacía el Cohen de verdad. Una tienda vacía para rentar en Bellflower fue transformado en el lugar, y convenientemente, era lo suficientemente grande para alojar parte del negocio de Cohen, como se especificaba en el guion.

Además de construir sets que reflejaran la época, Fleischer buscó filmar en la mayor cantidad de sitios reales posibles de Los Ángeles para mostrar la historia de la ciudad. "Era una prioridad para mí tratar de usar nuestros sitios famosos", afirma el director. "Lugares como el letrero de Hollywood - que era "Hollywoodland" en ese entonces - es uno de los lugares que le vienen primero a la mente a quien piensa en Los Ángeles".

Con esa finalidad, el histórico City Hall en el centro de Los Ángeles apareció como sí mismo en la película, y la sala de conferencias del alcalde en ese lugar fue usada como la oficina del jefe de policía Bill Parker. La estación de policía de Highland Park - la estación más antigua de la ciudad que sobrevive, y hoy en día el Museo de la Policía de Los Ángeles - sirvió como la estación de policía de Burbank. El Hotel Park Plaza, que data de 1925, en las inmediaciones del Parque MacArthur, y la Cafetería Clifton's, que está ahí desde los años '30, sirvieron como fondo en escenas cruciales de la película.

Una secuencia crítica en la historia tiene lugar en el Barrio Chino y fue filmada ahí en tres días. Las fachadas de las tiendas fueron remodeladas, los postes de luz fueron removidos y se añadieron coloridas lámparas rojas y anaranjadas para dar un brillo adicional. En forma acorde, el equipo de iluminación incorporó linternas chinas decorativas al esquema de iluminación para algunas de las tomas.

Ascot Park hizo las veces de Chavez Ravine, que desde hace mucho es el sitio del estadio de los Dodgers, pero en los años '40 era un área en transformación, y en donde se pensaba construir viviendas públicas. Los Mariposa Horse Stables fueron el sitio para una balacera que sucedió fuera de un casino privado operado por Cohen y atacado por el escuadrón. Catch One en West Pico se usó como el lugar que Coleman frecuenta, el Club Alabam; y uno de los lugares favoritos del área de Larchmont, Lucy's El Adobe Café en la avenida Melrose, se convirtió en Café Caliente, lugar frecuentado por los oficiales Kennard y Ramírez.

Las escenas de las oficinas centrales del escuadrón se filmaron en un gran terreno en el área de Sylmar, en parte porque tenía que parecer remota, ya que los personajes están trabajando de incognito; y el sitio también permitió a las cámaras capturar el momento en que los policías llegaban y se iban del lugar conduciendo. La modesta casa de John y Connie O'Mara, localizada en el distrito de Mid-Wilshire, está pensada para sugerir, en palabras de Ahmad, "un ambiente cálido, amoroso, maternal". Por otro lado, la casa estilo palaciego español-mediterráneo de Mickey Cohen, en el corazón de Beverly Hills, representa todo lo costoso y lo elegante de la ciudad.

Filme de Quentin Tarantino: Django Desencadenado


Ambientada en los estados del Sur estadounidense dos años antes de estallar la Guerra Civil, Django Desencadenado está protagonizada por el actor ganador del Oscar, Jamie Foxx en el papel de Django, un esclavo cuyo brutal pasado con sus antiguos dueños le lleva cara a cara con el cazarrecompensas de origen alemán, el Dr. King Schultz (el actor ganador del Oscar, Christoph Waltz). Schultz le sigue la pista a los hermanos asesinos Brittle y Django es el único que podrá llevarle hasta ellos. El poco ortodoxo Schultz compra a Django con la promesa de dejarlo en libertad tras capturar a los Brittle, muertos o vivos.

Escrita y dirigida por el ganador del Oscar, Quentin Tarantino, Django Desencadenado está producida por Stacey Sher, y Reginald Hudlin.

La aventura de Django Desencadenado a la gran pantalla comenzó hace más de diez años cuando el director y guionista Quentin Tarantino pensó por primera vez en el personaje principal de la película, Django. "El germen de la idea fue la de un esclavo que se convierte en cazador de recompensas y persigue a los capataces que se esconden en las plantaciones", recuerda Tarantino. "Comencé a escribir y Django se me presentó sin más. En un principio fue lo que era, el sexto esclavo encadenado en una cadena de siete. Pero a medida que escribía continuaba revelándose más y más".

A pesar de que Django Desen-cadenado transcurre en el sur de Antebellum, Tarantino descubrió que la historia de Django podría ser reflejada mejor en un western. "Siempre quise hacer un western. Me gustan todos los tipos de western, pero como para mí el favorito siempre ha sido el spaghetti western, pensé que el día que hiciera uno sería dentro del universo de Sergio Corbucci", cuenta Tarantino.

Para Tarantino, los western representan descripciones magistrales del bien y el mal. Y halló que el género y la estructura se adecuaban a la perfección a esta historia en particular de un hombre que se infiltra en una importante plantación para rescatar a su esposa. "Jamás podrá alcanzar los límites de pesadilla que fue en la realidad. Ni llegar a los límites de lo surrealista que fue en la vida real. Tampoco el nivel de atrocidad que tuvo en la vida real", continúa Tarantino. "Es inimaginable el dolor y el sufrimiento que sufrió este país, y eso lo convertía en algo perfecto para ser interpretado en un spaghetti western. La realidad encaja dentro del mayor marco posible para esta historia".

‘Bolivia’, una realidad de la migración

Hoy, a partir de las 15.00, el canal iSat presenta la película Bolivia, protagonizada por Freddy Flores. La historia dirigida por Adrián Caetano cuenta la historia de Freddy, un joven boliviano que sufre en Argentina como migrante, tras haber abandonado a su familia para trabajar.

Actividad Paranormal: El origen

Dirigida por Toshikazu Nagae, la cinta de terror Actividad Paranormal: El Origen, comienza justo donde termina Paranormal Activity, donde una chica que ha estado visitando San Diego en un viaje de intercambio regresa a Japón llevándose con ella la presencia demoniaca de la primera película. Todo ello lo veremos a través de una grabación de una cámara doméstica.

Blancanieves quiere conquistar Francia





Avalada por una colección de premios internacionales, la película española Blancanieves, deslumbrante homenaje del director Pablo Berger al cine mudo, llega este miércoles a Francia con la ambición de conquistar al público en la cuna de 'The Artist'.

La distribuidora Rezo Films ha diseñado para esta película -muda, en blanco y negro, que traslada el personaje de Blancanieves al universo taurino sevillano de los años 1920- una campaña especial para preparar el terreno antes del estreno simultáneo en 69 cines de 15 ciudades francesas, incluyendo 10 de la capital.

Medio millar de carteles retroiluminados, en tonos muy blancos y con un diseño más moderno que el original, familiarizan desde hace semanas a los usuarios del metro de París con el título en español.

En los cines, un tráiler que levanta murmullos admirativos da mucho espacio a escenas de la actriz Ángela Molina, la más popular del reparto en Francia, a pesar de tener un papel más secundario.

Para acercar más la película al público, la distribuidora ha decidido también que los cartones de la película estén directamente en francés. 'Blancanieves' y 'The Artist', gran triunfadora en los Oscar del año pasado, se desarrollaron de forma prácticamente simultánea como proyectos. Ambos pasaron por rechazos y escepticismos parecidos a lo largo de más de cinco años. La entrada providencial de Thomas Langman, el productor de las películas de Asterix, permitió que película francesa pudiera concretarse antes que la española. El Festival de Cannes le sirvió de trampolín en 2011.

"Ahora nuestro reto es doble, que los franceses no vean en 'Blancanieves' una réplica extranjera de 'The Artist', que no lo es, y que el ambiente taurino no sea revulsivo para las personas que no están a favor de los toros", explicaba a la AFP el coproductor francés Jerome Vidal.

Pablo Berger, que se dio a conocer en 2003 con la comedia 'Torremolinos 73', recalcaba, por su parte, que 'The Artist' es "una película al estilo hollywoodiense y en cambio la nuestra es más europea".

El boca a boca del público, excelente hasta el momento se ha ido forjando gracias a la presentación de la película en varios festivales franceses, un homenaje multitudinario a la actriz Maribel Verdú en París o la multiplicación de pases en distintas ciudades, algunos específicos para profesores de español por ejemplo, en presencia sobre todo de Pablo Berger.

Después de su paso en septiembre pasado por la sección oficial del Festival de San Sebastián, donde fue premiada por partida doble, 'Blancanieves' fue designada como representante española en la lucha por el Oscar de la película de habla no inglesa.

Aunque quedó descolgada de las nueve prefinalistas en Hollywood -en la que sí está por cierto la chilena 'No', de Pablo Larraín- 'Blancanieves' ha copado hasta 18 nominaciones, prácticamente en todas las categorías de los Goya, los premios nacionales del cine español.

Es finalista como mejor película del año y en las categorías, entre otras, de director, actrices (Maribel Verdú, Ángela Molina) y actores (el mexicano Daniel Giménez Cacho, José María Pou). Pero en Francia es casi más importante que 'Blancanieves' se haya llevado premios, y sobre todo la aclamación del público, en los certámenes franceses de Montpellier, Les Arcs o Angers.

En la prensa, las críticas positivas son la inmensa mayoría. Película "libre y emocionante, infinitamente personal", según el semanario 'Marianne'. "Visualmente espléndida, nos arrastra a un torbellino de emociones", escribe 'Le Journal du Dimanche'.

"Hermoso y cruel hasta la última lágrima, este cuento de hadas surgido de ninguna parte es una de las mejores sorpresas de este arranque de año", aplaude la revista especializada 'Première'.

La única excepción que confirma la regla la protagoniza el mensual 'Les Cahiers du Cinéma': "El conjunto se encuentra reducido a una serie de viñetas decorativas, un popurrí galopante de imágenes gastadas cuyos vestidos brillantes no bastan para que funcione la ilusión".

AFP

Retorna la cinta multi premiada: Argo


No­mi­na­da a sie­te Pre­mios Os­car de la Aca­de­mia de Holly­wood, des­de ma­ña­na jue­ves re­tor­na a los ci­nes, la pro­du­ci­da, di­ri­gi­da y pro­ta­go­ni­za­da por Ben Af­fleck, Ar­go.

SI­NOP­SIS

Irán, año 1979. Cuan­do la em­ba­ja­da de los Es­ta­dos Uni­dos en Te­he­rán es ocu­pa­da por se­gui­do­res del Aya­to­lá Jo­mei­ni pa­ra pe­dir la ex­tra­di­ción del Sha de Per­sia, la CIA y el go­bier­no ca­na­dien­se or­ga­ni­za­ron una ope­ra­ción pa­ra res­ca­tar a seis di­plo­má­ti­cos es­ta­dou­ni­den­ses que se ha­bían re­fu­gia­do en la ca­sa del em­ba­ja­dor de Ca­na­dá. Con es­te fin se re­cu­rrió a un ex­per­to en res­ca­tar re­he­nes y se pre­pa­ró el es­ce­na­rio pa­ra el ro­da­je de una pe­lí­cu­la de cien­cia-fic­ción, de tí­tu­lo Ar­go, en la que par­ti­ci­pa­ba un equi­po de ca­za­ta­len­tos de Holly­wood. La mi­sión: ir a Te­he­rán y ha­cer pa­sar a los di­plo­má­ti­cos por un equi­po de fil­ma­ción ca­na­dien­se pa­ra traer­los de vuel­ta a ca­sa.

LOS PREMIOS

� Oscar: 7 nominaciones,

incluyendo Mejor película y

actor sec. (Arkin)

� Globo de Oro: Mejor película

dramática y mejor director.

(5 nominaciones)

� 2 Critics Choice Awards: Mejor

película y mejor director.

(7 nominaciones)

� Premios BAFTA:

7 nominaciones, incluyendo

Mejor película y actor

� Festival de Toronto: Nominada

al Premio del Público (Mejor

película)

� Satellite Awards: Mejor banda

sonora. (4 nominaciones,

incluyendo Mejor película)

� National Board of Review

(NBR): 10 mejores filmes,

Mención especial Ben Affleck

(director)

� Asociación de Críticos de

Los Ángeles: Mejor guión

� American Film Institute (AFI):

Top 10 - Mejores películas del

año

Han­sel y Gre­tel: Ca­za­do­res de Bru­jas


Je­remy Ren­ner y Gem­ma Ar­ter­ton in­ter­pre­tan a una in­só­li­ta pa­re­ja de her­ma­nos, los Han­sel y Gre­tel del fa­mo­so cuen­to, con­ver­ti­dos aho­ra en dos ca­za­do­res de bru­jas do­ta­dos de las más so­fis­ti­ca­das ar­mas pa­ra dar muer­te al ene­mi­go. La pe­lí­cu­la tie­ne, no obs­tan­te, una vi­lla­na de lo más in­te­re­san­te: Fam­ke Jans­sen quien per­so­ni­fi­ca a una bru­ja y que tie­ne un plan se­cre­to que im­pli­ca el se­cues­tro y muer­te de va­rios ni­ños.El di­rec­tor de Han­sel y Gre­tel: Ca­za­do­res de Bru­jas es Tommy Wir­ko­la, rea­li­za­dor nór­di­co res­pon­sa­ble de Dead snow (2009), la aven­tu­ra de un gru­po de es­quia­do­res que ha­cen fren­te a sol­da­dos na­zis zom­bies, y que no ha tar­da­do en caer en las re­des del ci­ne de Holly­wood. La pe­lí­cu­la, no obs­tan­te, ha te­ni­do pro­ble­mas en su pro­duc­ción. Fue ro­da­da a lo lar­go de 2011 en los es­tu­dios Ba­bels­berg de Ale­ma­nia, y su es­tre­no es­ta­ba pre­vis­to pa­ra 2012. No obs­tan­te, el es­tu­dio Pa­ra­mount de­ci­dió re­tra­sar su es­tre­no va­rios me­ses -ca­si un año, de he­cho- has­ta pri­me­ros de es­te año pa­ra efec­tuar di­ver­sos cam­bios en la pe­lí­cu­la.La cin­ta tie­ne co­mo pro­ta­go­nis­tas al es­ta­dou­ni­den­se Je­remy Ren­ner y la bri­tá­ni­ca Gem­ma Ar­ter­ton (Fu­ria de Ti­ta­nes), quien reem­pla­zó en el cas­ting co­mo Gre­tel a la sue­ca Noo­mi Ra­pa­ce (Pro­me­teo). Pa­ra Ren­ner es­te es un pa­so más en una ca­rre­ra que el úl­ti­mo tiem­po ha es­ta­do mar­ca­da por la ac­ción, co­mo lo de­mues­tran sus re­cien­tes in­cur­sio­nes en Los Ven­ga­do­res y El le­ga­do Bour­ne. En es­te pro­yec­to, di­jo, pa­ra él lo im­por­tan­te era la fan­ta­sía: “La ha­ce más fá­cil de di­ge­rir que otras pe­lí­cu­las que he he­cho”, ase­gu­ró, ca­li­fi­cán­do­la, en­tre ri­sas, co­mo “un ma­ra­vi­llo­so cuen­to de ha­das, un po­co más ás­pe­ro y di­ver­ti­do”.

Ex­tra­ños en la no­che

Mar­tín (Die­go To­rres) y Sol (Ju­lie­ta Zyl­ber­berg) son una jo­ven pa­re­ja de ar­tis­tas en bus­ca de sus des­ti­nos. Mar­tín es un mú­si­co de for­ma­ción aca­dé­mi­ca que es­pe­ra po­der vi­vir de sus com­po­si­cio­nes clá­si­cas, mien­tras que Sol quie­re triun­far co­mo vo­ca­lis­ta y lí­der de una ban­da de rock in­die. Sin em­bar­go, por el mo­men­to, no es­tán sa­tis­fe­chos con los tra­ba­jos que con­si­guen: am­bos to­can en fies­tas y even­tos don­de na­die los to­ma real­men­te en se­rio. Pe­ro la vi­da, siem­pre lle­na de ca­pri­chos, pa­re­ce que­rer des­viar­los de sus sue­ños. A un pa­so de fir­mar un an­sia­do con­tra­to pa­ra can­tar en una ban­da, Sol re­ci­be con sor­pre­sa la no­ti­cia de su em­ba­ra­zo. Al mis­mo tiem­po, Mar­tín que­da sin em­pleo y pier­de su pia­no en ma­nos de un afi­na­dor.Con tan­tos su­ce­sos de­sa­len­ta­do­res, Sol no en­cuen­tra la me­jor ma­ne­ra de de­cir­le a Mar­tín acer­ca de su es­ta­do. Pa­ra pos­ter­gar el mo­men­to de ha­blar de su em­ba­ra­zo, se con­cen­tra en­ton­ces en in­ten­tar des­ci­frar el su­pues­to cri­men del mis­te­rio­so ve­ci­no del pi­so de arri­ba de su ca­sa, in­vo­lu­cran­do a Mar­tín �aún en con­tra de la pro­pia vo­lun­tad de és­te- en una se­rie de en­re­dos de­so­pi­lan­tes. La in­tri­ga po­li­cial ha­ce de am­bos una di­ver­ti­da pa­re­ja de de­tec­ti­ves ama­teurs que in­da­gan y bus­can pis­tas mien­tras in­ten­tan re­sol­ver su vi­da co­ti­dia­na. Al pre­ten­der de­ve­lar el enig­ma de la de­sa­pa­ri­ción del ve­ci­no des­cu­bri­rán que na­da es lo que pa­re­ce, que el oí­do pue­de en­ga­ñar tan­to co­mo la ima­gi­na­ción y que el co­ra­zón es un ar­ma de do­ble fi­lo�

PRO­TA­GO­NIS­TAS

Mar­tín: Die­go To­rres. Hi­jo de la cé­le­bre Lo­li­ta To­rres, Die­go de­be su vo­ca­ción ar­tís­ti­ca a ese vín­cu­lo co­ti­dia­no con el es­ce­na­rio. Ca­ris­má­ti­co y dúc­til, se de­di­có des­de muy jo­ven a es­tu­diar mú­si­ca, can­to y ac­tua­ción. En 1989 dió sus pri­me­ros pa­sos en TV co­mo uno de los pro­ta­go­nis­tas de la exi­to­sa ti­ra ar­gen­ti­na La ban­da del Gol­den Roc­ket, que se emi­tió du­ran­te tres años. En 1997 pro­ta­go­ni­zó la ta­qui­lle­ra pe­lí­cu­la La Fu­ria. Ade­más, Die­go es hoy es uno de los má­xi­mos re­fe­ren­tes­de la mú­si­ca la­ti­noa­me­ri­ca­na. Su úl­ti­mo dis­co, ‘Des­ti­no′, es un éxi­to en los paí­ses de ha­bla his­pa­na. Ex­tra­ños en la no­chees su re­gre­so a la pan­ta­lla gran­de.

Sol: Julieta Zylberberg. Ac­triz de ci­ne, tea­tro y te­le­vi­sión, Ju­lie­ta co­men­zó su ca­rre­ra des­de una edad muy tem­pra­na. A los 8 años dio ini­cio a sus es­tu­dios de ac­tua­ción con No­ra Mo­sein­co y lue­go con Hu­go Mi­dón. Tres años des­pués for­mó par­te del exi­to­so ci­clo de te­le­vi­sión Ma­ga­zi­ne for fai. Ju­lie­ta par­ti­ci­pó en va­rios pro­yec­tos de TV, en­tre los cua­les pue­den men­cio­nar­se Cul­pa­ble de es­te amor y, más re­cien­te­men­te, Los Úni­cos. Ade­más, par­ti­ci­pó en otras pe­lí­cu­las, co­mo Gé­mi­nis (2005), Ca­ra de que­so -mi pri­mer ghet­to- (2006), Tres mi­nu­tos (2007), La mi­ra­da in­vi­si­ble (2010) (que se es­tre­nó en el Fes­ti­val In­ter­na­cio­nal de Ci­ne de Can­nes) y re­cien­te­men­te en Los Mar­zia­no (2011).


martes, 22 de enero de 2013

La Cinemateca Sur alista ciclo dedicado a DiCaprio

Películas como Quién ama a Gilbert Grape; La playa; Atrápame si puedes y El hombre de la máscara de hierro, entre otras, ocuparán desde el jueves la cartelera de la Cinemateca Sur. Así, los responsables de esta sala mostrarán en pleno el trabajo del actor Leonardo DiCaprio, protagonista las mencionadas cintas.

“La Cinemateca Sur quiere dar continuidad a sus ciclos temáticos dedicando un ciclo a una de las estrellas más entrañables e icónicas de esta generación: Leonardo DiCaprio”, se lee en la nota de prensa difundida por esta sala.

Este ciclo antecede al estreno del filme Django desencadenado, dirigido por Quentin Tarantino, que llegará a salas paceñas la próxima semana y que le ha valido tanto al actor como al director del filme el aplauso de la crítica.

“Su extensa y multifacética carrera lo ha catapultado entre la lista de los más distinguidos entre la industria del cine, más allá de su simpatía física, consolidándolo como un actor de primer nivel”, detalla el comunicado.

El actor inicio su carrera en 1991 con el filme de terror Critters 3; sin embargo, alcanzó fama cuando fue seleccionado por el actor Robert de Niro para interpretar el papel principal en La vida de este chico, cinta en la que compartió escena con Ellen Barkin y el propio de Niro.

Posteriormente, su carrera tomó impulso con protagónicos como El hombre de la máscara de hierro y su papel más memorable como Jack en Titanic. La crítica lo aclamó por sus protagónicos en filmes como Pandillas de Nueva York y Atrápame si puedes”.

Chastain líder en taquilla

Jessica Chastain superó fácilmente a Arnold Schwarzenegger y a Mark Wahlberg durante el fin de semana en las taquillas de las salas de cine de Estados Unidos y Canadá gracias a dos películas: su cinta de horror sobrenatural "Mama" y el drama de la búsqueda de Osama bin Laden "Zero Dark Thirty" (la noche más oscura), nominada al premio Óscar.

"Mama", el thrilller de Universal Pictures, se estrenó muy por arriba de las expectativas con una recaudación el fin de semana de 28,1 millones de dólares, de acuerdo con cálculos de los estudios difundidas el domingo. De esta manera se impone a un plantel de nuevos estrenos alimentados por la testosterona y orientados a un público masculino que terminaron muy por detrás.

Chastain también se apoderó del segundo sitio con "Zero Dark Thirty", cinta por la que fue nominada al Óscar a la mejor actriz. En su segunda semana de proyección amplia, "Zero Dark Thirty" captó 17,6 millones de dólares.

Las excelentes actuaciones de Chastain en ambas películas hicieron que la actriz camaleónica se volviera una reina de la taquilla que pocos esperaban, incluso entre los fans de "Mama". Chastain, cuyos créditos incluyen los filmes "The Tree of Life" y "The Help" (por la que también fue nominada al Óscar) logró la hazaña poco común de superar a un par de cintas que tradicionalmente son más taquilleras.

El regreso a la pantalla grande de Schwarzenegger tras sus dos mandatos como gobernador de California fue terrible: la cinta de acción "The Last Stand" (El último desafío) se estrenó con una recaudación de apenas 6,3 millones de dólares. La cantidad marcó uno de los peores estrenos del astro, ahora de 65 años de edad.

Aunque Schwarzenegger coprotagonizó "The Expendables 2", que se estrenó con 28,6 millones de dólares en agosto, "The Last Stand" fue su primer protagónico en forma desde que dejó el puesto de gobernador de California en enero de 2011.


"Life of pi"

Jonesboro, Arkansas, Estados Unidos.- Un cineasta como Ang Lee merece respeto y consideración. Desde sus primeras obras, realizadas en su natal Taiwán, hasta las más recientes, ya en Hollywood, Lee nos ha acercado a un universo peculiar en el que se desplaza con naturalidad, siempre preocupado por las relaciones interpersonales que pueden llevar a distintos desenlaces, a veces caramente trágicos, como en “Lust, Caution” o “Brokeback Mountain”, o simplemente acercarse a un mundo colmado de novedades e ilusiones, como en la hoy lejana “El banquete de bodas”.

Por lo general, los personajes de Ang Lee son sólidos, están construidos de una materia que une tanto sensibilidad como osadía. No es ajeno a su obra un sentido claro de la aventura, que es el que siempre ha guiado a los grandes realizadores. Ya David W. Griffith en sus tempranas “Intolerancia” y “El nacimiento de una nación”, nos demostró que era la aventura, y todo lo que ella implicaba, aquello que desplegaba al máximo su sentido cinético.

Hablemos, pues, de “Life of Pi”. Se puede resumir la historia, quizá con facilidad. Un muchacho, náufrago en el mar, sobrevive junto a un tigre, al que logra dominar, pero con el que, sobre todo, plantea una curiosa hermandad. Antes, están los orígenes de Pi, su vida en la India, sus destrezas intelectuales y escolares. La aventura se extiende por dos horas y en sus intersticios vemos el diálogo en el “presente” entre el Pi maduro y el escritor que pretende novelar la aventura de aquel.

Uno de los logros de esta película, que evita el camino cansino y moroso de “Náufrago”, la cual llevó a deambular por una isla a Tom Hanks hace algunos años, es el buen uso de los efectos especiales que así como crean fuertes tormentas en altamar igual animan especies animales que pueden ser interpretadas como el trasfondo de la buena voluntad de Pi. Y es que este muchacho, inteligente, decidido, no sólo se entrega a su aventura sino que reconoce en las especies animales a cercanos y fraternos compañeros. La película, así, se construye en base a un constante y generalizado simbolismo, que llama la atención sobre otros temas urgentes, como la absoluta soledad o el desarraigo.

Ang Lee dibuja a sus personajes con paciencia y ardor. Se toma tiempo entre filme y filme para descubrirnos -y entregarnos- nuevas historias en las cuales se confirma la lucha del hombre contra ambientes adversos o una decidida posición ante situaciones que requieren de su concurso.

Ya se habla de “Life of Pi” como una candidata al Oscar, y en varios apartados. Sorprende la elaborada paleta de colores que, a la manera de un sensiblepintor, Lee ha elegido para contarnos este relato de orfandadesy nostalgias. Si recordamos otras incursiones de este director en el cine de Hollywood, tan opuestas como “Cabalga con el diablo” o “Hulk”, estamos seguros que cada nueva entrega de su parte no es más que una confirmación de elementos de un proceso de elaboración que conducen, finalmente, a una elaborada revelación. Precisamente en esa línea es que puede leerse e interpretarse “Life of Pi”: un triunfo, o tal vez la sobrevivencia ante una derrota. Dolor, tragedia, pero también un gran sentido de humanidad se conjugan en este filme altamente recomendable.

ARGENPRESS.info

La academia de Hollywood capacitará actores



La academia HAPA (Hollywood Academy of performing arts), a través de la universidad La Salle, inició el periodo de inscripciones para su primer curso de formación de actores en Bolivia. La iniciativa, promovida por el actor boliviano Reynaldo Pacheco, se ha propuesto cumplir una currícula de 24 módulos que serán desarrollados en dos años. El graduado recibirá un certificado académico respaldado por el estado de Los Ángeles (EEUU), informaron los responsables.

Alejandra Pacheco, coordinadora de HAPA en Bolivia, explicó que el programa está diseñado para proporcionar al alumno una formación artística en la actuación para teatro, cine y televisión. “En el primer año, nos enfocamos en el desarrollo de la técnica, en el segundo año aplicamos estas técnicas adquiridas para desarrollar personajes, performance y piezas de audición”, puntualizó luego de precisar que el alumno también aprenderá cómo navegar por la industria y hacerse cargo de su carrera.

Para esta primera versión se sorteará una beca para tres módulos a través de un concurso de “screen test” a través de Facebook.

Las inscripciones para el curso cierran en febrero

El costo de cada módulo demandará una inversión de $us 60, un coste que será erogado por el alumno una vez culminado el proceso de selección e inscripción. La universidad La Salle recibirá las inscripciones para los aspirantes a la academia hasta el 1 de febrero; al día siguiente se realizarán las audiciones, que son una entrevista con cámara. Los seleccionados serán capacitados por actores en Hollywood que podrán hacer recomendaciones necesarias a través de videoconferencias.

Juan Carlos Aduviri gesta una pesadilla de zombies en Bolivia



La furia de un científico contra la humanidad está en el centro de la película de zombies Sinfonía de horror, que tiene su origen en la mente del actor y cineasta Juan Carlos Aduviri, quien espera filmar a mediados de año. “Es un ambicioso proyecto. Queremos (el equipo de producción) entrar al género del cine B, como son las películas de muertos vivientes, pero llevarlo a un nivel de clase A”, explicó el artista alteño. Aduviri anunció la realización de la película, su primera en plan de productor y director, a principios de 2012. Actualmente, ya cuenta con socios de producción y un grupo de actores.

Los intérpretes y el director llevan trabajando cinco meses para prepararse para la filmación. “Creo que es uno de los periodos más largos de trabajo con un solo elenco”, opinó Aduviri, quien también informó que la preparación tomará cuatro meses más. Además del trabajo con los actores, el cineasta se encuentra sumergido en plena etapa de preproducción. El guión de la película ya está listo.

La trama del filme se desarrolla en un país del Tercer Mundo como Bolivia, en la que una persona descubre la manera de levantar los muertos de la tumba. Este personaje está, en palabras de Aduviri, “mal del hígado” y tiene un odio incontenible contra toda la humanidad y ve en los zombies el arma perfecta para poder vengar “a Dios de los pecados que comete el hombre”.

La cinta está planteada como un acercamiento serio al cine de terror, a diferencia de la tendencia hispanoamericana de tratar a los monstruos clásicos con comedia —la cubana Juan de los Muertos o la española Lobos de Arga—.

“Quiero jugar con las emociones extremas, con un miedo real. También busco mostrar la belleza del horror, de lo grotesco. Quiero que, como su nombre indica, que sea una sinfonía dedicada a este género”, manifestó.

Para ayudar con la atmósfera que se espera conseguir, el equipo de producción usará una banda sonora configurada por diferentes composiciones maestras de la música clásica universal. Aduviri cuenta con el apoyo de Cine Arte, que proveerá con el equipo técnico y otros socios de producción. De esta forma, todo está listo para iniciar el rodaje en junio y, si todo sale según lo planeado, estrenar en diciembre. Hasta el inicio de la filmación, Aduviri continuará buscando auspiciadores que garanticen una película de primer nivel.

Respecto al trabajo en maquillaje y efectos especiales, el director aseguró que “en Bolivia hay mucho talento”, prueba de ello fue el trabajo realizado en Blackthorn (2011) y También la lluvia (2010). La mayoría de los participantes, informó, son talentos jóvenes que “tienen hambre” de participar en las producciones.

Heath Ledger, cinco años sin un mito a medio forjar

Cinco años después de la inesperada muerte de Heath Ledger, su carisma vulnerable sigue emocionando a los amantes del cine, pero no ha detonado ese mito, ese aura de "nuevo James Dean" que se esperaba y que el Óscar póstumo por "El caballero oscuro" parecían augurar.

El 22 de enero de 2008, el mundo del cine se conmocionaba con la muerte por sobredosis accidental de Heath Ledger en su apartamento en Manhattan.

Conocidos eran sus coqueteos con los fármacos, su insomnio y su inestabilidad emocional, pero también su devoción a su hija Matilda y su entusiasmo en el set de la película que dejó inacabada, "El imaginario del Doctor Parnassus", de Terry Gilliam, y que completarían en homenaje a Ledger Colin Farrell y Johnny Depp.

La juventud de Ledger, que murió con 28 años, la ambigüedad inicial de su fallecimiento, con implicación de Mary-Kate Olsen incluida, y las primeras imágenes de su creación de Joker divulgadas poco después con una indudable vocación escalofriante, fueron los mimbres para un mito que, en cambio, pasados cinco años, parece más condenado a diluirse que a permanecer.

"El caballero oscuro", ese verano, se convertía en la segunda película más taquillera en Estados Unidos, llegando a rozar el récord de "Titanic". El tono mesiánico de Christopher Nolan y la nueva solemnidad trágica de Batman colaboraban a la fiebre por la película, pero sin duda fue la interpretación de Ledger el reclamo central para su éxito.

Los más morbosos quedaron satisfechos al ver en pantalla a un Ledger inmejorable, con un histrión inquietante y un discurso filosófico cercano al nihilismo y la autodestrucción, y muchos comenzaron a repasar la carrera de Ledger de manera retrospectiva.

Se reivindicaba de Ledger una sensibilidad a flor de piel y un genio creativo y melancólico también detrás de las cámaras, como mostraba el videoclip que hizo para la canción "Morning Yearning" de su amigo Ben Harper.

Y se recuperaban frases concedidas en entrevistas como la que dio al New York Times en 2001, en la que decía: "La gente piensa que, si como actor puedes mostrarte seguro de ti mismo en la pantalla, ¿por qué no lo haces en la vida real o actúas en tu vida social? ¡Porque no puedo!".

O, sobre todo, la que en 2007 aseguraba: "La semana pasada probablemente dormí una media de dos horas por noche. No podía parar de pensar. Mi cuerpo estaba agotado y mi mente seguía y seguía".

Ledger había comenzado como una cara bonita en pleno desembarco de las estrellas australianas en Hollywood, capitaneadas por Nicole Kidman.

Descubierto su potencial dramático gracias a Mel Gibson y Roland Emmerich en "El patriota", los estudios lo habían alimentado como cebo para las adolescentes en "Destino de caballero" y "10 razones para odiarte", una adaptación sui generis de "La fierecilla domada", de Shakespeare.

Sin embargo, en su primer intento para convertirse en estrella con una nueva versión de "Las cuatro plumas", de A.E.W. Mason, en 2002, y rodada con exquisito gusto por el indio Shekhar Kapur, la taquilla le dio la espalda, algo que le impulsó a buscar con más ahínco el prestigio que la rentabilidad.

De esa decisión nació su vuelta a Australia con "Ned Kelly" o radicalizar su aspecto en "Los amos de Dogtown" y, aunque como secundario brilló brevemente en "Monster's Ball", donde las miradas estuvieran puestas fue en la oscarizada interpretación de Halle Berry.

Sería Ang Lee el que cambiaría su vida al convertirle en Ennis del Mar, el "cowboy" homosexual de "Brokeback Mountain". Su primera nominación al Óscar y primera muestra de su carácter camaleónico, de una sutileza interpretativa capaz de transmitir de manera parca pero arrolladora el tormento interior, el romanticismo enmudecido por la no aceptación.

Esa película, además, le cambió en lo personal. A pesar de que su novia antes de empezar la película, Naomi Watts, fue la que le animó a aceptar el papel, su sufrida esposa en la ficción, Michelle Williams, se convirtió en su nueva pareja en la vida real, la que alumbraría a su adorada hija, de la que fue padrino su compañero de reparto, Jake Gyllenhaal.

"Brokeback Mountain" ganó el León de Oro en una Mostra de Venecia en la que también estuvieron presentes "El secreto de los hermanos Grimm", de Terry Gilliam, y "Casanova", de Lasse Hallström. Ledger, por la vía del prestigio, era, ahora sí, una estrella, aunque su siguiente paso sería regresar a Australia para hacer "Candy", filme sobre la adicción a las drogas que, tras su muerte, fue reinterpretada por no pocos fans.

Su interpretación de Bob Dylan en "I'm Not There" contribuyó a forjar su fama de buen actor, que se coronaría con un Óscar indiscutible incluso sin el factor emocional que sumó su categoría de "juguete roto". Cinco años después de su muerte, su talento permanece en sus películas. Pero, ¿despegará por fin la leyenda?.