domingo, 30 de septiembre de 2012

Un cuento que puede hacer leyenda "BLANCANIEVES"

Érase una vez una película que no podía hablar, que no tenía color y nadie quería producir. Un día, la Academia de Cine la miró al espejo y descubrió que era la más bella del reino, su candidata al Óscar a la mejor película de habla no inglesa. Como buen cuento, ¿tendrá "Blancanieves" final feliz? "Aunque no lo parezca, todo ha ido a favor en esta película", decía en San Sebastián Pablo Berger, el hombre que creyó en el sueño.

Y, poco días después, su peculiar adaptación del cuento de los hermanos Grimm se acercaba un poco más a ese Óscar que no recae en España desde 2004, cuando ganó "Mar adentro".

El cuento de "Blancanieves" tiene un comienzo feliz, porque ya está llena de éxitos y méritos el mismo día de su estreno. Pero, ¿conseguirá que el final también lo sea y sus responsables vivan felices y coman perdices en Hollywood? El "aunque no lo parezca" que decía Berger se refiere a que, en ese circo que llevaba intentando montar desde 2005, cuando parecía que por fin iban a rematar el número final, un triple salto sin red, le crecieron los enanos. No los del cuento, que no han crecido sino disminuido de siete a seis, sino los de la trasgresión de la propuesta.



Búsqueda implacable 2, continúa el vertiginoso thriller



Título original: Taken 2
Dirección: Olivier Megaton
Guion: Luc Besson y Robert Mark Kamen
País: EEUU
Género: acción
Reparto: Liam Neeson, Famke Janssen, Maggie Grace, Rade Serbedzija y Luke Grimes.
Estreno: jueves (Cine Center)

Manfer Films

El agente de la CIA retirado Bryan Mills tendrá que rescatar a su esposa y a su hija de un mafioso albanés, cuando el padre de uno de los secuestradores muertos, en la primera entrega, a manos de Mills, jura venganza, y las toma como rehenes. El rapto de la familia se produce cuando se encuentran en Estambul, disfrutando de unas vacaciones.
El reconocido actor británico Liam Neeson regresa en su papel de Bryan Mills, el retirado agente de la CIA que no se detuvo ante nada para salvar a su hija secuestrada en Búsqueda implacable.
Cuando pasa a ser el objetivo de una misteriosa figura que está en búsqueda de venganza, Bryan deberá emplear su particular conjunto de habilidades para proteger a su familia de una legión que quiere matarlos.
Búsqueda implacable 2 llega de la mano del aclamado realizador Luc Besson (que coescribió y produjo el filme), del coguionista Robert Mark Kamen (que ha escrito ambas películas con Besson), y del director Olivier Megaton (Columbiana, Transporter 3). El largometraje protagonizado por Neeson continúa después del éxito mundial de la primera parte estrenada en 2008, que recaudó 224 millones de dólares en la taquilla.
El público aclamó a Neeson en su papel de un padre sobreprotector cuyas habilidades fueron puestas a prueba después de su retiro de la CIA. El viaje de Bryan es algo que cualquier padre de familia puede entender de manera inmediata.

Y también

El juez dreed 2
Sinopsis. EEUU es una zona irradiada. En la costa este, desde Boston hasta Washington se extiende Mega City One, una vasta y violenta metrópolis con más de 40 millones de ciudadanos viviendo en miedo perpetuo. Los únicos intentando imponer orden en el caos son Los Jueces. Encargados de la ley, jurados, jueces y ejecutores en una sola persona. Proyección: Cine Center y Palace

Agentes secretos
Sinopsis. A Mallory Kane, una joven agente secreta, la contratan numerosos gobiernos para llevar a cabo peligrosas misiones de las que ellos no podrían encargarse. Se le encomienda un trabajo en Dublín, pero la joven fracasa al ser traicionada; tendrá entonces que servirse de todas sus habilidades para eludir una persecución internacional y lograr venganza.
Proyección: Cine Palace.



Fenavid abre su edición 2012 ‘enmudecido’

La 12 versión del Festival Internacional de Cine Digital (Fenavid) enmudece. La competición cinematográfica, que se inaugurará mañana y que se extenderá hasta el domingo 7 de octubre en Santa Cruz, hará un homenaje al cine mudo con la exhibición de la película Metrópolis (1927), en la apertura, y con la producción de cortometrajes silentes en el proyecto Santa Cruz 100x100.

Este año participarán más de 80 trabajos audiovisuales de distintas partes del mundo. La comisión seleccionadora, presidida por Gerardo Guerra, recibió 360 trabajos de 21 países como España, Argentina, Brasil, México, Cuba, Costa Rica, Portugal, Bélgica, Palestina, entre otros.

La muestra oficial de largometrajes cuenta con 20 propuestas, entre las que destacan las premiadas Las malas intenciones (Perú), Juan de los muertos (Cuba), Oro negro (Brasil), o el documental ¿Por qué quebró Mc Donald´s? (Bolivia).

Otra novedad, es la aparición de la nueva estatuilla elaborada en bronce por el escultor Juan Bustillos. Se trata de la Kaa-Iya, cuyo nombre proviene de la mitología guaraní y significa ‘Dueño del monte’. La obra representa la figura de una mujer del oriente boliviano, que sobre una cinta de cine exhibe una semilla que está a punto de germinar.

Los 20 largometrajes finalistas del Fenavid se proyectarán gratuitamente en la Casa Municipal de Cultura, el Centro Cultural Franco Alemán y el teatro de la Aecid.

Asimismo, 80 cortometrajes pugnarán por ser las mejores producciones de ficción, documental, animación y videoclip.

Uno de los acontecimientos más llamativos del encuentro será el estreno del largometraje Quijote 2.0, el viernes 5 a las 19:00, en la Casa de la Cultura.

El audiovisual dirigido por el argentino Fernando Foulques contó con la participación de más de 40 adolescentes bolivianos, que actuaron y elaboraron el guion.

Sumado a ello, el Fenavid proyectará en paralelo una muestra de cine para niños, talleres de formación para productores audiovisuales y una competencia para amateurs en la se los convocó a producir un video de un minuto.

Entre los invitados especiales que engalanarán la cita están Helmut Imig (Alemania), Luis Nascimento (Brasil), Fernando Foulques (Argentina), Marcos Loayza (Bolivia), María Vitta (Argentina), Óscar García (Bolivia), Rodrigo Bellott (Bolivia), entre otros.

El Fenavid hará un homenaje póstumo al cineasta Jorge Ruiz, uno de los precursores del cine en Bolivia, que falleció en julio. Entre sus trabajos más destacados se encuentran Los Urus (1948), Vuelve Sebastiana (1953) y La vertiente (1958).

Alrededor de 60 personas trabajan para que el Fenavid se convierta en la cita cinematográfica más importante del país. Las actividades del festival se iniciaron en marzo, y desde el viernes con el taller Realización audiovisual para niños dictado por la cineasta alemana residente en Colombia Stephanie Ruckoldt.


Invitados y jurados se destacan
La presencia de distintas figuras nacionales e internacionales realzan la cita cultural, como los actores que protagonizarán los cortometrajes de Santa Cruz 100x100. Ellos son Aymará Rovera (Argentina), Ivette Mercado (Bolivia), Luis Bredow (Bolivia), Roberto ‘Chichi’ Kim (Bolivia) y Yovinca Arredondo (Bolivia).
Los profesionales que asesorarán a los jóvenes realizadores serán Helmut Imig (Alemania), Rodrigo Bellott (Bolivia), Xavi Sala (España) y Óscar García (Bolivia).
Los talleristas que ofrecerán distintas charlas serán Luis Nascimento (Brasil), Marcos Loayza (Bolivia), Stephanie Ruckoldt (Alemania) y Fernando Foulques (Argentina).
Los jurados serán Homero Carvalho, Marcos Loayza y Mary Carmen Molina para la categoría ficción; para la de documental son Fernando Aguilar, Humberto Mancilla y Paola Gosálvez. Y los que juzguen la muestra boliviana son María José Vitta, Miguel Chávez y Pablo Bustamante.

Metrópolis inicia el encuentro
La gala inaugural será mañana en la Casa de la Cultura, a las 20:00, donde la Orquesta Sinfónica Juvenil musicalizará en directo la proyección de la versión original de la cinta alemana Metrópolis (1927), bajo la dirección del germano Helmut Imig.
Un acuerdo entre el Fenavid, el Goethe-Zentrum y la Orquesta Sinfónica Juvenil de Santa Cruz hizo posible que el reconocido director llegue a la capital cruceña para dirigir a los jóvenes músicos para la exhibición. “Es un desafío, porque sincronizar el movimiento de la película con la música es muy difícil”, explicó Imig.
Helmut trabajó durante 30 años en la música de ópera y fue convocado para musicalizar diferentes películas mudas, en una corriente que se ha puesto de moda en Alemania, incluso las cintas contemporáneas son proyectadas con una orquesta en vivo como ocurrió con la última entrega de la saga de Piratas del Caribe.
La versión original de Metrópolis se extravió por mucho tiempo, hasta que en 2008, por accidente, se encontró una copia en Buenos Aires. En 2010 se restrenó en el Festival de Cine Internacional de Berlín.

En detalle

- Categoría. Mejor largometraje ficción, Mejor largometraje documental, Mejor cortometraje ficción, Mejor cortometraje documental, Mejor cortometraje animación, Mejor videoclip, Mejor cortometraje boliviano ficción, Mejor cortometraje boliviano documental, Mejor ficción universitaria, Mejor documental universitario, Mejor video universitario boliviano, Mejor cortometraje proyecto Santa Cruz 100×100, Mejor video minuto y Aporte al audiovisual boliviano.

- Video minuto. El concurso consiste en elaborar un video con una duración máxima de 60 segundos, utilizando cualquier dispositivo de captura de imágenes como una cámara de un teléfono celular, cámara web, cámara filmadora amateur o cualquier otro, para contar una historia.

- Programa de TV. Para vernos, Fenavid es el nombre del programa de televisión que desde hace seis meses se transmite en Full TV, los domingos, de 21:00 a 22:00. El espacio, conducido por Ángel Careaga y Camilo Vadillo.

- Noche del videclip. El jueves 4 de noviembre, 16 videoclips de Latinoamérica competirán por una estatuilla en una gala en el boliche Clapton (Balivián # 159).

- Retrospectiva. El Centro Simón I. Patiño y la UEB, dedicarán una muestra retrospectiva a Jorge Ruiz, desde el lunes hasta el jueves. Se realizará en la esquina de las calles Independencia y Suárez de Figueroa, a las 19:00. Ingreso libre.



Argumento. El hijo de un soberano y una muchacha de origen humilde, intentarán evitar la destrucción de una megalópolis en 2000, a través de los sentimientos y el amor.























Opiniones

Martha Paz
Facultad de Comunicación UEB
“Al Fenavid lo conozco desde que nació, pues se gestó en la Universidad Evangélica Boliviana, he visto su evolución, de ser un festival estudiantil hasta convertirse en un encuentro internacional. Valoro la historia del encuentro porque está sostenido por amor al arte, sin beneficios económicos para sus organizadores. Sería ideal que cuente con respaldo del sector privado y de las autoridades”.

Elías Serrano
Cineasta
“Durante 10 años fui presidente del directorio de la Fundación Audiovisual (Fundav) que organiza el Fenavid. Se trata del mejor festival audiovisual del país, con reconocimiento internacional, con una cantidad considerable de participación, cuenta con una competencia prestigiosa y actividades atractivas como el proyecto Santa Cruz 100X100. Le falta apoyo de las instituciones privadas”.

César Morón
Cineasta
“Ha superado barreras económicas y humanas. Ha tenido el respaldo de profesionales destacados. Lo más interesante de la cita es la visión de abarcar distintas categorías, desde las de gran formato hasta las más pequeñas. Además tiene muchas actividades académicas que elevan su contenido, pues genera espacios de discusión. Debería ya contar con el sustento de las autoridades”.

«Arrastro una deuda de $us 10.000»
Alejandro Fuentes / Director del Fenavid

- ¿Cuáles son los factores de crecimiento del Fenavid?
- Es una cuestión de fe, de constancia y perseverancia, de seguir creyendo en un proyecto inédito en Bolivia. Es un desafío personal de todo el equipo, de aprender de los errores y ser más ambiciosos cada año. El Fenavid es un festival construido por los voluntarios y los invitados que se han unido a este encuentro.

- ¿Cómo se trabaja al interior del Fenavid?
- El festival no se hace en dos meses, sino que empezamos a trabajar desde marzo, de hecho ya tenemos definido la temática para el próximo año, será el cine cómico. Así debemos trabajar para formar las alianzas estratégicas con instituciones y los invitados. Queremos ser formales para crear redes como las que logramos con la Aecid, el Goethe Zentrum, Simón I. Patiño, la Casa de la Cultura, etc. La única alianza que no alcanzamos hacer es con los gobiernos municipal y departamental, que deberían financiar esta cita, pero confío en que esto caerá de maduro.

- ¿Cómo se mide su crecimiento?
-Este evento tiene cada vez más atención del exterior, por ejemplo por intermedio de Rafael Linares tenemos un acuerdo con Ibermedia, Marcos Loayza nos dio el contacto con el Festival de Cine de Huesca que participará el próximo año.

- ¿Cuánto cuesta el festival y quién los financia?
- Se necesitan alrededor de $us 160.000. Nos manejamos a través de intercambios que lo hace Fuentes Audiovisuales (Productora de Alejandro Fuentes) y las instituciones que nos colaboran, como el Goethe Zentrum, que financió la llegada de las copias originales de Metrópolis y de Helmut Imig, y con los aportes de personas que creen en este festival.

- ¿Usted tiene deudas por el festival?
- Arrastro una deuda de $us 10.000 desde el año pasado, que he ido cubriendo. La ventaja es que tengo una productora audiovisual que me permite proponerles a mis acreedores hacerles videos como forma de pago; hasta el momento he cumplido, pero no es lo ideal.

-¿Y su familia está de acuerdo?
-Hay un conflicto moral, porque veo a mis hijos con necesidades y yo gastando tanta plata en el Fenavid, a veces me da bronca, pero no puedo dejar morir el festival. El Instituto del Cine de México, que tiene una comisión para evaluar su participación de festivales internacionales, envió su postulación; para mí esa es una señal de que estamos en las ligas mayores de la cinematografía iberoamericana.

- ¿Cuál es el objetivo?
-El primero es que no desaparezca, porque es el único festival que de verdad tiene proyección. Segundo, porque necesitamos un encuentro cinematográfico que sitúe a Bolivia como referente del cine en nuestro continente. Tercero, considero que debemos trabajar reflejarnos como sociedad.

- ¿Cuál es su ideal con el Fenavid?
- Quiero verlo convertido en un referente del cine en Latinoamérica y el mundo. Que Bolivia sea una capital de la producción audiovisual con profesionales de nivel mundial.

Tim Burton, el director excéntrico



EFE. Los Ángeles

De la mano de sus personajes tétricos pero sensibles y mundos imposibles con problemas cotidianos, el cineasta Tim Burton ha labrado una carrera de éxito en Hollywood hasta el punto de que los estudios han terminado por perder el miedo a su visión excéntrica y convertirla en una tendencia.

Su próxima película, Frankenweenie, debutará el 5 de octubre en EEUU fiel a los elementos ‘burtonianos’, con la muerte como conflicto para contar el drama emocional de un niño que se resiste a aceptar la defunción de su mascota.

“En ciertos aspectos, ha sido mi proyecto más personal”, aseguró el realizador vestido de negro, con gafas oscuras y su despeinado natural en una habitación de hotel del ‘lugar más feliz de la Tierra’, lema del parque Disneyland, donde habló de su filme y de la huella de su obra en la meca del cine.

Frankenweenie supone un regreso a los orígenes para Burton, de 54 años, que casi tres décadas después de imaginar la historia y dibujar en un papel a los protagonistas del filme logró encontrar los apoyos suficientes para sacar el largometraje adelante como siempre había querido: en animación con el método de ‘stop motion’.

“Recordé a los niños de mi clase, a los profesores, los monstruos y seguí los esbozos originales, pero el hecho de que fuera en ‘stop motion’, en blanco y negro y 3D hizo que lo sintiera como algo nuevo”, indicó Burton.

El artista se inspiró para el relato en su amor por las películas de terror y en el sufrimiento que le produjo el fallecimiento de un perro que tuvo en su infancia con el que tenía “una relación especial”. Ya en la década de los 80 Burton trató de convencer a Disney, estudio en el que entró a trabajar en 1979, para que produjera Frankenweenie como un filme de animación, pero solo consiguió presupuesto para desarrollar un cortometraje de acción real, que estrenó en 1984.
El proyecto quedó sepultado entonces por Beetlejuice, Batman, El joven manos de tijeras y otros filmes que siguieron después y donde El extraño mundo de Jack, primero, y El cadáver de la novia después, resultaron un punto de inflexión por confirmar que las rarezas de lo mundos imaginarios de Burton eran del gusto del gran público.
La nueva Frankenweenie es el primer estreno de una película de animación de Tim Burton con el sello de Disney, a pesar de la larga vinculación entre el realizador y el estudio, algo que tendría que haber ocurrido con El extraño mundo de Jack.

El cineasta californiano ha dejado de intimidar con sus filmes a los ejecutivos de Hollywood que pudieron temer el riesgo comercial de algunas de sus obras, sombrías a priori para el paladar del espectador medio, y que han pasado a conformar un estilo a imitar. “Parece que todo se ha vuelto cine de animación tenebroso y en stop motion. Yo no estoy siguiendo esa moda, siempre lo he hecho así”, apuntó Burton, que aseguró que no había visto Coraline, uno de los mayores triunfos recientes en ese formato.

‘Metrópolis’ resucita con música en vivo 



Metrópolis, una película muda realizada en 1927, cuenta una historia sobre el futuro. Fue restaurada en 2010 y será exhibida mañana a las 20.00 en Santa Cruz de la Sierra con la música de la Orquesta Sinfónica Juvenil. 

La presentación del filme, que tendrá lugar en la Casa de la Cultura Raúl Otero Reiche, abrirá el XII Festival Internacional de Cine Digital (Fenavid) en el que compiten 20 películas contemporáneas de siete países.

El director alemán Helmut Imig llegó a Santa Cruz para preparar al elenco que participará en la primera presentación en Bolivia de Metrópolis, la cinta de Fritz Lang cuya música fue compuesta hace 85 años por Franz Hupperts.

“Cuando uno escucha la música se puede sentir que la misma fue creada junto con la película. La música original encaja perfectamente con la cinta”, afirmó Helmut Imig en un contacto con el diario La Razón.

El director alemán, que se ha dedicado a musicalizar varias películas de la era silente, ha recorrido el mundo con El acorazado Potemkin y ahora prepara presentaciones con las cintas del legendario Charles Chaplin. “Luego de eso, seré el primero en Alemania en presentar filmes de Pixar con música en vivo”, manifestó.

Metrópolis estará el 1 y 2 de octubre en Santa Cruz. El 4 y 5 de octubre se presentará en La Paz, en el Centro Sinfónico Nacional (Ayacucho 366), bajo la batuta del director Mauricio Otazo, quien ya ensayó dos semanas con el elenco nacional.

“Es una música exigente interpretativamente y la orquesta ha respondido muy bien”, sostuvo el director en una entrevista con la redacción de este medio.Mauricio Otazo explicó que la película dura dos horas y media. “La música fue compuesta para una orquesta (...) Es poswagneriana, es decir posterior a la influencia de Wagner”, afirmó el director.

Las partituras y la cinta fueron restauradas en 2010, cuando se halló una parte extraviada del filme en el archivo de Buenos Aires, detalló Mauricio Otazo.Futurista. La historia que presenta la película se sitúa en una ciudad del futuro 2026. En ese tiempo, una élite privilegiada ve el mundo desde rascacielos, mientras que la clase trabajadora sobrevive en las profundidades de una moderna urbe. La arquitectura utilizada en el filme es art decó, común en las ciudades más modernas de la tercera década del siglo XX.

Sin previo aviso, un robot incita a los obreros a ejecutar una revuelta que amenaza con destruir la ciudad de la superficie. Metrópolis es la primera cinta de ciencia ficción de la historia. Estrenada en 1927, refleja un tema universal: el conflicto entre clases y la búsqueda de justicia.

La película, declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, será exhibida en Bolivia en el marco de las celebraciones de la unificación de Alemania.

Presentará en Moscú "Skyfall", la última misión de James Bond

Javier Bardem presentará mañana sábado, en un céntrico hotel de la capital rusa "Skyfall", la última misión del espía más famoso de la historia del cine, James Bond. Bardem estará acompañado en el hotel Nacional de Moscú por otra de las protagonistas de la película, la francesa Berenice Marlohe, y por la productora Barbara Broccoli.

El español interpreta a Raoul Silva, el villano de la película, con el que tendrá que verse las caras Daniel Craig, que hará por tercera de agente 007. De esta forma, Bardem, que ha confesado ser un gran seguidor de la saga, vuelve a ejercer de villano, rol que le valió un Óscar por "No es país para viejos".

También repite la legendaria actriz británica Judi Dench, mientras aparecen por primera vez en la serie los también veteranos Ralph Fiennes o Albert Finney. Tanto los actores como los productores han mantenido un absoluto secretismo sobre el contenido de la cinta.

"Skyfall", que busca recuperar el espíritu de las primeras películas de la serie, fue rodada en el Reino Unido, Escocia, Turquía y China.

Precisamente, en unos días se cumplirán 50 años desde el estreno de "Doctor No" (1962), la primera película sobre James Bond y que fue interpretada por Sean Connery. "Skyfall" será la número 23 en la lista de filmes dedicados al agente secreto, responsabilidad que ha recaído en el director Sam Mendes, galardonado con un Óscar por "American Beauty".

El Alto Clausuran diez cines que exhibían filmes porno

Tras realizar varios operativos durante la semana, la Intendencia Municipal de El Alto clausuró diez locales en los que se proyectaban clandestinamente películas pornográficas, reportó la red Uno.

La inspección se realizó en sectores aledaños a la Ceja, donde se identificaron estos “cafés pornos”, que en sus carteleras exhibían películas aptas para todo público, sin embargo, dentro de las salas se proyectaba una variedad de cintas triple X.

“Siempre que el cliente se acerca y pide ver una película con contenido prohibido, exhiben de manera oculta el material, haciendo ingresar (a la persona) a una segunda sala que está escondida en la parte interna, pero en este caso no era así”, dijo Rafael Cáceres, de la Intendencia Municipal de El Alto.

Los locales identificados se encuentran en un radio de diez cuadras, es decir, por inmediaciones de las calles 3, 2, 4 de Villa Dolores, en la urbe alteña.

El funcionario precisó que estas actividades reunían a más de 50 personas por sala, pero no aclaró si todos los clientes eran mayores de edad o si también asistían adolescentes.

De acuerdo con la inspección que se hizo en el interior de estos lugares, también se determinó que éstos “no contaban con las mínimas condiciones de higiene, infraestructura, ni seguridad y que eran clandestinos”.

Según Cáceres, en algunos locales de El Alto, sobre todo en los clandestinos, los clientes son drogados para robarles sus pertenencias. “Aquí los pildorean y roban; les quitan todas las cosas de valor que tienen”, afirmó.

Ocho y medio Ocios cinéfilos: 10 grandes películas subvaloradas


Uno: Regatearle reconocimiento y admiración a una película es un gesto común en la cinefilia, esa subcultura contenciosa y apasionada. Prejuicios -propios o ajenos-, lejanías históricas, contextos equivocados: son muchas las razones que nos mueven a subvalorar una película. Pero el tiempo -que no todo lo cura- se encarga de vez en cuando de darnos una segunda oportunidad: es decir, nos invita a volver a verlas y rescatarlas de un mal recuerdo, borroso e injusto. Al hablar de ellas, y recomendarlas, el objetivo es simple: identificar y combatir aquello que impedía juzgarlas con claridad.

Dos a ocho: Ésta es pues una lista de películas que, sin ninguna deliberación, he vuelto a ver para comprobar que no sólo aguantan las revisiones y relecturas sino que se enriquecen con ellas. Varias son cintas que siempre he considerado obras maestras sin entender por qué otra gente no pensaba lo mismo. Otras son películas que han sido opacadas por su director (que dirigió obras más famosas). Las más fueron perjudicadas por prejuicios sistemáticos: formales (“es silente”, “es en blanco y negro”) o ideológicos (“es latinoamericana”, “es antigua”, “es cine político”). Pero en resumidas cuentas, éste es un listado de películas viejas y no tan viejas que recomiendo, ahora que el DVD nos permite acceso a todo. Ahí van, en ningún orden de preferencia:

1. Fiebre de sábado por la noche. (John Badham, 1977). Perjudicada por un mal recuerdo: los ternos de poliéster, los peinados con laca, las caricaturas de un baile fulero. Y por la falsa impresión de que es una película sobre concursos de danza, discotecas y música de los Bee Gees. En los hechos, es un preciso y violento retrato de clase, la antropología urbana de un barrio newyorquino: sus maneras de hablar, sus sofocaciones familiares, su destino limitado, sus pequeñeces, su desempleo.

2. Capullos rotos [Broken blossoms], (D.W. Griffith, 1919). De Griffith, uno de los inventores del cine, se mencionan rutinariamente -aunque se vean poco- El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia (1916). Pero la importancia histórica de esas películas -cuestionables monumentos ideológicos- nos empuja a olvidar que Griffith fue también un gran narrador y que ese talento sigue vivo sobre todo en Capullos rotos, cinta que prueba que “el progreso” es una categoría que rara vez se puede aplicar al arte (esta cinta de 1919 es mejor, inmensamente mejor, que cualquiera de las películas hoy en cartelera, con su 3D y su CGI incluidos).

3. Barry Lyndon (1975). Quizá Stanley Kubrick nunca haya hecho una mala película. Pero algunas -Odisea 2001 y La naranja mecánica-, por sus audacias explícitas y espectaculares, se convirtieron en las joyas mayores de su filmografía. Ya en los hechos, la belleza pasmosa, pero menos fácil de editorializar, de Barry Lyndon la hace, para mí, su mejor película (de lejos). Esta pictórica reflexión sobre el fracaso es también una de las películas más tristes y menos sentimentales (rara combinación) de la historia del cine.

4. Ahí está el detalle (1940). Con el cine de Cantinflas sucede algo similar que con películas como Fiebre de sábado por la noche: los prejuicios intelectuales nos impiden disfrutarlas. Recordamos, además, el deslucido y pedagógico Cantinflas tardío (El patrullero 777, etcétera) y creemos que lo suyo fue el peor teatro popular. Pero Cantinflas sea acaso el único genio del humor verbal que ha dado el cine en lengua castellana. Y ninguna mejor película para comprobarlo que Ahí está el detalle (de la que se pueden memorizar diálogos enteros).

5. Embriagado de amor [Punch Drunk Love], (Paul Thomas Anderson, 2002). Se supone que una película protagonizada por Adam Sandler debe ser, por definición, una huevada. Pero ésta no la dirigió Sandler, sino Anderson, el mejor director norteamericano de su generación. Embriagado de amor (deficiente traducción del título original) es, claro, una historia de amor, pero una de ésas que rozan la incomodidad, el ridículo y el retrato de personajes limítrofes. En ello, es una versión menos grandilocuente y más disciplinada (en tono y fervor alegóricos) de Contra viento y marea [Breaking the waves] de Lars von Triers.

6. Todo lo que usted siempre quiso saber sobre el sexo y no se atrevió a preguntar (1972). Seis de los siete sketches que conforman Todo lo que quiso saber son agradablemente fáciles, vehículos de buenos chistes más que de buena comedia. Con una misteriosa excepción: el segmento dedicado a un doctor (Dr. Ross) que se enamora, hasta las patas, de una oveja. Lo que en esta historia apuntaba a más del mismo show de variedades se transforma de pronto en una melancólica fábula amorosa, en una exacta combinación de absurdos y tristeza. Todo el mejor Allen posterior está prefigurado en este breve sketch.

7. El gatopardo (Luchino Visconti, 1963). Suele perderse entre tantas buenas películas italianas de los 60. A ratos, se piensa incluso que es un “drama de época”, una lujosa y estática reconstrucción de un mundo social perdido. Pero, como Barry Lyndon, El gatopardo es de hecho uno de los pocos intentos exitosos, en la historia del cine, de narrar transformaciones históricas (el fin de algo) en términos de la íntima biografía de sus personajes.

8. Érase una vez en el Oeste (Sergio Leone, 1968). Sin mucho inglés, Leone (entre otros) retomó el western gringo para convertirlo en algo diferente: un western de segundo grado, operático, excesivo, saturado de pathos y perfectas alegorías del destino. Su película más famosa, El bueno, el malo y el feo, de 1966, palidece frente a esta cinta, summa teológica del espagueti western: tres horas completas de una antología de motivos ya formalizados, lugares comunes en su esencia, gestos arquetípicos. Es como una saga mítica filmada.

9. Crónica de un niño solo (Leonardo Favio, 1964). Sí, este Favio es el mismo de Y corté una flor [y llovía y llovía] y de Unos aires de condesa. Pero lo de cantante se le dio después (su primer disco, Fuiste mía un verano, es de 1968): Favio primero fue actor y luego director de cine, el más importante del llamado Nuevo Cine Argentino. Aunque irregular, su filmografía incluye dos obras maestras: Crónica de un niño solo (que, a ratos, es mejor que Los 400 golpes de Truffaut) y El Romance del Aniceto y la Francisca (1967).

10. El ejército de las sombras [L’armée des ombres], (Jean Pierre Melville, 1969). Distraídos con Godard y Truffaut, poca atención le prestamos a Melville, realizador de género que, en esos mismos años, dirigió las mejores “películas de acción” del cine francés. Esta película –sobre la resistencia francesa a los nazis– no fue estrenada fuera de Europa sino hasta el año 2006. Se puede ver, con provecho, junto a la otra gran película de Melville, Bob le flambeur (1956).

Y medio: Para seguir la charla, invito a los lectores a contribuir a una lista ampliada de “grandes películas subvaloradas”. Sólo tienen que nombrar la película, justificar su valoración (en un pequeño párrafo) y firmar. Y mandar todo a souzamm@yahoo.com

Cinemateca arma colección de filmes caseros de los años 20

onriente. José María Velasco Maidana, pionero del cine boliviano, posa acompañado por su esposa y sus dos hijos en un filme casero. La escena es parte de una grabación que realizó el creador de Wara Wara y que ahora forma parte de una colección de cintas filmadas durante los años 20 que elabora la Cinemateca Boliviana.

Este trabajo se encuentra en la primera fase del proyecto Imágenes de Bolivia, que persigue el catastro, rescate y conservación de la memoria histórica del audiovisual.

Gioconda Aguilar, coordinadora de la iniciativa, contó que durante los últimos meses “se encontró material interesante de filmes muy antiguos. Son fragmentos cortos de escenas familiares. Entre éstos hay tomas de un cumpleaños y de eventos sociales, entre otros”.

La selección de cintas que actualmente identifican los expertos formará parte de la colección titulada: Familias, Usos y Costumbres del Archivo Fílmico de la Cinemateca Boliviana.

“Es muy importante conservar este tipo de filmaciones porque guardan la memoria de los bolivianos. En su época eran sólo de acontecimientos sociales o de un grupo familiar, pero con el tiempo toman relevancia y ganan valor histórico”, comentó Mela Márquez, directora del repositorio fílmico.

Coincide con esta mirada el crítico de cine Pedro Susz, autor de Cronología del cine boliviano, quien agregó que “con este tipo de filmaciones se pueden conocer aspectos de la vida cotidiana que a veces no están registrados en las películas de ficción”.

La historia del cine comenzó en 1895, con la proyección, en París, de imágenes documentales de los hermanos Lumière. Poco después de ese evento, en 1897, Bolivia recibió su primer cinematógrafo, con el que se realizaban las primeras proyecciones en el Teatro Municipal de La Paz.

Al ser cintas de los años 20, hablamos de los primeros registros audiovisuales de la cotidianidad de los bolivianos. “Podríamos decir que estas cintas representan los primeros pasos del cine nacional”, comentó Aguilar.

Sobre los registros

Escenas de niños y adultos disfrazados en el Carnaval paceño de 1926; una pareja de novios saliendo de una iglesia en 1930; una excursión de amigos al santuario de Copacabana, en 1932, son algunas de las historias que registraron las familias bolivianas de la época.

De las más curiosas, Aguilar menciona un encuentro familiar en la Glorieta, en Sucre, en 1920, y unos cortos de días de campo en Tupiza realizados por la década del 40.

Una de las características de estos filmes, explica Aguilar, es que se trata de grabaciones hechas con equipo de cine. “No tenían edición, pero eran trabajos muy elaborados”.

Una de las sorpresas de todo este proceso ocurrió con el hallazgo del que se cree puede ser el primer documental sobre Tiwanaku. La pieza, que lleva el mismo nombre del sitio arqueológico, fue filmada por el alemán Rolf Müller. Data de 1919. En esta cinta, el director trabaja el tema de la astronomía.

Carolina Cappa, restauradora de la Cinemateca, informó que la mayoría de estas grabaciones familiares no lleva un título y casi todas pertenecen a autores anónimos. Los filmes fueron registrados en cintas de nitrato de plata y soportes de 16 y de 8 milimetros. “Duran entre tres y hasta máximo diez minutos”.

El periodista y documentalista Mario Espinoza destacó la labor de la Cinemateca por rescatar y conservar estos filmes. “Son imágenes que muestran de forma muy directa cómo funcionaba cierto sector de la población y eso es muy útil para hacer diagnósticos a futuro”.

Los filmes serán convertidos al formato digital

Las filmaciones caseras, que formarán parte de la colección Familias, Usos y Costumbres del Archivo Fílmico de la Cinemateca Boliviana, serán pasadas al formato digital por los expertos que trabajan en el proyecto. En el futuro buscarán recursos para pasarlas al celuloide.

Actualmente, el equipo de restauradoras conformado por María Domínguez y Carolina Cappa identifican, registran y catalogan el contenido y el estado técnico de los filmes.

“Las expertas revisan el contenido de cada lata de rollos e incluso arman los pedazos dispersos para luego identificar su contenido”, explicó Gioconda Aguilar, coordinadora del proyecto Imágenes de Bolivia.

Con la digitalización de las grabaciones “se tiene previsto conservar estos registros y además ponerlas a disposición del público”, explicó Aguilar. Según la responsable, se hará un análisis de cuáles son los filmes que están más deteriorados para su digitalización.

“Con este proceso buscamos asegurar la vida de ese material fílmico por unos cinco años más hasta que logremos conseguir más recursos y trabajar en su restauración”, añadió Aguilar.

El formato ideal para preservar los filmes es el celuloide, que les brinda una vida útil de 100 años como mínimo. “El problema con el celuloide es que es extraordinariamente caro. Es por eso que seleccionaremos el material para ver cuál es el que está en serio riesgo”, señaló la responsable.

Según Mela Márquez, directora de la Cinemateca, este tipo de colecciones, en especial de filmaciones familiares, es una fuente importante de información para los investigadores, pues a través de estos audiovisuales se podrá identificar varias características de las costumbres de esas épocas.

A parte de la colección de familias, el archivo fílmico de la Cinemateca Boliviana organizará otras colecciones que serán divididas por autor, géneros y procedencia, entre otros.

“Entre el material audiovisual se guardan imágenes de hechos y personajes históricos, comerciales y documentales”, señaló.

Además, en un futuro, anunció Márquez, la Cinemateca armará muestras de cine con las filmaciones familiares y de esa manera ofrecerá al público un viaje en el tiempo.

Lincoln, por Spielberg

Disney ha comunicado la fecha de estreno oficial de Lincoln, de Steven Spielberg: el 9 de noviembre de 2012. Y aunque todavía no se ha confirmado la fecha en Latinoamérica, los estrenos de los grandes valores de Hollywood normalmente se producen de forma simultánea para impedir la filtración de información y generar una ola de expectación mundial. Aprovechando este anuncio, elaboramos una lista con las tres interpretaciones más memorables de Lincoln.

La cifra es récord, pues Lincoln ha aparecido en pantalla más de 298 veces, así que Daniel Day-Lewis ejecutará la actuación número 299. Supera incluso al fundador de Estados Unidos, George Washington, quien ha sido encarnado en 153 ocasiones.

Abraham Lincoln es siempre un valor seguro, pues fue el dirigente del país durante la Guerra de Secesión y trató de evitar la fragmentación del país durante el conflicto. Precisamente, el Lincoln de Spielberg retrata su figura al mando de los ejércitos del Norte y su actuación a favor de la continuidad de la Unión.

Además, promulgó una de las leyes por las que EEUU siente un mayor orgullo de cara al resto del mundo: la Decimotercera enmienda, que supuso la abolición de la esclavitud y permitió la igualdad ante la ley de todos los ciudadanos. Así, Lincoln se convierte siempre en motivo de patriotismo y de unión.

El de Griffith (1915)

Este filme, The Birth of a Nation (El nacimiento de una nación), de David W. Griffith, es el origen del cine narrativo, pues crea los parámetros que fundamentaron la narración del cine clásico de Hollywood, y el origen del mito de EEUU como nación emergente. Estados Unidos no posee una epopeya de la fundación, así que requiere de relatos que puedan señalar los límites de la nación y el inconsciente colectivo de sus habitantes. Griffith trata de salvar esta carencia a través de la narración de la Guerra de Secesión y el asesinato de Lincoln (encarnado por Joseph Henabery) en el teatro Ford de Washington, filmado con una maestría absoluta, sirve como muestra de los absurdos de la guerra.

El Lincoln de Ford (1939)

Henry Fonda ejecutó en Young Mr. Lincoln la mejor interpretación de Abraham Lincoln del cine clásico y seguro Daniel Day-Lewis la revisa para su preparación. El film de John Ford retrata la infancia del Presidente y trata de mostrar su conversión en abogado para impartir justicia ante el asesinato de su hermana. Así, Ford nos relata un ideal que desearía que moviese el país: la lucha por la implantación de un orden justo, aunque ahora sufrimos los excesos de este anhelo de justicia luego de las invasiones de Irak y Afganistán.

La cinta de Billy Wilder

Haciendo gala de la corrosiva ironía de la que hace gala Billy Wilder, esta película, The fortune Cookie (En bandeja de plata), narra las peripecias de un futbolista y un abogado que pretenden fingir una herida causada por el deporte para cobrar el dinero del seguro. Es encarnado por John Anderson (que volvería a interpretarlo en The Lincoln Conspiracy), aunque lo más destacado es el comentario del abogado interpretado por el gran Walter Matthau tras leer la célebre frase del Presidente: “Nadie puede engañar a todo el mundo todo el tiempo”. Da título a la cinta, pues funciona como frase de galleta de la fortuna, y la respuesta del abogado no podría ser más dolorosamente cierta: “Lincoln, gran Presidente, mal abogado”. Y es que los valores en los que Estados Unidos había nacido ya no tenían cabida en la sociedad desengañada de los 70 (Extracine).

viernes, 28 de septiembre de 2012

Javier Bardem presentará "Skyfall"

El actor español Javier Bardem presentará mañana, sábado, en un céntrico hotel de la capital rusa "Skyfall", la última misión del espía más famoso de la historia del cine, James Bond.

Bardem estará acompañado en el hotel Nacional de Moscú por otra de las protagonistas de la película, la francesa Berenice Marlohe, y por la productora Barbara Broccoli.

El español interpreta a Raoul Silva, el villano de la película, con el que tendrá que verse las caras Daniel Craig, que hará por tercera de agente 007.

De esta forma, Bardem, que ha confesado ser un gran seguidor de la saga, vuelve a ejercer de villano, rol que le valió un Óscar por "No es país para viejos".

También repite la legendaria actriz británica Judi Dench, mientras aparecen por primera vez en la serie los también veteranos Ralph Fiennes o Albert Finney.

Tanto los actores como los productores han mantenido un absoluto secretismo sobre el contenido de la cinta, que será estrenada a finales de este mes en Londres.

"Skyfall", que busca recuperar el espíritu de las primeras películas de la serie, fue rodada en el Reino Unido, Escocia, Turquía y China.

Precisamente, en unos días se cumplirán 50 años desde el estreno de "Doctor No" (1962), la primera película sobre James Bond y que fue interpretada por Sean Connery.

"Skyfall" será la número 23 en la lista de filmes dedicados al agente secreto, responsabilidad que ha recaído en el director británico Sam Mendes, galardonado con un Óscar por "American Beauty".

David O. Russell, premio al mejor director en los Hollywood Awards





David O. Russell, candidato al Óscar por "The Fighter", recibirá el premio al mejor director por "Silver Linings Playbook" en los Hollywood Awards, considerada la primera ceremonia de la temporada de premios en la meca del cine, informó hoy la revista The Hollywood Reporter.

La gala se llevará a cabo el 22 de octubre en el hotel Beverly Hilton.

"Silver Linings Playbook", protagonizada por Bradley Cooper, Jennifer Lawrence y Robert De Niro, fue escogida como la mejor película del Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) por el público que asistió a la muestra.

El filme narra la historia de un profesor de instituto que tras pasar ocho meses en una institución psiquiátrica regresa a su hogar familiar para reconstruir su vida.

Los Hollywood Film Awards están asociados al Festival de Cine de Hollywood y son escogidos por su fundador y director ejecutivo, Carlos de Abreu, y sus consejeros. Los galardones reconocen a artistas por su trayectoria cinematográfica y por su trabajo realizado en el presente año.

Otros ganadores del premio al mejor director por parte de esta organización fueron Norman Jewison (1998), John Schlesinger (1999), Richard Donner (2000), John Frankenheimer (2001), Martin Scorsese (2002), Ron Howard (2003), Michael Mann (2004), Sam Mendes (2005), Oliver Stone (2006), Marc Forster (2007), Clint Eastwood (2008), Kathryn Bigelow (2009), Tom Hooper (2010) y Bennett Miller (2011).

Meses después de que se les hiciera entrega del premio, Bigelow y Hooper ganaron el Óscar al mejor director, mientras que Scorsese obtuvo una candidatura.

EFE

Subastan un Aston Martin de James Bond por el 50 aniversario de la saga



La casa Christie's celebra desde hoy y hasta el 8 de octubre una gran subasta benéfica de artículos de las películas de James Bond, que coincide con el 50 aniversario de la saga cinematográfica, y en la que destacan un Aston Martin y un BMW.

La puja de ambos vehículos tendrá lugar el 5 de octubre y a ella sólo se podrá acceder por invitación. La casa de subasta londinense celebra así las cinco décadas del estreno en 1962 de "Dr. No", la primera película de Bond, protagonizada por el escocés Sean Connery.

El Aston Martin negro conducido por el actor Daniel Craig en "Quantum Of Solace" es el artículo más valioso, con un precio que puede alcanzar las 150.000 libras (243.000 dólares), que irán destinados a Barnardo's, una organización no gubernamental británica que ayuda a niños discapacitados.

El otro vehículo que saldrá a la venta es una réplica del BMW Z8 Roadster que utilizó Pierce Brosnan, otro ex James Bond, en "The World is Not Enough" (1999), con un precio estimado de 35.000 libras (56.708 dólares).

Además de esta puja exclusiva, que incluirá solo diez lotes, Christie's auspiciará otra por internet durante varios días, del 28 de septiembre al 8 de octubre, en la que habrá cuarenta lotes a precios más asequibles, a partir de las 50 libras (81 dólares).

Entre los objetos, pertenecientes a todas las películas del espía, figuran una primera edición del libro "Dr. No", y un vestido y un traje de cóctel elaborados con recortes de periódico que aparecen en la cinta "Tomorrow Never Dies" (1997), valorados ambos en un máximo de 1.500 libras (2.43 dólares).

Un vestido de seda lucido por Halle Berry en "Die Another Day" (2002) podría alcanzar las 3.000 libras (4.860 dólares), mientras que la mesa de póquer de "Casino Royale" (2006) podría venderse por unas 5.000 libras (8.100 dólares).

De esta misma película saldrá a subasta también un colgante lucido por Eva Green en su papel de Vesper Lynd, y valorado en hasta 3.000 libras (4.680 dólares).

El catálogo de la puja incluye además unas gafas de sol, un reloj Omega de acero inoxidable y un bañador azul utilizados por Daniel Craig, y la claqueta de "Skyfall", la última entrega de la saga, que se estrenará el próximo 26 de octubre.

Todos los artículos podrán contemplarse en Londres como parte de una exposición de entrada gratuita en Christie's, abierta al público hasta el 5 de octubre.

La recaudación por su venta irá destinada a trece organizaciones benéficas, entre las que UNICEF será la más beneficiada.


Detienen a productor del filme antiislámico



Nakula Besseley Nakula, el supuesto productor del filme antimusulmán que ha desatado violentas protestas en varios países islámicos, fue detenido ayer en Los Ángeles (Estados Unidos), informó la Fiscalía de Distrito.

“Puedo confirmar que está detenido, y está previsto que comparezca en un tribunal federal en el centro de Los Ángeles”, dijo a la AFP Thom Mrozek, de la oficina del fiscal de EEUU, sobre el inmigrante egipcio que ha sido señalado como el productor de la cinta.

El motivo de la detención todavía no fue esclarecido, pues los documentos oficiales aún no han sido dados a conocer, pero las autoridades investigan si Nakula ha violado los términos de su libertad condicional, de la que goza tras una sentencia a prisión en 2010.

Aparentemente Nakula, de 55 años, es responsable de la producción de La inocencia de los musulmanes, cuyo trailer difundido en internet divulga una película que se burla del profeta Mahoma y que ha desatado violentas protestas en África y Medio Oriente.

Ayer, el ministro francés del Interior, Manuel Valls, dijo en Estrasburgo (noreste) que no vacilará en “hacer expulsar a quienes se reclaman del islam y representan una amenaza grave para el orden público” al no respetar las “leyes” y “valores” de Francia. “Los que están en nuestro territorio para desafiar nuestras leyes (...) no tienen que permanecer en ella”, manifestó, según AFP.

Muere el protagonista de La Pantera Rosa

Herbert Lom, quien interpretó al inspector Dreyfus en la saga, falleció a los 95 años.

El actor británico de origen checo Herbert Lom, famoso por haber interpretado el papel del inspector Dreyfus en siete películas de la saga cinematográfica La pantera rosa, murió, ayer, a los 95 años. Familiares del actor confirmaron el deceso de Lom, quien, al parecer, murió pacíficamente mientras dormía.
Trayectoria. Herbert Charles Angelo Kuchacevich von Schluderpacheru nació el 11 de septiembre de 1917 en Praga, por entonces parte del Imperio austrohúngaro, proveniente de una familia aristocrática. Desarrolló una carrera teatral antes de debutar en 1937, a los 20 años, en la película checa Zena pod krízem, con el nombre de Herbert Lom. Al año siguiente, durante la Crisis de los Sudetes, emigró a Londres, donde comenzó a colaborar en las emisiones en idioma checo de la BBC, durante todo el periodo de la Segunda Guerra Mundial.
Fue conocido por haber participado en películas cómo El quinteto de la muerte (1955), El fantasma de la ópera (1962), y en siete filmes de la serie La pantera rosa como el Inspector Dreyfus. Otra de sus producciones más aclamadas fue El vencedor de Napoleón (1942) de Carol Reed.
Durante la década de 1940 participó en 12 cintas más, principalmente del género policial, bélico y dramático, entre los cuales destacan El séptimo velo (1945), de Compton Bennett, ganadora del premio Oscar 1946 al mejor guión original. Sus últimas apariciones en la pantalla grande fueron en La Zona Muerta (1983), Las minas del Rey Salomón (1985), Ten Little Indians (1989) y El hijo de la pantera rosa (1993).


Cinemateca Presentan documental alemán

¿Qué es de tu vida? es un documental que observa a largo plazo la vida de cuatro jóvenes cuyos padres son de Marruecos, Túnez, Albania y Turquía en la ciudad alemana de Colonia.
La directora de este filme es Bettina Braun y dura 84 minutos.
La cita es hoy a las 19.30 en la Cinemateca (calle Óscar Soria, Sopocachi). La entrada cuesta 16 bolivianos.

Llega una nueva cita con fenavid

La competencia internacional incluye 20 largometrajes en la categoría principal. Se estrena una nueva estatuilla.

Todo está listo para que el XII Festival Internacional de Cine Fenavid se inicie este lunes. El acto central tendrá la proyección de la película restaurada Metrópolis (1927), de Fritz Lang, musicalizada por la Orquesta Sinfónica Juvenil de Santa Cruz, dirigida por el maestro alemán Helmut Imig.
COMPETENCIA POR LA KAA IYA. El conocido escultor nacional Juan Bustillos (creador asimismo del Tatú Tumpá, galardón del otro festival internacional de cine que se realiza en Santa Cruz) es el autor del nuevo reconocimiento que se dará a los ganadores del Fenavid.
Son 20 los títulos, provenientes de siete países, que irán por el premio en la categoría de largometrajes de ficción. Entre ellos figuran producciones como Malas intenciones (Perú), Juan de los muertos (Cuba), Oro negro (Brasil) y Años después (México).
En el encuentro también estarán en competencia alrededor de 80 cortometrajes, que pugnarán en sus diferentes categorías por ser los mejores. Entre ellos se encuentran ficciones, documentales, animaciones y videoclips.
El Proyecto Santa Cruz 100X100 aglutinará a 25 jóvenes cineastas de América Latina para realizar un cortometraje en 100 horas.
Además, el Fenavid tendrá una muestra de cine para niños, talleres de formación para productores audiovisuales y una competencia de videominuto. Con todo este menú previo, Santa Cruz volverá a ser sede de una fiesta del cine.

JUAN DE LOS MUERTOS

La primera realización cubana sobre zombis. Dirigida por Alejandro Brugués en 2010, cuenta la vida de Juan, quien un día decide que hará dinero matando a los zombis habaneros.

AYMARÁ ROVERA

La actriz argentina, nacida en Cutral-Có (Neuquén) en 1977, es una de las principales invitadas al festival. Participó en cintas como Nordeste, de Juan Solanas, y Luna de Avellaneda, de Juan José Campanella.

KAA IYA

Es una pieza elaborada en bronce y que representa el contorno de un rostro humano. Su nombre, tomado de la mitología guaraní, significa “Dueño del monte”.

Quijote 2.0

Una película boliviana dirigida por el argentino Fernando Foulques, quien trabajó junto a más de 40 adolescentes bolivianos, quienes participaron también con ideas en el guión.

Centro Simón Patiño Retrospectiva del cineasta Jorge Ruiz

Desde el 1 hasta el 4 de octubre habrá una retrospectiva del gran artesano del cine boliviano Jorge Ruiz.

El Centro Simón I. Patiño y la Universidad Evangélica Boliviana han preparado una programación con más de una docena de sus mejores trabajos. Durante los cuatro días de la retrospectiva el público podrá apreciar de forma gratuita algunos de los mejores trabajos audiovisuales de Ruiz, que desde sus 23 años empezó a producir cine en Bolivia. De esta manera, se pondrá ver desde largometrajes hasta cortometrajes, desde la emblemática película "Vuelve Sebastiana", considerada una joya del séptimo arte nacional, hasta "El clamor de la historia", de 1985. Las proyecciones se realizarán desde las 19:00 hasta las 21:00 en el salón auditorio del Centro Patiño, ubicado en la esquina de las calles Independencia y Suárez de Figueroa. El ingreso es gratuito.

La comunicadora Martha Paz escribió que el cineasta marcó la historia dentro y fuera de Bolivia, porque creó el género del "docuficción" o "docudrama" e inauguró lo que después se conocería como "cine antropológico".

Lunes 1: se presentará "Mina Alaska" (83 min), "La gran herencia" (13 min), "Los caminos de piedra" (18 min).

Martes 2: "Un poquito de diversificación económica" (38 min), "Los primeros" (36 min), "Las montañas no cambian" (36 min), "Donde nació un imperio" (10 min).

Miércoles 3: "La vertiente" (57 min), "Laredo de Bolivia" (18 min), "El clamor del silencio" (13 min), "El clamor de la historia" (15 min), "Voces de la tierra" (13 min).

Jueves 4: "Vuelve Sebastiana" (28 min), "Los Urus" (19 min), "Los Ximul" (40 min), "Los Yamparaes" (23 min), "Altiplano" (15 min).

Bolivia no postula películas a los premios Oscar desde 2010

Desde 2010, Bolivia no postula películas en los premios Oscar. La falta de producciones filmadas en celuloide o en un soporte de 35 milímetros (mm) son los principales motivos que impiden a los cineastas nacionales enviar sus propuestas al certamen.

“No tenemos películas filmadas en los formatos que exigen los premios Oscar. Generalmente piden filmes en 35 milímetros y en DCP (formato digital), y en los últimos años ninguna producción nacional ha trabajado en esos formatos porque son muy costosos”, comentó el cineasta Marcos Loayza.

El más reciente filme que Bolivia postuló al Oscar fue Zona Sur, de Juan Carlos Valdivia, en 2010.

“Luego de esa edición, ningún otro filme nacional logró cumplir los requerimientos del certamen hasta el estreno de la película Insurgentes, de Jorge Sanjinés”, dijo Mela Márquez, miembro de la Asociación Nacional de Cineastas (Asocine).

“Insurgentes fue propuesta por nuestra institución para la nominación por su alta calidad estética y técnica. Se invitó a la productora Ukamau, que filmó la película, para enviar los datos y participar en la convocatoria”, añadió Márquez.

Mónica Bustillos, asistente de Sanjinés, explicó, sin embargo, que por falta de tiempo no alcanzarán a alistar todos los requerimientos para postular el filme. “Lo que pasa es que Jorge Sanjinés no está en Bolivia. Llegará recién el 2 de octubre”, argumentó. “Actualmente estamos pasando la cinta del digital al formato 35mm”, agregó.

Cada año, la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood abre su convocatoria para que los demás países postulen sus cintas en la categoría a Mejor Película Extranjera.

Para participar en el certamen, las cintas deben estar filmadas en soporte celuloide o que tengan una calidad de 35 mm. Además, entre otros requisitos, solicitan que la producción haya sido exhibida por un período mínimo de siete días consecutivos en una sala comercial, que genere ingresos para el productor y el exhibidor.

Según el cineasta Tonchi Antezana, gran parte de los filmes bolivianos no reúne las exigencias técnicas pues la mayoría es producida en formato digital, ya que es menos costoso. “No hay apoyo a la cinematografía nacional y la mayoría de los directores autofinancia sus filmes y eso dificulta tener trabajos de calidad”.

Requerimientos
Bases Entre los requisitos básicos que exigen los premios Oscar están: que los largometrajes sean estrenados entre el 1 de octubre de 2011 y el 30 de septiembre 2012. Además, todos los filmes deben estar subtitulados en inglés. La fecha límite: el 1 de octubre.


Dato Según el libro Una cuestión de fe. Historia y crítica del cine boliviano de los últimos 30 años (1980 a 2010), durante estos años el 80% de las películas nacionales fue filmado en soporte digital.

jueves, 27 de septiembre de 2012

Cine: termina el rodaje de Juancho y el Pancho

Paz Padilla, escritor y cineasta, concluyó el rodaje de su nueva obra, Juancho y el Pancho. La presenta como una película anclada en el humor. “En la primera escena Pancho pierde a su burra y don Juancho encuentra a la que supone es el amor de su vida, su Dulcinea. Los dos salen a buscar, el uno a la burra y el otro a su amada”, adelanta el artista.
La filmación fue cumplida en los 15 días previstos en pueblos del valle cruceño. Comenzó en Pucará, el destino más lejano, siguió en Guadalupe, Vallegrande, Muyurina y alrededores, El Trigal, Moro Moro, Pulquina y Pampagrande, locaciones que los realizadores describen como “escenarios naturales de extrema belleza”.
Juancho y el Pancho es una adaptación libre de El Quijote de la Mancha, con énfasis en la gobernación de Sancho Panza en la Ínsula Barataria. En este caso lo nombran gobernador de Pampagrande y es ahí donde tiene su experiencia más gloriosa. “Pero las cosas no siempre salen como deben”, comenta el director Padilla y destaca que su película transmite la búsqueda de una amistad sincera y sin intereses entre dos seres que viven en Salsipuedes, y a los que el destino los saca de esa población y los enfrenta a una serie de problemas que pone a prueba su amistad; solo los divide la política.
En las imágenes, el público verá que la adaptación cambió molinos por caraparíes, que son igualmente gigantes, entre otras alusiones a la obra original.
En la historia, los protagonistas son José Véliz y Bismark Viruhez. Véliz es don Juancho (don Quijote), “personaje soñador y enamorado de la vida, con ganas de compartir amistad”. Viruhez es el Pancho (Sancho Panza), “un peón que trabaja al partido en las tierras de don Juancho, es un vallegrandino querendón”.

Tim Burton, el excéntrico que se puso de moda

De la mano de sus personajes tétricos pero sensibles y mundos imposibles con problemas cotidianos el cineasta Tim Burton ha labrado una carrera de éxito en Hollywood hasta el punto de que los estudios han terminado por perder el miedo a su visión excéntrica y convertirla en una tendencia.

Su próxima película, "Frankenweenie", debuta el 5 de octubre en EEUU fiel a los elementos "burtonianos", con la muerte como conflicto para contar el drama emocional de un niño que se resiste a aceptar la defunción de su mascota.

"En ciertos aspectos, ha sido mi proyecto más personal", aseguró el realizador que recibió a Efe vestido de negro, con gafas oscuras y su despeinado natural en una habitación de hotel del "lugar más feliz de la Tierra", lema del parque Disneyland, donde habló de su filme y la huella de su obra en la meca del cine.

"Frankenweenie" supone un regreso a los orígenes para Burton, de 54 años, que casi tres décadas después de imaginar la historia y dibujar en un papel a los protagonistas del filme logró encontrar los apoyos suficientes para sacar el largometraje adelante como siempre había querido: en animación con el método de "stop motion".

"Recordé a los niños de mi clase, a los profesores, los monstruos y seguí los esbozos originales, pero el hecho de que fuera en 'stop motion', en blanco y negro y 3D hizo que lo sintiera como algo nuevo", indicó Burton.

El artista se inspiró para el relato en su amor por las películas de terror y en el sufrimiento que le produjo el fallecimiento de un perro que tuvo en su infancia con el que tenía "una relación especial".

Ya en la década de 1980, Burton había tratado de convencer a Disney, estudio en el que entró a trabajar en 1979, para que produjera "Frankenweenie" como un filme de animación pero solo consiguió presupuesto para desarrollar un cortometraje de acción real, que estrenó en 1984.

El proyecto quedó sepultado entonces por "Beetlejuice", "Batman", "Edward Scissorhands" y otros filmes que siguieron después y donde "The Nightmare Before Christmas" primero y "Corpse Bride" después resultaron un punto de inflexión por confirmar que las rarezas de lo mundos imaginarios de Burton eran del gusto del gran público.

La nueva "Frankenweenie" es el primer estreno de una película de animación de Tim Burton con el sello de Disney a pesar de la larga vinculación entre el realizador y el estudio, algo que tendría que haber ocurrido ya con "The Nightmare Before Christmas" en 1993.

"'Nightmare' era de Disney pero luego se asustaron de la película y terminó distribuyéndose bajo el sello de Touchstone (filial de Disney)", comentó Burton, si bien Disney años después rectificó su decisión y amparó el filme bajo su marca.

Cierto es que el cineasta californiano ha dejado de intimidar con sus filmes a los ejecutivos de Hollywood que pudieron temer el riesgo comercial de algunas de sus obras, sombrías a priori para el paladar del espectador medio, y que han pasado a conformar un estilo a imitar.

"Parece que todo se ha vuelto cine de animación tenebroso y en 'stop motion'. Yo no estoy siguiendo esa moda, siempre lo he hecho así", apuntó Burton, que aseguró que no había visto "Coraline", uno de los mayores triunfos recientes en ese formato.

"Todo el mundo pensó que yo la había hecho así, que no sentí que necesitaba verla", declaró el realizador que tampoco se mostró interesado en la reciente "ParaNorman" y la próxima "Hotel Transylvania" (ésta última sin "stop motion").

"Cuando haces algo por primera vez, no puedes predecir si va a tener éxito, pero si algo lo tiene, ves de repente millones iguales, es la forma en que ocurre, no tengo ningún control sobre eso y realmente no me importa", argumentó.

El director observa las mismas coincidencias con las últimas adaptaciones de clásicos infantiles, entre las que están "Mirror Mirror" (2012), "Snow White and the Huntsman" (2012), "Red Riding Hood" (2011) y en 2014 "Maleficent", con Angelina Jolie.

"Después de 'Alice in Wonderland' (2010) la gente está haciendo un montón de cuentos de hadas que durante mucho tiempo no fueron tendencia", explicó.

Tim Burton no quiso entrar a valorar próximos proyectos aunque sí confirmó que se está desarrollando un guión para una secuela de "Beetlejuice" y tuvo palabras de reconocimiento para Guillermo del Toro, cineasta igualmente aficionado a los monstruos y tramas oscuras, a quien consideró "talentoso" y "muy bueno".

Confirman a Jim Carrey y Jeff Daniels para la secuela de "Tonto y retonto"

Los hermanos Robert y Peter Farrelly confirmaron que los actores Jim Carrey y Jeff Daniels volverán a encarnar a los protagonistas de la comedia "Dumb and Dumber" en la secuela que preparan y que llevará por título en inglés "Dumb and Dumber To", según informó hoy The Hollywood Reporter.

La pareja de cineastas recurrió a Twitter para anunciar que el guión del filme estaba casi terminado y, ante las preguntas de sus seguidores, indicaron que la historia trata sobre los "mismos viejos tipos" y que sigue con "Jim C. y Jeff D.".

"Dumb and Dumber" se estrenó en 1994 y fue un éxito de taquilla tras recaudar casi 250 millones de dólares en todo el mundo con una historia sobre dos amigos de escasa inteligencia, Lloyd Christmas y Harry Dunne, que emprenden un viaje hasta las montañas de Colorado para devolver un maletín con dinero a su propietaria.

El buen resultado del filme derivó en una precuela, "Dumb and Dumberer: When Harry Met Lloyd" (2003) que tuvo poca repercusión y en la que no participaron ni los hermanos Farrelly ni tampoco Carrey y Daniels.

En junio, la prensa en EE.UU. se hizo eco de la desesperación de Jim Carrey para ver avanzar la secuela y se asumió que el actor había abandonado el proyecto que estaba en su agenda en un principio.

Los Farrelly disiparon en Twitter las dudas sobre el compromiso de Carrey con la película que en esta ocasión pondrá a los protagonistas en la búsqueda del hijo de uno de ellos con la intención de que le done un riñón para solucionar un problema de salud, según publicó Digital Spy.

miércoles, 26 de septiembre de 2012

Del director Tim Burton: ‘Frankenweenie’, nueva película en 3D

El nuevo trabajo cinematográfico de Burton está basado en un cortometraje que el director realizó en 1984 y ahora, a casi 30 años desde su crea-ción, se estrenará en la pantalla grande en 3D.

Para esta nueva historia, Burton hace uso de la técnica “stop motion”, con la cual ha logrado crear exitosas películas como El extraño mundo de Jack y El cadáver de la novia, y cuenta con las voces (en su versión original) de Winona Ryder, Martin Short, Charlie Tahan, Martin Landau y Catherine O’Hara, entre otros.

La película, en la que Burton parodia la historia de Frankenstein a través de un niño que quiere revivir a su perro muerto, llegará a las salas comerciales en octubre, en colaboración de la empresa Disney.

Frankenweenie trata sobre la relación de un niño con su perro Sparky. Tras la inesperada muerte del animal, el pequeño Víctor se vale del poder de la ciencia para traer a su mejor amigo de regreso a la vida, con unos pocos ajustes menores

‘FRANKENWEENIE’ EN LONDRES

Fuente: EFE

La nueva película de animación en 3D del director estadounidense Tim Burton, Frankenweenie, abrirá la 56 edición del Festival de Cine de Londres (BFI) el próximo 10 de octubre, anunció este jueves la organización.

La proyección marcará el estreno europeo del último trabajo de Burton, una cinta en blanco y negro que será exhibida mientras los artistas invitados al festival realizan su paseo por la alfombra roja, desde la plaza Leicester Square hasta el BFI Imax.

La cinta será exhibida en 30 pantallas de Gran Bretaña. Se prevé que el cineasta estadounidense de 53 años, autor de otras cintas de culto como El cadáver de la novia o El joven manos de tijeras, acuda al estreno en Londres, al igual que los protagonistas de la cinta: Winona Ryder, Catherine O’Hara, Martin Short y Martin Landau.

La película, la primera de animación que dirige Burton para Disney, es un remake de un cortometraje que él mismo dirigió en 1984 sobre un niño y su perro.

“Frankenweenie es una opción perfecta para la inauguración del festival; es una película que se deleita en la magia de las películas de uno de los mayores visionarios del cine”, afirmó la directora del BFI, Clare Stewart.

El Festival de Cine de Londres se desarrollará desde el 10 de octubre hasta el 21 de octubre. Su directora comentó que Burton “ha escogido Londres como su residencia y cientos de artesanos británicos con talento han contribuido a esta producción”.

Posible adaptación de ‘Guardianes de la Bahía’

Desde Vulture informan que el realizador de Reno 911!, Robert Ben Garant podría dirigir una adaptación de la exitosa serie televisiva de los 90’s, Los Vigilantes de la Playa (Baywatch) para Paramount Pictures, si bien el estudio todavía no se ha pronunciado sobre el proyecto. La serie, que lanzó al estrellato actrices como Pamela Anderson y Carmen Electra, fue retransmitida durante 12 años y según el Libro Guinness de los Récords se trata de la serie de televisión más seguida todos los tiempos con una media de 1.100 millones de espectadores.

El guionista Peter Tolan (creador de Rescue Me), quien se encargará de escribir el proyecto, reveló que su versión no tendrá nada que ver con la serie. Sí repetirán algunos actores como David Hasselhoff y Pamela Anderson, quienes tienen un lugar privilegiado en el libreto, aunque en ningún caso en los mismos papeles que interpretaron en la serie.

Robert Ben Garant se encuentra actualmente en post-producción de su película, Hell Baby, una comedia de terror que ha escrito y dirigido con Thomas Lennon. Además, el cineasta ha escrito guiones de películas como Una noche en el museo, Taxi, y The Incredible Shrinking Man, entre otras. De confirmarse este nuevo proyecto, su estreno llegará a las carteleras en 2013.

El cine en proyección: Detalles de producción de ‘Ted’

EL ÚLTIMO MIEMBRO DEL REPARTO: SETH MACFARLANE

El primer actor escogido para la película también la ha dirigido, escrito y producido. Seth MacFarlane construyó el personaje de Ted a través de una interpretación vocal y física. Fue posible gracias a un traje de captura de movimientos y al trabajo de posproducción realizado por el equipo de efectos visuales encabezado por la productora de efectos Jenny Fulle, de The Creative-Cartel, y el supervisor de efectos Blair Clark.

Seth MacFarlane explica el proceso: “El traje de captura de movimientos tenía que estar disponible cada día y a menudo dirigía llevándolo puesto, por lo que debía ser cómodo. Jason Clark encontró una empresa que disponía de una tecnología única llamada Moven a base de tirantes colocados encima de la ropa. Había días en que no me lo quitaba. Al parecer, capturaba los datos necesarios, pero no me molestaba ni me distraía”.

El director y los productores querían que cada escena diera la sensación de que todos los actores estaban allí. Las voces de los personajes de animación suelen grabarse meses antes o meses después de rodar la escena y por eso nunca encajan exactamente con los actores de carne y hueso. “Para que fuera realmente espontáneo, Seth estaba en el plató con su traje, trabajando con los actores. El personaje de Ted no se ha doblado después”, explica John Jacobs. “Es una actuación real con los demás actores y eso le permitió intercambiar comentarios espontáneos con Mark, Mila o Joel. Nos parece muy importante, sobre todo tratándose de una comedia, porque es mucho más espontáneo”.

“La interpretación de Ted debía ser como la del resto del reparto”, dice el director. “Tiene el mismo nivel de realismo. ¿Quién engañó a Roger Rabbit? es una gran película y, en algunos casos, usamos las mismas técnicas, pero no debía haber una diferencia entre personas y personajes de animación. Queríamos que todos fueran personas y que una de esas personas tuviera el cuerpo de un osito de peluche. El truco era tratar a Ted como uno más. Evitamos cualquier detalle que pudiera recordarnos que no era una persona, como por ejemplo que alguien tuviera que alzarle para alcanzar algo”.

Los efectos especiales

La mayoría de directores primerizos no se complican la vida teniendo un papel en la película o coordinando la interpretación de un personaje que se añadirá durante la posproducción. Sin embargo, nada parecía desanimar a Seth MacFarlane. “Hace 15 años que trabajo en la animación”, dice. “Reconozco que la animación digital 3D no es exactamente lo mismo que la animación 2D y tuve que aprender unas cuantas cosas, pero me sorprendió lo fácil que fue adaptarme a otro tipo de animación”.

“Contaba con un equipo fenomenal e increíblemente innovador que no dejó de serlo durante la posproducción, sigue diciendo. “Les pedimos que hicieran algo que no suele hacerse en una comedia. Olvidar todo lo que sabían de la animación al estilo Pixar o DreamWorks para que el personaje realizara movimientos humanos como los demás actores. Nada de comprimir ni de estirar, nada de dibujos animados en la acción”.

Vestido con el traje Moven, Seth MacFarlane interpretó los diálogos y gestos de Ted en las escenas que compartía con otros personajes. “Pero hay muchas ocasiones en que los gestos no podían ser míos”, dice el director. “Cuando empieza a haber más acción, ya no es práctico recurrir a un plató de captura de movimientos, es mejor animar al personaje directamente.

Actualidad del Séptimo Arte: Nuevo cartel de ‘El Hobbit’

Concluimos la que según Peter Jackson iba a ser una semana “muy interesante” con el lanzamiento de un nuevo cartel de El Hobbit: Un viaje inesperado, el cual nos llega cortesía de IMP Awards. Con Gandalf, empleado como nexo de unión entre esta nueva trilogía y la de El Señor de los Anillos, ya al margen en dicho nuevo cartel podemos ver al que es el principal protagonista del relato, Bilbo Bolsón (Martin Freeman), empuñando a Dardo, que es de suponer no requerirá de mayores explicaciones para los fans de la Tierra Media. Aunque queda para el 14 de diciembre, poder observarla en su plenitud.

Nuevas experiencias cinematográficas Cybergeddon llega por la web

El argumento de este primer filme creado para la plataforma de Yahoo! gira en torno a la seguridad informática.

Bajo la premisa de concienciar a los espectadores sobre las preocupaciones relacionadas con los ciberdelitos en el mundo real, el creador de CSI: Miami, Anthony E. Zuiker, lanzó ayer su nueva serie Cybergeddon, la cual será reproducida vía on-line a más de 25 países y en 10 idiomas a través de la plataforma de Yahoo!
Esta primera web-serie de 90 minutos, fraccionada en nueve partes digitales que estarán disponibles durante tres días consecutivos con tres capítulos diarios, está inspirada en los departamentos de Seguridad Cibernética de los Estados Unidos.
HISTORIA. Protagonizada por Olivier Martínez y Missy Peregrym, Cybergeddon refleja el combate del FBI y centros de seguridad on-line, como Norton, contra la amenaza de los cibercriminales y hackers, quienes son capaces de inducir a expertos en el campo de la informática con el único fin de llevar a las personas ya sea a la ruina familiar o a la cárcel.
CARACTERÍSTICAS DE LA SERIE. Cybergeddon, además de ser la primera web-serie sobre el cibercrimen que distribuye un portal de internet, rompe a nivel estético desde el punto de vista de la fotografía, la iluminación y la dirección artística. También muestra claras influencias de la novela gráfica estadounidense tanto en los encuadres como en los tonos. En gran parte de la narración, la serie es ágil, al igual que se hace en el cómic, por la gran sucesión de encuadres fijos de planos medios y cortos, ante todo, de los protagonistas. La serie, asimismo, es interesante por el uso del color.
En una secuencia, las imágenes en blanco y negro dan paso a tomas con luz muy polarizada para “dar la sensación de supervivencia y del estado de ánimo (de los personajes) y de peligro, aspectos que provienen de la influencia del cómic” estadounidense. (Con datos 20minutos.es y Efe.)

Primer capítulo

La web-serie arranca con la agente Cloe Jocelyn (Missy Peregrym), cuya vida da un vuelco tras dar caza a Gustov Dobreff (Olivier Martínez), jefe de una red de cibercriminales.






Escalofriantes relatos que se harán realidad: El Cuervo, guía para un asesino


SINOPSIS

Una madre y una hija son brutalmente asesinadas en el Baltimore del siglo XIX, y el detective Emmett Fields (Luke Evans) descubre algo sorprendente: el crimen se parece enormemente a uno de ficción publicado en el periódico local, que forma parte de una colección cuyo autor es Edgar Allan Poe, entonces considerado como un paria. La policía interroga al escritor, pero en ese mismo momento se comete otro horripilante asesinato que también se inspira en una de las historias de Poe.

El detective se da cuenta de que se trata de un asesino en serie que se basa en las historias de Poe para cometer sus sangrientos crímenes, y le pide ayuda al escritor para detener al culpable. Pero cuando todo apunta a que alguien muy cercano a Poe puede convertirse en la siguiente víctima, ya hay demasiado en juego y el autor decide hacer uso de sus poderes de deducción antes de que sea demasiado tarde.

NOTAS DE PRODUCCIÓN

Dirigida por James McTeigue, también forman parte del reparto Alice Eve, Brendan Gleeson y Oliver Jackson-Cohen.

El escritor Edgar Allan Poe nunca se imaginó que sus escalofriantes relatos inspiraran a la gente a cometer delitos; sin embargo, en el filme El cuervo: guía para un asesino, esta pesadilla se hará realidad.

Los hechos de ficción, dirigidos por el cineasta australiano James McTeigue, se centran el 7 octubre de 1849, fecha en que se presume que el escritor fue encontrado en las calles de Baltimore, Maryland, donde pasó sus últimas horas con vida y en pleno delirio mental, según cuentan los archivos históricos.

De esa forma, el largometraje inicia con la imagen convaleciente del poeta estadunidense, quien al ser hallado por un hombre en la banca de un parque en Baltimore, repite una y otra vez el nombre de “Reynolds”, cuya pista posteriormente se va resolviendo durante los 110 minutos de duración.

Tras el “flashback” inicial, la producción muestra a un Edgar Allan Poe, interpretado por John Cusack, que para sobrevivir vende sus cuentos al periódico ‘The Patriot’, además de reflejar perfectamente el problema de alcoholismo que padeció el también poeta estadunidense, según lo han dejado saber los estudiosos de la literatura.

De manera paralela, la policía de Baltimore encuentra en un edificio los cuerpos de una mujer y su hija brutalmente asesinados. Para resolver la intrépida fuga del homicida, arriba al lugar de los hechos el detective Emmett Fields (Luke Evans), quien descubre la familiaridad del crimen con una de las historias de Poe.

Después, el misterioso homicida vuelve a actuar al asesinar al enemigo de tintas en la vida real de Edgar, el crítico literario Rufus Wilmot Griswold, quien es cortado a la mitad por el péndulo, un instrumento filoso y agresivo que Poe utiliza en su relato ‘El pozo y el péndulo’.

Después de quitar de la lista de sospechosos al afamado escritor, Fields lo convoca para ayudar a resolver el enigma que se esconde detrás del misterioso criminal que usa sus cuentos para quitarle la vida a las personas inocentes y demostrar su fanatismo.

Cuando ambos protagonistas creían tener acorralado al homicida en una fiesta de disfraces organizada por el capitán Hamilton (Brendan Gleeson), el audaz criminal se escabulle entre la gente y además secuestra a Emily Hamilton (Alice Eve), hija del capitán y amada del poeta, quien junto al detective se enfrascan en una serie de acertijos sangrientos para dar con el paradero de la dama.

El rodaje de la película inició el 9 de noviembre de 2010 en las calles y sets instalados en las capitales de Serbia y Hungría, Belgrado y Budapest, respectivamente, desde donde fue revelado el primer avance de la película el 7 de octubre de 2011, haciéndolo coincidir con el aniversario luctuoso de Edgar Allan Poe.

Aunque la producción no es en su totalidad representante del “gore”, los efectos visuales y la fotografía implementada por Danny Ruhlmann permiten tener escenas violentas muy verosímiles, que van desde partir a la mitad un cuerpo hasta mostrar el momento exacto de una degollación.

Durante todo el homenaje fílmico que El Cuervo: guía para un asesino hace a Poe, se recorren pasajes importantes de su gran obra literaria como: ‘La máscara de la muerte roja’, ‘Entierro prematuro’, ‘El cuervo’, ‘Annabel Lee’ y ‘Un descenso a Maelstrom’, entre otros ya mencionados.

Además, en la historia se incluye a un mapache como su mascota, especie que es conocida por ser portadora de la rabia, cuya enfermedad creen los historiadores y los rumores llegados desde 1849, mató al célebre maestro de la lírica de horror.

Mañana llega a las salas de cine Dredd, el juez del apocalipsis.

En un futuro, Estados Unidos tendrá una gran megametrópolis de 400 millones de habitantes que se extiende desde Boston hasta Washington, los criminales se campearán a sus anchas y dominarán en las calles. Así comienza la historia de "Dredd: El Juez del Apocalipsis", la película de ciencia ficción y en formato 3D que se estrena mañana en los cines de Santa Cruz, de la mano de la distribuidora Manfer Films. Esta es una de las tantas historias que da el salto del cómic al séptimo arte

La trama. En medio de ese ambiente de caos en las calles, la única fuerza del orden se encuentra en los policías urbanos llamados "jueces", quienes poseen los poderes combinados de juez, jurado y verdugo al instante. Conocido y temido por toda la ciudad, Dredd (Karl Urban) es el juez definitivo, con el desafío de liberar a la ciudad de su última plaga, una peligrosa droga que hace a sus consumidores "Slo-Mo" experimentar la realidad en una fracción de su velocidad normal.

El efecto 3D. Para el equipo, la filmación en 3D era toda una novedad, así que apelaron a la experiencia de Anthony Dod Mantle, ganador de un Oscar por esas memorables secuencias de los barrios pobres de Bombai en la película Slumdog Millionarie. "Tal vez sorprenderemos al mundo. Pero la verdad es que no estamos haciendo Avatar, Resident Evil, Tron o Alice. Nuestra película es sobre violencia", dice Dod Mantle. Aunque el filme apela a la última tecnología, se inspiró en clásicos como "Harry, El Sucio", aquel memorable filme con Clint Eastwood en el papel estelar, para recrear las acciones violentas.

Pete Travis-Director
La primera película de estudio de Travis, Vantage Point con Dannis Quaid, Forest Whitaker, Matthew Fox y Sigourney Weaver se estrenó en Estados Unidos en febrero del 2008 para llegar al número uno en éxito taquillero. Luego siguieron títulos como "Endgame", "Omagh" y "Falcon".

Karl Urban-Actor
Nacido en Nueva Zelanda, Karl Urban es un gran fanático del Juez Dreddy, a quien interpreta, como Alex Garland, lo ha seguido desde su juventud. Karl es mejor conocido por su papel como Éomer en la segunda y tercera instalación de la épica trilogía de Peter Jackson.

La ficha

Título original:
Dredd.
Dirección
Peter Travis.
Género
Ciencia ficción.
Escrita por:
Carlos Ezquerra y Alex Garland.
Reparto
Karl Urban, Olivia Thirlby y Lena Headey

Estreno en 2013 Hugh Jackman luce gran figura en Wolverine

El actor Hugh Jackman, quien vuelve a encarnar al personaje de The X-Men Wolverine, se mostró con una gran musculatura en la primera imagen promocional de la nueva película. Los estudios 20th Century Fox dieron a conocer una fotografía promocional del filme, que pone al mutante de los cuchillos afilados de adamantium en Japón, donde lucha contra un samurai. rpp.com.pe

Looper, la renovada apuesta de Bruce Willis

Heredera de películas como "Twelve Monkeys", "Looper" debutará el viernes en los cines de EEUU etiquetada por los críticos como una de las mejores cintas de ciencia ficción de los últimos años, con un Bruce Willis recuperado para el género.

Viajes en el tiempo, gángsters y telequinesia conforman los elementos de inicio del filme que se mueve entre 2040 y 2070 y esconde tras su apariencia de "thriller" estándar, una serie de inesperados dilemas morales que desafían al espectador a la hora de tomar partido por alguno de los personajes. "En 'Looper' no hay buenos y malos, no hay blanco y negro, todo el mundo piensa que está haciendo lo correcto", aseguró a EFE el actor Joseph Gordon-Levitt, el protagonista y productor ejecutivo del largometraje. La acción gira en torno a un mismo individuo, un asesino a sueldo llamado Joe (Gordon-Levitt), que terminará por enfrentarse con su yo futuro (Bruce Willis) cuando lo envían, en un viaje en el tiempo, a que lo ejecute. "Looper" tiene en su elenco a Emily Blunt, Paul Dano y Jeff Daniels.

Carla Ortiz, productora de cine

La boliviana Carla Ortiz comenzará el 8 de octubre la filmación de "Olvidados", una película sobre las dictaduras en América Latina y que será para la actriz su primer largometraje como productora.

Aún saboreando las mieles del éxito alcanzado con la película "The man who shook the hand of Vicente Fernández", estrenada en mayo de este año y que protagonizó junto al legendario y recientemente fallecido actor Ernest Borgnine, Ortiz está lista para iniciar lo que describe como uno de los retos más aleccionadores en su carrera. "He aprendido a respetar y valorar muchísimo el trabajo de producción porque uno como actor llega feliz y tranquilo a empezar a filmar y es un trabajo duro, pero el productor es como el capitán del barco", dijo la actriz. La también protagonista de "Los Andes no creen en Dios", ha pasado año y medio escogiendo a su equipo técnico, buscando financiamiento y uniendo en un solo grupo a reconocidos actores latinoamericanos que contarán la historia de "La Operación Cóndor" que dejó tras de sí cientos de víctimas, torturados, asesinados y desaparecidos.

El guión está basado en las investigaciones que sobre este tema hizo el también boliviano Mauricio d'Avis y la versión final fue escrita por Elia Petridis y la propia Carla Ortiz. "Estoy completamente involucrada en la película, no estamos tomando una posición ni de derecha ni de izquierda sino que estamos poniendo un espejo para reflejar exactamente lo que fue y ver cómo seguimos cargando un peso grande de dictaduras en nuestro planeta", relató la actriz nacida en Cochabamba.

"Algunos de nuestros países están viviendo bajo regímenes que prohíben la libertad de expresión, la libertad de prensa, países que se adjudican la democracia, entonces creemos que es un momento importante para contar esta historia", agregó./EFE.

Hellen Mirren Homenajeada por su papel en 'The Queen'


La actriz británica Helen Mirren, Oscar en 2006 por su papel en "The Queen", recibirá este año el premio de honor de la Academia del Cine Europeo, en la gala anual de esa institución que se celebrará el 1 de diciembre. Mirren recibirá el galardón por su contribución al cine europeo y mundial, argumentó en un comunicado la Academia del Cine, con sede en Berlín. La actriz, de 67 años, recogerá el premio "como un honor y orgullo muy especial", según las declaraciones de la homenajeada. La gala anual del cine europeo tendrá lugar este año en la isla de Malta, de acuerdo a la tradición rotatoria de esa institución, que alterna las ceremonias en Berlín con las otras ciudades europeas, como París, Roma, Varsovia, Barcelona o Bochum. La lista de las finalistas se dará a conocer el 3 de noviembre en el Festival de Cine de Sevilla. A partir de ahí se procederá a la votación final entre los 2.700 miembros de la Academia, fundada por Ingmar Bergman y Wim Wenders, como alternativa continental a la de Hollywood. EFE.

martes, 25 de septiembre de 2012

El cine de Corea llega con 5 filmes



Una selección de cinco películas con lo más representativo de la cultura contemporánea de Corea será inaugurada el jueves. El ciclo, que durará hasta el 3 de octubre, es el primero que mostrará una parte de la industria audiovisual de ese país. El embajador de Corea en Bolivia, Chun Young Wook, explicó, en una conversación con La Razón, que el desarrollo de la industria cinematográfica de su país está ligado a la historia y a la “identidad” de su pueblo.

El diplomático comentó que el cine coreano refleja, por ejemplo, “el sufrimiento que provocó el imperialismo japonés”, que ocupó su país entre 1910 y 1945, el conflicto bélico por la división de Corea y la gran hambruna que antecedió al actual desarrollo económico, industrial y tecnológico. “Tenemos una historia muy compacta de 50 años, tiempo en el que pasamos de una economía del siglo XIX al desarrollo actual”.

En el curso de los últimos 30 años, el cine coreano ha sido alentado especialmente por el crecimiento tecnológico de la industria electrónica. Actualmente, se estrenan más de 80 películas locales en los centros más poblados de la nación asiática, según datos del embajador Young Wook.

La primera muestra de cine coreano en Bolivia se realizará en la Cinemateca (Óscar Soria 100). Las cintas abarcan temas basados en hechos reales, “revisiones fantásticas y críticas sobre las grandes ciudades de Corea del Sur”, y se culminará con un documental independiente sobre la vida rural de este país.

Programa. El ciclo se abrirá con el filme El momento supremo de nuestras vidas, del director Yim Soon-rye, que narra la historia de una jugadora de handball retirada que prepara a su equipo para una competencia internacional. “Una conmovedora historia que muestra el espíritu inquebrantable de las deportistas, llega al corazón del público” (27 y 30 de septiembre).

Mi novia es un agente secreto (viernes 28 de septiembre), de Shin Tae-ra, es una comedia de acción que trata sobre un grupo ruso de crimen organizado que está determinado a robar un arma química letal guardada en Corea. Dos agentes secretos son designados para detenerlo. Uno de ellos es la experimentada agente AhnSoo-ji y el otro es un agente novato llamado Lee Jae-joonEscándalos (29 de septiembre y 3 de octubre), de Kang Hyoung-Chul, es una comedia acerca de una estrella del ámbito musical que, al llegar a los 40 años, enfrenta un problema cuando una fanática asegura ser hija suya.

El gran chef (1 de octubre), de Jeon Yun-su, es una película premiada en diversos festivales internacionales. Cuenta la historia de un afamado chef del restaurante más importante de Corea, quien es retado a competir con otro cocinero del mismo negocio. El filme está basado en el libro de comic Le Grand Chef, de Hur Young Man.

La muestra se completa con Viejo compañero (2 de octubre), de LeeChung-ryoul, que es un documental sobre el poblado rural de Bong-wha. Es la cinta independiente de bajo costo más popular producida en Corea.

Acción y comedia

-El momento supremo de nuestras vidas. Drama, 27 de septiembre.

-Mi novia es un agente secreto. Comedia, 28 de septiembre.

-Escándalos. Comedia, 29 de septiembre.

-El gran chef. Drama, 1 de octubre.

-Viejo compañero. Documental, 3 de octubre

Boliviana Carla Ortiz será la productora de un filme sobre dictaduras en América Latina



Aún saboreando las mieles del éxito alcanzado con la película "The man who shook the hand of Vicente Fernández", estrenada en mayo de este año y que protagonizó junto al legendario y recientemente fallecido actor Ernest Borgnine, Ortiz está lista para iniciar lo que describe como uno de los retos más aleccionadores en su carrera.

"He aprendido a respetar y valorar muchísimo el trabajo de producción porque uno como actor llega feliz y tranquilo a empezar a filmar y es un trabajo duro, pero el productor es como el capitán del barco", dijo la actriz en entrevista con Efe.

La también protagonista de "Los Andes no creen en Dios", ha pasado año y medio escogiendo a su equipo técnico, buscando financiamiento y uniendo en un solo grupo a reconocidos actores latinoamericanos que contarán la historia de "La Operación Cóndor" que dejó tras de sí cientos de víctimas, torturados, asesinados y desaparecidos.

El guión está basado en las investigaciones que sobre este tema hizo el también boliviano Mauricio d'Avis y la versión final fue escrita por Elia Petridis y la propia Carla Ortiz.

"Estoy completamente involucrada en la película, no estamos tomando una posición ni de derecha ni de izquierda sino que estamos poniendo un espejo para reflejar exactamente lo que fue y ver cómo seguimos cargando un peso grande de dictaduras en nuestro planeta", relató la actriz nacida en Cochabamba.

"Algunos de nuestros países están viviendo bajo regímenes que prohíben la libertad de expresión, la libertad de prensa, países que se adjudican la democracia, entonces creemos que es un momento importante para contar esta historia", agregó.

El financiamiento de "Olvidados" viene de la mano del empresario y filántropo Frank Giustra, fundador de Lions Gate Entertainment, firma que por primera vez participará en la realización de una película en español.

El mexicano Carlos Bolado, ganador de 7 premios Ariel en 1998 por su largometraje "Bajo California: El límite del tiempo", y quien recientemente estrenó en México la controvertida película "Colosio, el asesinato", tendrá a su cargo la dirección de "Olvidados".

"Él (Bolado) ha tenido la valentía de hacer películas con temas políticos y sociales bastante fuertes, pienso que no hay un mejor director en este momento que entienda el tema político y social de una forma tan precisa y que pueda fotografiar la 'Operación Cóndor' desde un punto de vista neutro y balanceado", expresó Ortiz.

"El reparto de actores reunirá a los mexicanos Damián Alcázar y Claudia Lizaldi, a los argentinos Rafael Ferro, Tomás Fonzi, Guillermo Pfening y Ana Celentano, al portugués Carloto Cotta, los chilenos Manuela Martelli, Shlomit Baytelman, Daniela Ramírez y Eduardo Paxeco, a los bolivianos Cristian Mercado, Bernando Peña, Milton Cortez, Carla y Jorge Ortiz.

También estará el peruano Salvador del Solar, el colombiano Gustavo Angarita y contará con la participación especial del estadounidense Billi Zane, recordado entre otros roles por su papel de Caledon Hockley, en la película "Titanic".

La filmación comenzará en Bolivia y se trasladará luego a Chile, Argentina y Nueva York.

"Estamos haciendo todo lo posible para tener la película lista para estrenarla en mayo de 2013, tenemos la pasión, un equipo comprometido y talentoso, la distribución garantizada ya en varios países y una importante historia que contar", concluyó Ortiz.


Morgan Freeman sólo come una vez al día

El actor y director estadounidense Morgan Freeman reveló, en una entrevista con la cadena alemana Tele 5, que come sólo una vez al día. “Eso tiene que bastar. Por la noche como a lo más un par de nueces y uvas”, explicó el actor. Pese a eso, el ganador de un Oscar por su papel en Million Dollar Baby, dijo que tiene energía de sobra para seguir con su trabajo. emol.com

Irán podría boicotear los Oscar 2013 por video contra Mahoma

Un funcionario iraní aseguró que su país debería boicotear los premios Oscar del 2013 y abstenerse de enviar una candidata para la categoría de mejor película extranjera, en protesta por una cinta antimusulmana producida en Estados Unidos que denigra al profeta Mahoma.
Javad Shamaghdari, director de la oficina de cinematografía del Gobierno, dijo que Irán debe “evitar” su asistencia a la máxima ceremonia de Hollywood. La comisión, que trabaja bajo la supervisión de la oficina de cine, ya había elegido la cinta Ye Habbeh Ghand (Un terrón de azúcar), para que compitiera por el galardón a la mejor película extranjera. El filme trata de una boda que se convierte en un funeral al fallecer un familiar del novio. El Gobierno aún debe aprobar la selección de la cinta para hacerla oficial. Shamaghdari aseguró que Irán debe boicotear la ceremonia de los premios Oscar hasta que los organizadores denuncien la película Innocence of Muslims (La inocencia de los musulmanes), que enfureció a los musulmanes, y que provocó grandes enfrentamientos, en los que al menos 50 personas, entre ellas el embajador de EEUU en Libia, murieron por manifestaciones en contra de la película.
Shamaghdari es conocido por haber hecho previamente llamados a “privar“ a los festivales occidentales de cine de las cintas iraníes. emol.com