viernes, 30 de septiembre de 2011

Habla el ‘Rey Midas’ de Hollywood sobre su trabajo

Steven Spielberg, el "rey Midas" de Hollywood, afronta un final de año ajetreado con dos filmes por estrenar ("Tintin" y "War Horse"), momento que aprovecha para reflexionar sobre su carrera y divisar retos futuros: "Harrison Ford puede encarnar a Indiana Jones hasta los 90", dijo a Efe.

Steven Allan Spielberg es historia del cine. Ha ganado dos Óscar como director por "Schindler's List" (1993) -coronada también mejor película- y "Saving Private Ryan" (1998), pero los premios no definen ni por asomo el impacto de su trabajo en las retinas de millones de espectadores a lo largo de casi cuatro décadas.

Un tiempo en el que le ha dado tiempo a alternar obras de gran calado emocional ("The Color Purple", 1985; "Amistad", 1997) con abrumadores espectáculos basados en el puro entretenimiento ("Jurassic Park", 1993; "War of the Worlds", 2005).

En esa categoría entra la franquicia de Indiana Jones, que hasta ahora ha dado cuatro títulos, entre los más comerciales de su carrera. Y la puerta sigue abierta a más.

"Creo que Harrison Ford puede encarnar a Indiana Jones hasta bien entrados los 90 años, aunque para entonces solo pueda comer puré", dijo rotundo el cineasta de 64 años, a quien le encantaría seguir dirigiendo hasta el fin de sus días.

"Ojalá, solo fijate en Clint Eastwood. Tiene 81 años y hace unas películas fascinantes", apuntó el realizador de Cincinnati, quien cree que la razón del éxito del personaje de Indiana Jones, creado por George Lucas y él mismo, es su afinidad con el público.

"La gente admira la imaginación de esas historias, el hecho de que te llevan a sitios y escenarios que nunca imaginarías ver", apuntó. "Es un héroe icónico, pero para nada pulido; un superviviente que se hace daño y sufre, lo cual le acerca más a una persona real que a un superhéroe", añadió.

Por ahora los planes del director pasan por "Tintin" y "War Horse", dos propuestas muy distintas que llegarán a EE.UU. con apenas cuatro días de diferencia en diciembre.

"Sólo tienen en común que yo las dirigí, pero son productos nada identificables entre sí; son géneros y experiencias virtualmente diferentes, en las que creo que fui capaz de cambiar mi estilo lo suficiente como para que no se aprecie en absoluto que el director es la misma persona", admitió.

"Tintin" forma parte de ese grupo de obras de Spielberg visualmente arriesgadas, en este caso con el 3D y la técnica de "captura de movimiento", mientras que "War Horse" toca la fibra del espectador como ya lo hicieran "E.T." (1982) o "Empire of the Sun" (1987).

Esa mezcla de proyectos de grandes presupuestos con otros más emotivos no es algo que busque a propósito, según confesó.

"No busco las historias, las historias acostumbran a encontrarme a mí", manifestó. "Muchos de los guiones que he elegido dirigir no los esperaba para nada. En el caso de 'War Horse' fue por una obra de teatro que vi en Londres y me enamoré de ella. Son cosas que suponen milagros para los cineastas y que hay que sentirse agradecido cuando ocurren", agregó.

¿Pero qué objetivos se marca alguien que lo ha conseguido todo? Spielberg asegura que aún tiene metas por alcanzar y que le encantaría rodar una historia de amor, un musical e incluso una comedia pura, pero que necesita encontrar el material adecuado.

"Siento hambre por llevar a cabo esos cometidos y estoy deseando hacerlo", afirmó un cineasta que, tras debutar con "Duel" (1971) e inaugurar el concepto "blockbuster" con "Jaws" (1975), se ha mantenido en la primera línea de la meca del cine.

Y su pasión no ha hecho sino aumentar.

"Ahora mismo tengo más energía que hace 20 años y no sé cómo reconciliar esa realidad con mi edad física", declaró. "Estos años han sido como un entrenamiento mientras criaba a mis hijos, y ese es un esfuerzo mucho mayor que rodar películas. Al mismo tiempo mi apetito por contar historias ha ido a más; me encanta hacer películas y descubrir lo que encierra cada una de ellas", comentó.

Spielberg suena sincero en sus respuestas. Incluso cuando asegura que lo que más le satisface de todo el proceso es comprobar que el público disfruta con su creación.

"Esa respuesta te recuerda que tantos años de trabajo no han sido en balde. Ver ese entusiasmo es una sensación que nunca caduca y nunca deja de emocionarte", concluyó.

Comienza el fenavid

Ocho días tendrá para disfrutar de interesantes producciones audiovisuales que concursarán en el Festival Internacional de Video (Fenavid). La 11ra versión tendrá como participantes a doce países con 118 producciones, de los cuales 19 son largometrajes y 99 cortometrajes y videoclips. El fenavid inicia este 2 de octubre y se prolonga hasta el 9 del presente, fecha de la premiación de los ganadores de la competencia. Los escenarios serán la Casa Municipal de Cultura, Centro Cultural Franco Alemán, Centro Cultural Santa Cruz y Teatro de la Aecid.

Festival. La Fundación Audiovisual (Fundav), organizadora de la actividad, tiene programado el acto de inauguración para el lunes 3 de octubre, a las 20.00 en la Casa de la Cultura, con la presentación especial de "Perfidia", filme del cineasta boliviano Rodrigo Bellott. En esta ceremonia también estará el actor principal de la película Ciudad de Dios, Leandro Firmino da Hora. En el encuentro cinematográfico estarán presentes países como Argentina, Francia, Chile, Brasil, España, Canadá, Cuba, México, Paraguay, Perú, Turquía y, por supuesto, Bolivia, países que competirán para lograr alguna de las ocho estatuillas, tanto en la muestra oficial como en la universitaria.

Película consagrada. Leandro Firmino da Hora saltó a la fama por su participación en el filme “Ciudad de Dios”, dirigido por Alejandro Meirelles y nominado a cuatro premios Óscar. El actor brasileño interpretó a Zé Pequeño y su rol le valió varias distinciones, una de ellas como Mejor Villano. Firmino llega a Santa Cruz mañana para realizar un conversatorio sobre la consagrada y premiada película Ciudad de Dios, celebrando los diez años desde su producción.

Película estreno. El filme alemán “La Cinta Blanca” se verá por primera vez en nuestro país en el Fenavid, viene precedido de muchos premios, incluyendo la Palma de Oro del Festival de Cannes y el Globo de Oro en 2009. El largometraje, dirigido por Michael Haneke ha generado una alta expectativa entre los cinéfilos de Santa Cruz debido a las críticas positivas que hay alrededor del mundo sobre el filme.

Santa Cruz 100x100. Esta plataforma cinematográfica no solo muestra producciones del séptimo arte sino de otros proyectos importantes relacionados, como es el Santa Cruz 100x100, que consiste en elaborar un guión, producir un cortometraje y llegar hasta el montaje final en 100 horas, en locaciones de Santa Cruz. De este reto participan 25 jóvenes y los actores y actrices son bolivianos e invitados especiales.

Tres categorías del festival

Muestra Oficial de Largometrajes, de Cortometrajes, y Muestra Universitaria de Cortometrajes.

10 Premios
Se entregarán en el Festival Internacional de Video en Santa Cruz.

2010 Última Versión
Participaron 257 producciones de 15 países participantes.

Estreno de Conan fue exitoso ayer

Multi Cine Universal nuevamente se dio el lujo de estrenar un clásico del cine en el sistema de tercera dimensión, esta vez fue el turno de “Conan el Bárbaro” en una moderna versión.
El gerente propietario de esta empresa, Julio Cesar Navia, comentó anoche que la película estará en cartelera durante dos semanas para el gusto de los cinéfilos que gustan de la calidad.
Explicó que el estreno de anoche fue un poco retrasado debido a que el material fue enviado vía aérea y tuvo que ser recogido en la ciudad de Sucre, por eso llegó un poco tarde a nuestra ciudad, aparte de que cargar y compaginar al sistema de la maquinaria tardó alrededor de una hora.
Navia asegura que la película fue del agrado de los asistentes y que vale la pena tenerlo por quince días en las funciones corrientes y con la calidad que ofrece el sistema 3D.

Conan en 3D se estrena hoy

A 29 años del estreno de la primera versión, llega Conan el bárbaro esta vez en versión tridimensional (3D) con Jason Momoa como principal protagonista en lugar de Arnold Schwarzenegger.
Multicine Universal trae la moderna versión de Conan el bárbaro y se proyectará hoy en los horarios de 16:30, 18:30 y 20:30, según se dio a conocer anoche Julio Cesar Navia.
Lionsgate Films señala que las hazañas de Conan en la Era Hiboria cobran ahora vida en esta película de acción y aventuras en 3D. Una búsqueda que comienza como una vendetta personal para el feroz guerrero cimmerio no tardará en convertirse en una épica batalla que lo enfrentará a descomunales rivales y horrendos monstruos. Contra toda esperanza de victoria, Conan se dará cuenta de que es la única posibilidad de salvación de las grandes naciones de Hiboria frente a la invasión de un mal sobrenatural.
Se detalla que Conan era un niño que habita en una aldea de bárbaros y que ve cómo su familia es asesinada y él entregado como esclavo a mercaderes. Ese niño crece con el rostro de los asesinos en su memoria y, cuando se convierte en un guerrero adulto y poderoso (Jason Momoa), se dispone a perpetrar una venganza que le llevará a una batalla todavía mayor en la que se juega el destino de las grandes naciones de la Era Hiboria, frente a la invasión de un mal sobrenatural. En ese camino, su objetivo último es enfrentarse al caudillo Khalar Zym (Stephen Lang) y busca recuperar la Máscara de Aquerón, una reliquia que otorga la inmortalidad.

Se estrenará una película ganadora de festivales: La Cinta Blanca

La cinta blanca" es un filme alemán que posee muchos premios, como la Palma de Oro del Festival de Cannes y el Globo de Oro en 2009, y que se verá por primera vez en nuestro país en el marco del XI Festival Internacional de Cine Digital.

ESTRENO. El estreno de "La cinta blanca" se realizará el martes 4 de octubre a las 20.30 en el Centro Cultural Franco Alemán, con el apoyo de Londra Films y del Goethe Zentrum, institución que este año se suma al Fenavid. El ingreso para ver "La cinta blanca" será gratuito, al igual que lo es el acceso a todas las películas del Fenavid 2011, que se realizará desde el 2 hasta el 9 de octubre.

SINOPSIS. En 1913, en vísperas de la Gran Guerra (1914-1918), una serie de accidentes inexplicables perturba la tranquila vida de un pequeño pueblo en el norte de Alemania. Esa es la sinopsis de "La cinta blanca", una de las películas alemanas más aclamadas de los últimos años.

FILME. "La cinta blanca" forma parte de la Muestra de Cine Alemán que se realizará durante el Fenavid. La misma también incluye la proyección de largometrajes de Rainer Werner Fassbinder, como "El matrimonio de María Braun" y "Todos nos llamamos Alí". La película ya ha generado una alta expectativa entre los cinéfilos de Santa Cruz debido a las críticas positivas que hay alrededor del mundo sobre el filme, dirigido por Michael Haneke. "Dentro de nuestra programación cultural, el trabajo a través del séptimo arte es muy importante. Es un medio vital para tener un intercambio de ideas entre diferentes culturas", explica Franz-Josef Kunz, director del Goethe Zentrum en Santa Cruz. El Fenavid 2011 se realizará desde el 2 hasta el 9 de octubre, una cita con el talento y la producción de jóvenes.

FUNDAV

La Fundación Audiovisual es la organizadora de este festival.

12 PAÍSES Estarán presentes en el Festival Internacional de Video.

jueves, 29 de septiembre de 2011

Actor de 'Ciudad de Dios' en un conversatorio

Leandro Firmino da Hora ha recibido numerosos premios por su interpretación de Zé, como protagonista de la película Ciudad de Dios. Actualmente, combina sus actividades como actor y director de documentales. En el Fenavid será el invitado especial del acto de apertura y el encargado de realizar un conversatorio sobre el largometraje, que cumple diez años desde su estreno. Este se realizará el miércoles 5 de octubre, a las 19.00 en la Agencia española de Cooperación Internacional (AECID), en el que estará también Luis Nascimiento, de la parte de producción, quienes hablarán del proceso. "Cidade de Deus", como se dice en portugués, es la adaptación de una novela del mismo nombre de Paulo Lins, basada en una historia real. Fue dirigida por Fernando Meirelles. Narra la vida de varias personas que habitan en una favela en Río de Janeiro a lo largo de casi treinta años, entre los sesenta y los ochenta. El lugar es un sitio en el que el tráfico de cocaína, los asesinatos, la delincuencia juvenil y el soborno policial son algo cotidiano.

Un visor personal para películasen 3D

Si eres de los que prefieren entretenimientos solo para ti, en vez de sentarte frente al televisor con familiares o amigos, Sony creó un visor personal que se calza en la cabeza para que puedas ver películas, videos musicales y juegos en 3D.

El visor personal HMZ en 3D saldrá a la venta el 11 de noviembre en Japón y Europa y probablemente para la Navidad ya esté a la venta en Estados Unidos, a un precio de 800 dólares. El visor de apariencia futurista HMZ — siglas por “visualizador calzado en la cabeza”, en inglés— combina antiparras y audífonos.

La imagen —un video musical japonés en el demo para la prensa en Tokio— es nítida y da la impresión de que uno atisba una casa de muñecas dentro de la cual se mueve un cantante real diminuto.

El HMZ es un artefacto con tecnología avanzada dirigido a un sector particular de público, ya que no se recomienda su uso en menores de 16 años porque algunos expertos consideran que la sobreestimulación no es positiva para los cerebros que todavía están en desarrollo, explicó Shigeru Kato, uno de los vicepresidentes de Sony.

Equipo especial

El visor proporciona la inmersión en un teatro casero, equivalente a sentarse en una de las mejores butacas de un teatro. Este aparato se conecta al lector Blu-ray y las plataformas de juego.

Pantalla OLED

El artefacto utiliza la pantalla OLED de Sony, que ofrece una calidad insuperable de imagen y color en comparación con las pantallas de cristal líquido y de plasma, utilizadas en las computadoras.


martes, 27 de septiembre de 2011

Película sobre 33 mineros aspira a llegar al Oscar

El productor de Hollywood Mike Modavoy, quien llevará al cine la epopeya de los 33 mineros chilenos que permanecieron sepultados durante 70 días en un yacimiento al norte de Chile, anunció que aspira a que el futuro filme participe en la edición 2012 (que se premia en 2013) de los Oscar y de Cannes.

“Si es posible, y recibo el guión en diciembre o enero, aunque no lo creo, me gustaría que la película estuviera lista para el Oscar del próximo año”, señaló Modavoy a los periodistas, durante una visita al liceo santiaguino Valentín Letelier, donde estudió a mediados de la década de los años 50 del siglo pasado.

“Yo creo que va a ser imposible (presentar la película a la próxima edición de los Oscar), pero voy a ver si puedo hacer una película buena que califique a (el festival de) Cannes (en Francia)”, añadió en español el productor, que estuvo acompañado del ministro chileno de Minería, Hernán de Solminihac, y del minero Daniel Herrera.

Chile ante el mundo

El titular de Minería, que acompañó a Modavoy en su visita al liceo Valentín Letelier, se mostró “contento” por la visita del productor estadounidense y por su intención de hacer una película sobre el rescate de “los 33 de Atacama”, quienes este próximo 13 de octubre cumplirán un año desde su épico rescate.

“La verdad que esta película es importante para Chile porque aquélla fue una situación digna de ser película y, en ese sentido, podemos mostrar al mundo cómo el trabajo en equipo, cómo la ayuda internacional y el esfuerzo de todos pudo lograr el rescate de los mineros”, afirmó Solminihac.

Cuenta regresiva, Fenavid 2011 tiene 19 filmes en competencia

Entre 19 largometrajes y 99 cortos en ficción, documental, animación y videoclips, el festival de cine digital Fenavid 2011 elegirá a sus ganadores en el encuentro internacional que se desarrollará en Santa Cruz, del 2 al 9 de octubre.
Crecido y consolidado, el Fenavid 2011 tiene lista su oferta de materiales audiovisuales provenientes de Argentina, Chile, Brasil, España, y una de Bolivia, en la categoría de largometrajes, que buscan ganar los galardones del festival. Los cortometrajes involucran a 12 países, lo que habla del alcance del acontecimiento y de la diversidad de temas e imágenes que se verán en las exhibiciones.
El certamen, que comenzó en las aulas universitarias hace 10 años, gestado por el catedrático y realizador Alejandro Fuentes, ahora reserva un segmento para los trabajos de estudiantes. Asimismo, tiene actividades experimentales para especialistas como el Proyecto Santa Cruz 100x100, en el que 25 jóvenes de diferentes países harán un guion y producirán un cortometraje en no más de 100 horas. También en el plano de la experimentación, tiene en vigencia un concurso para que aficionados produzcan una historia en un minuto como límite, con cámara web, amateur o de celular.
En lo pedagógico, Fenavid 2011 prevé capacitación por especialistas de diversos sectores del cine y, en ese marco, un taller de presentación de proyectos cinematográficos.
El evento, desde su inauguración y durante una semana, tendrá como invitado estrella al actor brasileño Leandro Firmino da Hora, protagonista del filme Ciudad de Dios, de Fernando Meirelles.
El estreno para Bolivia del filme La cinta negra, Palma de Oro en Cannes en 2009 y una muestra de cine alemán con películas de Rainner Wernner Fassbinder, completa el programa.

Filme Los pasos dobles triunfa en San Sebastián

La película española Los pasos dobles, de Isaki Lacuesta se alzó con la Concha de Oro a la Mejor película en la clausura del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, en medio de una sorpresa generalizada.
La misma sorpresa que causó el galardón de mejor director para el griego Filippos Tsitos por su Adikos Kosmos, película que también se alzó con la Concha de Plata al mejor actor para su compatriota Antonis Kafetzopoulos. La distinción a la mejor actriz fue para la española María León por su actuación en la cinta La voz dormida, de Benito Zambrano. La película japonesa Kiseki, de Hirokazu Kore-eda, una de las favoritas para alzarse con la Concha de Oro a la mejor película, tuvo que conformarse con el premio al mejor guion.
La película francesa Skylab, de Julie Delpy, que causó muy buena sensación en el festival, se llevó el premio especial del jurado, mientras que la cinta argentina Las acacias, de Pablo Giorgelli ganó el premio Horizontes Latinos. El filme habla sobre la relación que entablan un camionero y una mujer y su niño que tiene que llevar en su cabina. “Es un premio muy importante. Para películas pequeñas como la nuestra no es fácil llegar a las salas. Estoy muy feliz y agradecido”, dijo Giorgelli tras recibir su premio.
En total, 16 películas compitieron por alzarse con la Concha de Oro a la mejor película en esta 59º edición del Festival de San Sebastián.

Convocan a concurso de cortometrajes

Hasta el viernes, 30 de septiembre, estará abierta la convocatoria para el concurso de cortometrajes del décimo segundo Festival de Cine Europeo en Bolivia.

El concurso está abierto a estudiantes y profesionales audiovisuales a nivel nacional, quienes deben trabajar los tópicos bajo el enfoque “Viendo Europa”, es decir los participantes deben identificar las formas de relacionamiento, imaginarios y subjetividades entre Latinoamérica y Europa desde la producción audiovisual.

De acuerdo al representante legal en Tarija, Erick Buchón, el concurso tendrá dos fases; la primera fase es la de envío de propuestas de acuerdo a las condiciones establecidas en la convocatoria, disponible para su descarga en www.cinemascine.net.

Mientras que la segunda fase es la exhibición de veinte cortometrajes participantes, elegidos por un jurado integrado por especialistas en diversas ramas audiovisuales. Las veinte producciones elegidas para su exhibición serán sometidas a votación del público del décimo segundo festival a nivel nacional.

De esta manera se elegirá el cortometraje ganador del concurso, quién se hará acreedor de mil dólares americanos

lunes, 26 de septiembre de 2011

Regreso al futuro en 3D ocupa el cine otra vez

Cuando el nuevo Volver al Futuro (Colección) fue anunciado por primera vez, los fans de la franquicia se alegraron por completo al escuchar que la película original se restrenará en los cines como parte de la celebración de los 25 años de Regreso al Futuro. Es la aventura original más impactante y exitosa que marcó a una generación. Allí el adolescente Marty McFly (Michael J. Fox) es enviado al año 1955 en el De Lorean, una máquina del tiempo que creó el Doc Brown (Christopher Lloyd). En la trama existe una cadena de conflictos que amenazan su existencia y pueden dejarlo atrapado en el pasado.
Llena de innovadores efectos especiales, canciones memorables y mucha acción, Volver al Futuro es una aventura que prueba que permanece en el tiempo.

La proyección de la película podrá verse en los horarios de 18.20/ 20.40/ 23.00, en las salas del Cine Center

Termina plazo para participar del Concurso de Cortometrajes de Cine

Hasta el próximo viernes 30 de septiembre está abierta la convocatoria para el Concurso de Cortometrajes del XII Festival de Cine Europeo en Bolivia (FCEB) Premio Auténtica "Viendo Europa", una de las primeras actividades de la nueva versión del Festival, que se llevará a cabo entre el 10 y 24 de noviembre en las ciudades de La Paz, El Alto, Santa Cruz, Cochabamba, Tarija y Sucre.

En su tercera versión, el concurso auspiciado por la Compañía Cervecera Boliviana y su marca líder "Auténtica", convoca a estudiantes y profesionales del audiovisual en Bolivia a presentar cortometrajes que trabajen la temática "Viendo Europa", informó una de las coordinadoras del festival, Mary Carmen Molina.

Se invita a todos los concursantes a identificar las formas de relacionamiento, imaginarios y subjetividades entre Latinoamérica y Europa desde la producción audiovisual.

Se convoca a realizar un cortometraje que imagine qué es lo que acerca y qué es lo que diferencia a las culturas europeas y latinoamericanas, además de explotar los puentes y diálogos que puedan establecerse desde la mirada subjetiva de cada propuesta audiovisual.

El concurso tendrá dos fases. La primera es la de envío de propuestas de acuerdo a las condiciones establecidas en la convocatoria, disponible para su descarga en www.cinemascine.net. La segunda fase es la exhibición de veinte cortometrajes participantes, elegidos por un jurado integrado por especialistas en diversas ramas del audiovisual.

Las veinte producciones elegidas para su exhibición serán sometidas a votación del público a nivel nacional. De esta manera se elegirá el cortometraje ganador. El concurso otorgará un premio único de 1.000 dólares, al corto más votado.

Séptimo arte 'El coleccionista', de los guionistas de Saw

El Coleccionista", es el nombre de la película de terror que esta semana se estrena en Bolivia. El guión ha sido escrito por los especialistas del terror Patrick Melton y Marcus Dunstan, que también son los guionistas de la saga Saw.

Sinopsis. Esta terrorífica película, relata las tribulaciones de Arkin, un ladrón exconvicto que decide entrar en la casa campo donde trabaja su exesposa para robar un valiosa joya.

La desagradable sorpresa para Arkin llegará en forma de un brutal asesinato en serie, realizado con técnicas muy similares a la tortura de la inquisición española, que se desencadena dentro de la casa y cuyos protagonistas son la familia que la habita.

El dúo del terror. Marcus Dunstan y Patrick Melton están especializados en el género de terror. Desde que se conocieron en la Escuela de Cine de la Universidad de Iowa son socios guionistas especializados en el género de terror. Fueron los encargados de escribir las últimas cuatro entregas de la saga SAW.

En 2004, Melton ganó el concurso cinematográfico Project Greenlight gracias a un guión titulado Feast, que escribió junto con Marcus Dunstan.

Desde entonces, los nombres de Melton y Dunstan son célebres en la industria del cine y en especial del genero de terror gracias a películas como Saw IV, Saw V y Saw VI, la trilogía Feast y The Collector. Esta última película fue dirigida por Dunstan. Además, ambos rescribieron la exitosa San Valentín sangriento 3D y Piraña 3D.

El protagonista. Joshua Regnall Stewart es el intérprete de Arkin. Este actor ha tenido un importante papel en la película "El curioso caso de Benjamín Button". También ha participado en series de televisión como Dirt, "Third Watch" o "No Ordinary Family".

Varias páginas de Internet aseguran que también protagonizará una supuesta secuela de "El Coleccionista", que podría estar lista para exibirse en el 2012.

Arkin se llevará una sorpresa en forma brutal asesinato

Con técnicas similares a la tortura de la inquisición española.

domingo, 25 de septiembre de 2011

El coleccionista recolecta terror

Esta cinta supone el debut en la dirección de Marcus Dunstan, el guionista de las últimas entregas de la saga de Saw. Dunstan es un especialista en el manejo de la sangre, las escenas gore (sangriento) y los giros en la trama que elevan el suspenso.
Marcus Dunstan plantea una historia en la que Arkin, un hombre de familia que trabaja como cerrajero, decide entrar en una casa para robar el contenido de la caja fuerte ante la usencia de los dueños. Pero no todo sale según lo previsto. La familia que habita el lugar aún sigue en la casa secuestrada, y es que el coleccionista también está ahí con un puñado de trampas mortales y sádicas.
Como si fuera una persecución entre el gato y el ratón, la película deviene en un frenético ir y venir de los personajes principales a lo largo y ancho del claustrofóbico escenario, la casa.
El villano de la función opta por cubrirse la cara, como en todo buen delincuente que se precie, para evitar así que sus víctimas, todas ellas estereotipadas tal y como mandan los cánones en este tipo de cine, puedan tener la más mínima oportunidad de reconocerlo.

Y también...

El planeta de los simios (R)
Género: Drama
Sinopsis: Narra una serie de acontecimientos que incrementan la inteligencia de los simios y nuestro lugar como especie dominante del planeta entra en jaque. Cesar, el primer simio inteligente, es traicionado por los humanos y se rebela para liderar una espectacular carrera hacia la libertad para su especie.

Volver al futuro
Género: Comedia
Sinopsis: Un adolescente estadounidense de los años 80 es accidentalmente enviado al año 1955 en un DeLorean inventado por un científico al que todos toman por loco. En este viaje al pasado se encontrará con sus adolescentes futuros padres quienes todavía no se han conocido entre sí.

sábado, 24 de septiembre de 2011

Banderas:"Todos tenemos algún truquillo para sacar lo que queremos del otro"

A Antonio Banderas le gustaría parecerse más al gato con botas, "este sinvergüenza manipulador" dice entre risas, porque "es infalible con el tema de los ojos -quién no se rinde ante la mirada acuática del peluche de "Shrek"-. Todos tenemos algún truquillo para sacar lo que queremos del otro".

Banderas estuvo charlando esta mañana con un reducido grupo de periodistas, entre ellos Efe, en el hotel María Cristina de San Sebastián, una de las sedes del festival de cine, donde el actor presentó anoche un avance de su nueva película, "El gato con botas", a quien pone voz en cuatro versiones diferentes.

Esto, ha explicado, supone un complicado proceso de rodaje, para el que Banderas trabajó, incluso, mientras se encontraba filmando en otros países, gracias a conexiones de fibra óptica que le unían a los creadores de la "Dreamwork".

Así, los dibujantes observaban a través de cámaras sus movimientos al actuar el texto y después los incorporaban al peluche animado.

Hizo, de esta manera, la primera versión en inglés y después los doblajes en castellano para América Latina, italiano y andaluz para España.

La cinta incluye "muchas referencias a películas que yo he hecho antes, e incluso a mi mismo, engancha también con los "Shrek" en la parte de cuentos tradicionales, y con el Zorro, por supuesto, pero eso a mí me da la oportunidad de reírme de mi mismo, que en los días que corren, es colosal".

El actor, que llega de Roma de promocionar "La piel que habito", y mañana vuela a Moscú, se ha mostrado también muy contento con la aceptación del público a la película "sobre todo en el extranjero -apunta-, y lo mismo que nos pasó con 'La ley del deseo', que gustó más fuera que dentro, donde nos querían picar".

Sin embargo, no escatima elogios para el momento creativo del cine español; el problema, dice, es la financiación, y considera que "cuando veamos lo que se hace dentro de 40 años quedarán las perlas que se están haciendo ahora".

De "su" gato, dice que "es un caballero andante" y desvela que en la película le veremos de bebé. El gato con botas le cuenta a Kitty (Salma Hayek) cómo fue su infancia, y se lo cuenta, dice, "como se cuentan las historias".

En ese punto, Banderas se levanta, pone un pie sobre la mesa y un brazo el jarras, y, mirando al infinito, relata que "se le ve chiquitillo, con una cabeza muy grande, en un orfanato, y pronuncia el monólogo más corto del mundo: dice ¡miau!", y se parte de risa.

"El gato se ha ganado un espacio él solito en estos años, empezó como actor secundario y se ha convertido en una estrella, el tío", se admira, y dice que los productores, "antes de hacer 'Shrek 3' ya sabían que esto iba a pasar".

Después de años trabajando en los más diversos proyectos, desde musicales en Broadway, a dirigir películas, Banderas afirma ser "un cómico de la legua, un juglar que no pretendo dejar huella o convertirme en intelectual", y se considera afortunado por tener "la oportunidad de hacerlo en diferentes espacios y diferentes idiomas".

Banderas, que debutó en el Festival de San Sebastián con apenas veinte años, de la mano de Pedro Almodovar y su "Laberinto de pasiones", está convencido de que la situación del cine entonces "era peor que ahora, pero no nos dábamos tanta cuenta".

También reflexiona el actor sobre el "peso de la fama", que "es una cosa muy incómoda".

El secreto de que no se le suba a la cabeza, considera, es haber trabajado mucho: "mi vida como actor no se basó en un éxito a la primera o la segunda, he sido una hormiguita durante muchos años, y eso me permitió ver, como testigo, las miserias y las grandezas de esto".

"No sé qué hubiera pasado si me hubiera arrollado de golpe el bombazo de la fama y me hubiera creído, como he visto a otros, que 'soy especial'", bromea, y añade sonriendo, que, en esos casos, la gente que no entiende que su profesión es "un tobogán", acaba dándose un "talegazo". Pero, verdaderamente, Banderas "es" especial.

La noche del 21 fue del cine italiano

La función gratuita que ofreció la Cinemateca Boliviana el pasado miércoles reunió a un centenar de invitados a la inauguración del ciclo de cine italiano “Italia a través de la gran pantalla”. A este acto asistieron la Directora de la Cinemateca y el Embajador de Italia, país que festeja 150 años de unificación.

Kore-eda, Terence Davies y Enrique Uribizu favoritos para la Concha de Oro

¿Logrará el japonés Kore-eda el "Milagro"? ¿Terence Davies pescará la Concha de Oro en "The Deep Blue Sea"? ¿O sí habrá Concha para los "malvados" de Enrique Urbizu? La suerte está echada, pero no hay claro favorito en esta 59 edición del Festival de San Sebastián que hoy entrega sus premios.

El jurado presidido por Frances McDormand es el que tiene la última palabra, que pronunciará hoy en la gala de clausura al desvelar el reparto de las codiciadas Conchas del tradicional certamen cinematográfico de la capital donostiarra, en el norte de España.

Teniendo en cuenta que las grandes favoritas de otras ediciones se fueron de manos vacías, es arriesgado hacer quinielas pero ya hay favoritos.

El maestro japonés vuelve a San Sebastián con una pacífica, entrañable y sutil venganza llamada "Milagro", cinta en la que explora con ternura las preocupaciones y complejidades de la psicología infantil, y que sería la opción menos discutible.

Menos unanimidad despertó "The Deep Blue Sea", del británico Terence Davies, pero las reacciones más favorables fueron apasionadas. Apuesta sin rubores por el melodrama de suntuosa elegancia, protagonizado por Rachel Weisz, y un premio serviría para poner en el mapa a un director de prestigio internacional que apenas ha estrenado una película en España.

Davies reinterpreta en su película "Madame Bovary", de Flaubert, y por caprichos de programación, lo mismo hace Arturo Ripstein en "Las razones del corazón", con una perspectiva diferente por descarnada y miserable, cuyos resultados más que notables podrían granjearle un récord pues sería su tercera Concha de Oro.

Si la 59 edición decide dejar en casa al ganador, la opción más lógica sería "No habrá paz para los malditos", de Enrique Urbizu, que suena más fuerte en el apartado de interpretación gracias a José Coronado y su alabada creación del policía heterodoxo Santos Trinidad.

Otros filmes en carrera

El gran competidor de la cinta de Enrique Urbizu es otro policía de métodos todavía más dudosos y con el rostro, el magnetismo y la explosiva potencia de Woody Harrelson en "Rampart", ejercicio de cine negro escrito por James Ellroy.


La sensación del festival se llama María León, que recorre todos los colores de la gama emocional en "La voz dormida", de Benito Zambrano. Pero si se busca reconocer lo minoritario y vulgarmente conocido como "festivalero", podrían ganar fuerza la fusión abstracta de Isaki Lacuesta y Miquel Barcelò en "Los pasos dobles", o Joao Canijo en "Sangre de mi sangre".


Y si, por el contrario, las divergencias acaban forzando una solución salomónica, podría ser una buena opción la más que correcta "11 Flowers", del siempre entrañable Wang Xiou-shuai.

viernes, 23 de septiembre de 2011

Sorprende Cine Ciego de La Linterna

No se ve y es mejor que ver una película convencional. Anoche hubo otra serie de “funciones” del Cine Ciego del Club La Linterna, en el Museo de Etnografía y Folclore (MUSEF) y el público que asistió se sorprendió con la forma en que “vio” la película.
En el Cine Ciego, no existen pantallas ni asientos. Es como ver una película en 3D, pero mejor. Primero les cubren los ojos a los asistentes y cada uno es dirigido por un guía, que lleva a su acompañante por diferentes “escenarios”.
En la película de ayer, por ejemplo, en la primera escena, había un cuarto de cocina, y una voz relataba la historia, y, luego, se empezó a escuchar el diálogo de los personajes. Y no sólo eso: se sentía el olor de la comida que se estaba preparando. Por alguna razón, uno de los personajes se enfermó y, de pronto, todos estaban en un hospital. El olor a medicina real, lo mismo que los sonidos. Los asistentes estaban viendo una película, sin verlo.
¿Qué te pareció la película? “Muy buena”, dijo una de las asistentes, cuando terminó una de la funciones de ayer.
Los que todavía no asistieron, pueden hacerlo el próximo jueves 29, desde las 19:00. Es gratis.

"Miss Bala" es la candidata mexicana al Oscar

Para el director de "Miss Bala", la elección del filme como represente de México en los premios Oscar y Goya podría significar romper el paradigmas de que el cine de arte no es bien recibido comercialmente.

"Esa es una de las grandes anécdotas o contradicciones que veo ahorita en la película", dijo Naranjo el viernes a la AP en una entrevista telefónica desde Nueva York.

"Normalmente las películas de festivales o que van a ciertos foros, luego el público popular las castiga por ser cine de arte. La película está rompiendo de alguna manera este paradigma", añadió.

"Miss Bala", que se estrenó en la pasada edición del Festival de Cine de Cannes, fue producida por Diego Luna, Gael García Bernal y la empresa de ambos, Canana Films, y competirá por una nominación al Oscar en la categoría de mejor película de lengua extranjera y una postulación a los Goya del cine español, en el rubro de mejor película hispanoamericana.

El anuncio del jueves tomó a su director por "sorpresa".

"No lo esperaba, me parece una buena noticia, creo que puede llevar la película a otras latitudes, creo que puede interesar más a la gente en verla, creo que puede desatar un poco más de discusión, eso es lo que se intenta con la película", expresó Naranjo.

Protagonizada por los mexicanos Stephanie Sigman y Noé Hernández, la cinta narra la historia de una joven de 23 años que sueña con convertirse en reina de belleza pero que tras escapar de una balacera se ve envuelta en las redes del narcotráfico.

La Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas la escogió de entre 11 candidatas al Oscar y 10 al Goya.

Las nominaciones al Oscar se anuncian el 24 de enero del 2012.

De conseguir la candidatura, esta sería la novena ocasión que México compita por la codiciada estatuilla a la mejor película extranjera, premio que aún no ha ganado.

Para Naranjo la oportunidad de obtener un galardón es amplia, pues la producción tiene "una voz propia" y "muy segura de si misma".

"Vamos a ver a si se atreven los académicos gringos a poner las íes" sobre una película que es fuerte", apuntó. "Normalmente la preferencia americana va a hacia el entretenimiento. Esta no es una película de sólo entretenimiento, además de valores estéticos tiene una fuerte carga social".

En cuanto a los Goya, México ha sido nominada una docena de veces y ganado dos: con "Lo que importa es vivir" (1987) de Luis Alcoriza y "El callejón de los milagros" (1996) de Jorge Fons.

"Miss Bala" ha recorrido festivales cinematográficos como el de Toronto y el de Tokio, donde Naranjo se hizo acreedor del premio al mejor director y Sigman al de mejor actriz.

El realizador aseguró que nunca visualizó la cinta como una que generaría premios. Sólo buscaba crear un trabajo que reflejara la situación de violencia por la que atraviesa México.

"Pensamos que era una expresión cinemática del malestar de la sociedad", subrayó Naranjo. "Creímos que podíamos expresar el sentimiento general... eso es la película, un tratar de ver este miedo".

El filme se impuso a cintas como "Somos lo que hay", de Jorge Michel Grau, y "Días de Gracia", de Everardo Gout y que también se estrenó en Cannes.

Luego de una campaña por impulsar los votos, Naranjo señaló que la votación organizada por la academia mexicana este año tuvo una gran respuesta.

"Me dice (el director de AMACC), Carlos (Carrera), que es la votación donde más quórum ha habido", destacó.

De 780 convocados, sólo 93 emitieron su voto.

FESTIVAL SAN SEBASTIÁN "Tiranosaurio": la auténtica realidad de una vida muy perra

El director debutante Paddy Considine presentó hoy en San Sebastián su largometraje "Tiranosaurio", un drama terrible y violento que ha cambiado el modo de pensar de su actriz principal, Olivia Colman, incapaz de juzgar a las personas después de interpretar a Hanna, una mujer maltratada.

"Yo nunca condenaría a nadie después de pasar por lo que pasan estas mujeres", afirma la actriz, que, hasta rodar esta película, siempre pensó que, ante una situación así, huiría, "pero ahora -dijo- entiendo por qué a veces no se hace y nunca más voy a condenar a nadie por no hacerlo".

Colman, que acudió a defender la película en ausencia del director, es una empleada de una tienda de ropa de caridad que un día se encuentra a Joseph (Peter Mullan) llorando entre las prendas.

Él es un viudo alcohólico que acaba de matar a patadas a su perro.

Mullan, explicó Colman, "es tan increíble como persona como como actor; es más grande que la vida misma", enfatiza y agrega que nunca le ha visto fallar en un papel, pero en su opinión "éste es el mejor de su vida".

Ella aparenta una vida estable y tranquila, todo lo contrario a él: solitario, agresivo, cruel, y Hanna quiere salvarle. Pero pronto la historia gira para contar el lado bueno de Joseph y el oscuro de Hanna.

En medio, una delicadísima historia de amor y una tierna relación con un niño, un vecino, víctima también de la misma violencia que rezuma todo el filme, aparte de los perros.

Los perros "se llevan lo peor de la ira de todos", señaló Colman y explicó que el hecho de que él "se sienta capaz de matar muestra su tortura interior".

Esta actriz cómica, más conocida por sus papeles en populares series de la televisión británica, afirma que aún no sabe cómo se metió en el papel de esta mujer maltratada.

"Estoy felizmente casada, amo a mi marido, y para mi es impensable que gente que se ama se pueda hacer tanto daño, aunque es cierto que el guión era muy bueno y Eddie Marsan (su marido en la ficción) está tan escalofriante que ya daba miedo, lo mío fue acción-reacción".

Colman quita hierro al trasfondo religioso del filme: "Hanna toma una responsabilidad y no lo hace a la ligera; es verdad que niega lo que está pasando, para ella lo que ha hecho es horrible y quiere escapar un poco de todo eso. Creo que utiliza la religión para esconderse".

"Y es un tema enorme -añadió esta mujer que se declara "no religiosa por el momento"-, aunque pienso que cada uno debe responsabilizarse individualmente y no usar la religión para esconder los fallos de su carácter".

La cinta, presentada en la sección Zabaltegi, ha tenido una gran acogida en festivales como Sundance.

Para Colman, esto ha sucedido, a pesar de ser "más que violenta", porque sabían "que el mensaje llegaría, tocaría el corazón de la gente" porque "es un mensaje universal: estar abajo e intentar levantarse por amor y escapar de la persecución. Es fácil entenderlo", resume Colman.

La actriz desveló que, sin embargo, éste ha sido uno de los mejores rodajes de su vida: "por Peter (Mullan) y por las cervezas que nos tomábamos en el pub" para conjurar "tanta tristeza" como había en la película, que llegará a España con el año nuevo.

FESTIVAL SAN SEBASTIÁN La Concha de Oro se debate entre Kore-eda, Terence Davies y Enrique Uribizu

¿Logrará el japonés Kore-eda el "Milagro"? ¿Terence Davies pescará la Concha de Oro en "The Deep Blue Sea"? ¿O sí habrá Concha para los "malvados" de Enrique Urbizu? La suerte está echada, pero no hay claro favorito en esta 59 edición del Festival de San Sebastián que mañana entrega sus premios.

El jurado presidido por Frances McDormand es el que tiene la última palabra, que pronunciará mañana en la gala de clausura al desvelar el reparto de las codiciadas Conchas del tradicional certamen cinematográfico de la capital donostiarra, en el norte de España.

Teniendo en cuenta que las grandes favoritas de otras ediciones, como "El secretos de sus ojos", de Juan José Campanella, o "Still Walking", de Hirokazu Kore-eda, se fueron de manos vacías en sus respectivas ediciones, es arriesgado hacer quinielas, aunque la prensa y el público ya han explicitado sus preferencias.

El maestro japonés, precisamente, vuelve a San Sebastián con una pacífica, entrañable y sutil venganza llamada "Milagro", cinta en la que explora con ternura las preocupaciones y complejidades de la psicología infantil, y que sería, probablemente, la opción menos discutible.

Menos unanimidad despertó "The Deep Blue Sea", del británico Terence Davies, pero las reacciones más favorables fueron absolutamente apasionadas. Apuesta sin rubores por el melodrama de suntuosa elegancia, protagonizado por Rachel Weisz, y un premio para esta cinta serviría para poner en el mapa a un director de prestigio internacional que apenas ha estrenado una película en España.

Davies reinterpreta en su película "Madame Bovary", de Flaubert, y por caprichos de programación, lo mismo hace Arturo Ripstein en "Las razones del corazón", con una perspectiva totalmente diferente, por descarnada y miserable, pero cuyos resultados más que notables podrían granjearle el título de récordman del festival, pues sería su tercera Concha de Oro.

Si la 59 edición decide dejar en casa al ganador, la opción más lógica sería "No habrá paz para los malditos", de Enrique Urbizu, que suena más fuerte en el apartado de interpretación gracias a José Coronado y su alabada creación del policía heterodoxo Santos Trinidad.

Su gran competidor es otro policía de métodos todavía más dudosos y con el rostro, el magnetismo y la explosiva potencia de Woody Harrelson en "Rampart", ejercicio de cine negro escrito por James Ellroy que podría encajar con los gustos de Frances McDormand, que para eso es musa y señora de un hermano Coen.

Entre ellas, además de la espectacular creación de Arcelia Ramírez en la cinta de Ripstein, la sensación del festival se llama María León, que recorre todos los colores de la gama emocional en "La voz dormida", de Benito Zambrano, una de las cintas que más han abierto la grieta entre público y prensa. Los primeros lloraron a mares y los segundos le lanzaron jarros de agua fría.

Si en el palmarés se busca reconocer lo minoritario y vulgarmente conocido como "festivalero", podrían ganar fuerza la fusión abstracta de Isaki Lacuesta y Miquel Barcelò en "Los pasos dobles", o el fascinante para algunos, plúmbeo para otros, híbrido entre el culebrón y autoría que ejecuta Joao Canijo en "Sangre de mi sangre".

Y si, por el contrario, las divergencias acaban forzando una solución salomónica, podría ser una buena opción la más que correcta "11 Flowers", del siempre entrañable Wang Xiou-shuai.

Todo es posible en un palmarés de un festival, incluso que ganen las más denostadas, como la sueca "Happy End", o que todo acabe como una oración al rosario de la aurora si se premia la epifanía mariana de Kim Ki-duk "Amén".

miércoles, 21 de septiembre de 2011

“Italia a través de la gran pantalla” Cinemateca Boliviana alberga segundo ciclo de cine italiano

En conmemoración al 150 aniversario de unificación de Italia, la Embajada de dicho país en Bolivia conjuntamente ENTEL y la Fundación Cinemateca Boliviana inaugurará hoy a las 19.30 horas su segundo ciclo de cine.

El ciclo denominado “Italia a través de la gran pantalla” se iniciará con la proyección de la película “Un viaje llamado amor” (Un viaggio chiamato amore) del director Michele Plácido, en la Sala 1 de la Cinemateca Boliviana, ubicada en la calle Rosendo Gutiérrez esquina Oscar Soria Nº 110.

A través de esta producción cinematográfica, los asistentes podrán realizar un recorrido por las vicisitudes humanas y sentimentales de la novelista y poeta Sibilla Aleramo.

En dicha cinta se ve reflejada desde su adolescencia hasta la madurez, con particular atención al período 1916-1918, años en los cuales la autora conoció y amó al poeta Dino Campana.

Son estos los años más intensos y atormentados de la pasional y discontinua relación de los dos literatos.

martes, 20 de septiembre de 2011

Blancanieves retorna al cine con cuatro nuevas versiones

Pagina Siete



Cuatro versiones de Blancanieves llegarán entre el 2012 y el 2013 a las salas de cine, en versiones que distan de la dulce y angelical jovencita que Disney inmortalizó en su primera película animada.

En los últimos años, Hollywood se esforzó presentando al público nuevas versiones de grandes clásicos, rompiendo viejas fórmulas e incluso incorporando interesantes innovaciones. Siguiendo éstas, en los próximos meses llegarán a las salas de cine de todo el mundo cuatro largometrajes basados en el personaje de Blancanieves.

El cuento de los hermanos Grimm Blancanieves, protagonizado en su versión cinematográfica por Lily Collins, Julia Roberts y dirigido por Tarsem Singh, presentará a una princesa más actualizada y menos infantil que la tradicional. El estreno está marcado para el 16 de marzo del próximo año.

Otro elenco de estrellas conformado por Kristen Stewart, Charlize Theron y Chris Hemsworth trabajará bajo las órdenes de Rupert Sanders para rodar Blancanieves y el cazador. Las primeras filtraciones del guión señalan que la doncella tendrá cualidades de guerrera, un nuevo perfil para este tradicional personaje.

Por otra parte, una versión totalmente libre es la que ya comenzó a filmar el realizador español Pablo Berger. Aunque muy poco se sabe sobre este proyecto, está confirmado que Blancanieves será en blanco y negro, y que tendrá una atmósfera oscura y gótica. Aún no fue anunciada la fecha de estreno.

La última de las cuatro producciones sobre la popular princesa llegará recién en el 2013, de la mano de Disney y será en formato de animación.

El proyecto, que se encuentra en plena etapa de desarrollo lleva como título La orden de los siete, allí muestran a una princesa que llega a Hong Kong al funeral de su padre, donde descubre que su madrastra planea asesinarla por lo que recurre a la protección de siete guerreros del siglo XIX.

Otras versiones
J. Searle Dawley En 1916 aparece una versión muda del clásico cuento de hadas de los hermanos Grimm.


Walt Disney En 1937 aparece el mítico largometraje de dibujos animados, el primero en la historia de Walt Disney y toda una obra maestra, de lo mejor que jamás haya realizado la conocida factoría, adaptando de manera espléndida la historia de la bella muchacha viviendo con los enanitos mineros y acosada por los celos de la malvada reina. Para este 2013 se espera una nueva versión del cuento donde la doncella debe ser protegida por siete guerreros del siglo XIX. La película será desarrollada en China.


Relativity Media Será la empresa cinematográfica que estará encargada de llevar la versión de Los Hermanos Grimm: Blancanieves a la pantalla grande en 2012.


Universal Pictures Está en plena realización de Blancanieves y el cazador. El estreno de este filme se prevé para fines de 2012.


Blancanieves gótica Sin tener una fecha de estreno, el español Pablo Berguer piensa en la versión gótica de la docella, además de que la producción está pensada para realizarse en blanco y negro.

Presentan en San Sebastián una "road movie" a ritmo de salsa

El ecuatoriano Sebastián Cordero ha regresado a sus orígenes con "Pescador", una divertida "road movie" filmada a ritmo de salsa e incorporando "todo lo que vino por el camino" que, hasta el momento, fue una de las películas latinas más aplaudidas por el público de San Sebastián.

"Me saqué una espinita con este filme", dijo ayer el director, en la que también participaron sus actores principales, la colombiana María Cecilia Sánchez, y el guayaquileño Andrés Crespo, de visita en este festival de cine del norte de España para presentar la cinta, que compite en la sección "Horizontes Latinos" de Zabaltegi. Tras la claustrofóbica "Rabia" (2009), rodar "Pescador" fue un proceso liberador para Cordero, quien explicó que, si la primera fue planeada al milímetro para que funcionara el encierro, la segunda es justo lo contrario: "Habla de libertad, de decidir un cambio de vida e ir por caminos diferentes".

El realizador ecuatoriano aprovechó una historia real ocurrida en el mismo pueblo donde rodó la mayor parte de la película, El Matal, cuando un cargamento de cocaína de un barco hundido llega a las playas y los pescadores se reparten el alijo.

Casi todos se conforman con el dinero que el narco les paga por recuperar la droga, pero uno de ellos, Blanquito, quiere empezar una nueva vida y conocer a su padre, un importante político con hijos repartidos por el país, y decide actuar por su cuenta. Al tiempo, Lorna, una preciosa colombiana amante del "rico" del pueblo, llega a un callejón sin salida.

La película "Ciudadela" de Mijalkov, candidata rusa al Óscar

La película "Ciudadela", de Nikita Mijalkov, ha sido elegida como candidata al Óscar a la mejor película extranjera en medio de fuertes críticas expresadas hoy por destacados artistas y directores del cine ruso.

El comité de selección de filmes rusos al Óscar "ya no expresa la voluntad de la sociedad rusa", dijo el director ruso-estadounidense Andréi Konchalovski, hermanastro de Mijalkov, al comentar la decisión del comité en una entrevista a la emisora "Eco de Moscú".

"Además del hecho de que trágicamente conviven dos academias de cine (en Rusia), hay dos uniones cinematográficas. Por si fuera poco, hay mucha gente integrada en los gremios del cine que no participa en la selección de filmes", subrayó el director "Tango & Cash".

Como resultado, el enfoque de la selección de películas dejó de ser profesional, recalcó Konchalovski, que subrayó la necesidad de crear otro comité que sea más objetivo.

"Todo se basa en el poder personal de Mijalkov. Es necesario infundir sangre nueva al comité, integrar a nueva gente que no dependa de Mijalkov", afirmó el artista y director Vladímir Menshov a la agencia Interfax.

El director de "Moscoa does not belive in tears", primera película soviética galardonada con un Óscar, dijo que Mijalkóv violó todas las normas éticas al presentar su película al comité integrado por la Academia Nacional de Artes y Ciencias Cinematográficas presidida por el propio Mijalkov.

La última película de Mijalkov, "Ciudadela", que cierra su trilogía sobre la historia de Rusia bajo el dictador soviético Yosif Stalin y que es la continuación de "Burnt by the sun 2", tuvo mala crítica en Rusia y tampoco "convenció al público", según la publicación especializada "Biuletén kinoprokátchika".

"Burnt by the sun", la primera película de la saga sobre las purgas estalinistas y la participación de la Unión Soviética en la Segunda Guerra Mundial, ganó el Óscar a la mejor película extranjera y la Palma de Oro de Cannes en 1994.

"Ciudadela", según la reseña de la revista "Vlast", es "una oportunidad más para convencerse de la manera extraordinaria en que a él (a Mijalkov) pueden traicionarle el gusto y el sentido de la medida".

En los últimos años, Mijalkov además ha sido criticado duramente por la prensa rusa por elogiar constantemente la gestión del Kremlin y por sus negocios en el sector inmobiliario en el centro de Moscú, donde la construcción de su hotel de lujo llevó al derrumbe de edificios históricos.

Festival de San Sebastián se acerca a las otras artes

El cine se aproximó ayer en el Festival de San Sebastián a otros mundos del espectáculo. Lo hizo con Wim Wenders y su incursión en el universo de la bailarina Pina Bausch, con Jonathan Demme y su tercer trabajo sobre Neil Young y con un documental que descubre los secretos del cabaré parisino Crazy horse.

Todos ellos se proyectaron en la sección Especiales Zabaltegi, la misma que programó George Harrison: Living in the material world, el apasionado y minucioso filme de Martin Scorsese sobre el “beatle” más discreto.

Crazy horse, que lleva la firma del reconocido documentalista estadounidense Frederick Wiseman, indaga en las bambalinas del famoso cabaré y muestra al espectador el día a día de una empresa que prepara sus espectáculos con meticulosa profesionalidad.

Wiseman ofrece además imágenes de los números de las bailarinas de “striptease” con una potencia visual impresionante, con juegos de planos y colores con los que lleva a la pantalla auténticos y sensuales caleidoscopios.

El autor deja que fluyan las conversaciones entre bailarinas, coreógrafo, modistas y responsables de la sala para sustentar lo que luego ocurre en el escenario. Eso durante la primera hora en esta cinta de 120 minutos.

Después se suceden las entrevistas, se reduce la explosión estética del “show” y la película pierde fuerza.

Es, en cualquier caso, un documento exhaustivo sobre el famoso cabaré, que se vuelca en seguir innovando sin perder el espíritu que le imprimió su fundador, Alain Bernardin, “seducir sin ofrecerse” con unas coreografías que cuidan la calidad y buscan la perfección.

De París a Canadá, al doble viaje emprendido por el realizador Jonathan Demme en Neil Young Journeys, que recoge la grabación de dos conciertos del músico en el Masey Hall de su ciudad natal, Toronto, en mayo de este año y la vuelta de Young a Omemee, la localidad en la que vivió de muy niño, en un tranquilo periplo al volante de un antiguo coche.

Tras Neil Young heart of gold en 2006 y Neil Young trunk show en 2008, el festival presenta la nueva película del director de The silence of the lambs, consagrada al autor de Harvest a base de primeros y grandes primeros planos. Se oye pero no se ve al público mientras el músico canadiense interpreta varios temas.

Grandes valores
Registro La autora plantea una metodología para clasificar los afiches de acuerdo a género. Incluso presentó una el diseño de una ficha de catalogación.


Obras Entre los 4.000 afiches registrados, estos son de una variedad de géneros, por eso se solicita clasificarlos en carteles de cines y de video. En la Cinemateca hay carteles de seminarios, encuentros de diferentes actividades relacionadas al cine.

En la cinemateca Ciclo: Italia, a través de la gran pantalla

Desde mañana hasta el 28 de septiembre se podrá apreciar el ciclo: Italia a través de la gran pantalla. El filme que inicia esta serie se denomina Un viaje llamado amor. La función será a las 19.30 y la entrada es libre sólo por mañana miércoles. El resto de los días, el ingreso tendrá un costo de 10 bolivianos.

También la lluvia, premiada por mejor guión, en Japón

Ganador. El filme, ambientado en plena “guerra del agua” en Cochabamba y protagonizada por Luis Tosa y Gael García, obtuvo el premio al Mejor guión en el Festival de Cine Latín Beat de Japón, realizado ayer en el país asiático, según una publicación de la agencia Efe.
Como Mejor película fue la cita producida por Pedro Almodóvar con La piel que habito. El festival también reconoció a los mexicanos Gerardo Naranjo y Stephanie Sigman como Mejor director y Mejor actriz, respectivamente, por el filme Miss Bala. El premio al Mejor actor del certamen fue para Francésc Colomer, de 14 años, por su papel en Pa Negre, película que también le valió el Goya en 2010 como Mejor actor revelación y preseleccionada para representar a España en los Oscar. El mejor filme de animación fue para el brasileño Río. El Latin Beat, que este año llegó a su octava edición, es el principal festival de cine de España y Latinoamérica en Japón, un país poco acostumbrado a ver cine que no sea asiático o estadounidense.

Taquillera "Tropa de Elite 2" representará a Brasil a los Premios Oscar 2012

La taquillera "Tropa de Elite 2" de José Padilha representará a Brasil en la carrera por ser la Mejor Película Extranjera de los premios Oscar de 2012, informó este martes el Ministerio de Cultura.

El largometraje fue seleccionado por una comisión especial que se reunió este martes en Rio de Janeiro para seleccionar el representante brasileño de una lista de 15 filmes inscriptos.

"Tropa de Elite 2 - O inimigo agora é outro", lanzada en octubre del año pasado, se convirtió en la película más vista en la historia del cine brasileño, con 11,023 millones de espectadores durante las nueve semanas en las que estuvo en exhibición, superando la marca que hasta el momento tenía desde 1976 "Dona Flor e seus dois maridos".

Padilha retomó la historia del temerario coronel Nascimento, interpretado por el brasileño Wagner Moura, luego de un exitoso primer capítulo lanzado en 2007 y que se había llevado el Oso de Plata en el Festival de Berlín.

Con un presupuesto de unos siete millones de dólares, el último "Tropa" retornó a las escenas espectaculares de balaceras, invasiones a cárceles y persecuciones desde helicópteros.

En la trama, tras abandonar el comando del temido Batallón de Operaciones Especiales (Bope), Nascimento es ascendido a subsecretario de Seguridad del Estado de Rio de Janeiro, donde debe hacer frente a un nuevo enemigo: las milicias parapoliciales asociadas a políticos corruptos.

En la edición 2011, el Oscar a la Mejor Película Extranjera fue otorgado a la película danesa "En un mundo mejor" ("Haevnen" en el original), basada en la ira y la injusticia que sufre un niño y dirigida por Susanne Bier, considerada la reina de este género en su tierra natal.

lunes, 19 de septiembre de 2011

El Sabio de los Andes en la Cinemateca

A los pies del Aconcagua, en 1969 Silo habló por primera vez sobre su filosofía humanista, frente a cientos de personas y rodeado de altiplano. Ese fue el inicio de su pensamiento, que plantea la superación del dolor y la violencia, entre muchas otras aristas.

Ese discurso es el inicio del documental “Silo: El sabio de los Andes”, dirigido por Daniel Zuckerbrot, que será presentada en la Cinemateca Boliviana del 22 hasta el 28 de septiembre.

Se trata de un retrato a la vida y los aportes que dio el argentino Mario Luis Rodríguez Cobos, conocido por sus seguidores como Silo, fundador del Movimiento Humanista. Justamente, esta organización en La Paz es la encargada de la presentación del documental.

Este guía espiritual inició la expansión de su mensaje en ese discurso que bautizó “La curación del sufrimiento”; el film además se remonta a los meses previos de esa presentación, cuando Silo meditaba en esa región solitaria, habitando una pequeña choza hecha de rocas.

Además, da una revisión a sus aportes literarios, ya que era filósofo y escritor. El documental incluye entrevistas a a personalidades que conforman el Movimiento Humanista, que cuentan experiencias y obstáculos que este personaje sobrevivió para propagar su pensamiento.

Hay escenas en las que los testimonios y documentos impresos reflejan las acusaciones y represión de las que fue objeto, sobre todo en la década de los 70´, cuando fue perseguido y encarcelado por la dictadura chilena.

Entre las acusaciones que pesaron sobre él están denominaciones como falso gurú, e incluso pervertidor de la juventud, ya que al inicio del Movimiento, medios de comunicación y organizaciones conservadoras de derecha asumieron que el grupo de Silo incentivaba al libertinaje de los jóvenes participantes en sus reuniones.

Antecedentes
DatosMario Luis Rodríguez Cobos, conocido también con el seudónimo Silo, nació el 6 de enero de 1938 en Mendoza (Argentina).


EstudiosSi bien Silo fue graduado en Derecho y Ciencias Políticas, también fue filósofo y escritor.


Conmemoración El 16 de septiembre pasado, el Movimiento Humanista recordó un año del deceso de Silo.


EscritosSu obra está relacionada con política, sociedad, psicología, semántica, espiritualidad y literatura.


Libros “Humanizar la Tierra”, “Contribuciones al Pensamiento”, “El Día del León Alado”, “Experiencias Guiadas”, “Mitos, Raíces Universales” y “Cartas a mis Amigos”, entre otros títulos.


OrganizacionesCreó el Partido Humanista, la Comunidad para el Desarrollo Humano y el Centro de las Culturas.

Volverá a los cines en 3D "TOP GUN"

El clásico de aviación "Top Gun", protagonizado en 1986 por Tom Cruise, volverá a los cines en 2012 convertido al formato 3D, adelantó el consejero delegado de la compañía Legend3D, Rob Hummel, en declaraciones recogidas hoy por The Hollywood Reporter.

Las primeras imágenes de la versión tridimensional del filme se pudieron ver hoy en la International Broadcasting Convention (IBC) de Amsterdam.

"Por lo que yo tengo entendido, están planeando su estreno en 3D a comienzos de 2012, aunque sé que quieren conseguir la aprobación de Tony Scott (director de la película) antes de seguir adelante", comentó Hummel, cuya compañía tiene un acuerdo con el estudio Paramount para compartir los ingresos que genere "Top Gun" en 3D. "Top Gun" cuenta la historia de un joven y ambicioso piloto, Maverick (Cruise), obsesionado con convertirse en el mejor a los mandos de un caza y atormentado por la muerte de su padre en combate.

"Creo que 'Top Gun' se presta al 3D por su lucha aérea", dijo Hummel. Además de "Top Gun", los estudios de Hollywood tienen previsto estrenar en 2012 las conversiones de 2D a 3D de producciones como "Star Wars: Episode I The Phantom Menace", previsto para el 10 de febrero, y "Titanic", que debutará en tres dimensiones el 6 de abril.

También la Lluvia recibe premio de mejor guión en Latin Beat de Japón

El Festival de Cine Latin Beat de Japón, ha entregado el premio al mejor guión a "También la lluvia", de la cineasta española Icíar Bollaín, ambientada en pleno conflicto del agua en Cochabamba (Bolivia) y protagonizada por Luis Tosar y Gael García Bernal, mientras la brasileña "Rio", de Carlos Saldanha, se llevó el premio al mejor film de animación.

Entre tanto, "La piel que habito", última cinta de Pedro Almodóvar, ha sido premiada como Mejor Película en el Festival de Cine Latin Beat de Japón, que también reconoció a la mexicana "Miss Bala" con los galardones al Mejor Director y a la Mejor Actriz.

La cinta de Almodóvar la presentó el pasado jueves ante el público tokiota la actriz española Marisa Paredes, quien subrayó entonces que ella misma la consideraba "seguramente la mejor película" del cineasta manchego.

Además del "thriller" de Almodóvar, el Latin Beat, principal escaparate del cine español y latinoamericano en Japón, premió a los mexicanos Gerardo Naranjo y Stephanie Sigman como mejor director y mejor actriz, respectivamente, por la película "Miss Bala", según el palmarés dado a conocer hoy.

Este filme fue precisamente el encargado de cerrar hoy entre aplausos las proyecciones del Latin Beat en Tokio, desde donde el festival se trasladará los próximos días a la ciudad de Kioto y posteriormente Yokohama, donde se clausurará el 10 de octubre.

El premio al Mejor Actor del certamen fue para el jovencísimo Francesc Colomer, de 14 años, por su papel en "Pa Negre", película que también le valió el Goya en 2010 como mejor actor revelación y preseleccionada para representar a España en los Óscar junto con "La piel que habito" y "La voz dormida", de Benito Zambrano.

El Latin Beat, que este año llegó a su octava edición, es el principal festival de cine de España y Latinoamérica en Japón, un país poco acostumbrado a ver cine que no sea asiático o estadounidense.

Este año hasta Japón han viajado 14 filmes de media docena de países, entre ellos como "Primos", de Daniel Sánchez-Arévalo; "Balada triste de trompeta", de Álex de la Iglesia", o "Año Bisiesto", del australiano-mexicano Michael Rowe. EFE

"La piel que habito" abre el Festival de Cine de Helsinki PEDRO ALMODÓVAR

Los amantes finlandeses del séptimo arte han agotado las entradas para la proyección de "La piel que habito", última película del director español Pedro Almodóvar, con la que el jueves arrancó la vigesimocuarta edición del Festival Internacional de Cine de Helsinki (HIFF) con presencia hispanoamericana.

Desde sus modestos inicios en 1988, el HIFF no ha dejado de crecer hasta convertirse en el principal acontecimiento cinematográfico de Finlandia, superando incluso al sugerente Festival del Sol de Medianoche, fundado por los hermanos Aki y Mika Kaurismäki.

Durante sus once días de duración, este festival no competitivo, más conocido entre los cinéfilos con el sobrenombre de "Rakkautta ja Anarkiaa" (Amor y Anarquía), proyectará un total de 147 largometrajes y 54 cortos de 33 países, entre los que destacan dos filmes españoles y cinco producciones latinoamericanas. El último trabajo de Almodóvar, protagonizado por Antonio Banderas y Elena Anaya, ha despertado tal expectación entre el público finlandés que las 680 entradas puestas a la venta para la gala inaugural se agotaron en pocos minutos, según los responsables del festival.

La buena acogida que tuvo la película en Cannes, donde logró el Premio de la Juventud, y las excelentes críticas de la prensa internacional han contribuido a disparar el interés por este "cuento de horror perverso y surrealista", como lo describe el festival de Helsinki en su página web. El cine mexicano, uno de los preferidos del público finlandés, está representado por "Miss Bala", un "thriller" sobre la violencia y el narcotráfico dirigido por Gerardo Naranjo y coproducido por Gael García Bernal y Diego Luna.


Asegura que Nicolás Cage es un vampiro con esta foto del año 1870

Un coleccionista de imágenes de la Guerra Civil de EE.UU. puso a la venta por Internet una imagen que comprobaría que el actor Nicolás Cage es un vampiro, según sus palabras.


La instantánea es del año 1870, tiene un precio de un millón de dólares y muestra a un hombre muy parecido al actor.


El dueño de la imagen, que vive en Seattle, aseguró el sujeto de la foto sería el protagonista de “Ghost Rider” e incluso se animó a decir que el ganador del Óscar es un vampiro.


Además, el coleccionista sostuvo que Cage es una criatura que se renueva cada cierto tiempo y negó que haya editado la imagen



Ciencia y religión en "El árbol de la vida"

¿Por qué hay algo en vez de nada? ¿De dónde venimos? ¿Es nuestra existencia una fortuita carambola cósmica del azar o el diseño de una inteligencia superior? ¿Y es la muerte una aniquilación definitiva de la conciencia o la puerta a otra realidad? �El árbol de la vida�, la monumental película del enigmático Terrence Malick que se acaba de estrenar en España, es una �colosal sinfonía de imágenes� que se enfrenta a estas inmensas, eternas preguntas del animal humano. Y lo hace con una ambición quizás sólo comparable, como ya se apuntaba el otro día en este periódico, al �2001� de Stanley Kubrick. El resultado final puede gustar más o menos, pero parece incontestable que ésta no es una película cualquiera, sino una de esas obras que marcan época, y sobre la que se seguirá hablando y discutiendo durante mucho tiempo.

Este artículo no se enmarca en la sección de Cultura sino en la de Ciencia, y por lo tanto su objetivo no es hacer crítica de cine, sino poner sobre la mesa algunas reflexiones sobre el peso y la inspiración del conocimiento científico en la película de Malick, y su tensa relación con la fe religiosa.

En primer lugar, la pretensión del filme es nada más y nada menos que vincular el microcosmos de una familia en un pequeño pueblo del Texas de los años 50 con el macrocosmos del origen y la evolución del Universo. La película salta continuamente de las alegrías y miserias de un padre, una madre y sus tres hijos al Big Bang, el nacimiento de las galaxias, las estrellas y los planetas, el surgimiento de la vida, la aparición de los dinosaurios y su extinción tras la caída de un meteorito… En este sentido, el filme es una oda cinematográfica a la belleza del cosmos, y expresa con una apabullante catarata de imágenes la inconmensurable cadena de acontecimientos fortuitos (¿o no?) que llevan al protagonista interpretado por Brad Pitt o a cualquier otro bípedo pensante de la especie �Homo sapiens� a encontrarse de repente en su diminuto rincón del mundo, preguntándose "¿qué hago yo aquí?".

Podría decirse, por tanto, que �El árbol de la vida� bebe de todo lo que la investigación astronómica, geológica y biológica ha ido desvelando a lo largo de los siglos sobre el (minúsculo) lugar del ser humano en la inmensidad del Universo. Pero además, la ciencia no sólo ha inspirado a Malick desde un punto de vista filosófico, sino que muchas de las imágenes que utiliza para componer su impresionante himno a la creación son fotografías reales de galaxias, estrellas y planetas captadas por el mítico telescopio Hubble de la NASA, así como de sondas como la nave Cassini, también de la agencia espacial estadounidense.

Al ver las secuencias de la película que plasman ese contraste entre la majestuosidad del cosmos y la ridícula irrelevancia de la criatura humana, me vino a la cabeza una de esas inolvidables sentencias de Stephen Hawking: "Sólo somos una especie avanzada de mono en un planeta menor, que orbita una estrella de tamaño medio, pero podemos comprender el Universo, y eso nos hace muy especiales".

�Diseño inteligente�

Sin embargo, Malick -a diferencia de Stephen Hawking y no digamos ya de científicos de radical militancia atea como Richard Dawkins- no se resigna a aceptar que sólo seamos primates evolucionados debido al azar puro y duro, en un Universo ciego e indiferente a la miseria humana, donde después de la muerte sólo nos espera la nada. Al contrario, su película apuesta claramente por la hipótesis de Dios como una explicación más convincente para la belleza cósmica, y en este sentido algunos podrían acusarle de haber forjado una parábola cinematográfica en defensa de la polémica teoría del �diseño inteligente�.

Pero en cualquier caso, independientemente de si al final uno se identifica con la metafísica de Malick o acaba irritado por su dimensión mística, me parece innegable que �El árbol de la vida� ofrece un banquete de eso que los ingleses llaman �food for thought� (alimento para la reflexión), sobre nuestro lugar en el Universo, y la cadena cósmica que ha llevado a una circunstancia tan extraordinaria como la posibilidad de que yo ahora mismo pueda escribir estas palabras, y usted pueda leerlas.

Debuta en la dirección con un elenco británico DUSTIN HOFFMAN

El actor Dustin Hoffman, ganador de dos Oscar, debuta en la dirección con la película "Quartet", que rueda desde esta semana en Inglaterra con un elenco de veteranos actores británicos, informa hoy el diario "The Guardian".

La producción de "Quartet", basada en una obra de teatro de Ronald Harwood, se inició este lunes en Buckinghamshire (sur de Inglaterra), donde el rodaje llevará unas nueve semanas.

El ganador del Oscar por "Kramer versus Kramer" y "Rain Man" ha elegido a conocidos actores británicos para su debut en la dirección con una historia de cantantes de ópera retirados que recaudan fondos para su residencia en el cumpleaños de Verdi.

Entre otros, protagonizan la cinta de Hoffman los veteranos Maggie Smith ("Gosford Park" y la serie de televisión "Downton Abbey"), Tom Courtenay ("Doctor Zhivago" y "Billy Liar", Billy Connolly ("Mrs Brown") y Pauline Collins, conocida por su papel en "Shirley Valentine".

Dustin Hoffman quería que uno de los papeles principales lo interpretase Albert Finney, de 75 años, pero el actor cayó enfermo y lleva ya unos años retirado debido a un cáncer.

El guión es del propio autor de la obra de teatro, Harwood, autor del guión de la oscarizada "The Pianist".

De hombre lobo a fugitivo en la película Sin Escape

Taylor Lautner, uno de los protagonistas de Crepúsculo, protagoniza ahora a un joven, que sin darse cuenta, entra en el mundo del espionaje en el thriller de acción Sin Escape, dirigido por John Singleton. Se estrena esta semana en Bolivia.

Sinopsis. Durante el tiempo que él puede recordar, Nathan Harper (Taylor Lautner) ha tenido la incómoda sensación de que está viviendo la vida de alguien más. Cuando encuentra en un sitio web de personas desaparecidas una fotografía de cuando era niño, los más oscuros temores de Nathan se vuelven realidad: se da cuenta de que sus padres no son realmente suyos y de que su vida es una mentira fabricada para ocultar algo más misterioso y peligroso de lo que jamás pudo imaginar.

Justo cuando comienza a reconstruir su verdadera identidad, Nathan es perseguido por asesinos, lo que le obliga a emprender una carrera de escape con la única persona en quien puede confiar, su vecina, Karen (Lily Collins). Cada segundo cuenta, Nathan y Karen tratan de evadir a un ejército de asesinos y agentes federales. Pero a medida que sus rivales se acercan y Nathan se da cuenta de que la única manera de sobrevivir -y resolver el misterio de su padre biológico- es dejar de correr y tomar el asunto en sus manos.

El actor perfecto. Según la productora Ellen Goldsmith Vein, mucho de la película depende de lo que la audiencia espera del protagonista Nathan Harper, y todos los productores estuvieron de acuerdo que Lautner era la primera y la mejor elección para interpretarlo.

"La parte genial de Taylor es que puede boxear, hacer artes marciales, saltos mortales. Estaba muy emocionado de poder hacer sus propias maniobras. Las personas a las que admira como actores, como Harrison Ford y Tom Cruise, hicieron muchas de sus propias maniobras en sus películas de acción", indicó el director John Singleton, quien también estuvo a cargo de películas como Boyz N The Hooh, Baby Boy, 2 Fast 2 Furious y Four Brothers.

Cuando comienza a reconstruir su identidad

Nathan es perseguido por asesinos, lo que le obliga a escapar con su vecina, la única persona en quien confía

domingo, 18 de septiembre de 2011

Cine Andrés Caicedo realmente existió

Aproximación al documental que trata a una de las figuras más sobresalientes de la literatura contemporánea: Andrés Caicedo.
Al inicio del documental Unos pocos buenos amigos (1986) una muchacha realiza un sondeo de opinión a algunos transeúntes caleños sobre si éstos conocen o han oído hablar de Andrés Caicedo. Las respuestas se entremezclan: “un guerrillero”, “un famoso”, “no sé”, “un muchachito”. Este estado de desconocimiento fue el que motivó a Luis Ospina, amigo íntimo del desaparecido escritor colombiano, a realizar una serie de homenajes en clave de películas a este joven que se quitó la vida a los 25 años porque, como él mismo señalaba, a esa edad empieza la decadencia.
AUTOR DE CULTO. Con este documental inaugural, una de las piezas más personales de Ospina, se le da rostro, cuerpo y voz a esa figura de la novela, el cuento, la crítica cinematográfica y el activismo cultural colombiano, el hoy mítico Andrés Caicedo. Tal es la figura de este personaje, ya sea como narrador, cronista, crítico de cine o simplemente como figura rutilante del Grupo de Cali.
En 2010, dos documentalistas del extremo sur del continente realizaron el que hasta la fecha es el documental más creativo sobre la figura de Caicedo. En Noche sin fortuna, los realizadores Francisco Forbes y Álvaro Cifuentes se acercan a esta figura extraviada en el tiempo, una figura ya desdibujada por la fama y la mitología local, construida las más de las veces a base de leyendas. Estos dichos y rumores hacen que Caicedo se presente como un sujeto inabarcable porque, entre otras cosas, antes de sus 25 años, edad en que se despoja de su cuerpo, ya había escrito varias novelas, decenas de cuentos, siete obras de teatro, centenar de críticas y había reorientado la cinefilia en Cali. A esto hay que añadir que el autor de ¡Que viva la música! no hizo más que un cortometraje, Angelita y Miguel Ángel (1971), pero siempre, desde los cineclubs que fundó, la revista que creó y los grupos por donde circuló, demandó una postura ética frente al cine, que debe ser imperfecto, más aún en la época del perfeccionamiento técnico que reduce y simplifica al hombre.
Desde su apertura, Noche sin fortuna nos marca el código con secuencias compuestas únicamente por insertos de películas sobre las que Caicedo escribió críticas y/o que programó en el Cine Club de Cali. El documental combina sobre este fondo visual extractos de cuentos, críticas, artículos, novelas y hasta testimonios sobre la vida, reinventando una forma de homenaje, no desde el testimonio, sino desde la ausencia, potenciando las posibilidades que otorga el fuera de campo. Además, este trabajo da cuenta de la inexistencia de evidencias sobre este personaje, cinematográfico en algunos casos: se muestran muy pocas imágenes fotográficas de Andrés Caicedo, anulando el consumo visual como fuente de conocimiento y esclarecimiento del pasado, tal como lo ensayó Ospina en sus innumerables documentales falsos, donde el relato oral es la fuente desde donde se reconstruye la realidad y las imágenes son simples instrumentos didácticos.
CAICEDO EXISTIÓ. Noche sin fortuna —título prestado de una de las novelas inconclusas de Caicedo donde se narra la transformación de un adolescente que sale de fiesta en Cali y, al tercer día, descubre en la fiesta la experiencia que transforma su vida—, además de recolectar testimonios de los amigos de Caicedo en Cali, de la Revista Ojo al cine, que fundó en 1974, y del Cine Club de Cali, nos ofrece reconstrucciones animadas de uno de los guiones esbozados por Caicedo en un viaje que hizo a Los Ángeles, Estados Unidos, en 1973. Son simples esbozos, porque no eran más que bocetos, líneas de orden, pautas de actuación y reflexiones éticas. Con esto, los directores Forbes y Cifuentes buscan en esta especie de western colombiano las claves para comprender de manera global la vida de Caicedo.
Además, la interrogante sobre la existencia de Andrés Caicedo se presenta en la forma del testimonio de sus escritos, donde habitan sus grandes personajes, entre ellos Clarisol —de quien se sabe que tiene 12 años y es origen de algunos guiones— y su hermano Guillermito. A ambos ya nos los había presentado Luis Ospina en Unos pocos buenos amigos, tras recuperar Angelita y Miguel Ángel (1971), figuras que hoy Forbes y Cifuentes traen de retorno.
Poco antes de tragar sesenta pastillas, Caicedo había recibido un ejemplar de su novela de culto ¡Que viva la música!, en la que se narra el itinerario de un joven de veinte años que termina prostituyéndose. Acto seguido escribió una carta de despedida a Patricia Restrepo, su gran amor, que los directores de Noche sin fortuna han recuperado, clausurando con esto el documental y alimentando el mito.
Los testimonios presentes en el documental, ya sea de amigos pandilleros de la ciudad, colaboradores del Grupo de Cali, artistas y amigos, están todos de acuerdo con que Caicedo, desde muy joven, estaba consciente de que no viviría mucho tiempo. Debía vivir, sin embargo, con frenesí.
*Crítico de Cinemas Cine
25 años tenía el escritor y crítico colombiano cuando decidió suicidarse y dejar este mundo.

En 2010, dos documentalistas argentinos realizaron el que hasta la fecha es el documental más creativo sobre la figura de Caicedo. En Noche sin fortuna, los realizadores Francisco Forbes y Álvaro Cifuentes se acercan a esta figura extraviada en el tiempo, una figura ya desdibujada por la fama y la mitología local, construida las más de las veces a base de leyendas.

Planeta de los simios, (r)evolución: a César lo que es de César

Pagina Siete

Uno: Sin contar el vergonzoso remake de Tim Burton del 2001, este Planeta de los simios es la sexta película de la saga, iniciada en 1968 con la que es todavía la mejor de la serie, esa con Charlton Heston gritándole a un chimpancé “quítame tu hediondas pezuñas de encima, maldito mono asqueroso”. Si atendemos al título original de esta sexta parte, más que una continuación quiere ser un nuevo principio: su título en inglés es “El origen del planeta de los simios”, es decir, el arranque de una franquicia.

Dos: En estos asuntos simio-cinematográficos, la única película memorable es la de 1968. El resto de la saga es un deslucido (y ridículo) entretenimiento: cuatro cintas sobre, respectivamente, un “Debajo”, un “Escape”, una “Conquista” y una “Batalla” por “el planeta de lo simios”, además del ya mencionado (y fallido) remake del 2001 (en el que los monos, cual gringuitos más peludos, se dedican a jugar basketball y mascar chicle). Es más: si la cinta “original” merece recordarse (pues ya era una torpe simplificación de la novela de Pierre Boulle en la que se basa) lo es por sólo dos o tres escenas, nada más.

Tres: El planeta de los simios de 1968 funcionaba por lo siguiente: no sólo trazaba una típica moraleja post-nuclear sino que lograba convertirla en un descubrimiento horroroso. El viaje espacial del protagonista a un planeta exótico (en el que los simios reinan) se transforma, en la revelación final, en un viaje al futuro: ese extraño planeta no había sido otro que el nuestro. La escena final resume esta sorpresa con genio visual: Charlton Heston descubre las ruinas de la estatua de la libertad y se da cuenta, en unos segundos, de que no hay escape pues, en los hechos, ya está en casa.

Cuatro: La “sorpresa final” de la película clásica era hoy imposible, por archiconocida. Pero sí se podía, como en los comics, regresar a otras partes de la historia: el origen, por ejemplo. Esta nueva Planeta de los simios se ocupa así del mero principio: el clásico momento en que, “por su arrogancia y codicia”, la humanidad produce una raza de monos inteligentes que, nos imaginamos, acabarán haciéndose cargo del planeta y sojuzgando a sus creadores. Quizá por ello la cinta tiene el aire provisional y preparatario que tiene: todo en ella es un tentativo prólogo de las siguientes, que nos irán llegando en los próximos años.

Cinco: Desde el siglo XIX nuestra cercanía con los monos ha sido una de las obsesiones principales de la ciencia ficción. Este primo siniestro llegó a la familia, papeles en mano, más o menos desde que Charles Darwin propuso el parentesco. Ese hecho, hoy aceptado con indiferencia, al principio fue vivido como un asunto de terror, cargado de histerias racistas. Proliferaron relatos en los que los monos dejaban de ser mascotas y se tornaban en alter egos: el Dr. Jeckyll, al tomar la pócima que lo convierte en el criminal Mr. Hyde, adquiere rasgos simiescos; sobre “el hombre invisible” de Wells se especula que “quizá sea un negro o un animal”; y hasta el primer cuento policial, “Los crímenes de la calle Morgue” de Poe, ubica a un orangután en la resolución de su misterio. Los monos, en suma, eran ya entonces índice de lo que podríamos ser, fuimos o seremos. De estas alegorías aterradas, acaso la más interesante sea una latinoamericana: el cuento “Yzur” (1906) de Leopoldo Lugones, que nos habla de un mono (Yzur) al que se somete a una serie de torturas para “hacerlo hablar”, cual si fuera preso político. Todo porque a un científico se le ocurre que los monos no hablan porque no les da la gana (y no porque no puedan), silencio que los eximiría de la esclavitud.

Seis: Pierre Boulle, el francés que escribió la novela La Planète des signes (1963), tenía otra cosa en mente: un distópico “relato filosófico” en el que se ironiza sobre el mundo desde la diferencia que supone pensarlo como dominado por monos. Algo de esa idea, aunque poco, sobrevive en esta nueva película: se asume el punto de vista de los simios, que son, de lejos, los protagonistas del asunto. En el centro del divertimento tenemos a César, el chimpancé cuya evolución la película sigue. De una mascota adorable, César pasa –haciendo honor a su nombre– a graduarse con el título de líder de una rebelión, un general “ético, firme y sabio”.

Siete: Es claro que los monitos son lo mejor de la película. Porque en este festival de pésimas actuaciones humanas, las “actuaciones” de los monos son las cautivantes. En especial la de Andy Serkis, el actor que “interpreta” a César (antes le había puesto la cara y voz al Gollum en El señor de los anillos). Las comillas vienen al caso porque esas “actuaciones” derivan, en realidad, de la técnica llamada “motion-capture CGI”: imágenes generadas en computadora que se superponen a movimientos reales (como en Avatar). El resultado es magnífico: ver crecer a César es como ser testigos directos, y maravillados, de un mono jugando en medio de la selva, es reproducir el placer que sentimos al ver a gatos, perros o chiwankus jugando en nuestro jardín o living.

Ocho: Este “origen” del Planeta de los simios conduce a una certeza, al menos en cuanto a sus protagonistas humanos: es justo que, si no el mundo, los monos conquisten el cine. Pues es una película en que lo humano es deslucido y mediocre (incluyendo su caravana de clichés dramáticos), mientras que sus monitos son encantadores. Sólo les falta hablar. Y, hacia el final de la película, no les falta ni eso.

Y medio: Pensé, al ver esta película, en la mejor foto que conozco de Augusto Céspedes, nuestro gran narrador. Publicada por Mariano Baptista, la foto nos muestra a Céspedes de sombrero, mirando con intensidad a la cámara. A su lado, cómodamente apoyado en el hombro del escritor (y con una chompita para combatir los fríos paceños), su monito también nos mira, con la misma intensidad.

Un actor de Star Wars exige su paga

El actor Davi Prowse, quien dio vida a Darth Vader en la saga de Star Wars, espera aún que LucasFilms, la empresa productora, le pague el porcentaje que pactaron por la recaudación de la película El retorno del Jedi (1983).
Pasaron 28 años y el exprotagonista no logra cobrar su parte, mientras que la productora argumenta que la cinta no le dejó ganancias y que, por el contrario, la cinta le causó pérdidas, según informa el portal 20minutos.es.

El festival de Cine Verde atrajo a 7.130 espectadores en 16 días

Según los organizadores, en 16 días de proyección 7.130 espectadores asistieron a 53 funciones de las 9 salas de proyección en el Primer Festival Internacional de Cine Verde, en el que el público apreció gratuitamente 16 películas internacionales y 42 producciones nacionales, cuyas temáticas giraron en torno a problemas ambientales como el cuidado del agua, los bosques, el cambio climático, la deforestación, las áreas protegidas, la familia, el entorno natural, entre otros.
El festival fue organizado por la Fundación Amigos de la Naturaleza (FAN), EL DEBER y la Asociación Civil Armonía, en el marco del programa de celebraciones por el Año Internacional de los Bosques y como parte de la campaña Por los bosques y la vida.
El evento se desarrolló del jueves 1 al viernes 16.

La casa muda terror en tiempo real

Existen dos motivos por los cuales el largometraje La casa muda ha llamado la atención dentro del género de terror: fue filmada íntegramente con una cámara fotográfica y se realizó en un único plano secuencia, sin cortes.
De esta forma, la producción uruguaya ha conseguido dar que hablar en las salas donde se ha proyectado, entre ellas las del cine Bella Vista y Palace, en las que el filme se exhibe desde esta semana. Tal ha sido la repercusión, que ya se comenzó a rodar su remake.
Basada en hechos reales, la trama se centra en los últimos 78 minutos de una historia basada en hechos reales, plasmados a través del relato de ficción de Laura (Florencia Colucci) y su padre Wilson (Gustavo Alonso) que se internan en una lejana casona de campo con el fin de reacondicionarla, ya que su dueño Néstor (Abel Tripaldi), muy pronto la pondrá a la venta. Ellos pasarán allí la noche, para comenzar los trabajos al día siguiente.
Todo transcurre con normalidad hasta que Laura escucha un sonido que proviene de afuera y se intensifica en el piso superior de la casona. Wilson sube a inspeccionar mientras ella se queda sola abajo a la espera de su padre.
El director Gustavo Hernández explica que La casa muda es una única secuencia en la que los espectadores no van a ver una manipulación de tiempo y espacio. “Debimos recurrir a algunos trucos que nos permite el cine. Era muy tentador hacer una película de horror en tiempo real, porque permite transferir los miedos de los protagonistas a uno mismo y sentirlos como propios”, afirmó.

GEORGE CLOONEY Reconoció que interpretó "programas de televisión bastante malos"

George Clooney declaró que sólo la suerte le permitió pasar de hacer "programas de televisión bastante malos" a largometrajes para convertirse en uno de los actores más importantes de Hollywood. Durante una rueda de prensa celebrada en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF, por su sigla en inglés) con motivo de la presentación de su último film, "The Descendants", Clooney reconoció que al principio de su carrera artística estuvo "en programas de televisión bastante malos".

"Yo era bastante malo, así que no puedo reírme de los programas. Pero siempre piensas sobre ti mismo como un actor de películas: 'Soy un actor de películas, sólo que ahora estoy haciendo este pésimo programa de televisión'", continuó.

"Hay un periodo en el que simplemente intentas trabajar. Y entonces tienes suerte. 'ER' (el programa de televisión) fue suerte", añadió Clooney.

"Inmediatamente pasé del anonimato a ser capaz de aparecer en un film. Antes no lo conseguía. Tenía muchas audiciones y no lo conseguí. Eso fue suerte. No tenía nada que ver conmigo. Era un actor que hacía sólo dos líneas en un filme", explicó. En "The Descendants", un film dirigido por Alexander Payne y que se estrenó en TIFF, Clooney interpreta a un padre que se enfrenta a la grave enfermedad de su esposa y a una difícil relación con sus tres hijos.

La doble vida de Walter Tercera incursión de la directora y actriz Jodie Foster en los universos familiares conflictivos

Es por demás sabida la autoritaria influencia de los medios de comunicación sobre la sociedad norteamericana. Blandiendo un moralismo puritano que huele a simple y llana hipocresía pueden acabar en un tris con la carrera de cualquier candidato a lo que sea, provocar la caída de un funcionario del más alto rango o mandar a la congeladora a la más empinada estrella del espectáculo. Algo de eso ocurrió con Mel Gibson, una vez que cobraron estado público sus excesos con el alcohol y las supuestas agresiones físicas y verbales contra su mujer.

Por ello mismo muchos críticos creyeron advertir en esta tercera incursión de Jodie Foster como directora el intento de ayudar al regreso a los primeros planos de su gran amigo Mel con una historia que pareciera tener sutiles enlaces con la del propio actor-director. Por lo demás la prensa se dedicó a refrescar en la memoria de la gente aquellos episodios escabrosos. Tal suma de malentendidos ha definido en última instancia la pálida respuesta obtenida por la película en la taquilla y su igualmente modesta repercusión crítica.

Estreno. De hecho, la película se rodó el 2009, pero quedó en statu quo hasta mediados del año siguiente, cuando los ecos más estridentes del escándalo mediático en torno a Gibson bajaron de decibeles. La distribuidora resolvió estrenarla en pocas salas, aguardando que su impacto le abriera nuevas posibilidades en el circuito, lo cual no ocurrió, porque al parecer los efectos del linchamiento mediático no se encontraban del todo disipados en el público.

Es de esperar que nosotros, lejos de ese circo amarillista de los impudores, podamos asumir una visión distinta, justipreciando de otra manera la tercera aproximación de la directora a los universos familiares. Las dos anteriores fueron Mentes que brillan (1991) y Feriados en familia (1995).

La trilogía opera desmontando críticamente esos universos familiares después de extraerles la sacarina usual, pero sin caer en los extremos del extrañamiento absoluto, aunque a momentos La doble vida de Walter coquetee con la demolición del conformismo de clase media suburbana, desde un clima bizarro, extraño, definitivamente perturbador.

Walter Black es un tipo con todo lo anhelado por las familias tipo, encarnación de la felicidad a plazo fijo: matrimonio pacífico, hijos, casa y hasta empresa propia. Sin embargo subsiste en una depresión, vecina del autismo, que le impide mantener el mínimo contacto con su esposa e hijos. Ella es presa de un hastío que finalmente la empuja a tomar una decisión extrema: echar al conflictuado esposo de casa, a ver si enfrentado al mundo vuelve a sus cabales.

Por su parte, los chicos reaccionan de distinta manera: el menor confronta problemas de rendimiento escolar, el mayor se atrinchera en un odio visceral al padre lejano y ensimismado.

De entrada, mientras la imagen muestra al personaje flotando, casi inerte, en la piscina hogareña, una áspera voz en off nos introduce al drama existencial, dejando constancia de que no hubo forma de volverlo a la realidad: terapias convencionales y de las otras fracasaron en el intento. Un poco más adelante, se conoce que el relator es el otro yo de Black: un ajado títere de mano encontrado por azar en un cubo de basura poco después de un fallido intento de suicidio. Walter atribuirá ese fracaso al muñeco, a quien adoptará como compañero inseparable e intermediario de sus pensamientos, que no alcanza a expresar sino por medio del castor de peluche, que poco a poco va adquiriendo autonomía.

Se trata de un alter ego entrometido, irreverente, un intruso cada vez más desaprensivo, cuya presencia terapéutica adquiere un sesgo ominoso y cada vez más agudo, aunque en principio facilite el regreso al hogar, el restablecimiento de un contacto elemental con la compañera y el hijo pequeño —el otro es definitivamente irrecuperable—, y hasta la retoma de la dirección de la fábrica de juguetes que “gerentará” a dúo con su acompañante.

“Amigo”. El bicho, omnipresente incluso en los momentos íntimos —el momento más inquietante de la trama es el curioso menage-à-trois entre Walter, su mujer y el castor— se apropia de modo paulatino de la personalidad de su “amigo”, trocando la relación manipulador-manipulado en una inversión de roles que aproxima la historia a la de otras películas donde un muñeco terminaba victimizando al ventrílocuo al que de inicio le prestaba su cuerpo inerte.

Sin embargo, esta línea básica del argumento alterna con una subtrama enfocada en Porter, el hijo mayor, afanado en la búsqueda de su propia personalidad y, al mismo tiempo, desesperado por atraer la atención de la apetitosa compañera de escuela que le tiene agitadas las hormonas. Con el paso de los minutos, esa línea va ocupando el centro de la narración, pero como se trata de una anécdota anodina, atenida a todos los lugares comunes del cine comercial, en lugar de aportar al clima perturbador del conjunto termina interfiriendo en la progresión dramática. Es como si la pugna entre Walter y su otro yo se reflejara en la colisión entre dos historias mal combinadas, resintiendo el humor negro, muy negro, que campea en la relación Walter-castor y aguando el retrato de otra familia disfuncional.

Tal vez el problema resida en el origen mismo de la película: un cuento de Kyle Killian que debió convertirse en novela pero acabó siendo un guión no exento de inverosimilitudes, extravagancias, diálogos algo sentenciosos y un cierto psicologismo rudimentario, producto de excesivas vueltas de tuerca a una idea que tiende a agotarse con el avance de los minutos y que las vicisitudes de Porter, sumadas más que integradas al conjunto para alcanzar el metraje requerido, no consiguen paliar.

Si el naufragio no es integral se debe al pulso de Foster para insuflar convicción en sus personajes, extrayendo lo mejor de Gibson y de sí misma en los papeles de dos almas torturadas que no saben cómo manejar sus vidas y las de los suyos. Reitera su capacidad para la puesta en imagen, sorteando cualquier tentación de copiar los artificios al uso y optando por la forma de un relato clásico centrado en los personajes y sus comportamientos, sin aderezos artificiales de forzada espectacularidad.

Ficha técnica

Título original: The Beaver. Dirección: Jodie Foster. Guión: Kyle Killen. Fotografía: Hagen Bogdanski. Montaje: Lynzee Klingman. Diseño: Mark Friedberg. Arte: Alex Di Gerlando, Kim Jennings. Efectos: Tim Rossiter, John Bair. Música: Marcelo Zarvos. Producción: Dianne Dreyer, Steve Golin, Keith Redmon, Ann Ruark. Intérpretes: Mel Gibson, Cherry Jones, Jodie Foster, Anton Yelchin, Riley Thomas Stewart, Zachary Booth, Jennifer Lawrence y Jeff Corbett. EEUU/2011.