sábado, 30 de abril de 2011

Nazareno Cruz y el lobo está en la Cinemateca

Una de las mejores películas argentinas, Nazareno Cruz y el lobo, del realizador y cantante Leonardo Favio, se exhibe en la sala Renzo Cotta de la Cinemateca Boliviana en funciones de 19.00 y 21.15 hasta el miércoles.

Nacido en Luján de Cuyo, Mendoza, el 28 de mayo de 1938, con el nombre de Fuad Jorge Jury, Leonardo Favio vivió una niñez plagada de privaciones, rupturas y cambios. Estuvo varias veces internado en hogares y reformatorios. Escapado de algunos, expulsado de otros, llegó a estudiar para seminarista, a pasar fugazmente por la marina y a estar recluido algún tiempo en la cárcel por causas menores.

EN EL CINE. En 1960 tuvo su primera experiencia detrás de cámaras con El amigo, un cortometraje en el que se insinúan muchos aspectos que habría de desarrollar en obras posteriores.

Su primer largometraje fue Crónica de un niño solo (1964), película a la que seguiría Este es el romance del Aniceto y la Francisca, de cómo quedó trunco, comenzó la tristeza... y unas pocas cosas más, estrenada en 1967.

Su consolidación como director llegó con Juan Moreira (1969) y Nazareno Cruz y el lobo (1975).

miércoles, 27 de abril de 2011

‘Blackthorn’ resucita con éxito a Cassidy en el altiplano boliviano

Más de una generación de cineastas españoles se crió viendo películas de vaqueros frente a una televisión de antaño que no ofrecía alternativas. Era cuestión de tiempo que aquella cultura de hombres duros se colara por las rendijas del cine español.

Ahora, el reto se multiplica si la película se presenta frente a un público estadounidense, por mucho que sea un atrevido homenaje al género rodado en inglés y firmado por Mateo Gil, conocido por su trabajo como coguionista con Alejandro Amenábar.

Gil dirigió el western Blackthorn, escrito por Miguel Barros, junto al que se ha atrevido a resucitar al legendario bandido Butch Cassidy. A la salida de la proyección del filme, el pasado domingo en el Festival de Cine de Tribeca, donde compite en su sección oficial, la gente se arremolinaba para felicitar a los cineastas, e incluso hubo distribuidores que mostraron interés en estrenarla comercialmente, un sueño, tanto para Gil como para Barros, que pelearon durante seis años para conseguir que esta película llegara a hacerse.

“El guión nació de un viaje que hice a Bolivia con la idea de hacer un documental político que no salió y a la vuelta, después de descubrir que allí la leyenda de Butch Cassidy aún seguía muy presente, me puse a escribir. Mateo lo leyó y le entusiasmó, pero hubo muchos momentos en que pareció que no se filmaría”, comentaba Barros —responsable del documental Los sin tierra— tras la proyección. “Queríamos hacerla en español. Nadie nos la financiaba así que optamos por el inglés. Y mostrarla aquí es la prueba de fuego”, explica Gil, tan nervioso como feliz por el estreno.

Sin embargo, pese a que ya no sea un género de moda, Blackthorn tiene muchos atractivos: es una película de aventuras sólida y entretenida, con algunos momentos mágicos aliñados por la espectacularidad del altiplano boliviano y en la que además se revisa a un personaje legendario, tanto del mundo real como del cine.

La cinta es la resurrección de Cassidy, al que da vida el veterano actor Sam Shepard. El espectador se reencuentra con ese personaje que inmortalizó para el celuloide Paul Newman en Dos hombres y un destino, transformado en un hombre mayor que dejó que el mundo pensara que había muerto y que tras años en Bolivia decide regresar a casa.

Su última aventura la compartirá con un ladrón español, interpretado por Eduardo Noriega, con el que volverá a recordar, aunque sea por poco tiempo, el valor de la amistad. “Es una película cargada de nostalgia, es inevitable cuando haces un western. Sin embargo, pese a la asociación que suele hacerse con Dos hombres y un destino, nuestra referencia es Grupo salvaje y todas las películas de Sam Peckinpah”, dice Gil.

“Siempre quise dirigir, aunque la vida me puso al lado de Amenábar y me embarqué como guionista. He aprendido muchísimo a su lado, pero el sueño seguía ahí”. Gil lleva años tratando de filmar Pedro Páramo, “aunque el proyecto siempre se viene abajo”. Todo es cuestión de tenacidad. “Algún día ese también saldrá”.

Castellanos, el cineasta que pasó del casete a la película 3D

Gustavo Castellanos sembró la semilla del cine en Tarija. No sólo se convirtió en el primer director del cine chapaco, sino que también dirigió y produjo en Bolivia la primera película en 3D.
Desde muy niño, Castellanos tenía objetivos claros sobre plasmar sus ideas en una película, por ello trabajó para que el cine en Tarija creciera. Desde hace 35 años se dedica a la producción de multimedias, cortos y largometrajes.
Se inició en el colegio, pues el apoyo de sus padres, quienes siempre incentivaron a Gustavo a la lectura, sirvió de mucho para que sus ideas madurasen rápidamente y ese sueño de ser cineasta se haga realidad.
A los 13 años, y con un grupo de amigos del colegio Antoniano, hoy La Salle, a manera de poner en práctica sus expectativas, deciden crear su propia película basada en una conflagración bélica. Sus primeros escenarios fueron lugares rústicos, como el barrio Carlos Wagner, La Loma de San Juan, donde solían crear miniaturas para filmarlos y hacer parecer como si fuera real.
“A un amigo, su papá le compró una video cámara y ahí empezó la idea de hacer una película. Creo que teníamos 12 o 13 años, y bueno, nuestra idea era una película bélica y construimos cascos con papel mezclado con engrudo, hicimos paracaídas para luego filmar de lejos. Nos íbamos a la Loma, al Wagner, todo con el fin de que pareciese real, porque los lugares eran pues fortalezas de ruinas y eso le daba vida a lo que queríamos hacer”.
Pero la idea no podía plasmarse desde el punto de vista profesional, ya que contaban con sólo una cámara y un casete, que al final se podía ver solamente en un televisor, sin ninguna edición. Los noveles cineastas no estaban en condiciones de tener equipos profesionales de edición.
“No teníamos ningún instrumento para llevar adelante el proyecto, pero nos reuníamos siempre, como casi tres meses, para realizar nuestras filmaciones, pero todo con el afán de divertirnos, como todo joven y además no contábamos con las herramientas necesarias para tener un trabajo como se debe”.

“Antes de salir del colegio, la idea ya estaba casi madura”
Antes de salir bachiller, por circunstancias de la vida llega desde La Paz un director de teatro llamado Raúl Beltrán, quien funda el teatro universitario en 1982 y Gustavo Castellanos aprovechó el momento para trabajar como actor y luego presentarse en varias obras de teatro que lo llevaron a recorrer toda Bolivia, y sobre todo a participar en un concurso nacional del que logran el primer lugar.
“Con esta persona, muy reconocida por cierto, hicimos la obra América, y con élla logramos el primer lugar en un concurso nacional de teatro, previo a la realización de una gira por el país, como Sucre, Santa Cruz, Camargo, Potosí y muchos otros lugares, hasta que llegamos a La Paz, donde nos presentamos y ganamos el primer lugar”, señaló.
Con este impulso y logro, el cineasta decide escribir un guión que era lo que más le apasionaba y con él llegó a ganar el tercer puesto en otro certamen. “Esta obra ya camina sola, de ahí me quedo en La Paz, y una vez saliendo de colegio termine Comunicación Social en la Universidad Católica”.
Una vez terminada la carrera de Comunicación Social, Gustavo Castellanos decide cumplir otro sueño: trasladarse a Buenos Aires, donde se inscribió en una escuela de cine y después de dos año regresa a Bolivia, con la idea de producir, en primera instancia, trabajos en multimedia y luego un largometraje y finalmente la primera película en 3D, como algo único en Bolivia.

(RECUADRO)
SUS TRABAJOS Y SU GRAN ESFUERZO POR LA PELÍCULA 3D
Al regreso de Argentina y con un amplio conocimiento de las nuevas tecnologías, en Tarija produjo sus primeros trabajos, conjuntamente con su gran amigo Milton Ríos. Se dedicaron por un tiempo a investigar la producción de multimedia, logrando con el tiempo su primera obra denominada “La Guerrilla del Che en Bolivia”.
“Esto fue en 1996 y la producción tardó dos años para luego hacerla pública, sin duda tuvo el aprecio que estábamos esperando. Eran cerca de 3.500 copias y las mismas se habían vendido”.
Otro de los trabajos que fue un éxito en multimedia fue el CD interactivo “Maravillas Naturales de Bolivia”, que tuvo una venta extraordinaria de más de 15 mil copias en todo el territorio nacional.
Otra de las producciones que fue emitida por canal ATB fue la serie humorística de ficción “Teleniqueñaque”, transmitida a nivel nacional por este medio televisivo.
Después de aquello emprendió un proyecto más grande, el largometraje “Espíritus independientes”, una película que cautivó y dio paso a nuevas filmes creadas en esta ciudad.
“En el 2004 lanzamos el proyecto Espíritus independientes, nos lleva un año entre gestar la idea y recursos y luego hacer el rodaje, todo en Tarija y lo único de afuera fue la banda sonora de la ciudad de La Paz. Y es el lugar donde también se termina de “masterizar” la película, y el 2005 lo presentamos en Tarija con un éxito abrumador, el proyecto ya era una realidad”.
“A partir de esto, el último desafío era encarar el tema tecnológico, luego de Espíritus independientes, entonces emprendimos el desafío de la primera película en 3D llamada ‘Restos del último amanecer’”.
“Este proyecto nos sacó la “infundia”, pues era un proyecto de un año y medio y al final se volvió en uno de cuatro, y realmente nos costó hacerlo, pero nos sentimos muy orgullosos, porque es la primera película en 3D creada en Tarija y en Bolivia. Creo que hasta ahora seguimos sufriendo, a pesar de haberlo terminado, por la simple razón de que no tenemos salas para proyectarlas, pero sin duda es el esfuerzo que resta hacer para que mucha gente disfrute de esta película”.
Gustavo Castellanos, que tiene el respaldo de su familia, su esposa e hija que están por los mismos rumbos, fue uno de los tarijeños que abrió la brecha del cine en Tarija, puesto que a partir de sus primer largometraje el cine cada vez se hizo más constante, y en menos de cinco años Tarija tuvo más de siete películas dirigidas por este cineasta, y otros que tuvieron como escuela Espíritus independientes.
“Tarija llegó el momento de dar el salto cualitativo, ahora nuestras próximas apuestas deben ser de carácter mayor para conseguir mayor rigor estético y en ello estamos trabajando, mas cuando tenemos contactos con gente de España, de Barcelona, que pueden ayudarnos a producir películas de alto nivel, y esa debe ser nuestra apuesta, trabajar en coproducciones internacionales”.
Con una sonrisa en el rostro, Gustavo espera que el cine en Tarija no muera, al contrario, que cada vez sea más cautivante en el uso de la tecnología y de mejor calidad estética.

Brad Pitt se va a la guerra con los zombies en "World War Z"

El actor estadounidense Brad Pitt será el protagonista de "World War Z", adaptación cinematográfica de la novela sobre una guerra mundial de zombies escrita por Max Brooks, informó hoy The Hollywood Reporter.


Marc Foster ("Finding Neverland", 2004) será el director de la película, en la que también estará Mireille Enos, la protagonista de la serie "The Killing", en el papel de la esposa del personaje de Pitt, un trabajador de las Naciones Unidas.


El actor producirá el filme a través de su compañía Plan B, que logró los derechos sobre la obra en 2007, tras una dura pugna con la empresa de Leonardo DiCaprio, Appian Way.


"Me alegro de que se hayan tomado su tiempo y estén tratando de hacer la mejor película posible", dijo Brooks.

"Estoy muy contento de que hayan dado con el equipo adecuado", añadió sobre este proyecto de Paramount Pictures, cuyo presupuesto ronda los 125 millones de dólares, según la publicación especializada Deadline.


La novela plasma un mundo postapocalíptico, destruido tras una epidemia global zombi, y se narra a través de los relatos en primera persona de varios personajes ubicados en distintos puntos del mundo.


El guión es obra de Michael Straczynski y Matt Carnahan.


El rodaje de la película comenzará en junio en Londres.


Pitt tiene pendiente el estreno en mayo de "The Tree of Life", una película de Terrence Malick, y en los próximos meses volverá a la cartelera con "Moneyball" y la segunda parte de "Happy Feet".

Blackthorn. Butch Cassidy en Bolivia

Blackthorn, sin destino, debuta hoy en Nueva York. La última película sobre Butch Cassidy se estrenará mundialmente en el país del legendario pistolero.
La cinta de Mateo Gil que protagonizan Sam Shepard, Eduardo Noriega, Stephen Rea y Magaly Solier, se proyectará por primera vez en el SVA Theater de Nueva York. Fue seleccionada para competir en el Tribeca Film Festival que se inició el 20 de abril y concluirá el 1 de mayo.
En esta película, Gil replantea la vida del forajido, quien de acuerdo a la historia oficial tras haber huido de Estados Unidos, murió en Bolivia en 1908 tiroteado junto a su amigo Sundance Kid.
En el filme, Cassidy ha pasado 20 años escondido y ahora quiere volver a casa. Sin embargo, pronto encontrará en su camino a un joven ingeniero español que acaba de robar la mina en la que trabajaba y que pertenece al empresario más importante de Bolivia.
La película es presentada como producción española, francesa, boliviana y estadounidense. El responsable de la producción en Bolivia, Paolo Agazzi, señaló que el estreno en el país será a fines de mayo.
Blackthorn compite en la categoría World Narrative Competition (concurso de narrativa mundial) frente a películas como Angels Crest, Paraísos artificiales, Mariposas negras, Cairo exit y otras de diferentes países del mundo.
El festival de Tribeca fue fundado en 2001 por el actor Robert de Niro, la productora Jane Rosenthal y su esposo Craig Hatkoff para ayudar a la revitalización del bajo Manhattan luego de los ataques terroristas del 11 de septiembre, así que el de este año cumple su décimo aniversario.
La décima edición del Tribeca incluye 93 largometrajes de ficción. Abrió con el documental de Cameron Crowne The Union, que sigue la grabación del disco más reciente de Elton John y Leon Russell, y cuya presentación será seguida de una intervención de John.

martes, 26 de abril de 2011

Preparan filme de James Bond en versión china

Un productor estadounidense con una amplia carrera en China prepara una versión asiática del famoso agente 007 británico, James Bond, pero sin sexo y con muchas artes marciales por medio, informó el diario oficial China Daily.

En la futura coproducción el agente británico se desdobla en dos gemelos, chico y chica, descendientes de un linaje de la guardia imperial dedicado a la lucha contra el tráfico de opio y educados por los monjes del monasterio de Shaolín, cuna del kung-fu, las artes marciales chinas.

El protagonismo de los gemelos da a entender que la cinta carecerá de las habituales escenas eróticas del agente británico y que siempre suponen un escollo insalvable en la censurada china. Justicia (él) y Valor (ella), que es como se llaman los hermanos, no sólo son maestros de kung-fu, sino que también saben utilizar todo tipo de armas, explosivos y equipos de telecomunicaciones de alta tecnología; además, son expertos escaladores, supervivientes natos y están entrenados para matar.

Como el famoso agente británico, los gemelos serán capaces de manejar sofisticados vehículos por tierra, mar y aire.

“Blackthorn” Cinta filmada en el sur de Bolivia es exhibida en Festival de Tribeca

La producción cinematográfica, la cual será estrenada en España el 1 de julio, forma parte de la sección World Narrative Competition.

Cinemas Cine.- En el marco del Festival de Cine de Tribeca, se estrenó el pasado domingo la cinta dirigida por el español Mateo Gil titulada “Blackthorn”, filmada en Bolivia el año pasado.

El western narra la historia del legendario forajido Butch Cassidy, en un imaginario viaje por el sur de Bolivia, donde ha estado escondido 20 años.

La cinta, que podrá ser vista nuevamente mañana y el próximo viernes 29 en Nueva York, ya había sido presentada en una gala extraordinaria en el Festival Internacional de Cine Las Palmas de Gran Canaria, el pasado 3 de abril.

“Sólo fue una pequeña muestra de exhibición, porque se trata del lugar de origen del director”, explicó a uno de los medios de comunicación boliviano Paolo Agazzi, uno de los productores ejecutivos de Blackthorn.

COMPETICIÓN

Mateo Gil, fiel coguionista de Alejandro Amenábar y quien comenzó su carrera como director con "Nadie conoce a nadie" (1999), estrenó así su segundo esperado filme en el festival neoyorquino fundado por Robert De Niro, donde compite en la sección World Narrative con once cintas más, entre las que está la mexicana "Paraísos artificiales", de Yulene Olaizola.

“Yo y el guionista (Miguel Barros) somos grandes fanáticos de los westerns, y por supuesto de la magistral película de George Roy Hills y otras inspiradas en el famoso forajido, como la obra maestra de Sam Peckinpah The wild bunch. Sin embargo, buscamos hacer un acercamiento más íntimo al verdadero Cassidy, tratando con sus sentimientos hacia la amistad, los recuerdos, la tierra y los principios. La historia también estuvo inspirada en el increíble paisaje boliviano y por el hecho de que ahí se encontraban algunas de las más grandes compañías mineras en el mundo, por aquella época”, comenta Gil en una entrevista en la web de Tribeca.

Así de esta manera, "Blackthorn" luchará por hacerse con alguno de los premios del Festival de Tribeca, en una sección en la que se enfrenta a "Paraísos artificiales", una cinta que narra el encuentro entre una joven adicta a la heroína que se intenta desintoxicar cerca de la costa del Golfo de México y un vecino de la zona.

UN WESTERN RODADO EN BOLIVIA

Blackthorn, dirigida por Mateo Gil y escrita por Miguel Barros, es una producción española y boliviana.

Esta cinta narra la historia de los bandidos estadounidenses Butch Cassidy y Sundance Kid, quienes por huir de la justicia viajan hacia el sur del continente y terminan llegando a Bolivia.

El rodaje del filme se realizó en el país entre abril y mayo de 2009. Tiene escenas que rescatan paisajes de Uyuni, Tupiza y la ciudad de Potosí.

La cinta fue protagonizada por el actor estadounidense Sam Shepard, quien interpretó el papel de Butch Cassidy, personaje que en el tiempo de su permanencia en el país se puso el apellido de “Black-thorn”.

También participaron en el filme el actor español Eduardo Noriega, la peruana Magalie Solier, protagonista del filme La teta asustada. Entre el elenco de los actores bolivianos estuvieron Claudia Coronel, Luis Bredow y Cristian Mercado.

domingo, 24 de abril de 2011

Jóvenes se abren paso en la crítica de cine y transmiten sensaciones

Más que “guiar” a los cinéfilos que leen sus trabajos, Mary Carmen Molina (24), Sergio Zapata (27), Pedro Brusiloff (24) y el resto de los miembros de la revista digital Cinemas Cine buscan compartir, sobretodo, experiencias de vida.

El criterio de los escritores de la publicación especializada en crítica cinematográfica es compartido por Pedro Susz y Luis Espinal, dos de los autores más representativos del rubro.

El sacerdote y comunicador, recuerda Susz, decía a sus alumnos en la universidad y compañeros de trabajo que la crítica no es una guía para el espectador, sino un aporte que permite al lector comparar posiciones y asumir luego una actitud de análisis.

“Una crítica forma parte de la función periodística de orientar, de incentivar a que los espectadores disfruten de los filmes viendo más allá de la superficie y no sólo consumiendo todo lo que les ponen delante”, afirma Susz.

De su lado, Zapata, fundador y miembro del consejo editorial de Cinemas Cine, asegura que la intención del equipo es “compartir las sensaciones que experimentamos cuando vemos una película. Queremos que quienes nos lean se abran a nuevos lenguajes”.

Su compañero, Brusiloff, apoya esa postura. “No podemos ser tan arrogantes como para creer que podemos guiar a la gente. Simplemente comunicamos nuestra opinión sobre una cinta”, menciona. Ello, aseguran, no lo aprendieron en un aula universitaria. Fue la práctica constante, la lectura y el contacto con todo tipo de producciones lo que les ayudó a desarrollar sus aptitudes.

“Lo más cercano que tenemos a una educación formal son algunos talleres que tomamos sobre crítica. Lo que nos capacitó fue, en realidad la lectura de los artículos escritos por otras personas”. En el caso de Molina, la revista especializada Variety (Estados Unidos) le sugirió formas de plasmar sus opiniones en textos con información útil para el lector.

Brusiloff coincide en que lo que más ayuda a mejorar el estilo es empaparse del trabajo de otros críticos. “Mientras más lees, mejor expresas tus ideas en el papel”.

Por otro lado, Molina señala que es importante recordar que la crítica es la expresión de la opinión que tiene el autor sobre cierto filme, lo cual invita al debate. La define como un artículo subjetivo cuyo tenor depende de los gustos del escritor. Para ella, esos intereses no deben ocultarse, sino exponerse para que el lector esté al tanto de la tendencia.

Además, con ayuda de internet, el receptor puede comunicarse con los autores. “Gracias a las nuevas tecnologías, las críticas crecen infinitamente. Cuando publicamos algo en la revista fácilmente se puede convertir en un debate que va más allá del espacio local”, menciona Sergio.

Los avances en las comunicaciones marcan uno de los pocos quiebres entre la antigua y nueva generación de críticos cinematográficos. El internet y la infinidad de redes sociales, blogs y otro tipo de páginas existentes permiten que los escritos lleguen a cinéfilos de todas partes del mundo.

Según los registros, Cinemas Cine tiene lectores en Bolivia, Argentina y España. Del mismo modo, sus integrantes acceden a trabajos producidos en Estados Unidos, Europa o Latinoamérica. Esa facilidad permite, finalmente, conocer la respuesta de la audiencia a la que se apunta y continuar con debates que, a veces, incluyen a los mismos cineastas.

Esos resultados son, según los críticos, algo que no era posible “ni imaginar” hace 15 años. “Más que decir que somos una nueva camada de críticos, lo que nos diferencia de nuestros antecesores es la edad y el acceso a la tecnología”, añade Brusiloff.

Zapata está de acuerdo. Sin embargo, destaca que los críticos actuales buscan analizar la cinta desde el punto de vista cinematográfico y, rara vez, tratan de ver la intención o ideología del creador, un fenómeno que —considera— pertenece a otro tipo de trabajo.

La revista es pionera en el país

Historia
Nació el 2009 tras ganar un fondo concursable de FAUTAPO. Fue fundada por Mary Carmen Molina, Sergio Zapata y Claudio Sánchez.

Estructura
Tiene tres áreas: información, crítica e investigación. Cuenta a la fecha con 12 escritores y tres fotógrafos.

Consejos de los jóvenes críticos

Mary carmen Molina
Estudiante de Literatura
“Lo básico para ser un crítico es tener amor al cine. Debes disfrutarlo y conocer mucho de él. Es así como yo comencé, con un programa de radio con Claudio Sánchez y después con la revista desde el 2009”.

Pedro Brusiloff
Estudiante de Literatura
“El objetivo es convencer al lector con tus palabras. Tus opiniones y experiencias no llegarán al resto a menos que logres una prosa correcta y un texto cautivador. Para ello hay que leer mucho, incluso más que ver cine”.

Sergio Zapata
Comunicador Social
“Para hacer una crítica es importante, para mí, enfocarme en que es lo que me quiere decir la película sobre el mundo, la técnica y el hombre, además de evaluar cuál es su valor como una obra cinematográfica”.

127 HORAS

En alguno de sus incisivos textos Cornelius Castoriadis dejó anotado que si hay una especie especialmente ayuna de condiciones para la supervivencia es la humana, ejemplificando su constatación con el hecho de que es la única cuyos individuos pueden cometer una y otra vez el mismo yerro —pisar de manera reiterada en falso en el mismo lugar, digamos—, o bien ingerir muy suelto de cuerpo hongos venenosos, cosa que jamás haría ningún otro bípedo o cuadrúpedo. La ligereza con la cual Aron Ralston arriesga deportivamente su vida podría añadirse a la lista, si bien el desenlace también podría obrar como desmentido. En fin, todos cometemos errores de diversa monta en la vida, pero no siempre, o casi nunca nos tomamos el tiempo para pensar y aprender de ellos.

El jovial e hiperquinético protagonista de esta nueva película del Danny Boyle, director de la premiada y al mismo tiempo justamente denostada por la crítica Slumdog Millonaire (Quiero ser millonario), estaba habituado a las expediciones solitarias.

Así fue como un buen día de abril del 2003, sin dejar dicho hacia dónde se dirigía, se internó en el desierto de Utah para intentar una escalada en el cañón Blue John, con tan mala fortuna que luego de perder pie y provocar la caída de las piedras, su brazo derecho quedó atrapado por una enorme roca imposible de mover. Tenía a mano sólo un pequeño kit de herramientas, incluyendo su navaja suiza de bolsillo, una modesta cantidad de agua y unas barritas de cereal a guisa de alimento.

Para Ralston, el reto consistía en hallar la forma de zafar, antes que el desánimo y la debilidad física acabaran dejándolo entregado al destino, mientras para Boyle el desafío era armar, sin matar de tedio al espectador, un largometraje con esa historia de un solo personaje en un solo ambiente, materia que a lo sumo alcanzaba para un cortometraje. El escalador amateur encontró la manera, el director a medias, o mejor dicho entendió encontrarla descerrajando sobre el público un paroxismo visual armado con todos los artificios técnicos a mano, solución discutible si la idea era sumergir al espectador en el forcejeo solitario entre el hombre y la naturaleza y así hacerlo cómplice de esa pugna por sobrevivir en las peores condiciones adversas. Boyle se acobarda, duda de la densidad de ese episodio de obstinación para sostener el interés, pecando eventualmente de irrespeto hacia el protagonista.

Valor o instinto, da lo mismo, el muchacho no tenía escapatoria, debía arreglárselas solo para acertar con la mínima alternativa de salir entero, dicho esto sin ninguna ironía. Por el contrario, el director podía elegir entre concentrar su mirada sobre esa búsqueda, opción elegida en los momentos en los cuales opta por la focalización minimalista en el movimiento de un dedo o en almacenamiento de orín cuando el agua escasea. Son los menos. El resto del tiempo Ralston es asaltado por un turbión de recuerdos, fantasías y sueños volcado en múltiples flashbacks. Algo así como un caótico balance existencial acerca de las oportunidades malversadas, del valor de los afectos, del significado de la amistad y, cuando pareciera no haber remedio, de lo bueno que resulta estar en compañía. Moraleja ésta última convenientemente subrayada en el modo enfático característico de Boyle cuando Ralston grita y la cámara emprende un largo retroceso, empequeñeciendo la figura del muchacho contra un entorno desolador hasta dejarla reducida a un lejanísimo punto extraviado en el vacío.

Esa secuencia es una de las pocas fugas justificadas, al mismo tiempo que el atestado definitivo acerca de las flaquezas del estilo Boyle. Otro director, menos embelesado por la pirotecnia visual, hubiese clavado la cámara durante algunos segundos dejando a la angustia que crece en paralelo con la larguísima grúa en retroceso apoderarse por entero del espectador. Pues no, de inmediato el tratamiento vuelve al turbulento juego de planos, contraplanos, picados y contrapicados, interrumpiendo la empatía para trocarla en curiosidad y acertijo: ¿podrá finalmente soltarse?, charada resuelta adicionalmente de antemano por un título equivocado también, puesto que las 127 horas del mismo acotan de entrada la duración del drama.

Si no fuera que la trama reconstruye un episodio de la vida real, contada por Ralston himself en su novela Between a Rock and a Hard Place, podría pensarse que semejante personaje, auténtico paradigma de la exuberancia vitalista a menudo celebrada por las hechuras de Hollywood como la suma de un modo peculiar de transitar por la vida llevándose por delante convenciones y comportamientos, acercaba en último término este relato de triunfo frente a las circunstancias a la oscarizada demagogia miserabilista de Quiero ser millonario.

Al igual que en aquella, durante largos tramos de la narración, pareciera que Boyle desafía al espectador a probarse hasta dónde es capaz de aguantar el vómito. Si en su descenso hacia el infierno de la explotación infantil en las grandes ciudades indias el director mostraba con lujo de detalles cómo se les queman a soplete las pupilas a chicos explotados por la industria de la mendicidad, en su última entrega la sangre que chorrea por las piedras cuando Ralston concluye que la automutilación es la única vía de salida, es también la prueba de fuego para la resistencia estomacal del respetable. Que en ambos casos las cosas efectivamente sucedan así en la realidad no disminuye un ápice la necesaria pregunta acerca de si el brutalismo visual constituye la manera estética y dramática más legítima para acercar el cine a la condición humana.

A falta de uno, fueron necesarios dos directores de fotografía –Anthony Dod Mantle y Enrique Chediak–, ambos conocidos por el preciosismo impreso a sus trabajos precedentes, para que la acumulación sin respiro de pantallas divididas, movimientos ralenteados, secuencias cámara en mano, fragmentos grabados en digital, granulación forzada para conseguir distintas texturas, saturación de color, encuadres y angulaciones insólitas —incluyendo la subjetiva de un termo—, sostengan la parafernalia figurativa. Aporta lo suyo desde la banda sonora el compositor indio A. R. Rahman con una enfática compilación de ragas en versión tecno. En medio de todo ello James Franco se las arregla para componer un personaje convincente, salvando en definitiva a 127 horas del fiasco al que la sobreexcitación manierista de Boyle arrima una y otra vez la película.

Ficha técnica

Título original: 127 Hours. Dirección: Danny Boyle. Guión: Danny Boyle, Simon Beaufoy. Libro: Aron Ralston. Fotografía: Enrique Chediak y Anthony Dod Mantle. Música: A. R. Rahman. Producción: Bernard Bellew, Danny Boyle, Christian Colson. Intérpretes: James Franco, Kate Mara, AmbeTamblyn, Sean Bott, Koleman Stinger, Treat Williams, John Lawrence, Kate
Burton. USA/2010.

viernes, 22 de abril de 2011

'Don Gato' se va al cine

Benito, Cucho, Demóstenes, Espanto, Panza, el oficial Matute y, claro, Don Gato, son los personajes de una corta serie animada que nació en 1961 en Estados Unidos, y que cinco décadas después aún se transmite en México y otros países de América Latina.
Algunos creen que el éxito de la serie creada por Hanna Barbera y que duró menos de un año al aire en la televisión estadounidense, es el doblaje de actores mexicanos, que le dieron un cariz cercano al público latinoamericano.
Otros hablan de una empatía con el pícaro personaje central y su pandilla de amigos. Lo cierto es que, para celebrar 50 años de vida, ahora Don Gato y su Pandilla protagonizarán una película animada que se estrenará en septiembre próximo.

LA TRAMA. Don Gato y sus socios viven en un típico callejón del Nueva York de 1960, con altos edificios al lado, ropa tendida entre ventanas y el teléfono oficial del policía Matute en el centro.
Muchas de las aventuras en los 30 capítulos de la serie tienen el mismo eje: cómo hacerse millonario en poco tiempo, aunque para conseguirlo la pandilla deba recurrir a pequeñas triquiñuelas.
Así, en esa tarea Don Gato pretende conseguir que Benito ofrezca un concierto de violín en el Carnegie Hall, aunque el felino no sepa ni afinar las cuerdas. También se hace pasar por un marajá que regala rubíes como propina.

SE FILMARÁ EN 3D
Se exhibirá en México y Argentina, aunque podría llegar a más países.

Estrenos de la semana

"Water for Elephants��, Robert Pattinson cambia la piel blanca y los colmillos de vampiro por el papel de un veterinario que trabaja en un circo con elefantes, durante la depresión económica de la década de 1930.

La nueva película de la estrella de "Twilight�� se estrena hoy en Estados Unidos.

Pattinson, de 24 años, interpreta a Jacob Jankowski, un estudiante de veterinaria, que se ve obligado a subsistir por su cuenta después de que sus padres mueren en un accidente de auto. Tras viajar en tren, comienza su vida en un circo ambulante. Rápidamente se enamora de la estrella del circo Hermanos Benzini, interpretada por Reese Witherspoon, pero el detalle es que ella está casada con el cruel y ambicioso propietario del circo, interpretado por Christoph Waltz.

"Hay como 15 ganadores del Óscar en todos los niveles de la producción��, dijo Pattinson. "Me la pasé increíble haciendo la película. Me encantaría que se pudieran filmar películas y que nunca se estrenaran. Eso sería increíble, sería el mejor trabajo del mundo. Pero ahora estoy nervioso��. "Water for Elephants�� es la producción más importante en la que ha colaborado tras "Twilight��.

"Lo único que se puede hacer es tratar de trabajar con la mejor gente��, dijo.

Sus compañeros de elenco aprobaron su actuación, e incluso Witherspoon lo calificó como el “corazón de la película”.

"Creo que a la gente le encantará verlo en un tipo de personaje distinto al de �Twilight”, dijo Witherspoon. ``Él te toma y te hace ver la película a través de sus ojos. Verlo comenzar como un inocente y convertirse en un hombre en la película es una experiencia muy hermosa��.

Waltz, que ganó el Óscar al mejor actor de reparto el año pasado por su papel en ``Inglourious Basterds�� dijo que el trabajo de Pattinson en ``Elephants�� es ``extraordinario��.

Clases en cine comenzarán con un solo docente

Las clases de cine en la Escuela Municipal de Artes de El Alto comenzarán el lunes con un solo docente. Se trata de Juan Carlos Aduviri, quien además será el nuevo responsable del área.

Así lo informó a La Razón el actor de También la lluvia. El director de Culturas del municipio, Luis Carrión, y el director de la escuela, Claudio Álvarez, “se han comprometido a que sea responsable del área de cine”, aseguró.

Las labores iniciarán sólo para primer año. Profesionales como Guillermo Ruiz, Esteban Fernández y Luis Bolívar fueron invitados a unirse al plantel docente.

Lo mejor de Bergman, en la Cinemateca

Las dos películas que sellaron la inmortalidad del realizador sueco Ingmar Bergman se exhiben en la sala Renzo Cotta de la Cinemateca Boliviana, a las 19.00 y 21.15, hasta el próximo miércoles.

Gritos y susurros (1973) y El séptimo sello (1957) son películas distintivas, entre todas las que hizo el director escandinavo.

En El séptimo sello, Bergman narra la vuelta a casa de un caballero medieval y su escudero tras combatir en las Cruzadas, encontrándose en su camino con un paisaje devastado por la peste y el fanatismo religioso.

Gritos y susurros presenta la historia de María y Karin, dos hermanas que acuden a la casa familiar para acompañar a la tercera de ellas, Agnes, quien agoniza a causa de un cáncer de útero.

Agnes ha llevado una vida sencilla y sigue soltera, viviendo en la casa de sus padres tras la muerte de éstos. Se interesa por el arte y la religión, confesándole sus inquietudes al pastor luterano Isak y a su propio diario. Además tiene los cuidados de su sirvienta, Anna, una mujer que, tras sufrir la muerte de su hija, vuelca sus esperanzas en Dios y desarrolla un estrecho vínculo afectivo con su ama.

Ambas cintas fueron objeto de decenas de estudios, por el contenido psicológico de sus tramas.

Un festival de cine se burla de los bolivianos

El Festival Internacional Las Américas se promociona con un comercial que muestra a bolivianos que parodian la serie televisiva Baywatch (Guardianes de la bahía) haciendo burla de los rasgos y particularidades nacionales.

El programa Posdata, que conduce Juan Carlos Arana en Cadena A, mostró anoche un video promocional del evento que comienza hoy en Austin, Texas (EEUU).

En el inicio del comercial se muestra un texto con datos como que en Bolivia hay “173 buques de guerra, 4.500 marinos y cero mar”. Luego una voz en off pregunta: “¿Qué hacen los marinos bolivianos?” Para dar paso a imágenes que parodian la serie televisiva de los años 90 Baywatch (en la que actuaba Pamela Anderson).

En el video se ve a personas de supuesta ascendencia andina y en una cortina musical, que escucha: “Bolivian Navy” (Naval Boliviana). Todos están en una playa en poses al estilo de los guardianes de la bahía estadounidenses, pero se enfatiza en hacer una burla a las supuestas características físicas de los bolivianos (morenos, de baja estatura, etc)

El video finaliza con un mensaje en español que pretende justificar la burla. “Si así es nuestra realidad, imagínate nuestras películas”, refiere un texto. Según la web del festival (cinelasaméricas.org), en el evento se emitirán películas latinoamericanas.

Cinemateca Boliviana proyecta filme “Jesucristo Superstar”

La Cinemateca Boliviana, en su programación habitual, exhibe en esta oportunidad la película del connotado director Norman Jewison titulada “Jesucristo Superstar”.

La película comienza con la llegada de todos los actores en un colectivo y la obertura está dedicada a la identificación entre ellos de Jesús, quien emerge de en medio del grupo al tiempo que es investido con una sencilla túnica blanca, mientras extiende sus brazos, creando el centro de la atención al momento en que suenan los acordes que identifican la melodía principal.

En la escena siguiente, Judas hace un análisis crítico de la actitud de la gente hacia Jesús y la forma como su imagen se idealiza, alejándola de lo que él considera son los valores primarios que deberían defenderse, como la ayuda a los pobres y necesitados.

Judas acusa a los seguidores de Jesús de tener “demasiado Cielo en sus mentes” y teme que sean perseguidos por el gobierno de Roma, al verse amenazados por las afirmaciones de que Jesús es el “hijo de Dios” y “Rey de los Judíos”.

COMENTARIOS

“Jesucristo Superstar” fue una de las películas más controversiales de su época por presentar a los actores como “hippies”, representar la pasión de Cristo desde el punto de vista de Judas, dar una visión de Jesús más humana y menos Dios y porque es una ópera rock, puesto que todos los diálogos son canciones interpretadas por los actores en ese género musical.

Basado en el musical de Broadway. La banda sonora compuesta por Tim Rice y Andrew Lloyd Weber vendió millones de discos por todo el mundo.

Los discos originalmente fueron presentados en vinil y eran de larga duración (LP); la fotografía de la portada ilustraba una crucifixión.

La película, dirigida en 1973 por Norman Jewison y filmada en Israel y otras localizaciones de Oriente Próximo, no obtuvo el mismo éxito que las representaciones teatrales.

La canción “No sé cómo amarle” (“I don´t know how to love him”) cantada por María Magdalena fue un éxito de ventas.

Los protagonistas de la película eran Ted Neeley en el papel de Jesús, Carl Anderson en el de Judas e Yvonne Elliman en el papel de María Magdalena. En Chile, el filme se mantuvo por espacio de dos años en cartelera marcando un hito en continuidad.

Ciclo de cine documental se inicia en Cochabamba

Todos los últimos martes de mes se proyectará un filme con diversos títulos en el Ciclo de Cine Documental organizado por el Centro de Documentación e Información (Cedib). El 26 de abril se exhibe la película ‘80’ de Ismael Saavedra en el evento denominado La memoria de la dictadura. La proyección se cumplirá a las 19.00 en el Teatro Adela Zamudio (Av. Heroinas, casi 25 de mayo) de la ciudad de Cochabamba y el ingreso del público será gratuito.

La proyección incluirá documentales actuales de Bolivia y del ámbito internacional con la presencia de los realizadores, además de otros invitados que formarán parte del debate público.

“Entendemos el documental en todas sus formas como medio por excelencia para discutir asuntos sociales y políticos urgentes”, afirma Thomas Korschil del Cedib.

Después de que se aborde el asunto sobre La memoria de la dictadura, en los próximos meses el ciclo prevé tocar títulos como El fin del petróleo, La migración sin llegar y La pobreza en un mundo consumista, además de otros, con documentales y ensayos de Bolivia, y provenientes de Alemania, Venezuela, EEUU, México y Francia. El ciclo explorará las diferentes formas del documental, presentará cortos, películas experimentales, ensayos, documentales interactivos y reflexivos.

Según la información del Cedib, el realizador Ismael Saavedra produjo una serie de documentales de diversos aspectos políticos-sociales desde sus inicios en 1974, cuando participó en el grupo Ukamau con la producción de Chuquiago, un largometraje que retrata cuatro estratos sociales de la ciudad de La Paz.

Posteriormente fue exiliado a México durante la dictadura de Luis García Mesa, donde continuó con su trabajo documental y al cruzar a EEUU realizó varios filmes sociales, sobre todo de asuntos vinculados con los pueblos indígenas. Varios de los proyectos de Saavedra merecieron premios internacionales de los que se destaca el documental Panamá Deception que fue galardonado con el Óscar al mejor documental en 1990.

El filme ‘80’ es una mirada personal de Saavedra, desde la Bolivia de 2010 al 17 de julio de 1980, día del sangriento golpe militar de Luis García Mesa. A través de los recuerdos propios, Saavedra fue apresado ese mismo día mientras filmaba los acontecimientos para reportarlos en el canal donde trabajaba. El documental comienza con imágenes de la posesión del presidente Evo Morales en enero de 2010, con breves entrevistas a algunos participantes para rememorar los hechos sangrientos de la dictadura militar.

“La obra no pretende ser una recopilación completa de los hechos —tarea histórica complicada y enorme, aunque necesaria— pero es un recordatorio actual de la necesidad de preservar la memoria histórica como herramienta para el mejor entendimiento del presente y la proyección de un futuro libre de violencia, tortura y violaciones de los Derechos Humanos”, dice Ismael Saavedra.


500 asesinatos y miles de detenidos

El Gobierno de García Meza, falto de toda clase de apoyo político o social, hizo uso del terrorismo desde el Ministerio del Interior, encabezado por Luis Arce Gómez.

Hubo alrededor de 500 asesinatos, desapariciones forzadas y cuatro mil detenidos. Notable entre los muertos es Marcelo Quiroga Santa Cruz, diputado nacional inductor del juicio de responsabilidades al ex dictador Hugo Banzer Suárez. Posteriormente se produjo el asesinato de ocho líderes de la dirigencia clandestina del Movimiento de Izquierda Revolucionario (MIR) en la Masacre de la Calle Harrington (La Paz), el 15 de enero de 1981. La única persona que logró escapar con vida fue Gloria Ardaya, que posteriormente fue apresada, torturada y exilada.

“La dictadura es una temática pendiente en el cine nacional”

Uno de los cineastas bolivianos más jóvenes del país, Martín Boulocq, de 30 años, asegura que la dictadura es un tema todavía ausente en el cine boliviano. Además, estrenará su segundo filme: Los Viejos, el próximo 9 de junio y dice que es un trabajo que refleja “madures en su profesión”.

“Es importante que el cine hable de cosas (dictadura) que se han callado por mucho tiempo, eso falta en el cine nacional”, dice. También explica que en la película se explora los mecanismos que dejó la dictadura, como el destierro, el exilio y el autoritarismo que todavía están insertos en las estructuras familiares.

A pesar de que nació al finalizar la etapa de la dictadura en el país, el cineasta asegura que es un hecho que marcó su vida. “De alguna forma la dictadura ha dejado secuelas en mi vida personal, porque mis padres fueron perseguidos en ese tiempo”, cuenta el joven director.

“Esta película es muy profunda por su historia y porque estéticamente he explorado otros campos”, dice Boulocq, quien cuenta que la idea del filme nació a partir de un cuento del escritor Rodrigo Hasbún.

Boulocq relata que a partir del cuento se construyeron y destruyeron varios guiones. “Se han realizado muchos cambios porque creo que un guión no es una maqueta definitiva”, cuenta. Además, confiesa que el proceso de producción fue una búsqueda de respuestas personales. En este camino, decidió tratar la temática de la dictadura.

Cada escena de Los Viejos tiene un significado, por eso el cineasta decidió viajar a Tarija y rodar la cinta en una hacienda con viñedos. “Quería descubrir un nuevo lugar, contar una historia y rodar en otoño”, explica. En esa búsqueda el proceso de producción duró cuatro años.

Los Viejos
Historia Narra la vida de Toño, un joven que después de diez años de ausencia retorna a su pueblo natal. Ese regreso es un reencuentro con el pasado y renace su gran amor por Ana. En esos días, el joven deberá enfrentar a los fantasmas que nunca lo abandonaron.

Valdivia apoya la película que muestra una “nueva cara”

El cineasta Juan Carlos Valdivia, productor de la película Los Viejos, dice que el trabajo de Martín Boulocq es una producción de “calidad”, tanto en el tratamiento de la historia como en el uso de los recursos técnicos.

“Es una película que se ha hecho con mucha intimidad y con equipo técnico muy reducido, pero Martín manejó todo con disciplina y responsabilidad”, dice Valdivia.

Además, señala que su productora brindó todas las herramientas necesarias para realizar la película, porque cree que será un éxito, ya que el joven cineasta “es un artista”.

El director de Zona Sur, una de las cintas bolivianas más galardonas, señala que producir una película nacional era todo un acontecimiento, pero ahora se ha democratizado y es más accesible. Sin embargo, apunta que se ha perdido la rigurosidad y la magia de hacer cine.

“Se presentan películas cada semana y muchas veces de dudosa calidad. Creo que el público se merece filmes de buena calidad”, dice Valdivia, quien prepara nuevos proyectos pero prefiere no adelantar las características de sus producciones cinematográficas.

Además, cree que una película boliviana debe aportar a la cultura del país y aprecia que la gente tenga acceso a producir cintas nacionales.

“Es bueno que el cine no sea elitista, pero un tema que todavía tenemos que debatir y buscar alternativas”, comenta Valdivia.

jueves, 21 de abril de 2011

Camponovo muestra otra faceta de su carrera

La tarijeña Andrea Camponovo, una de las protagonistas, asegura que su participación en la película Los Viejos, muestra una nueva faceta de su carrera de actriz. “Interpreto a un personaje distinto y hacerlo fue un verdadero desafío”, comenta.

Camponovo, quien interpreta el papel de Ana, cuenta que cada escena de la cinta fue una lección diaria. “En las cinco semanas del rodaje de la película he aprendido y descubierto muchos recursos en el mundo de la actuación”, cuenta. Reitera que Los Viejos fue una experiencia distinta, a comparación con las dos últimas cintas de humor que rodó también en Tarija, Día de boda e Historias de vino, singani y alcoba.

“Me gusta el humor, es parte de mi personalidad, pero está película me exigía otra faceta en mi carrera de actriz”, cuenta Camponovo.

Además, comenta que ha incursionado en el mundo de la actuación por casualidad y que es una artista autodidacta.

La tarijeña también confiesa que está incursionando en la producción cinematográfica. “Estoy aprendiendo el trabajo que se hace fuera de cámaras”, comenta la joven.

Con respecto a la película, Camponovo señala que se ha identificado con su personaje, porque siente que ambas tienen en común la facilidad de expresar sus sentimientos.

“Ha sido una gran oportunidad interpretar un personaje de estas características”, reitera.

miércoles, 20 de abril de 2011

Un festival de cine difunde una parodia de la marina boliviana

Un video promocional del 14 festival de cine internacional Las Américas, en Austin Texas, hace una parodia de los marinos bolivianos con la popular serie de televisión Baywatch (Guardianes de la Bahía).

Al comenzar el video se escucha una voz en off que indica que Bolivia "tiene 173 buques de guerra, 4.500 marinos y cero mar. ¿Qué hacen los marinos bolivianos?". Acto seguido se ven las imágenes de la parodia.

En el festival participan cineastas de Sudamérica, incluida Bolivia, Europa y Norteamérica (Estados Unidos y Canadá). El evento cinematográfico es del 21 al 28 de abril.

Blackthorn será estrenado el sábado 23 en Nueva York

La película Blackthorn, que fue filmada en 2009 en Bolivia, se estrena oficialmente este sábado 23 en el Festival de Cine de Tribeca, que arranca hoy en Nueva York, EEUU, según el cineasta Paolo Agazzi, coproductor del filme.

Con respecto a la primera proyección del filme, el pasado 3 de abril, en la gala inaugural del Festival Internacional de Cine Las Palmas de Gran Canaria, Agazzi aclaró que “sólo fue una pequeña muestra de exhibición, porque se trata del lugar de origen del director”.

Agazzi adelantó también que se tiene previsto que el estreno del filme en España y Bolivia sea en junio. “Estamos coordinando para definir una fecha exacta”, dijo el cineasta a Página Siete.

Además, reitera que el estreno oficial será en el décimo aniversario del Festival de Cine de Tribeca, fundado por el actor Robert de Niro, y que se desarrolla desde hoy hasta el 1 de mayo.

En el festival se presentarán 93 largometrajes de ficción y para la inauguración se tiene prevista la exhibición del documental The Union, de Cameron Crowne.

Pero, Blackthorn no sólo será proyectada en el festival, también competirá en la categoría a la mejor película, y pugnará por el galardón con la cinta mexicana Paraísos artificiales.

Un western rodado en Bolivia

Blackthorn, dirigida por Mateo Gil, es una producción española y boliviana, y narra la historia de los bandidos estadounidenses Butch Cassidy y Sundance Kid, quienes por huir de la justicia viajan hacia el sur del continente y terminan llegando a Bolivia.

El rodaje del filme se realizó en el país entre abril y mayo de 2009. Tiene escenas que rescatan paisajes de Uyuni, Tupiza y la ciudad de Potosí.

La cinta fue protagonizada por el actor estadounidense Sam Shepard, quien interpretó el papel de Butch Cassidy, personaje que en el tiempo de su permanencia en el país se puso el apellido de “Black-thorn”.

También participaron en el filme el actor español Eduardo Noriega, la peruana Magalie Solier, protagonista del filme La teta asustada. Entre el elenco de los actores bolivianos estuvieron Claudia Coronel, Luis Bredow y Cristian Mercado.

Elton John inaugura hoy el Festival de Tribeca

El artista Elton John inaugurará hoy por la noche el Festival de Cine de Tribeca en Nueva York, donde se estrenará la película Blackthorn, que se filmó en Bolivia.

Además, el cantante acompañará el estreno del documental The Union del cineasta Cameron Crowe. El título de este filme tiene el mismo nombre de su álbum trabajado con Leon Russell.

“Es una oportunidad especial poder inaugurar el Tribeca de una manera única: no sólo invitando a la comunidad a ver el estreno mundial del filme de Cameron Crowe sino por el hecho de tener actuando a Elton, cuya música transciende generaciones. Es un regalo extraordinario”, expresó Jane Rosenthal, cofundadora del festival.

El festival contará con cintas de 32 países y con 99 directores que presentarán su obra. Para 54 de ellos será su debut como realizadores. Entre las producciones, competirán tres filmes latinos.

En la categoría a la mejor película compiten la mexicana Paraísos Artificiales, dirigida por Yulene Olaizola, y además la cinta Blackthorn de Mateo Gil y coproducida por España, Francia, Bolivia y Estados Unidos.

El festival fue creado para reactivar la zona de Tribeca, que fue afectada por los atentados del 11 de septiembre de 2001.

martes, 19 de abril de 2011

Jesucristo Superstar, en la Cinemateca

El repositorio nacional presenta en funciones de tanda (19.15) el musical de Norman Jewison que recrea libremente la vida de Jesús.

La cinta, realizada en pleno apogeo del hippismo (1973) y basada en una pieza de Broadway, cuestiona bastante la tradicional representación.

lunes, 18 de abril de 2011

Thor, pronto estreno

La deidad vikinga, obligada a vivir por sus padres entre los mortales, es uno de los estrenos más esperados del año. La cinta está dirigida por el británico Kenneth Branagh y protagonizada por Chris Hemsworth. Anthony Hopkins y Natalie Portman también son parte del elenco.

Una amenaza se cierne sobre los extraterrestres

Tres extraterrestres ya fueron asesinados, y van por el cuarto. La próxima víctima conoce su destino y deberá enfrentarse a hechos inesperados para salvarse en "Soy el número 4".

La historia. John Smith (Alex Pettyfer) es un adolescente extraterrestre que oculta su verdadera identidad tras la apariencia de un estudiante de secundaria común y corriente para despistar a sus despiadados enemigos que quieren destruirlo. Cambiando constantemente de identidad, mudándose de una ciudad a otra bajo la supervisión de su guardián Henri (Timothy Olyphant).

John es siempre “el chico nuevo” del lugar, sin vínculos con el pasado. Pero ahora la pequeña Ohio se ha convertido en su hogar, y John deberá enfrentarse a nuevos hechos inesperados que le cambiarán la vida: su primer amor (Dianna Agron), el descubrimiento de poderosas y nuevas habilidades, y una conexión especial con aquellos que comparten su increíble destino.

La historia. Producida por Steven Spielberg y Michael Bay, la película “Yo soy el número cuatro”, se basa en una novela del mismo nombre y que fue un éxito de ventas del New York Times.

Es la película de efectos especiales de mayor envergadura que realizó hasta el momento el director D.J. Caruso quien señaló que la experiencia de Bay en Transformers y Armageddon fue invalorable. “Michael me ayudó con el aspecto físico que debe haber en el set cuando estás trabajando con un personaje animado por computadora”, dijo Caruso.

A su vez, el productor Michael Bay admira a Caruso. “D.J. posee una habilidad increíble para conectarse con la realidad de las vidas de sus jóvenes personajes. No es sencillo lograr que un adolescente extraterrestre con superpoderes parezca real, que se convierta en un auténtico héroe con quienes los espectadores se pueden sentir identificados”.

Se oculta en la apariencia de un joven

Para despistar a los enemigos que quieren destruirlo

Sanjinés vuelve a filmar después de siete años

Varias escenas de la nueva película “Bolivia Insurgente” fueron filmadas en la llajta, que fue el escenario en el que diferentes movimientos sociales afectaron y cambiaron el curso de la historia del país.

El más reconocido director de cine boliviano, Jorge Sanjinés, vuelve a producir una película después de siete años y en esta nueva cinta intenta revalorizar a los héroes indígenas escondidos por la historia oficial.

¡OH! pudo ver de cerca su trabajo en Cochabamba y conversó con él durante la filmación en la que fue casa de campo de Simón I. Patiño en Pairumani. Aunque Sanjinés aclaró que no da entrevistas mientras trabaja, accedió a conversar con nosotros, por breves minutos, para explicar parte de su trabajo y pudimos ver a algunos de sus actores, vestuario, escenarios y arte…

Este director de cine nacido en La Paz Bolivia, es sin duda el más importante del país, no sólo por la cantidad de premios con los que ha sido reconocido internacionalmente su trabajo fílmico, sino por la identidad profundamente boliviana de sus cintas.

Todas sus películas han sido premiadas y a lo largo de su carrera fue reconocido cuatro veces por Cuba; tres por España; dos veces por Francia, Italia y Bolivia; y una vez por Suiza, Alemania, Estados Unidos, Portugal, República Checa e incluso Japón.

Si bien empezó a hacer cine en la década del 60 y dio a luz a siete largometrajes, al principio de su carrera, el tiempo que separaba a una película de la próxima fue muy breve, tres años entre Ukamau (1966) y Yawar Mallku (1969); sólo dos entre la última y El Coraje del Pueblo (1971); otros tres años entre ésta y El Enemigo Principal (1974).

Sin embargo, fue después de la entrega de esta última, la época en la que más tardó en concluir una nueva película, La Banderas del Amanecer (1989), probablemente por los turbulentos años que sacudieron la estructura política y social del país durante estas dos décadas, llenas de golpes de estado, retornos a la democracia, perseguidos políticos y exiliados, que lo afectaron de forma personal, llegando a sacarlo del país por casi una década.

Solamente entre estas dos películas (El enemigo Principal y Banderas del Amanecer) hubo un lapso tan largo pues durante 15 años no produjo ninguna nueva película. Sin embargo, el retorno de Sanjinés a la pantalla grande fue triunfal; el mismo año en que se estrenó Banderas del Amanecer también se presentó la que para muchos es la obra cumbre del director boliviano: La

Nación Clandestina. Seis años después entregó la película Para Recibir el Canto de los Pájaros, el año 1995. Nueve años más tarde, Los Hijos del Último Jardín, el 2004.

Han pasado siete años y desde Cochabamba vuelve a trabajar en el que tal vez sea su proyecto más ambicioso hasta ahora… reflejar la historia escondida de esta nación clandestina.

Filmando una fiesta antigua

Retorna el más grande a producir cine hecho en Bolivia

En una fría mañana en la casa de campo en la que Simón I. Patiño nunca vivió, con los colores de varios vestidos del siglo XVIII corriendo detrás suyo, bombines, botas, carruajes, caballos y toda la utilería necesaria como para iniciar la filmación, Jorge Sanjinés habla con ¡OH! sobre su nuevo proyecto.


¡OH!: Una nueva película… ¿después de cuánto tiempo?

Hemos estrenado la última película en enero del 2004. Son siete años.

¡OH!: ¿Por qué ha descansado tanto tiempo?

Porque entre película y película generalmente han pasado tres, cuatro o cinco años. Algunas películas son así. Toma un tiempo imaginar otra película, otro tema, emocionarse, no es un proceso tan fácil.

¡OH!: ¿Cómo es la nueva película que viene?

Es una película de carácter histórico, que se llama Bolivia Insurgente y es un intento de devolverle a la sociedad boliviana una memoria de su historia que le fue o mal contada o negada u ocultada. Personajes de los cuales la sociedad boliviana no tiene idea de que existieron y que son personajes extraordinarios como Eduardo Nina Quispe, por ejemplo, que es el pionero de la educación indigenal, antes que Elizardo Pérez… un hombre que regó de escuelas el altiplano entre 1923 y 1930. Entonces contamos la historia de personajes como él.

¡OH!: ¿En esta película también se puede ver la concepción andina de colectividad?

Como no.

¡OH!: ¿El personaje principal es la colectividad?

Si, de alguna manera, porque la película está interpretada por una cantidad enorme de personajes, no hay un personaje protagonista.

¡OH!: ¿Quiénes más, qué otros héroes estarán presentes en su película?

Está Santos Marca Tuna, el apoderado de las comunidades indígenas que luchaba por hacer reconocer los títulos originales que los reyes de España daban a las comunidades, propiedades certificadas por esos títulos en un intento de recuperar esos territorios.

¡OH!: ¿Qué más tendrá la película?

Están presentes hitos de la historia de Bolivia como el cerco a La Paz en 1781 o la Guerra del Chaco o la Revolución de Abril.

¡OH!: ¿Qué hitos filmó en Cochabamba?

Hemos filmado una fiesta de época de fines del siglo XIX, la Guerra del Agua. Creo que principalmente hemos filmado esas dos cosas.

¡OH!: ¿Cómo definiría a un artista? ¿Cómo debería ser un artista?

El arte es un constituyente de la sociedad. La sociedad se constituye a sí misma, afirma su identidad a través del arte y no de otro medio, entonces la responsabilidad de un artista es inmensa. El artista es el que bucea en la esencialidad de la vida y de las cosas.

Hoja de Vida

Según el libro “El Cine de Jorge Sanjinés”, él nació en la ciudad de La Paz y estudió filosofía y letras en la Universidad Mayor de San Andrés. Antes de dedicarse al cine, escribió una novela, cuentos y poesía. También publica artículos en varios periódicos.
Entre 1958 y 1960 estudia cinematografía en la Universidad Católica de Chile y en esa misma época realiza los cortometrajes “La Guitarra” y “Sueños y Realidades”.


En 1961 funda la Escuela Fílmica Boliviana junto a Óscar Soria y un par de años después realiza el cortometraje “Revolución”, que gana el premio “Joris Iyenes” en el I Festival Latinoamericano de Viña del Mar. También filma “Un Día, Paulino”.


En 1964 es nombrado Director del Instituto Cinematográfico Boliviano y en mitad de su gestión realiza el medio metraje “Aysa”.


En 1966 su película “Ukamau” obtiene el premio “Grandes Jóvenes Directores” en el festival de Cannes en Francia.
En 1967 funda la productora Ukamau junto a Antonio Eguino y Oscar Soria.


Fue exiliado y así como sus películas fueron expuestas en escenarios internacionales, como la cinemateca francesa, también se preocupó por hacer recorridos por áreas rurales del país para mostrar a los bolivianos su producción.

Análisis

Jorge Sanjinés y la narrativa indígena Rodrigo Delgado



Sanjinés es un referente del cine boliviano que representa la esencialidad y el retorno a nuestra identidad desde una visión colectiva, comunitaria, de ayni, de saber quiénes somos. Al mismo tiempo es un artista que refleja los conflictos identitarios y sociales causados por la imposición de una visión hegemónica y exógena de percibir la realidad, no acorde al ritmo mismo de la vida desde una andina perspectiva holística. Por consecuencia Sanjinés es la lucha por la recuperación y revalorización de una cosmovisión ancestral, de saberes y haceres endógenos resguardados todavía en las montañas, en las brisas telúricas, en los ancianos y en las comunidades, envueltas en prácticas ancestrales, en el chacha-warmi, en la relacionalidad y complementariedad de todas las energías y entes que viven y conviven en un equilibrio armónico cósmico, natural y social.


Este director de cine, el principal de la filmografía boliviana, es un referente que refleja una lucha de reconocimiento identitario proyectando armonías y conflictos, con tal sensibilidad y agudeza, como lo hace el verdadero artista (aquel que cumple con la labor social), construyendo un lenguaje coherente con dicha cosmovisión, en este caso un lenguaje cinematográfico, equilibrando y contrastando la belleza estética y una técnica innovadora con el contenido revolucionario y revalorizador, confluyendo así en un cine con identidad nacional… para los bolivianos.


Jorge Sanjinés junto al grupo Ukamau, ofrecen películas con un contenido profundamente boliviano acompañado de una añoranza por recuperar nuestras raíces, la cual se legitima al tener un carácter investigativo acerca de las prácticas y percepciones de vida de nuestras comunidades, de las tierras de las que emergemos como individuos, recordándonos en nuestra esencia y en cada célula de nuestro cuerpo el sentido comunitario y colectivo de la existencia.


Para ello, plasma todo esto en un lenguaje cinematográfico propio (señalando sus rasgos y tópicos distintivos), coherente y orgánico con esa cosmovisión del mundo indígena originario en un proceso de decantación del lenguaje, como afirma el propio Sanjinés, llegando a ciertos conceptos que luego se transformaron en la marca distintiva de su cine, como el “distanciamiento reflexivo” en vez del “suspense”, dejando de lado la intriga característica del cine occidental para dar paso a un análisis más profundo de la historia, propio de la narrativa indígena.


Otro concepto desarrollado por Sanjinés es el del protagonista colectivo en vez del típico protagonista individual, ya que en la concepción indígena la comunidad y relacionalidad es la entidad primaria, por ejemplo, en la Nación Clandestina el personaje principal es la comunidad campesina y Sebastián es el simbolismo de la necesidad de inclusión a lo colectivo volviendo a los brazos de la Pachamama al morir bailando, en una visión cíclica de la vida. Esto está ligado también al manejo de los planos usados por Sanjinés, donde desarrolla el concepto del plano secuencia integral para rescatar el carácter de simultaneidad y multidimensionalidad de sucesos que confluyen en una visión compleja y cíclica de la realidad, donde incluso el paisaje tiene una connotación singular. El cine convencional occidental se estructura con base en el concepto del primer plano marcando la percepción de individualidad y linealidad temporal.


Otro aspecto trascendental en el lenguaje cinematográfico que desarrolla, es la participación de actores no profesionales, ofreciéndonos un acercamiento legítimo de la cotidianidad y convivencia de los personajes y sus actitudes, alejándose intencionalmente del “Star System” exitoso de Hollywood. De este modo, “el arte es fiel reflejo de la sociedad, donde esta constituye y afirma su identidad y el artista es el que bucea en la esencialidad de la vida y de las cosas”, como menciona Sanjinés.


Debemos sentirnos enormemente agradecidos con Jorge Sanjinés y sumamente orgullosos de tenerlo como representante del cine boliviano y promotor de la construcción de una escuela de cine nacional basada en la recuperación y reconstrucción de nuestra identidad en el marco de un nuevo paradigma de armonía de vida.


Estaremos esperando atentos sus próximas obras, como “Bolivia Insurgente” que está en proceso de rodaje. ¡Jallalla Jorge Sanjinés!

Filmografía

UKAMAU (Así es)


Año: 1966


Detalles: Fue filmada en la Isla del Sol en el lago Titicaca a casi 4.000 metros de altura.


Sinopsis: Una hermosa campesina aymara es violada y a-sesinada por un mestizo mientras el esposo está ausente. Antes de morir la joven alcanza a pronunciar el nombre del asesino. Pasará un año de paciente espera y vigilancia para llegar al día de la venganza en un solitario paraje de la altiplanicie andina.
Premios:


o Grandes Jóvenes Directores
XX Festival Internacional del Filme
Cannes Francia 1967
o Primer Premio ex aequo
I Festival Latinoamericano de cine de Mérida
Venezuela 1968

YAWAR MALLCU (Sangre de Cóndor)


Año: 1969


Detalles: Inspirada en hechos verídicos
Sinopsis: Ignacio Mallku, jefe de la comunidad campesina, descubre que las mujeres jóvenes de su pueblo están siendo esterilizadas sin su consentimiento por un grupo de extranjeros. Ignacio moviliza a su gente y hacen justicia por sus propias manos. Ignacio muere tras la represión policial y su hermano obrero, Sixto, vuelve a vestir su ropa campesina para defender a su pueblo.


Premios:
o Timone D Oro
30 Mostra internacional d'Arte Cinematografica de Venezia
Italia 1969
o Gran Premio Espiga de Oro
XV Semana Internacional de Cine de Valladolid
España - Abril 1970
o Premio Georges Sadoul
Mejor Filme Extranjero
París 1969
o 1° Premio Festival Internacional de Cine
Filme Festival San Francisco
EEUU 1971

EL CORAJE DEL PUEBLO


Año: 1971


Detalles: Filmada en los campamentos mineros de Siglo XX
Sinopsis: Relata la masacre de San Juan, que tenía por objetivo impedir el apoyo obrero a la guerrilla que en esos días ocurría en la selva boliviana y que comandaba el Che Guevara.
Premios:


o Mejor Filme
Settima Mostra Internazionale di Pesaro
Italia 1971
o Premio OCIC
XXII Festival Internacional de Cine de Berlín
Alemania 1972
o Kantuta de Plata de 1979
Mejor Filme Boliviano

EL ENEMIGO PRINCIPAL


Año: 1974


Detalles: Filmada en el Perú.
Sinopsis: Un grupo de guerrilleros peruanos llega a una comunidad indígena de la sierra peruana para reclutar voluntarios y apresan, juzgan y fusilan a un hacendado y a su capataz, pero pocos indígenas se suman a su movimiento.
Premios:
o Gran Premio “Niña de Banalmadena”
VII Semana de Cine de Autor
España Noviembre de 1975
o Gran Premio
Festival Internacional de Cine Figueira da Foz
Portugal 1975
o Primer premio Globo de Cristal
XIX Festival Internacional de Cine Karlovi - Vari
Checoslovaquia 1974
o Mejor película
Tokio Japón 1989

LAS BANDERAS DEL AMANECER


Año: 1989



Detalles: Fue filmada después de siete años de exilio
Sinopsis: Recoge los testimonios de los protagonistas populares y políticos que se opusieron al golpe de Estado de Natush Bush.


Premios:
o Gran Premio Coral. Sección documental
V Festival del Nuevo Cine Latinoamericano
Habana Cuba 1983

LA NACIÓN CLANDESTINA


Año: 1988 - 1989


Detalles: Obra cumbre del grupo Ukamau


Sinopsis: Sebastián Mamani regresa a su comunidad de origen de la que fue expulsado años atrás. Carga a la espalda la enorme mascara de la muerte para danzar hasta morir en una suerte de expiación de los pecados
Premios:


o Gran Premio “Concha de Oro”
37 Festival Internacional de Cine
San Sebastián España - 1989
o Premio Especial del Jurado
XI Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano
La Habana Cuba - 1989
o Premio Glauber Rocha
Concedido por la Organización de Corresponsales Extranjeros
Cuba 1989

PARA RECIBIR EL CANTO DE LOS PÁJAROS


Año: 1995


Detalles: En ella actuó Geraldine Chaplin (hija de Charles Chaplin)
Sinopsis: Un grupo de cineastas llega a una comunidad indígena para filmar una película sobre los conquistadores españoles del siglo XVI y reproducen los defectos y prejuicios que querían criticar en su película.


Premios:
o Primer Premio Diakonia (Ocic)
Mejor Filme Boliviano
La Paz - 1995
o Premio del Jurado de la Juventud
En le 48 Jurado de la Juventud
Locarno Suiza - 1995

LOS HIJOS DEL ÚLTIMO JARDÍN


Año: 2004


Detalles: Filmada tras el enfrentamiento de policías y militares en febrero del 2003.


Sinopsis: Cuenta la historia de cinco jóvenes amigos que comparten una dura experiencia en los turbulentos días de Febrero Negro. Asqueados por la corrupción que campea en el país y apabullados por la falta de oportunidades, deciden ha-cer un poco de justicia social por mano propia, restituyéndole al pueblo una parte del dinero dolosamente acumulado por un político corrupto. Así, cuatro de ellos planifican y realizan el asalto a la casa del oscuro parlamentario, pero algo sale mal y se ven obligados a huir de La Paz.

"RIO" Y "SCREAM 4"

La taquilla en EE.UU. se prepara para una lucha encarnizada por el número uno entre la cinta de animación "Rio" y la cuarta entrega de la popular saga del terror "Scream", cuyas recaudaciones rondarían los 40 millones de dólares, según estimaciones del portal Boxoffice.com.

La familiar "Rio", de Carlos Saldanha ("Ice Age"), narra las aventuras de Blu, un guacamayo azul que llega a Río de Janeiro para conocer a Jewel, la última hembra de su especie con la que recorre los enclaves turísticos de la "Cidade Maravilhosa".

Actores como Anne Hathaway, Jesse Eisenberg, Jamie Foxx o George López prestan sus voces a los personajes protagonistas del filme en su versión original.

Por su parte el maestro del terror Wes Craven vuelve a la carga con "Scream 4", la saga que revitalizó su carrera a finales del siglo XX y con la que pretende ahora "romper esquemas" para evitar la muerte del género, según explicó en una entrevista con Efe.

viernes, 15 de abril de 2011

“Blackthorn” debuta el 23 en Nueva York

La última película sobre Butch Cassidy se estrenará mundialmente en el país del legendario pistolero. “Blackthorn”, la cinta de Mateo Gil que protagonizan
Sam Shepard, Eduardo Noriega, Stephen Rea y Magaly Solier, se proyectará por primera vez el sábado 23 de abril en el SVA Theater de Nueva York.
No se trata de una decisión caprichosa. La película fue seleccionada para participar en el área de concurso del Tribeca Film Festival que se realizará en Nueva York entre el 20 de abril al 1 de mayo.
El de Tribeca es un festival que fue fundado en 2001 por el actor Robert de Niro, la productora Jane Rosenthal y su esposo Craig Hatkoff para ayudar a la revitalización del bajo Manhattan luego de los ataques terroristas del 11 de septiembre así que el de este año cumple su décimo aniversario.
La décima edición del Tribeca arrancará incluye 93 largometrajes de ficción y abrirá el miércoles con el documental de Cameron Crowne "The Union", que sigue la grabación del disco más reciente de Elton John y Leon Russell, y cuya presentación será seguida de una interpretación de John.
“Blackthorn” compite en la categoría World Narrative Competition (concurso de narrativa mundial) frente a películas como “Angels Crest”, “Paraísos artificiales”, “Mariposas negras”, “Cairo exit” y otras de diferentes países del mundo.
“Blackthorn” fue filmada mayoritariamente en Potosí y es presentada como producción española, francesa, boliviana y estadounidense. Uno de los responsables de la producción en nuestro país, el cineasta Paolo Agazzi, señaló que, luego del festival, se fijará la fecha del estreno en España y Bolivia pero se prevé que será a fines de mayo.

Almodóvar, Malick y Von Trier, rivales en Cannes

El cineasta español Pedro Almodóvar competirá por la Palma de Oro en la 64 edición del Festival de Cannes, entre el 11 y el 22 de mayo próximo, junto a nombres como Lars von Trier, Nanni Moretti, Terrence Malick o Paolo Sorrentino, anunciaron ayer los organizadores.

El filme del director español, "La piel que habito", es uno de los 19 en competición este año, explicó el director del Festival, Thierry Frémaux, quien reconoció que la inclusión de la película de Almodóvar se hizo "in extremis".

El realizador español vio finalmente incluido su filme junto con los de otra selección de directores, veteranos y jóvenes cineastas que presentan incluso en algún caso su primera cinta.

Almodóvar vuelve al festival acompañado de otros cineastas consagrados, algunos de ellos "habituales" de Cannes, como Lars von Trier, Nanni Moretti y Aki Kaurismäki, que presentarán, también en competición, sus últimos filmes.

El danés Von Trier presentará "Melancholia", Moretti llevará a Cannes su película "Habemus papam" y Kaurismäki estrenará en el festival su filme "Le Havre", rodado en Francia.

Los organizadores del Festival de Cannes anunciaron además que Penélope Cruz, una de las actrices "fetiche" del director español Pedro Almodóvar, también estará este año en La Croisettte, pues "Pirates of the caribbean: on stranger tides" se exhibirá aunque lo hará fuera de competición.

Este año, el Festival de Cannes se abrirá con el filme de Woody Allen, "Midnight in Paris", aunque esta película tampoco compite.
Además de los ya mencionados, estarán en competición los hermanos belgas Jean-Pierre y Luc Dardenne, con "Le gamin au vélo", Terrence Malick, con "The tree of life" y Julia Leigh, con "Sleeping beauty".

Completan la lista los directors Bertrand Bonello ("L'apollonide-Souvenirs de la maison close"); Alain Cavalier ("Pater"); Joseph Cedar, con "Bir Zamanlar Anadolu'da"; Naomi Kawase ("Hanezu no tsuki") y Maïwenn, con su filme "Polisse".

Los demás filmes que estarán en competición son: "La source des femmes", de Radu Mihaileanu; "Ishimei", de Takashi Mike; "We need to talk about Kevin", de Lynne Ramsay; "Micael", realizada por Markus Schleinzer; "This must be the place", de Paolo Sorrentino y "Drive", dirigida por Nicolas Winding Refn.

Proyectan primer filme XXX en 3D

Los habitantes de Hong Kong se precipitaron ayer a los cines para el estreno de la primera película erótica en tres dimensiones (3D) producida por una compañía de producción de Hong Kong.

3D Sex and Zen: Extreme Ecstasy rodado en idioma cantonés, es un filme que costó 303 millones de dólares y fue producido por Stephen Shiu, presidente de One Dollar Production.

La película está basada en una obra de la literatura erótica china del siglo XVII, La carne como tapiz de oración.

Gracias al procedimiento en 3D, los espectadores, equipados con gafas especiales, tienen la impresión de que las actrices están a unos centímetros de ellos, indicó el productor.

En el filme figuran las actrices japonesas Yukkiko Suo y Saori Hara, así como varias taiwanesas.

Muchos espectadores, entre ellos bastantes mujeres, hacían fila el jueves para ser los primeros en ver el filme.

“Habitualmente no voy al cine, pero esta película no hay que perdérsela”, dijo Justin lai, frente a un cine del barrio céntrico de Causeway Bay.

“Quiero ver lo que produce el porno en 3D en una gran pantalla”, añadió.

La cinta es un remake de Sex and Zen (1991), hasta ahora el éxito más grande del cine hongkongués para adultos.

La película, que saldrá hoy en Taiwán, ha suscitado gran interés en varios países asiáticos, en Japón y en Corea del Sur, así como en Europa y en EEUU, según su productor.

Otras películas eróticas en 3D deben ser filmadas próximamente. El realizador italiano Tinto Brass, maestro del género, anunció la producción de una nueva versión de Calígula, su gran éxito de 1979. También se hará la parodia porno en 3D de Avatar.

Cannes 2011 llega cargado con directores de peso

La historia de Pedro Almodóvar sobre un cirujano plástico en busca de venganza y la película de época de Terrence Malick sobre tres hermanos protagonizada por Brad Pitt, se encuentran entre las 19 cintas que compiten este año por el máximo honor del Festival de Cannes.

La programación anunciada el jueves para la 64a. edición del prestigioso festival es excepcionalmente fuerte, con nuevas cintas muy esperadas de los más destacados directores del cine de autor.

Entre ellos se encuentran el danés Lars Von Trier, con su filme "Melancholia"; el turco Nuri Bilge Ceylan, con "Bir zamanlar anadolu"da"; y los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne de Bélgica, con "Le gamin au vélo". El director finlandés Aki Kaurismaki, con "Le Havre"; el italiano Nanni Moretti, con "Habemus Papam"; y el francés-rumano Radu Mihaileanu, con "La source des femmes", también se perfilaban como contrincantes de peso en la búsqueda de la codiciada Palma de Oro.

El director ejecutivo del festival Thierry Fremaux señaló durante una rueda de prensa que espera que este año sea "una edición muy fructífera y rica". Se presentaron 1.715 cintas, en comparación con los 1.665 del 2010 que tuvo menos convocatoria que otras ediciones.

El presidente del festival Gilles Jacob dijo que este año se busca explorar el futuro del cine en la era del i-Pod, el i-Pad y otros artefactos similares.

Se trata de "hacer preguntas sobre el futuro del cine -particularmente el futuro de las salas de cine- en estos momentos cuando la gente está consumiendo más y más imágenes en pantallas pequeñas, monitores de computadoras, laptops", le dijo el jueves Jacob a reporteros en la rueda de prensa realizada en un hotel parisino. Con las nuevas tecnologías, "tendremos una necesidad cada vez mayor de contenido".

Se ha rumoreado que la cinta de Malick "The Tree of Life" iba a estrenarse originalmente el año pasado en el festival, pero no estuvo lista a tiempo. El más reciente filme del aclamado director de "The Thin Red Line" ("La delgada línea roja") se presenta como una historia sobre la pérdida de la inocencia, y en ella también actúa Sean Penn. Malick se llevó el premio de mejor director en Cannes en 1979 por "Days of Heaven" ("Días de gloria").

Almodóvar retorna al festival con "La piel que habito", en la que Antonio Banderas interpreta el papel principal. El cineasta español se llevó el galardón de mejor director en 1999 con "Todo sobre mi madre" y el premio al mejor guión en el 2006 con "Volver".

La cinta de Jodie Foster "The Beaver" se proyectará fuera de competencia, al igual que la nueva película de la franquicia "Piratas del Caribe: On Stranger Tides" de Rob Marshall, en la que actúa Penélope Cruz.

La cinta que abrirá el festival, "Midnight in Paris", también será mostrada fuera de competencia. Ambientada en la Ciudad de la Luz, la más reciente producción de Woody Allen incluye una aparición de la primera dama francesa y ex súper modelo Carla Bruni-Sarkozy.

Se tiene mucha expectativa de que Bruni-Sarkozy y su esposo, el presidente francés Nicolas Sarkozy, acudan a la proyección de apertura del festival.

Robert De Niro encabeza el jurado de este año, mientras que otros integrantes del panel serán anunciados dentro de poco, señalaron los organizadores.

El director serbio Emir Kusterica fue designado para presidir el jurado de "Un Certain Regard", sección que incluye a cineastas menos conocidos en comparación con los de la competencia principal. "Restless" de Gus Van Sant fue elegida para abrir este apartado. Otras cintas destacadas son la del francés Robert Guediguian, "Les neiges du Kilimandjaro", y del surcoreano Hong Sangsoo, "The Day He Arrives". El año pasado, la cinta "Hahaha" de Hong se llevó el premio principal de "Un Certain Regard".

Michel Gondry, director francés de la exitosa "Eternal Sunshine of the Spotless Mind" (2004), encabezará el jurado de la competencia de cortos.

El festival de la Riviera francesa se realizará entre el 11 y el 22 de mayo.

El año pasado, el filme tailandés "Loong Boonmee raleuk chat" (El tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas) se alzó con la Palma de Oro, al tiempo que los ganadores del Oscar Juliette Binoche y Javier Bardem se llevaron los máximos galardones actorales.

jueves, 14 de abril de 2011

Whiterspoon calificó de 'asquerosa' escena de sexo con Pattinson

La actriz habló de su coestrella en la cinta "Water for Elephants", que en Estados Unidos se estrena el 22 de abril.

Aunque puede que Reese Whiterspoon vaya a molestar a millones de fans del actor de la saga "Crepúsculo", con sus palabras a la actiz parece no importarle demasiado.

Es por esto que dio lujo de detalles sobre la "asquerosa" grabación de una escena de sexo en la película.

Como narra The Huffington Post, Whiterspoon comentó a la revista In Touch: "Rob tenía posiblemente el más horrible y espantoso resfriado que ha tenido un actor con el que he tenido que hacer una escena de amor en toda mi vida".

"Literalmente, estuvo resoplando y moqueando cada minuto: y no era agradable. Estoy hablando de algo verde, infeccioso, asqueroso. ¡No estoy bromeando!, dijo la actriz que se volvió a casar hace tres semanas.

Los detalles de Robert Pattinson para Kristen

Robert Pattinson compró una joya de diamantes hecha en el siglo XIX a Kristen Stewart, ha publicado la revista OK!

La joya, que se trata de un anillo Vintage, aún no se ha dado a la actriz, y según una fuente, Rob estaría esperando el momento perfecto para obsequiárselo.

"Es una pieza muy femenina y muy antigua", dijo la fuente de la revista.

Pattinson habría gastado US$17.

miércoles, 13 de abril de 2011

Documental cochabambino se estrena en Buenos Aires

Un documental sobre la vida de los reclusos de la cárcel de San Antonio, dirigido por el cineasta cochabambino Álvaro Olmos (28), se presentó en el marco de la decimotercera versión del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (Bafici), el domingo pasado.

El documental de Olmos titulado “San Antonio” y “Wara Wara”, cinta del cine silente recién restaurada, son dos de las cuatro piezas bolivianas que se exhibirán en el Bafici 2011 que concluye el próximo 17 de abril. Entre las más de 400 películas a presentarse, se exhibirá también “Ríos de hombres”, documental boliviano-mexicano y “De la necesidad de navegar”, corto de co-producción entre Alemania, Bolivia y Argentina.

“San Antonio” se presentó en el marco de la sección fuera de competición denominada “Panorama-Lugares” y retrata la vida de tres reos: un narcotraficante que se disfraza de payaso para los niños de la cárcel; un pandillero acusado de doble homicidio quien vende droga, hace tatuajes y graba un disco de hip hop mientras espera su sentencia; y un ladrón que solo quiere salir para seguir delinquiendo.

A continuación, una charla con el director lograda por medio de Internet:

Los Tiempos (LT): ¿Cómo llegó a ser parte del Bafici?
Álvaro Olmos (AO): “San Antonio” es una película de co-producción boliviano- argentina y estar en el Bafici era un paso obligado para iniciar con buen pie la ronda de festivales. Yo vengo al festival desde 2009 y es uno de mis festivales favoritos así que estrenar la película aquí es un sueño cumplido.

LT: ¿Es su primera pieza? ¿Cuánto trabajo supuso?
AO: “San Antonio” es mi ópera prima. Es un documental de 80 minutos. Empecé con el proyecto el año 2007 y desde entonces he acumulado más de 100 horas de material filmado dentro y fuera de la cárcel de San Antonio y muchas otras horas filmadas en la Argentina, debido a que uno de los personajes es argentino.

LT: ¿Por qué eligió esa temática?
AO: En realidad la película comenzó por una casualidad, yo visité todas las cárceles de Cochabamba durante el 2007 con la finalidad de enriquecer un guión que estaba escribiendo y que incluía escenas dentro de una cárcel, entonces, para mejorar esa parte de la historia decidí visitar las cárceles y conocerlas de cerca. Me encontré con este mundo fascinante e inmediatamente me di cuenta que debía hacer un documental sobre aquello; pero no un documental común, sino uno que esté narrado desde la naturaleza de los personajes.


LT: ¿Cómo logró que le permitieran adentrarse en los secretos de la cárcel?
AO: Entrar en San Antonio fue difícil. En Cochabamba tuve muchas dificultades, cada nueva autoridad siempre obstaculizaba el desarrollo de la filmación; sin embargo, luego obtuvimos un permiso especial desde el Ministerio de Gobierno en La Paz y pudimos terminar el rodaje. El resto partió por iniciativa de los propios internos que son parte de la película, son básicamente ellos los que se describen a sí mismos, nosotros sólo filmábamos lo que ellos querían que sea filmado. Drogas, alcohol y otras cosas que se muestran en la película son el registro de acciones que ellos nos autorizaban, a partir de la confianza y amistad que fuimos forjando a lo largo de los cuatro años.

LT: 5. ¿Cómo reaccionó el público en el festival? ¿Cuál es la actitud frente a la oferta de Bolivia?
AO: La reacción del público fue inesperada, en el buen sentido. La primera persona del público que pidió la palabra para hablar después de la proyección se puso a llorar a tiempo de felicitarnos por la película. El público se emocionó mucho, sobre todo por la forma en que se van cerrando las historias. Me gustó que después de la proyección de la película nadie se moviera de su lugar, esperando participar del diálogo conmigo que se hizo largo e interesante.

LT: ¿Cuál es su línea de trabajo?
AO: Línea de trabajo no tengo, pero creo que trato de hacer lo que es necesario hacer en el cine si quieres producir películas de calidad. No pretendo hacer películas solamente para presentarlas en Bolivia y creer que soy un cineasta famoso, yo quiero hacer películas en Bolivia para el resto del mundo, con la calidad que eso implica y la dedicación necesaria. No importa si toma cuatro o cinco años, es la única forma. “San Antonio” es la prueba.

Olmos ganó su primer premio en 2003, con “Sin salida”, considerado el mejor corto nacional ese año. Tras más de 18 cortos, este año fue seleccionado para un evento nacional y dos eventos internacionales.

Loayza filma en Santa Cruz

El cineasta boliviano Marcos Loayza inicia mañana, en Santa Cruz, la filmación de su nueva película, Las bellas durmientes. El guión es de su autoría.
El director de Cuestión de fe, Escrito en el agua y El corazón de Jesús, trabaja aquí desde hace cinco días. Se ocupa de la preproducción, identificación de locaciones, definición de vestuario, logística y ensayos con los actores.
Un equipo de unas 25 personas, integrado por la productora Alma Films de Loayza, está ya reunido en la ciudad en el cumplimiento de sus respectivas tareas, con el fin de tener todo listo para cuando el cineasta dé la voz de mando... “luz, cámara, acción”.
Entrevistado por Escenas, Loayza describe Las bellas durmientes como una comedia en la que retratará la sociedad boliviana actual conflictiva y propondrá reflexionar acerca de ella. “La gente se queja de lo mal que estamos, pero no reflexiona por qué”, afirma.
Asimismo, admite que eligió Santa Cruz como el ámbito en que se desarrolla la película porque esta urbe alberga a gente de todo el país, pero además porque cree que en Santa Cruz están las soluciones para Bolivia.
Fred Núñez, Elías Serrano, Julio Kempff, Andrea Aliaga, Gisely Hernández, Carlos Rocabado y Luis Pomarino, de Santa Cruz así como Luigi Antezana, Daniel Larrazábal, Paola Salinas, Carolina Azim y Andrea Irahola, artistas de La Paz y Cochabamba, son los protagonistas.

La triste historia de una carabela destruida y una cruz hecha parqueo

La increíble y triste historia de la carabela perdida concluyó la semana pasada. Destruida, con el armazón hecho pedazos y sin sus partes de madera, así fue encontrada la réplica donada en 2009 a la Alcaldía de Cochabamba por los productores de También la lluvia, película en la que aparece la pieza, emulando la que usó Cristóbal Colón para llegar a América. El hallazgo fue oficialmente comunicado por el municipio. Los funcionarios ediles responsabilizaron a la gestión del ex alcalde Gonzalo Terceros por la pérdida de la embarcación que, hecha por técnicos españoles, costó, entre materiales y mano de obra, más de 20.000 dólares.

La directora jurídica del municipio, Cinthia Escóbar, indicó que “los restos” de la obra –apenas partes oxidadas y dobladas del armazón– se encontraron en la laguna de Coña Coña, a la intemperie y entre crecidos arbustos, cual si fueran deshechos. Para peor, otro material donado que aparece en el filme español rodado en Cochabamba, una cruz gigante de madera (de más de cuatro metros de altura), se halló en el suelo, como parqueo para motos en la Empresa Municipal de Áreas Verdes y Recreación Alternativa (Emavra).

Caravela perdida

Así las cosas, Escóbar y el oficial superior de Cultura, Fernando Claure, manifestaron que será imposible rearmar la carabela (14 metros de largo y 9 de alto–, tal como estableció un acta de entendimiento, firmada entre la comuna y los cineastas. En dicho documento, rubricado por Terceros y los productores (Morena Films por España y Londra Films por Bolivia), se disponía que, a cambio del regalo a la ciudad, el municipio tenía que “asumir la responsabilidad y resguardo de la réplica”. Asimismo, se acordó “destinar un espacio público para la exhibición de la carabela Santa María de Cristóbal Colón”, al igual que usar la pieza para la promoción del filme.

El “entendimiento” quedó en el papel. Preocupados por el destino de la carabela, hecha de madera dura y metal, entre otros materiales, el pasado 17 de marzo, los cineastas denunciaron la falta de la obra a este medio que, haciendo público el malestar, movilizó una investigación de la Alcaldía. De acuerdo a lo averiguado, la carabela, que el 4 de diciembre de 2009 se encontraba en el Parque Escuela, fue desarmada 20 días después por Emavra, siendo luego trasladada a Coña Coña, donde tenía que haber formado parte de la revitalización turística de la zona.

Iniciaron investigaciones

Según la abogada, al recibir la donación Terceros infringió el DS 181 (Normas Básicas del Sistema de Administración de Bienes y Servicios). Escóbar señaló que el material debió ser recibido por una comisión de recepción y no por el ex alcalde, y que lo donado debió ser inventariado y registrado en los activos fijos del municipio, procedimientos que se incumplieron. En tal sentido, la jurista aseveró que las anteriores autoridades –sin descartarse responsabilidades de las nuevas– incurrieron en los “delitos de incumplimiento de deberes y conducta antieconómica”. La actual gestión iniciará procesos contra los implicados. Escóbar no quiso precisar los nombres de quienes serán procesados, pues las investigaciones continúan.

Por su lado, Claure indicó que, en resarcimiento a los productores, su oficialía analiza iniciativas para apoyar la difusión de la película, la más grande realizada en Bolivia, con más de 3.000 actores y técnicos bolivianos involucrados en el cine y la cultura, ámbitos tan malqueridos por las autoridades públicas.

“No queremos demandar a nadie”
Pese a la pérdida de los materiales donados por Morena Films (España) y Londra Films (Bolivia) al municipio, además del incumplimiento del acuerdo firmado con sus autoridades, el representante de esta última productora, Gerardo Guerra, adelantó que los cineastas de También la lluvia no demandarán a la Alcaldía.

“No es nuestra intención –dijo–. El municipio nos ayudó a hacer la cinta. Lamentamos, sin embargo, esta pérdida para la ciudad, pues no se ha implementado el atractivo turístico y se ha deteriorado un material que tenía un valor económico, perdido por la negligencia de los anteriores funcionarios”.

Guerra recordó que, el día de la donación, la Alcaldía, representada entonces por Gonzalo Terceros (alcalde de Cercado) y otras autoridades, tenía “grandes planes” para la réplica, planes que impidieron la venta de la obra. “Pudimos vender la carabela, en principio estaba en remate y habían interesados. Por ejemplo, había una señora que quería comprarla y ponerla en la laguna de La Angostura”.

American Pie y una maldición que persigue a sus personajes

S i bien American Pie es considerada una de las sagas más taquilleras que se inició en 1999, ahora es considerada como una maldición que afectó a algunos de sus personajes.

Tal es el caso de Sean William Scot, quien interpreta a Stifler y que recientemente se internó voluntariamente en un centro de rehabilitación para solucionar sus problemas con el alcohol.

Otro que ya pasó por un proceso de desintoxicación por su adicción a las bebidas fue Chris Klein (Oz, en la película). El actor, ex novio de Katie Holmes (quien se casó con Tom Cruise), fue detenido en 2010 por conducir ebrio en Los Ángeles.

Alcohol, factor común

Quien también fue víctima del alcohol es la actriz Tara Reid (Vicky), todo desde que terminara su amistad con Paris Hilton. Reid es más conocida por sus sonadas borracheras y descuidos exhibicionistas que por sus trabajos cinematográficos.

Otros personajes que no tuvieron suerte en su carrera cinematográfica fueron Jason Biggs, quien encarnó el papel estelar de Jim. Rozó la gloria cuando fue escogido por Woody Allen para protagonizar la comedia romántica Anything Else, junto a Christina Ricci. Pero la película tuvo malas críticas y el trabajo de Biggs pasó inadvertido.

Quien sí obtuvo un buen papel, pero luego desapareció, fue Mena Suvari (Heather, la novia de Oz), quien hizo de la exótica Lolita en el filme Belleza Americana, que dejó embobado a Kevin Spacey mientras la miraba rodeada de pétalos de rosas.

A Shannon Elizabeth (Nadia, la ex novia de Jim) no le fue bien en el cine pero sí en el póker, donde juega de forma profesional. De hecho, acude a Las Vegas hasta tres veces cada mes para participar en torneos con los mejores jugadores de EEUU.

Quienes no han dado de qué hablar a los medios fueron los actores Eddie Kaye Thomas (Finch), Thomas Ian Nicholas (Kevin), Chris Owen (Sherman, o más conocido como Shserminator) y Alyson Hannigan (la inocente Michelle).

Eddie Kaye Thomas actuó en varias películas a lo largo de estos años, pero desde que salió American Wedding (American Pie: La Boda) en 2003, no ha alcanzado tanto éxito.

Thomas Ian Nicholas apareció en un episodio de las serie Grey’s Anatomy, donde hace el personaje de Jeremiah, un paciente del hospital.

Pocas excepciones

Quien tuvo otra oportunidad de aparecer en una de las sagas de la cinta fue Chris Owen, quien hizo de director en American Pie: The Camp Band. Después de esa aparición no se mencionó nada más de él.

A la actriz que encarnó a la dulce Michelle, Alyson Hannigan le fue “no tan mal”, como al resto de sus colegas. Luego de esa interpretación obtuvo más contratos para aparecer en otras películas como No es otra tonta película de amor, además de otros rubros como el teatro y la televisión, pero ningún otro estelar.

Todo esto surge a raíz de una nueva idea de sacar la cuarta parte de American Pie, que quiere reunir a los personajes, ya maduros, en una nueva aventura. Esta vez la historia tratará de juntar a los amigos en torno al hijo que esperan Jim y Michelle. El filme se empezaría a grabar en mayo de este año.